Ein multidisziplinärer Ansatz zu Geschichtsschreibung, Arbeit, Liebe und Fürsorge in der zeitgenössischen Kunstpraxis

Die Publikation dokumentiert und vertieft die von Sarnt Utamachote in Zusammenarbeit mit dem Kollektiv un.thai.tled kuratierte Gruppenausstellung „IN NOBODY’S SERVICE“, die im Rahmen des POLY-Programms in der Galerie Wedding – Space for Contemporary Art in Berlin im Jahr 2024 stattfand. Durch differenzierte Forschung und Kontextualisierung der Werke der teilnehmenden Künstlerinnen schafft das Buch einen kritischen Raum zur Archivierung der Ausstellung und des Veranstaltungsprogramms als Teil diasporischer künstlerischer Praxis in Berlin und darüber hinaus. Es thematisiert historische Verflechtungen, transnationale Migrationsgeschichten und die Beziehungen zwischen den Künstlerinnen und den sie umgebenden Gemeinschaften. Beauftragte Autor*innen (Lola Abrera, Estelle Araya, Sorayut Aiemueayut, Rosa Castillo und Philipp Lange) tragen Essays bei, die mit und über die individuellen künstlerischen Positionen nachdenken.

Migrationsgeschichten von Thailand und den Philippinen in den Westen wurden durch US-amerikanische Einflüsse und die Kolonialisierung der Region geprägt. Westdeutschlands Interesse am Tourismus und am Aufbau von Arbeitsmärkten – in der Sex-, Pflege- und Reproduktionsindustrie – führte zur Entstehung von Heiratsagenturen in Berlin, die Ehepartner zusammenbrachten, von Agenturen für billige Hausangestellte in Entwicklungsländern sowie von Bordellen und Massagesalons in Frankfurt am Main und Hamburg. Hier wurden Körper zu bloßen „Dienstleistern“ degradiert. Solche unterdrückenden Räume können in Orte der Fürsorge, des Trostes und des Wissens umgewandelt werden. Der Ausdruck „ที่นี่ไม่เปิดให้บริการ“ ist ein Wortspiel, das entweder „dieser Ort ist nicht für Dienstleistungen geöffnet“ oder wörtlich „für niemanden im Dienst“ bedeutet.

Die in dieser Publikation vorgestellten künstlerischen und wissenschaftlichen Forschungsprojekte lösen sich von den extrem gewalttätigen, klischeehaften Bildern, die oft auf die Körper thailändischer und philippinischer Frauen sowie queerer Menschen projiziert werden. IN NOBODY’S SERVICE ist eine Weigerung, innerhalb der Grenzen dieser Konstrukte zu agieren, und ein Versuch, die Komplexität und Fluidität des Seins zurückzugewinnen. Diese Publikation bringt das thailändische Kollektiv un.thai.tled mit philippinischen Künstler*innen der Diaspora zusammen und lässt so die mit der Gegenwart verflochtene Vergangenheit als Material für künstlerische Zusammenarbeit dienen. Notizen aus Gesprächen, Archivmaterial, Gedichte und Lieder auf Thai, Tagalog, Deutsch und Englisch ziehen sich durch das gesamte Buch. Mit einem kollektiven, interdisziplinären und forschungsbasierten Ansatz verbindet diese Publikation künstlerische mit dokumentarischen Praktiken, um einen Raum der Reflexion zu schaffen. Strategien der Selbstorganisation, die in künstlerischen, migrantischen und aktivistischen Räumen entwickelt wurden, dienen als Werkzeuge für Widerstand, Empowerment und kollektives Handeln.

„Durch die Schnittstelle von Klasse, Geschlecht, Sexualität und – wenn man so sagen darf – Träumen erkennt IN NOBODY’S SERVICE die von diesen Frauen und queeren Personen geschaffenen Realitäten jenseits der Sphären ihrer weißen Ehemänner oder sozialen Verhältnisse an – nun für uns zugänglich, nun im Dienst von niemandem.“ un.thai.tled

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A multidisciplinary approach to history writing, labor, love, and care in contemporary arts practice.

The publication documents and expands the IN NOBODY’S SERVICE group exhibition curated by Sarnt Utamachote in collaboration with un.thai.tled collective as part of the POLY program at Galerie Wedding–Space for Contemporary Art, in Berlin, 2024. By providing nuanced research and context to the works of the participating artists, the book creates a critical space to archive the exhibition and event program as part of diasporic artistic practice in Berlin and beyond. It addresses historical entanglements, transnational histories of migration and the relationships between the artists and communities surrounding them. Commissioned writers (Lola Abrera, Estelle Araya, Sorayut Aiemueayut, Rosa Castillo and Philipp Lange) contribute essays thinking with and about the individual artistic positions.

Migration histories from Thailand and Philippines to the West have been shaped by US-American influences and colonization in the region. West Germany’s interests in tourism and developing labor exchanges—of sex, care and the reproductive industry, gave birth to the marriage agencies in Berlin linking husband and wife together, cheap maid agencies across developing countries, the brothels and massage salons in Frankfurt am Main and Hamburg. Here, bodies have been rendered to mere “providers”. Such oppressive spaces can be subverted into places of care, comfort, and knowledge. The phrase ที่นี่ไม่เปิดให้บริการ is a play on language, meaning either “this place is not open for service, or, literally, “for nobody’s service.”

The artistic and scholarly research projects presented in this publication depart from the extremely violent, cliché images that are often projected onto Thai and Filipina women’s and queer bodies. IN NOBODY’S SERVICE is a refusal to perform within the bounds of these constructs and an attempt to reclaim complexity and fluidity of being. This publication brings the Thai collective un.thai.tled together with Filipino diasporic artists, and, in doing so, allows the past, entangled with the present, to serve as material for artistic collaboration. Notes from conversations, archival material, poetry and songs in Thai, Tagalog, German, and English resonate throughout this book. Following a collective, interdisciplinary, and research-based approach, this publication blends artistic with documentary practices to offer a space of reflection. Strategies of self-organization that have been developed in artistic, migrant, and activist spaces serve as tools for resistance, empowerment, and collective action. 

“Via the intersection of class, gender, sexuality, and—if we may say—dreams, IN NOBODY’S SERVICE recognizes the carved-out realities by these women and queer persons beyond the realms of their white husbands or social conditions—now available for us, now in nobody’s service.” un.thai.tled

Supported by the Senate Department for Culture and Social Cohesion, Funds for Presentations of Contemporary Fine Arts.

16 € 

Spring 2026

Language: English, with selected contents in German, Thai and Tagalog
Size: 200 x 130 mm
Pages: 180
Illustrations: Color
Format: Softcover
ISBN: 978-3-96436-093-9 

Editors: Sarnt Utamachote, Rosalia Namsai Engchuan, Malte Pieper

Texts: un.thai.tled, Sarnt Utamachote, Rosalia Namsai Engchuan, Malte Pieper, Rosa Cordillera A. Castillo, Philipp Lange, Mon Sisu Satrawaha, Estelle Araya, Lola Abrera, Sorayut Aiem-UeaYut, Raksa Seelapan, Analie Gepulani Neiteler

Designer: Lita Chala-adisai, Palapong Asvapathanagul

Artists: Sarnt Utamachote, Wisanu Phu-artdun, Natthapong Samakkaew, Jasmin Werner, Mon Sisu Satrawaha, Bussaraporn Thongchai, Krisanta Caguioa-Mönnich, Raksa Seelapan, Passion Asasu, Liad Hussein Kantorowicz, Analie Gepulani Neiteler, Anika Baluran Schäfer, un.thai.tled

Vielen Dank für Ihr Verständnis

Die Performerin Camila Paz Araya Fabio führt in ihrer eigens für die Ausstellung entwickelten Choreografie einen Dialog mit den biografisch aufgeladenen Skulpturen der Künstlerin Ahu Dural. Im Spannungsfeld von Serialität und Differenz bearbeitet Araya Fabio darin den Prozess der Adoleszenz zwischen Akkord und Identitätsfindung.

Musik von Iván Donalson, Dauer 20 Minuten 

Der Treff ist offen für alle, die Spaß an Textil und Handwerk haben – egal ob du strickst, häkelst, nähst oder einfach neugierig bist. Wir möchten damit keine Einnahmen erzielen, sondern einfach einen gemeinsamen Raum zum Basteln und Kennenlernen schaffen.

Das nächste Treffen findet am 29. März um 15:00 Uhr statt, danach ungefähr monatlich.

Interesse? Meld dich einfach per Mail bei uns – wir freuen uns auf dich!

Teilnehmer*innenzahl begrenzt. Anmeldung unter: queerknit65@gmx.de

DJ-Set von Rayne / Yağmur

Galerie Wedding präsentiert im Frühjahr 2026 die Einzelausstellung »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« von Ahu Dural. Die Ausstellung nimmt eine Wohnung zum Ausgangspunkt einer künstlerischen Auseinandersetzung mit Familiengeschichte, Migration, Arbeit, weiblicher Solidarität und Aneignung. Montage erscheint hier nicht nur als manuelle Tätigkeit migrantischer Frauen, die in Produktionsstätten der Berliner Elektroindustrie im Akkord arbeiten, sondern auch als ästhetisches Verfahren und Prinzip: Die Skulpturen Durals bestehen aus Grundformen – häufig aus Holz oder industriellen Aluminiumleisten –, die mit Fotografien, Textilien oder Alltagsobjekten zusammengefügt und kombiniert werden. Montage wird zur Methode der Aneignung und zur Form des Denkens. Persönliche Erinnerung, fotografisches Detail und architektonische Referenz überlagern sich. Auch Farbe wird zu einem wichtigen Träger von Erinnerung und zum verbindenden Element zwischen Erzählung, Bild und Objekt. »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« ist eine Ausstellung über das Ankommen und das Arbeiten, über migrantische Lebenswelten, über industrielle Rhythmen und häusliche Lebensformen, über Erinnerung als fragmentarischen, montierten Prozess. 

Adama ist Sängerin und Produzentin des Trios; noch im Gründungsjahr erschien ihre erste EP, auf der auch Valerie und Tara zu hören sind. Valerie studiert Viola an der Hochschule für Musik Franz Liszt in Weimar und arbeitete bereits mit internationalen Künstler*innen wie Aron Ottignon, Pamela Badjogo und Martin Kohlstedt zusammen. Auch Tara studiert dort und spielte u.a. mit Alibeta, Natalie Greffel und Juliane Gamboa; 2024 veröffentlichte sie ihre erste eigene Jazzplatte.

13.03.2026, 19:00 Uhr

Eintritt frei

Ahu Dural übersetzt in ihrer Lecture Performance Erinnerungen unterschiedlicher Intensität anekdotisch in neue räumliche Konstellationen und Narrative. Somit präsentiert sie bruchstückhafte Erlebnisse von Zeitzeuginnen eines Weddings der 1970er Jahre bis heute. Dabei destilliert sie Kurzinterviews und interpretiert Aussagen von Anwohnerinnen aus verschiedenen Generationen neu. Ehemalige »Weddingerinnen« (im Wedding sozialisierte oder im Wedding arbeitende Interviewpartnerinnen) erzeugen den Strang dieser Spiegelung und werden ergänzt durch ein persönliches Bildarchiv.

Die Performance beinhaltet einen kleinen Spaziergang von ca. 20 Minuten zur Malplaquetstraße.

Dein neuer Kreativsonntag in den Kommunalen Galerien Berlin-Mitte. Jeden ersten Sonntag im Monat heißt es fortan: zeitgenössische Kunst entdecken, ausprobieren und mitmachen!

Für Kinder & Jugendliche in Begleitung (9 – 12 Jahre)
Sprachen: Englisch und Türkisch
Ohne Anmeldung

Durchs Mikroskop öffnet sich eine unsichtbare Welt. Winzige Dinge werden zu gigantischen Landschaften, Formen und Wesen. Gemeinsam sammeln wir Spuren, legen sie unter die Linse, zeichnen, vergrößern, verwandeln. Mit Farben, Stoffen und Fantasie erschaffen wir fantastische Kreaturen, die den Raum bevölkern – einst verborgen, nun sichtbar, lebendig im Spiel zwischen Kunst, Wissenschaft und Imagination.

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Do you like the idea of seeing the world from a completely different perspective? Together, we’ll zoom in and discover an invisible world under the microscope. Tiny things suddenly look huge—like landscapes, shapes, or strange creatures. Together, we’ll search for traces, look at them under the lens, paint them, enlarge them, and come up with new ideas. With colors, materials, and lots of imagination, we create fantastic creatures that populate the room—once invisible, now alive between art, science, and imagination.

Eröffnung 26.02.2026, 18 Uhr
Von 27.02.2026 bis 10.05.2026
Kuratiert von Eylem Sengezer

Galerie Wedding präsentiert im Frühjahr 2026 die Einzelausstellung »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« von Ahu Dural. Die Ausstellung nimmt eine Wohnung zum Ausgangspunkt einer künstlerischen Auseinandersetzung mit Familiengeschichte, Migration, Arbeit, weiblicher Solidarität und Aneignung. Montage erscheint hier nicht nur als manuelle Tätigkeit migrantischer Frauen, die in Produktionsstätten der Berliner Elektroindustrie im Akkord arbeiten, sondern auch als ästhetisches Verfahren und Prinzip: Die Skulpturen Durals bestehen aus Grundformen – häufig aus Holz oder industriellen Aluminiumleisten –, die mit Fotografien, Textilien oder Alltagsobjekten zusammengefügt und kombiniert werden. Montage wird zur Methode der Aneignung und zur Form des Denkens. Persönliche Erinnerung, fotografisches Detail und architektonische Referenz überlagern sich. Auch Farbe wird zu einem wichtigen Träger von Erinnerung und zum verbindenden Element zwischen Erzählung, Bild und Objekt. »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« ist eine Ausstellung über das Ankommen und das Arbeiten, über migrantische Lebenswelten, über industrielle Rhythmen und häusliche Lebensformen, über Erinnerung als fragmentarischen, montierten Prozess. 

In spring 2026, Galerie Wedding will present »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« (Malplaquetstraße 33 – Youth of a Female Assembly Worker), a solo exhibition by Ahu Dural. Taking an apartment as a starting point, the exhibition explores family history, migration, work, female solidarity and appropriation artistically. Here, assembly is not only presented as a manual activity carried out by migrant women employed on a piecework basis in Berlin’s electrical industry production facilities, but also as an aesthetic process and principle: Dural’s sculptures consist of basic forms – often made of wood or aluminium strips – which are assembled and combined with photographs, textiles or everyday objects. Assembly becomes a method of appropriation and a form of thinking. Personal memories, photographic details and architectural references overlap. Color also becomes an important vehicle for memory and a connecting element between narrative, image and object. »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« is an exhibition about arrival and work, migrant life worlds, industrial rhythms and domestic ways of life, and memory as a fragmented, assembled process.

Raumgestaltung von Macla Valencia Carmona.

Das Programm wird laufend auf unserer Website, Social Media und den kommenden Newslettern angekündigt

Die APO-Enquete lädt zu einem Nachmittag mit Essen & Austausch ein. Die Veranstaltung markiert zugleich das Ende der Ausstellung „Emergent Archives“ und den Beginn eines Community-Raums in der Galerie Wedding. In gemütlicher Atmosphäre kommen Menschen verschiedener Generationen zusammen, um über eigene Geschichten, Solidarität und ein gerechteres Berlin für alle ins Gespräch zu kommen. Gerne ältere oder jüngere Nachbar*innen, Freund*innen und Familie mitbringen! Beiträge für das gemeinsame Buffet sind willkommen.

Wände, Nischen, Zäune – sie alle klingen, wenn man hinhört. Im Workshop lauschen wir den Räumen der Galerie und ihrer Umgebung, sammeln Rascheln, Echos, Klatschen, Flüstern. Gefundene Geräusche werden gezeichnet, geteilt, verstärkt und nachgeahmt. So entsteht ein kollektives Klangspiel, das Architektur, Körper und Fantasie verbindet. Mit einfachen Mitteln, selbstgebauten Instrumenten und Stimmen verwandeln wir Mauern in Resonanzkörper, erforschen Rhythmen und lassen verborgene Klänge sichtbar werden – ein hörendes Erkunden von Raum und Zeit.

Für Kinder & Jugendliche in Begleitung (8 – 16 Jahre)
Sprachen: Deutsch und Englisch
Ohne Anmeldung

Hinter diesem Buch steht eine langfristige Zusammenarbeit unseres Netzwerks von Frauen unterschiedlicher Herkunft, Generationen und Perspektiven. Was uns verbindet, ist der Einsatz für Empörung, Utopien und die Freude, miteinander zu lernen und zu wachsen. Jede von uns war Erzählerin, Autorin und Illustratorin: Eine Person erzählt eine wahre Begebenheit aus ihrem Leben, eine zweite schreibt sie in ihrer eigenen Form weiter – als Brief, Gedicht oder Erzählung – und eine dritte verwandelt sie in ein Bild. Aus diesem Spiel der „Dreiecksgeschichten“ entsteht dieses besondere Buch für Mädchen und junge Frauen. Wenn du fragst: „Wessen Geschichte ist das?“, antworten wir: „Meine, unsere – und jetzt auch deine.“ Auch du kannst deine eigene Geschichte schreiben und illustrieren. Wir laden euch ein, zu entdecken, wie aus einem einzelnen Erlebnis eine gemeinsame Geschichte entstehen kann. Wir haben 12 Exemplare dieses besonderen Buchs, das wir am Tag der Veranstaltung gerne an Mädchen und junge Frauen verschenken möchten.

Mädchen machen Druck Projekt ist Teil des Netzwerks Frauen Machen Druck. Dabei arbeiteten wir mit jungen Menschen, vor allem mit Migrantinnen, zusammen. Wir organisierten Workshops, hörten einander zu, teilten Erfahrungen und gaben das Gelernte weiter. Dieses Buch ist ein Teil davon: Es soll Mut machen, Hoffnung geben und Resilienz zeigen. Es ist ein Zeichen dafür, dass niemand allein ist, dass unsere Stimmen zählen und dass wir gemeinsam Antworten finden können.

Frauen machen Druck  ist eine offene Druckwerkstatt für Menschen, die sich als Frauen in Berlin identifizieren. Frauen beteiligen sich aktiv an der Co-Verwaltung und Co-Organisierung. Die Teilnehmerinnen kommen aus unterschiedlichen sprachlichen Hintergründen, sozialen Schichten und Altersgruppen und haben verschiedene nationale und migrantische Biografien. Es ist ein Netzwerk von mehr als 100 Frauen. Frauen machen Druck hatte bereits zwei Ausstellungen im Käthe-Kollwitz-Museum und bei Savvy Contemporary in Berlin. Ihre jüngste Ausstellung, Frauen porträtieren Frauen, wurde in Berlin, Oaxaca, Kairo und Gent gezeigt.

Get Together bei Punsch und Waffeln in der Galerie Wedding

Ein Raum zum Aufwärmen, Zuhören und das Teilen von Geschichten.

Bei dampfendem Punsch und selbstgebackenen Waffeln nähern wir uns gemeinsam Fragen rund um das Thema Erinnerungen.

In ungezwungener Atmosphäre stellen wir Fragen an die großen und kleinen Geschichten unserer Zeit, welche Erinnerungen diese formulieren und wo wir unsere eigenen Geschichten darin wiederfinden.

Kann der Duft von Puderzucker und Zimt uns dabei helfen eine Auszeit zu nehmen, um uns Fragen und Themen zu stellen, die im Alltag häufig untergehen oder verdrängt werden?

Stoffservietten mit Fragen werden zu Moderator*innen und gleichzeitig zum Archiv – Erinnerungen, Geschichten und Ideen dürfen in Form von Notizen und Skizzen auf ihnen festgehalten.

Die Veranstaltung wird von Trang Trần moderiert und findet in deutscher Lautsprache statt.

Beim nächsten – und vorerst letzten – Erzählabend des Emergent Archives sprechen wir mit Koray Yılmaz-Günay. In den 1990er-Jahren erlebte er als junger, migrantisierter schwuler Mann, wie sich die damalige Berliner Schwulen- und Lesbenbewegung zunehmend von migrantisierten, rassifizierten, armen, trans- und queeren Menschen entfremdete. Gemeinsam mit Verbündeten engagierte sich Koray in der Selbstorganisation marginalisierter schwul-lesbischer Communities und prägte über unterschiedliche politische Gruppen und zuletzt durch den Verein GLADT e.V. wesentlich den Berliner und auch deutschen Diskurs um die Begriffe „Queer“ und „of Color“ (mehr Infos hier).

Im Gespräch werden wir beleuchten, wie sich queere Bündnisse seit den 2000er-Jahren herausgebildet haben und welche zentrale Rolle die Entwicklung und Transformation politischer Begriffe in der Praxis schon immer gespielt hat.

Beim nächsten – und vorerst letzten – Erzählabend des Emergent Archives sprechen wir mit Koray Yılmaz-Günay. In den 1990er-Jahren erlebte er als junger, migrantisierter schwuler Mann, wie sich die damalige Berliner Schwulen- und Lesbenbewegung zunehmend von migrantisierten, rassifizierten, armen, trans- und queeren Menschen entfremdete. Gemeinsam mit Verbündeten engagierte sich Koray in der Selbstorganisation marginalisierter schwul-lesbischer Communities und prägte über unterschiedliche politische Gruppen und zuletzt durch den Verein GLADT e.V. wesentlich den Berliner und auch deutschen Diskurs um die Begriffe „Queer“ und „of Color“ (mehr Infos hier).

Im Gespräch werden wir beleuchten, wie sich queere Bündnisse seit den 2000er-Jahren herausgebildet haben und welche zentrale Rolle die Entwicklung und Transformation politischer Begriffe in der Praxis schon immer gespielt hat.

Im Anschluss ab 20:00 Uhr – Konzertabend mit Yousra

Yousra verbindet auf eindrucksvolle Weise poetische Texte mit Neo-Soul und von RnB inspirierten Klängen. Die gebürtige Berlinerin singt über das postmigrantische Aufwachsen in Neukölln, Freundschaften und ihre Verbindung zu Marokko — eine musikalische Reise zwischen Erinnerung, Sehnsucht und Zugehörigkeit.

Neben ihrer musikalischen Arbeit koordiniert Yousra Projekte beim WIB e.V.. Zudem gestaltet sie Workshops im Bereich der politischen Bildungsarbeit an Schulen.

Im Vorfeld ab 18:00 Uhr – Erzählabend mit Koray Yilmaz-Günay

Einen Nachmittag lang verwandelt Frauen Machen Druck den Community Space Emergent Archives in eine Druckwerkstatt.

Wir laden herzlich dazu ein, die wichtige Empowerment-Arbeit von Frauen Machen Druck kennenzulernen und die politische Dimension von Grafik und Druck gemeinsam zu entdecken.

Die Veranstaltung findet überwiegend in deutscher Lautsprache statt. Andere Sprachen sind herzlich willkommen.

Selbstbeschreibung Frauen Machen Druck:

Frauen Machen Druck ist eine offene und kostenlose Druck-Werkstatt für Menschen, die sich als Frauen verstehen. Die teilnehmenden Frauen sprechen verschiedene Sprachen, kommen aus unterschiedlichen sozialen Schichten und haben unterschiedliches Alter.

Wir sind ein Netzwerk von mehr als 100 Frauen, die meisten von uns sind Migrantinnen. Ins Leben gerufen und begleitet wird die Werkstatt seit 2021 von Künstlerin und Referentin für politische Bildung Yili Rojas. 

In der offenen Werkstatt arbeiten wir an der Schaffung einer eigenen Bildsprache und an gemeinsamen Projekten. Uns verbindet die Liebe zur Kunstform des Linolschnitts, aber wir verstehen uns auch als politischen Ort, welche Rassismus und Klassismus, sowie patriarchale Strukturen reflektiert und versucht sich gegenseitig zu empowern und zu unterstützen.

27.11, 17:00 – 19:30 Uhr

Die APO-Enquete ist eine Plattform für Auseinandersetzung und Veränderung. Hier kommen Menschen zusammen, um Lösungen zu entwickeln, neue Perspektiven einzubringen und eine Stadt zu gestalten, die wirklich allen gehört und nicht nur für Wenige gestaltet wird. Unter der Leitfrage „Wie wollen wir gemeinsam in Berlin leben?“ beschäftigen wir uns mit den drängenden Fragen unserer Zeit.

Auf dem Leopoldplatz entwickelt die APO Enquete Berlin an zwei Tagen eine Intervention im öffentlichen Raum, das „APO Enquete Pop-up“, die sich mit der Leitfrage nach dem gemeinsamen Leben in einer diversen Stadtgesellschaft beschäftigen soll und Passant*innen und Nutzer*innen des Platzes dazu einlädt, diese Frage mitzuverhandeln. Darüber hinaus wird die Vernetzung der APO Enquete mit Initiativen und Gruppen rund um die Nachbar*innenschaft angestrebt, um die Themen des Kiezes in den Vordergrund zu stellen.

Die Veranstaltung wird aus Geldern des Berliner Sicherheitsgipfels für die Maßnahme kulturelle Belebung des Leopoldplatzes finanziert.

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The APO Enquete is a platform for debate and change. It is a place where people come together to develop solutions, contribute new perspectives and shape a city that truly belongs to everyone, not just a select few. Under the guiding question ‘How do we want to live together in Berlin?’, we address the pressing issues of our time. Over two days at Leopoldplatz, the APO Enquete Berlin is developing an intervention in public space, the ‘APO Enquete Pop-up’, which will address the key question of living together in a diverse urban society and invite passers-by and users of the square to join in the discussion. In addition, the APO Enquete aims to network with neighbourhood initiatives and groups in order to bring the issues of the neighbourhood to the fore.

Für Kinder, Jugendliche und Familien (9 – 12 Jahre)
Sprachen: Englisch und Türkisch
Ohne Anmeldung

Durchs Mikroskop öffnet sich eine unsichtbare Welt. Winzige Dinge werden zu gigantischen Landschaften, Formen und Wesen. Gemeinsam sammeln wir Spuren, legen sie unter die Linse, zeichnen, vergrößern, verwandeln. Mit Farben, Stoffen und Fantasie erschaffen wir fantastische Kreaturen, die den Raum bevölkern – einst verborgen, nun sichtbar, lebendig im Spiel zwischen Kunst, Wissenschaft und Imagination.

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Do you like the idea of seeing the world from a completely different perspective? Together, we’ll zoom in and discover an invisible world under the microscope. Tiny things suddenly look huge—like landscapes, shapes, or strange creatures. Together, we’ll search for traces, look at them under the lens, paint them, enlarge them, and come up with new ideas. With colors, materials, and lots of imagination, we create fantastic creatures that populate the room—once invisible, now alive between art, science, and imagination.

14.11.2025 – 17:00 Uhr

Mit Lucian Loebner

Anmeldung erwünscht unter lucian.loebner@ba-mitte.berlin.de

Moderation: Iris Rajanayagam und Ohiniko Mawussé Toffa

Sprachen: Deutsch und Englisch

25.11.2025 – 18:00 Uhr

Inwieweit kann das Dokumentieren, Archivieren und Bereitstellen von marginalisiertem (Geschichts-)Wissen Räume eröffnen, in denen Neues gedacht werden kann und dekoloniale Optionen in der erinnerungspolitischen Landschaft Deutschlands und darüber hinaus konzeptualisiert und besprechbar werden können? Welche Formen können die Weitergabe und Dokumentation marginalisierten Wissens annehmen? Wie kann dieses Wissen dabei unterstützen, Ungleichheits- und Ungleichbehandlungssystemen zu begegnen, kolonial tradierte Erzählungen zu irritieren sowie alternative Denk- und Handlungsräume zu schaffen?

Mit diesen Fragen beschäftigt sich der Sammelband Transformative Archive. Die Publikation regt zum Nachdenken über Wissensproduktion und Wissenstransfer innerhalb marginalisierter Communities an und diskutiert Möglichkeiten, hegemonialen Narrativen und Geschichtsschreibungen durch sogenannte transformative Archive zu begegnen und sie zu beleuchten.

Mit Texten einer Vielzahl transdisziplinärer Autor*innen ermöglicht die Publikation eine vertiefte Auseinandersetzung mit der Thematik und leistet einen weiteren Beitrag zur Dissemination marginalisierten Wissens.

Mit Beiträgen von: Rajkamal Kahlon, Fatima El-Tayeb, Gayatri Gopinath, Imad Gebrael, Vasuki Shanmuganathan, Gnanushan Krishnapillai, dem RomaniPhen Archiv (Isidora Randjelović), Anguezomo Mba Bikoro, Monument Lab (Aubrey Penny und Nico Rodriguez Melo), Hannah Ishmael, Kathy-Ann Tan, Raju Rage, xart splitta (Jul Kolberg, Latifa Hahn und Taye Naizghi). Sowie von Ohiniko Mawussé Toffa und Iris Rajanayagam.

Als kostenlose PDF sowie in Print verfügbar im bpb-Shop.

https://www.bpb.de/shop/buecher/schriftenreihe/563360/transformative-archive/

Moderiert von Trang Thu Trần

Garip Bali migrierte Ende 1971 als Kind kurdisch-alevitischer (Gast-)Arbeiter nach Berlin. Garip ist seit Ende der 1970er Jahre in migrantischen Selbstorganisierungen aktiv und setzt sich mit Migration, Rassismus und Faschismus in der deutschen Gesellschaft und international auseinander und organisiert verschiedene Kampagnen, Veranstaltungen und Aktionen.  Ab Ende 1980‘er war er im Verein Ada (türkisch: »Insel«), der die Zeitschrift „Inisiyatif – gegen Faschismus und Rassismus“ auf Türkisch/Deutsch herausgab. Ab Anfang der 2000‘er Jahre war er im Verein Allmende – Haus alternativer Migrationspolitik und Plataforma der Migrant*innen und Geflüchteten aktiv. U.a. beteiligte er sich aktiv an der Kampagne „Integration? Nein Danke“ und Festivals gegen Rassismus. Mit dem Auffliegen der NSU 2011 hat er an der Gründung des „Bündnisses gegen Rassismus“ mitgewirkt. Und nach dem Massaker in Hanau 2020 war er aktives Mitglied des Netzwerkes „ABA“ (Aktionsbündnis Antirassismus). Bis heute ist er in verschiedenen Zusammenhängen vernetzt und schreibt auch für die Webseite „duvaryazisi.org“. Zuletzt hat er an der Organisierung des Festivals gegen Rassismus Mitte Juli 2025 durch das Kunst- und Kulturcafé Bavul teilgenommen.

Durchs Mikroskop öffnet sich eine unsichtbare Welt. Winzige Dinge werden zu gigantischen Landschaften, Formen und Wesen. Gemeinsam sammeln wir Spuren, legen sie unter die Linse, zeichnen, vergrößern, verwandeln. Mit Farben, Stoffen und Fantasie erschaffen wir fantastische Kreaturen, die den Raum bevölkern – einst verborgen, nun sichtbar, lebendig im Spiel zwischen Kunst, Wissenschaft und Imagination. (Sprachen: Deutsch, Englisch, Türkisch, 10-12 Jahre)

Ein Workshop für Kinder von 7–15 Jahren, der Bewegung und Wahrnehmung verbindet. Wie Wasser, das strömt, ruht, zurückkehrt, lassen wir Körper und Sinne wandern, lauschen dem Echo der Steine und schreiben mit Gesten, Spuren und Geschichten neue Zyklen in die Ruine. Ein Spiel von Fließen und Verweilen, von Erinnerung und Verwandlung. Am Ende wird eine große „Erinnerungskarte angefertigt. (Sprachen: Englisch, Türkisch und Deutsch; der Workshop wird in verschiedenen Galerien angeboten)

Vergängliche Blätter – Poster, Zettel, Verpackungen vergangener Ausstellungen – werden neu belebt. Im Workshop erwachen sie durch Schneiden, Falten, Schichten zu Büchern, die keine Bücher mehr sind, sondern Skulpturen aus Erinnerung und Verwandlung. Jede Spur des Alten fließt in neue Gestalten, jede Seite atmet eine andere Geschichte. So entsteht ein Raum des Spiels und der Möglichkeiten, in dem Bücher wachsen wie Organismen – frei, experimentell, offen für alle, die aus Resten neue Welten spinnen wollen. Der Upcycling-Workshop führt in die Kunst des Buchbindens ein. (Sprachen: Portugiesisch, Deutsch und Englisch Kinder ab 5 Jahre alt, Jugendliche und Erwachsene)

In den kommunalen Galerien Kunst Raum Mitte, Bärenzwinger und Galerie Wedding startet das brandneue Format Sunday Art Makers (SAM). Gemeinsam mit erfahrenen Kunstvermittler*innen und Kreativschaffenden können Kinder, Jugendliche und Erwachsene zeitgenössische Kunst auf neue, interaktive Weise entdecken, erleben und mitgestalten. Die Formate finden in Zusammenarbeit mit den kommunalen Galerien Berlin-Mitte und der MiK Jugendkunstschule statt. Die Galerie verwandelt sich dabei in einen Ort voller Möglichkeiten – ein Raum für Fantasie, Neugier und Impulse: Wer macht eine Ausstellung und was passiert hinter den Kulissen? Wer entscheidet, was Kunst ist und wo fängt sie überhaupt an? Woher kommen die Materialien in einer Ausstellung und wie kann man aus Alltagsdingen eigentlich selbst ein Kunstwerk machen?

Ob allein, mit Freunden oder der ganzen Familie – SAM ist für alle da, die ihren Sonntag erfinderisch und aktiv gestalten möchten. Statt klassischer Sonntagsruhe stehen bei uns fantasievolle Aktivitäten im Vordergrund: Malen, Gestalten, Schreiben, Modellieren, Erleben und Experimentieren. Teilnehmende können sich in verschiedenen künstlerischen Ausdrucksformen ausprobieren – unabhängig von Vorkenntnissen. SAM lädt dazu ein, die eigene Kreativität zu entdecken – in entspannter Atmosphäre und mit viel Raum für eigene Ideen.

Wir freuen uns auf euch – Let’s make some art! – und werdet zum SUNDAY ART MAKER!

TERMINE, DAUER UND HINWEISE

Jeden ersten Sonntag im Monat – Eintritt frei
Drop-In- / Drop-Out-Workshops à 3 Stunden: 14-17 Uhr
ohne Anmeldung
offen für Kinder, Jugendliche und Familien

Die Galerie Wedding lädt herzlich ein zum Booklaunch der Publikation »I Am Drawing to Resist Powerlessness« von Noor us Sabah Saeed ein. Diese Publikation basiert auf einer Zeichenperformance der Künstlerin, die am 6. August 2025 im Foyer des Rathaus Wedding stattgefunden hat.

Sie zeichnete die Räumlichkeiten des Rathaus Wedding und widmete sich hierdurch der Architektur und deren ideologischen Hintergründen. Kombiniert mit der choreographierten Präsenz des Publikums kreierte diese Kunstpraxis eine Intervention in die Institution des Rathauses im Spannungsfeld von Prozessen der Entfremdung und Emanzipation.

In ihren bisherigen Performances behandelte Saeed Themen wie Verlust, Ausschluss, sowie Macht- und Abhängigkeitsstrukturen. Dabei fungiert ihre Zeichenpraxis als widerspenstiger Akt, durch den sie sich Orte und Beziehungsweisen emanzipativ aneignet.

18.10.2025 13.00 – 17.00 Uhr

Einen Nachmittag lang verwandelt Frauen Machen Druck den Community Space Emergent Archives in eine Druckwerkstatt.

Wir laden herzlich dazu ein, die wichtige Empowerment-Arbeit von Frauen Machen Druck kennenzulernen und die politische Dimension von Grafik und Druck gemeinsam zu entdecken.

Die Veranstaltung findet überwiegend in deutscher Lautsprache statt. Andere Sprachen sind herzlich willkommen.

Selbstbeschreibung Frauen Machen Druck:

Frauen Machen Druck ist eine offene und kostenlose Druck-Werkstatt für Menschen, die sich als Frauen verstehen. Die teilnehmenden Frauen sprechen verschiedene Sprachen, kommen aus unterschiedlichen sozialen Schichten und haben unterschiedliches Alter.

Wir sind ein Netzwerk von mehr als 100 Frauen, die meisten von uns sind Migrantinnen. Ins Leben gerufen und begleitet wird die Werkstatt seit 2021 von Künstlerin und Referentin für politische Bildung Yili Rojas. 

In der offenen Werkstatt arbeiten wir an der Schaffung einer eigenen Bildsprache und an gemeinsamen Projekten. Uns verbindet die Liebe zur Kunstform des Linolschnitts, aber wir verstehen uns auch als politischen Ort, welche Rassismus und Klassismus, sowie patriarchale Strukturen reflektiert und versucht sich gegenseitig zu empowern und zu unterstützen.

Weitere Infos:

Weltweit – und auch in Berlin – entstehen neue politische Bewegungen: digital vernetzt, schnell mobilisiert. Häufig gehen sie von marginalisierten Personen aus – und stoßen unmittelbar auf repressive Reaktionen staatlicher Gewalt.

Beim kommenden Erzählabend des Emergent Archives fragen wir: Was lässt sich aus vordigitalen Protestformen und vergangener Organisierungsarbeit lernen?

Hamid Nowzari teilt seine Erfahrungen. Vom Widerstand im Iran und im politischen Exil, dem Spannungsfeld zwischen Aktivismus und Strukturarbeit – und diskutiert die Frage, wie politischer Nachwuchs eingebunden und gestärkt werden kann.

Die Veranstaltung findet in deutscher Lautsprache statt.

Kurzbio

Hamid Nowzari, geboren im Iran, seit 1980 in Berlin und seit 1991 leitet er den Verein iranischer Flüchtlinge in Berlin e.V. Sein Engagement umfasst die Bereiche Flucht,  Migration und Menschenrechte. Als aktives Mitglied verschiedener Dachverbände vertritt er nicht nur die Stimme iranischer und afghanischer Geflüchteter, sondern bemüht sich immer auch um die Solidarität und Inklusion der gesamten Berliner Migrationsgesellschaft.

Weitere Infos:

Altersgruppe: Kinder ab 6 Jahren

Vom 22.–24. Oktober lädt die Galerie Wedding zu einem kreativen Upcycling-Workshop mit Papier ein: Trashformers nimmt von Verpackungen bis zu alten Plakaten und Flyern in den Blick, der beim Ausstellungsmachen entsteht und verwandelt ihn in neue Bücher und Zines. Hier wird geschnitten, geklebt und eben „getrasht“ – inklusiv, kreativ und mit Blick auf das, was bleibt. Für Kinder und Jugendliche, die Lust haben, Kunst spielerisch, kreativ und ressourcenschonend zu entdecken.

Das Angebot findet in der Schiller-Bibliothek gegenüber von der Galerie Wedding, Müllerstraße 149, 13353 Berlin statt. Die Teilnahme ist auch an einzelnen Tagen möglich.

Trashfomers in der Galerie Wedding ist eine Kooperation mit den Kommunalen Galerien Berlin-Mitte, der Schiller-Bibliothek und der Kontext Schule.

Anmeldung gerne unter: arteducation@ba-mitte.berlin.de

Workshop mit Daniela Herig und Dina Boswank.

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TRASHFORMERS – Turn Trash into Art

Autumn Holiday Program: October 22–24, daily from 10 am–3 pm

Age group: Children aged 6 and up

From October 22 to 24, Galerie Wedding invites you to a creative upcycling workshop with paper: Trashformers takes a look at everything from packaging to old posters and flyers that are created during the exhibition process and transforms them into new books and zines. Here, participants cut, glue, and “trash” – inclusively, creatively, and with an eye on what remains. For children and young people who want to discover art in a playful, creative, and resource-saving way.

The event will take place at the Schiller Library opposite Galerie Wedding, Müllerstraße 149, 13353 Berlin. Participation is also possible on individual days.

Trashfomers at Galerie Wedding is a cooperation of Kommunale Galerien Berlin-Mitte, Schiller Library, and Kontext Schule.

Registration: arteducation@ba-mitte.berlin.de

Workshop with Daniela Herig und Dina Boswank.

Fr, 12.09.2025, 2 – 3 pm

Wir laden herzlich zur Eröffnung des Community Space »Emergent Archive« ein. Den Auftakt bildet das Screening des Dokumentarfilms »Zusammen haben wir eine Chance / Without Community There Is No Liberation« (86 Min., Deutsch mit engl. UT). Der Film dokumentiert aus der Perspektive rassismusbetroffener Menschen antirassistische Bewegungen seit der Wende, verwebt persönliche Erfahrungen mit Archivmaterial und eröffnet eine Gegennarration zu hegemonialen Darstellungen.

Im Anschluss sprechen wir mit Nadiye Ünsal vom Filmkollektiv und der Filmprotagonistin Sanchita Basu.

Was bringt Menschen in Bewegung? Was bringt sie einander näher? Und wie dokumentieren wir die politische Arbeit jener, auf deren Schultern wir stehen?

Der Community Space »Emergent Archives« ist ein wachsendes Archiv für (post-)migrantisches und antirassistisches Engagement. Gesammelt werden Geschichten von Menschen, die sich organisiert haben – in Bündnissen, Initiativen, community übergreifend. Ihre Erfahrungen erzählen von Verantwortung, Widersprüchen, Verbundenheit und dem Ringen um eine gerechte Stadt.

Fünf Monate lang produziert der Community Space »Geschichte von unten«. Das Archiv entsteht entlang von einem Filmscreening, Erzählabenden und künstlerischen Workshops. Die beitragenden Gäste bringen ihre eigenen zeithistorischen Dokumente oder Objekte mit und füllen so nach und nach den Archivraum. Zusätzlich können alle zum Archiv beitragen, in dem sie an den künstlerischen Workshops teilnehmen oder eigene Spuren im Archiv hinterlassen.

»Emergent Archives« versteht sich sowohl als Prozess als auch Plattform für weitere Vernetzung. Die unterschiedlichen Formate sollen Anlässe für Verbindung, gemeinsames Zuhören und kollektives Empowerment bieten.

Ein Programm mit APO-Enquete Berlin, Garip Bali, Bino Byansi Byakuleka, Hamid Nowzari, Frauen Machen Druck, Ohiniko Mawussé Toffa, Koray Yılmaz-Günay, Iris Rajanayagam u.a.

Räumliche Gestaltung von Arwa Al-Damerji

A community space initiated by Trang Tran
Duration 12.09.-01.02.2025
Programlaunch 13.09.2025, 7 pm with Activistar Film Collective

What sets people in motion? What brings them closer together? And how do we document the political work of those on whose shoulders we stand?

The community space »Emergent Archives« is a growing archive of (post-)migrant and anti-racist engagement. It collects stories of people who have organized—through alliances, initiatives, and across communities. Their experiences speak of responsibility, contradictions, solidarity, and the struggle for a just city.

Over five months, the community space will produce »history from below.« The archive will evolve through film screenings, storytelling evenings, and artistic workshops. Contributing guests will bring their own historical documents or objects, gradually filling the archive space. Everyone is also invited to contribute by participating in the workshops or leaving behind their own traces in the archive.

»Emergent Archives« sees itself both as a process and as a platform for further networking. Its various formats aim to create opportunities for connection, collective listening, and empowerment.

A programme with APO-Enquete Berlin, Garip Bali, Bino Byansi Byakuleka, Hamid Nowzari, Frauen Machen Druck, Ohiniko Mawussé Toffa, Koray Yılmaz-Günay, Iris Rajanayagam among others.

Spatial design by Arwa Al-Damerji

Im Rahmen der Berlin Art Week

Die Ausstellung »Cemetery of the Nameless« (dt. Friedhof der Namenlosen) der Künstlerin Pınar Öğrenci verknüpft ökologische, historische und soziale Aspekte rund um den See Van im Osten der Türkei miteinander und schafft so ein eindringliches Porträt einer Gegend, die von tiefgreifendem Verlust geprägt ist.

Der Titel der Ausstellung leitet sich von Friedhöfen in der Region Van ab, auf denen viele Geflüchtete, Kurd*innen anonym begraben sind, und auf deren Grabsteinen anstelle ihrer Namen forensische Registriernummern stehen. Friedhöfe dieser Art sind auch auch in anderen Städten der Türkei zu finden. Im Rahmen einer 2021 begonnenen künstlerischen Recherche kehrt Öğrenci in ihre Heimatstadt zurück und fördert Geschichten über das Verschwinden von Wasser und Menschen zutage.

Der Klimawandel hat den Wasserspiegel des Vansees dramatisch sinken lassen und dabei außergewöhnliche Strukturen, die bis dahin in den Tiefen des Sees verborgen waren, freigelegt: Mikrobialite, bizarr gestaltete Gesteinsschichten, die Korallen und Stalagmiten ähneln. Diese Mineralablagerungen sind das Werk einer tausende Jahre anhaltenden Anreicherung von Kalzium, Karbonat, Phosphat und Magnesium – ebenjene Elemente, aus denen menschliche Knochen bestehen – und nehmen in Öğrencis geisterhaften Allegorie eine zentrale Rolle ein.

Die Ausstellung suggeriert eine verstörende Parallele zwischen dem Verlust von Wasser und dem Verlust von Menschenleben: der See dient als Massengrab, und diese gespenstischen Formationen könnten durchaus Denkmäler für all die unzähligen Opfer sein, die in der Region ohne Begräbnis ums Leben gekommen sind – Armenier und Armenierinnen, die während des Völkermords von 1915 und 1916 umgebracht wurden, kurdische Dorfbewohner*innen, die an der türkischen Grenze zu Iran erschossen wurden, Geflüchtete aus Afghanistan, die sich im nahegelegenen Gebirge verirrt hatten.

Mittels dieser ineinander verwobenen Erzählungen der Vertreibung, Verfolgung und Flucht hinterfragt die Ausstellung die Verflechtung von Umweltkatastrophen mit menschlichem Leid. Der See Van ist hier nicht nur ein Gewässer, sondern ein Archiv traumatischer Erlebnisse – ein Aufbewahrungsort, wo sich die Geschichten der Lebenden und Toten, der Menschen und Nicht-Menschen, aufeinander ablagern und Schichten eines kollektiven Gedächtnisses bilden.

Öğrencis Einsatz von Drohnentechnologie zur Erfassung dieser Enthüllungen verleiht der Komplexität eine weitere Dimension. Dasselbe Überwachungssgerät, das heutzutage die Kriegsführung mit KI-gestützter Präzision revolutioniert, wird nun eingesetzt, um genau diese Landschaft der Gewalt an der türkisch-iranischen Grenze zu dokumentieren.

Seit ihrer Erfindung im 19. Jahrhundert wurden sowohl die Fotografie als auch die Kinematografie für militärische Zwecke genutzt, aber die heutigen Satelliten- und Drohnenbilder machen die Dokumentation von Klimazerstörung und Vertreibung auf beängstigende Weise effizient.

Indem sie mit dieser Technologie Zeugnis ablegt statt etwas ins Visier nimmt, unterläuft Öğrenci das der Technologie innewohnende destruktive Potenzial und macht aus einem Werkzeug der Überwachung ein Instrument der Zeugenschaft und des Gedenkens.

»Cemetery of the Nameless«
An exhibition by Pınar Öğrenci

From 12.9.2025 until 1.2.2026
Opening 11.9.2025, 7 pm
Curated by Eylem Sengezer

As part of Berlin Art Week

The exhibition »Cemetery of the Nameless« by artist Pınar Öğrenci weaves together the ecological, historical, and social threads surrounding Lake Van in eastern Turkey, creating a haunting portrait of the region shaped by profound loss. The exhibition takes its name from cemeteries in the Van region where many refugees and Kurds are buried without their names but with forensic registry numbers on their tombstones. Cemeteries of this kind also exist in other cities in Turkey. Returning to her hometown as part of an ongoing artistic investigation which she initiated in 2021, Öğrenci excavates stories of disappearance—of both waters and people.

Climate change has dramatically lowered Lake Van’s water level, exposing extraordinary structures that lay hidden in the lake’s depths: microbialites, bizarre sedimentary formations resembling corals and stalagmites. These mineral deposits are the result of a millenia-lasting accumulation of calcium, carbonate, phosphate and magnesium—the very elements that human bones are made of—and take on a central role in Öğrenci’s haunting allegory.

The exhibition suggests an unsettling parallel between the loss of water and the loss of people’s lives: the lake serves as a mass grave, and these ghostly formations may well be monuments to the countless victims who perished in the region without burial—Armenians killed in the genocide of 1915-1916, Kurdish villagers shot at the Iranian borders, Afghan refugees who lost their way in the nearby mountains.

Through these interwoven narratives of displacement, persecution and flight, the exhibition questions the entanglement of environmental catastrophe and human suffering. Lake Van emerges not merely as a water body, but as an archive of traumatic events—a repository where the stories of the living and the dead, the human and non-human, sediment together in layers of collective memory.

Öğrenci’s use of drone technology to capture these revelations adds another dimension of complexity. The same surveillance apparatus that now revolutionises warfare through AI-enhanced precision is used to document this very landscape of violence at Turkey’s border with Iran. Since their invention in the 19th century, both photography and cinematography have been used for military purposes, but today’s satellite and drone imagery render the documentation of climate destruction and displacement chillingly efficient. By making use of this technology in order to bear witness rather than to target, Öğrenci subverts its destructive potential, transforming these tools of surveillance into instruments of testimony and remembrance.

Musikprogramm:
14 bis 16 Uhr: Ray de Berlin & Friends
16 bis 17 Uhr: Kaloan Meenochite

14 bis 17 Uhr: Workshop »This Bridge Called My Boca« von Rebeca Morreo in der Galerie Wedding

»This Bridge Called My Boca« ist ein Workshop, der Essen und Erinnerungen miteinander verknüpft. Die Teilnehmenden lernen, wie man ein einfaches venezolanisches Bollito aus Maismehl zubereitet, während wir gemeinsam über Herkunft, Essenserinnerungen und Ideen rund um Intuition, Absicht und friedlichen Widerstand in Essensräumen refelktieren. Der Workshop ist auch ein offener Dialog über Mais, seine Reise, seine Anpassungen und die Art und Weise, wie er Geschichte in die Gegenwart trägt.
Die Plätze für den Workshop sind begrenzt. Anmeldung an per Email an lina.kroeger@ba-mitte.berlin.de

Kuratiert von Lina Kröger

Die Veranstaltung wird aus Geldern des Berliner Sicherheitsgipfels finanziert.

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»Space for Us«

23.08.2025, 2 – 5 pm
FREE

Music program:
2-4 pm: Ray de Berlin & Friends
4-5 pm: Kaloan Meenochite

2-5 pm: Rebeca Morreo’s workshop »This Bridge Called My Boca« takes place inside Galerie Wedding.

»This Bridge Called My Boca« is a workshop that combines food and memories. Participants learn how to prepare a simple Venezuelan bollito made from corn flour, while we reflect together on origins, food memories, and ideas about intuition, intention, and peaceful resistance in dining spaces. The workshop is also an open dialogue about corn, its journey, its adaptations, and the way it carries history into the present.
Places for the workshop are limited. Registration by email to lina.kroeger@ba-mitte.berlin.de

Curated by Lina Kröger

The event is financed by funds from the Berlin Security Summit.

Zum Abschluss des Begleitprogramms Wege des Erinnerns laden wir herzlich zu einem Tages- und Abendprogramm ein, das sich der Frage des gemeinsamen Erinnerns widmet.

16:00–17:30 Uhr – Stadtrundgang mit Charlotte Ye Ming
Ort: Pekinger Platz (Samoastraße/Ecke Kiautschoustraße)
Charlotte Ye Ming führt durch das wenig bekannte Kapitel der deutschen Kolonialgeschichte in China – vom Aufstand der Yìhétuán (sog. Boxeraufstand) bis zu der vergessenen Geschichte chinesischer Arbeitskräfte in Samoa. Mit partizipativer Intervention.
Lautsprache: Englisch | Verdolmetschung: deutsche Lautsprache

18:00–19:30 Uhr – Erzählsalon: Gemeinsam erinnern
Ort: Galerie Wedding, Müllerstraße 146/47, 13353 Berlin
Katharina Oguntoye und Nataly Jung-Hwa Han sprechen über Verbindungslinien, Brüche und Kontinuitäten migrationspolitischer und antikolonialer Kämpfe von den 1980ern bis heute – als gemeinsames Porträt ihres Lebens und Engagements.
Moderation: Trang Thu Trần | Lautsprache: Deutsch

20:00–22:00 Uhr – Filmabend & Ausklang und Abendessen
Ort: Sinema Transtopia, Lindower Straße 20/22, 13347 Berlin
Wir zeigen Between the Waves (2024) von Charlotte Ye Ming, gefolgt von einem Gespräch mit der Künstlerin. Film und Gespräch knüpfen an den Stadtrundgang an und verbinden Perspektiven auf transnationales Erinnern, deutsche Kolonial- und Migrationsgeschichte.
Moderation: Sun-Ju Choi |Lautsprache: Englisch

Finissage »Paths of Remembrance«

Saturday, 16 August 2025

To conclude the Paths of Remembrance programme series, we cordially invite you to a day and evening programme dedicated to the question of shared remembrance.

4:00–5:30 p.m. – City tour with Charlotte Ye Ming
Location: Pekinger Platz (junction of Samoastraße/Kiautschoustraße)
Charlotte Ye Ming will guide us through lesser-known chapters of German colonial history in China, from the Yìhétuán Uprising (so-called Boxer Rebellion) to the forgotten stories of Chinese labourers in Samoa. Incl. a participatory intervention.
Spoken language: English | Translation: German spoken language

6:00–7:30 p.m. – Salon: Shared Remembrance:
Location: Galerie Wedding, Müllerstraße 146/47, 13353 Berlin
Katharina Oguntoye and Nataly Jung-Hwa Han in conversation about the connections, ruptures and continuities in migration policy and anti-colonial struggles from the 1980s to the present day, offering a shared portrait of their lives and civic engagement.
Moderation: Trang Thu Trân | Spoken language: German

8:00–10:00 p.m. – Film screening and dinner
Location: Sinema Transtopia, Lindower Straße 20/22, 13347 Berlin
We will show Between the Waves (2024) by Charlotte Ye Ming, followed by a discussion with the artist. The film and discussion tie in with the city tour, offering insights into transnational memory, German colonial- and migration history.
Moderation: Sun-Ju Choi | Spoken language: English

Fr, 15. August | 17–19 Uhr | in deutscher Lautsprache

mit Kinderbetreuung vor Ort

Welche Erzählungen tragen wir mit uns?
In einer von The String Archestra musikalisch begleiteten Lesung stellt Afrikawissenschaftlerin, Autorin und Podcaster*in Josephine Apraku »Opa Olánrewájús’ Garten« vor – eine Erzählung aus der Sammlung Ein ganz normaler Tag. Opa Olánrewájús’ Garten wird darin zu einem Ort des Lernens, an dem für Iledáyò durch das gemeinsame Umpflanzen Fürsorge, Veränderung und Selbstwert erfahrbar werden.

Geeignet für Kinder ab 6 Jahren, offen für alle Altersgruppen.
Im Anschluss sprechen Josephine Apraku und Emilia Paloma Happi, Theater- und Lehramtsstudentin aus Berlin, über Alltag, Zugehörigkeit und darüber, wie sich die Frage »Wie sieht ein ganz normaler Tag aus – und für wen?« aus unterschiedlichen Perspektiven beantworten lässt.

»Conversation Between Generations«

Children’s Book Reading with Josephine Apraku & The String Archestra

Fri, 15 August | 5–7 pm | in spoken German

with childcare provided on site

What stories do we carry with us?
In a reading accompanied by live music from The String Archestra, African Studies scholar, author, and podcaster Josephine Apraku presents »Grandpa Olánrewájú’s Garden« – a story from the collection An Ordinary Day. In the tale, Grandpa Olánrewájú’s garden becomes a place of learning, where Iledáyò experiences care, change, and self-worth through the shared act of replanting. Suitable for children aged 6 and up, open to all ages.
Following the reading, Josephine Apraku will be in conversation with Emilia Paloma Happi, a Berlin-based theatre and education student, about everyday life, belonging, and how the question »What does an ordinary day look like – and for whom?« can be answered from different perspectives

with journalist, literary activist, and National Geographic Explorer, Sylvia Arthur 

Co-curated by Fogha Mc Refem

Friday, 9 August | 6-9pm

What does it mean to survive in excess of expectation?

According to the United Nations, women in West Africa have the lowest female life expectancy in the world. Rather than asking, »Why do West African women die young?« Sylvia Arthur reframes the question: Under what conditions do they live, and keep on living, in the wake of colonial legacies, despite it all?

Sylvia Arthur’s National Geographic-supported project, »A Women’s Oral History of West Africa«, centres the voices of women aged 60 and above from Benin, Togo, Sierra Leone, and The Gambia – women who have lived through independence, military coups, social upheaval, and crisis. They are not the ones found in history books, but through their voices, they become herstory: custodians of culture, memory, and resistance.

Join us for a listening session and talk moderated by Fogha Mc Refem 

For more information on Sylvia Arthurs project, follow this link.

»Jenseits aller Erwartungen«

Mündlich überlieferte Erzählungen westafrikanischer Frauen

Mit der Journalistin, Literaturaktivistin und National Geographic Explorer Sylvia Arthur

Ko-kuratiert von Fogha Mc Refem 

Freitag, 8. August | 18–21 Uhr 

Auf englischer Lautsprache

Was heißt es, jenseits der Grenzen statistischer Lebenserwartungen zu existieren?

Anders als die UN und die WHO, die davon ausgehen, dass Frauen in Westafrika weltweit die niedrigste Lebenserwartung haben – richtet Sylvia Arthur ihre Aufmerksamkeit auf ihr umfangreiches Leben und Überleben im Angesicht kolonialer Hinterlassenschaften.

In ihrem von National Geographic unterstützten Projekt „A Women’s Oral History of West Africa“ rückt sie die Stimmen von Frauen über 60 Jahren aus Benin, Togo, Sierra Leone und Gambia in den Mittelpunkt – Frauen, die Unabhängigkeit, Militärputsche, gesellschaftliche Umbrüche und Krisen durchlebt haben. Sie fehlen in den Geschichtsbüchern, doch ihre Stimmen erzählen sich fort – in lebendigen Erinnerungen, kultureller Weitergabe und Widerstand.

Wir laden herzlich ein zur Listening-Session und zum anschließenden Gespräch mit Sylvia Arthur, moderiert von Fogha Mc Refem.

Weitere Informationen zu Sylvia Arthurs Projekt finden Sie hier.

*English version below

Workshop für Kinder ab sechs Jahren
mit Hirmiz Akman

Im Workshop entdecken wir Kunst in und außerhalb der Galerie Wedding. Teilnehmende erhalten ein eigenes Kartenset, das kreative Aktionen – in Gruppe und individuell – auf dem Rathausvorplatz anbietet. Der Einstieg ist jederzeit möglich.

Hirmiz Akman studierte Kunst/Kunstpädagogik und Kunstgeschichte an der Universität Osnabrück. Er arbeitet als freier Kunstvermittler in vielen Berliner Institutionen, wie der Galerie Wedding, KW und dem Georg-Kolbe-Museum.

Die Aktionskarten sind auf Deutsch, Türkisch und Arabisch erhältlich.
Konzept: Barbara Campaner
Grafik: Marie Friedrich

Zum Anmelden schicken Sie bitte eine Email an post@galeriewedding.de

Workshop for children (age 6 and above)
with Hirmiz Akman

SMART CARDS
In this workshop, we will be discovering art in and outside of Galerie Wedding. Participants will receive their own set of cards with suggestions for creative actions – either as a group or individually – to be carried out on the town hall square. You can join at any moment.

Hirmiz Akman studied fine art, art education as well as history of art at the University of Osnabrück. He worked as a freelance arts educator at various Berlin institutions such as Galerie Wedding, KW and Georg-Kolbe-Museum.

The action cards are available in German, Turkish and Arabic.
Concept: Barbara Campaner
Graphics: Marie Friedrich

To register please email post@galeriewedding.de

6.8.2025 von 16 – 19 Uhr

»I Am Drawing to Resist Powerlessness« von Noor us Sabah ist eine Zeichenperformance, die innerhalb des Foyers des Rathaus Wedding stattfindet. In ihren bisherigen Performances behandelt Noor us Sabah Saeed Themen wie Verlust, Ausschluss, sowie Macht- und Abhängigkeitsstrukturen. Dabei stellt Sabah Saeeds Zeichenpraxis ein widerspenstiger Akt dar, durch den sie sich Orte und Beziehungen emanzipativ aneignet.

Noor us Sabah zeichnet die Räumlichkeiten des Rathaus Wedding und widmet sich hierdurch der Architektur und deren ideologischen Hintergründen. Kombiniert mit den schriftlichen Aufzeichnungen von Sabah Saeeds Empfindungen und ihren Beobachtungen kreiert diese Kunstpraxis eine Form des Widerstands gegen Entfremdungsprozessen die auf materialistischer und psychologischer Ebene in den Institutionen wirken, von denen wir abhängig sind.

Das Rathaus Wedding stellte schon vor dessen Grundsteinlegung eine Besonderheit in der Berliner Verwaltung dar. Das Gebäude, im Gegensatz zu anderen Rathäusern in Berlin, wurde speziell in Folge des Groß-Berlin-Gesetzes von 1920 geplant und sollte dem damals neuen Bezirk Wedding ein eigenes Verwaltungsgebäude geben. Diese damit einhergehende neue, bürger*innennahe Ebene zwischen Senat und Zivilgesellschaft sollte in der Architektur aufgegriffen werden. Im Stil der neuen Sachlichkeit gebaut wurde auch in Abgrenzung zu den anderen Rathäusern auf einen repräsentativen Turm verzichtet. Seitdem ist das Rathaus Wedding Anlaufpunkt für Menschen aus Berlin mit unterschiedlichsten Anliegen.

Noor us Sabah Saeed aktualisiert in ihrer Kunstpraxis die Perspektive auf die Institution Rathaus und hinterfragt hierbei Anspruch und Wirklichkeit. Das Ziel ist es, das Rathaus Wedding durch den Akt des Zeichnens zu analysieren. Hierbei verfolgt sie ihrem aktuellen Forschungsinteresse der Institutional Analysis, insbesondere, wie Institutionen gesellschaftliche Neigungen erben, die ihrerseits ihre Funktionsweise prägen. Diese Neigungen und Vorurteile führen oft zur Entfremdung der Menschen, denen die Institutionen eigentlich dienen sollen. Mit ihren ortsspezifischen Zeichnungsperformances erforscht sie das Potenzial der Zeichnung in öffentlichen Räumen und Institutionen. Im Mittelpunkt der Arbeit stehen die Fragen: Wie kann die Zeichenpraxis als eine Form des Widerstands dienen? Wie kann man in diesen Institutionen wieder handelndes Subjekt werden?

Die Performance wird von Philipp Hennch als Teil des Projektes »Transversalities« kuratiert. Teil des Projektes ist eine Publikation die in Zusammenarbeit mit Erin Honeycutt (Cutt Press) im Herbst dieses Jahres veröffentlicht wird.

»I Am Drawing to Resist Powerlessness« by Noor us Sabah is a drawing performance that takes place in the foyer of Rathaus Wedding. In her previous performances, Noor us Sabah Saeed dealt with themes such as loss, exclusion, as well as power and dependency structures. Sabah’s drawing practice is an unruly act through which she emancipatively appropriates places and relationships.

Noor us Sabah draws the spaces of the Rathaus Wedding and thereby devotes herself to the architecture and its ideological background. Combined with the written records of Sabahs observations and sensations, this art practice creates a form of resistance against processes of alienation that operate on materialistic and psychological levels in institutions we depend on.

Even before its foundation stone was laid, Rathaus Wedding was a special feature of Berlin’s administration. The building, unlike other town halls in Berlin, was planned specifically as a result of the Greater Berlin Act of 1920 and was thus intended to give the then new district of Wedding its own administrative building. This new, citizen-oriented level between the Senate and civil society was to be reflected in the architecture. It was built in the New Objectivity style and, in contrast to the other town halls, a representative tower was dispensed with. Since then, Wedding Town Hall has been a focal point for people from Berlin with a wide variety of concerns.

In her art practice, Noor us Sabah updates the perspective on the institution of the town hall, questioning aspirations and reality. The aim is to analyze the Rathaus Wedding through the act of drawing. In doing so, she pursues her current research interest in institutional analysis, in particular how institutions inherit social biases that in turn shape the way they function. These biases and prejudices often lead to the alienation of the people the institutions are supposed to serve. With her site-specific drawing performances, she explores the potential of drawing in public spaces and institutions. The work focuses on the questions: How can drawing serve as a form of resistance? How can one become an active subject again in these institutions?

The performance is curated by Philipp Hennch as part of the project »Transversalities«. Part of the project is a publication that will be released in collaboration with Erin Honeycutt (Cutt Press) this fall.

Wie können alternative Geschichtsschreibungen entstehen?
Mnyaka Sururu Mboro und Fogha Mc Refem beleuchten, wie koloniale Vergangenheit und postkoloniale Gegenwart in ihren Lebensrealitäten fortwirken – sowohl hier als auch dort.
Ihre Perspektiven eröffnen Räume für eine vielstimmige Erinnerungskultur jenseits hegemonialer Narrative.

16:00 – 17:30 Uhr – Stadtrundgang mit Mnyaka Sururu Mboro
Treffpunkt: U-Bahnhof Afrikanische Straße, Ausgang Swakopmunder Straße (Café Mistral)
maps.app.goo.gl/AUYhjJJaumhdToh76 

18:00 – 19:30 Uhr – Gespräch in der Galerie Wedding
Mboro im Gespräch mit Fogha Mc Refem

Wie lässt sich Schwarze Geschichte dokumentieren – jenseits offizieller Archive?
Die Veranstaltung widmet sich Formen des Erinnerns, die in spontan entstehenden Momentaufnahmen, Erzählungen und Familiengeschichten sichtbar werden.

Zwischen 15 und 18 Uhr lädt der Fotograf Yero Adugna Eticha Schwarz positionierte Menschen ein, Teil eines lebendigen Archivs zu werden:
In einer offenen Fotosession entstehen Porträts gelebter Stadtgeschichte.

Ab 18 Uhr stellt Abenaa Adomako die Ausstellung Auf den Spuren der Familie Diek vor.
Ausgehend von ihrem Familienarchiv macht sie Schwarze Deutsche Geschichte inmitten globaler Verflechtungen sichtbar.
Sie erzählt von einer Beziehungsgeschichte, die sich zwischen Douala (1891), Hamburg, Danzig und Berlin erstreckt.

Das anschließende Gespräch wird von Jeff Kwasi Klein moderiert und simultan vom Deutschen ins Englische verdolmetscht.

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Archives of Chance

Saturday, 19 July 2025 | Galerie Wedding – Space for Contemporary Art

How can Black history be documented beyond official archives? 
This event explores forms of remembrance that emerge in spontaneous snapshots, oral histories, and family narratives.

Between 3:00 and 6:00 p.m., photographer Yero Adugna Eticha invites Black-identifying individuals to become part of a living archive: In an open photo session, portraits of lived urban history will be created.

Starting at 6:00 p.m., Abenaa Adomako will present the exhibition Tracing the Diek Family. Drawing from her family archive, she makes visible Black German history within global entanglements. She shares a relational history that unfolds between Douala (1891), Hamburg, Danzig, and Berlin.

The subsequent conversation will be moderated by Jeff Kwasi Klein and simultaneously interpreted from German into English.

In Lesungen, Gesprächen, Führungen, musikalischen Beiträgen und künstlerischen Interventionen setzen wir uns in den kommenden Wochen mit Fragen des Erinnerns, familiären Archiven und globalen Verflechtungen kolonialer Geschichte auseinander.

Freitag, 18. Juli 2025 | Galerie Wedding

Lesung mit Sharon Dodua Otoo, musikalisch begleitet von Daniele Daude und dem String Archestra

Diasporische Kunst ist untrennbar mit Erinnerung und Widerstand verbunden. Auf der Suche nach alternativen Ausdrucksformen verbindet sie persönliche Erfahrungen mit globalen Zusammenhängen und kollektiven Geschichten. So entsteht eine vielstimmige Praxis, die neue Perspektiven auf diasporische Lebensrealitäten eröffnet. 

Einlass: ab 17:00 Uhr
Beginn: 18:00 Uhr    

Ab 18:45 Uhr: Gespräch mit Sharon Dodua Otoo & Daniele Daude Moderation: Aidan Riebensahm
Ausgewählte Textpassagen, die auf Deutsch gelesen werden, können auf Englisch mitgelesen werden.

Das Abschlussgespräch wird simultan vom Deutschen ins Englische verdolmetscht.

Content Note: „Adas Raum“ enthält Passagen, in denen sexualisierte Gewalt und Kindstod thematisiert werden.

Ein Awareness-Team ist während der Veranstaltung vor Ort und ansprechbar.
Ein barrierefreies WC befindet sich im Erdgeschoss.
Weitere Toiletten sind über einen Aufzug im Rathaus erreichbar

EN – Übersetzung 

Diasporic Art – Memory and Resistance

We warmly invite you to the opening of the event series accompanying the exhibition Paths of Remembrance.

Over the coming weeks, readings, talks, guided tours, musical contributions, and artistic interventions will explore questions of remembrance, family archives, and the global entanglements of colonial history.

Friday, July 18, 2025 | Galerie Wedding

Reading by Sharon Dodua Otoo, musically accompanied by Daniele Daude and String Archestra

Diasporic art is inextricably linked to memory and resistance. In its search for alternative forms of expression, it weaves together personal experiences, global contexts, and collective histories. The result is a polyphonic practice that opens up new perspectives on diasporic lived realities.

Doors open: from 5:00 PM
Start: 6:00 PM
From 6:45 PM: Conversation with Sharon Dodua Otoo & Daniele Daude
Moderation: Aidan Riebensahm

Selected excerpts, read in German, will be available in English for simultaneous reading.

The final conversation will be interpreted live from German into English.

Content Note: Adas Raum includes passages that address sexualized violence and the death of a child.

An awareness team will be present and available throughout the event.

An accessible restroom is located on the ground floor.
Additional restrooms can be reached via elevator or stairs in the Rathaus building.

Künstler*innengespräch und Podiumsdiskussion mit Grace Matu und DeLovie Kwagala aka Papa De

Diese Podiumsdiskussion beschäftigt sich mit der Frage, wie Fotografie die gelebten Erfahrungen von Vertreibung, Migration und Behinderung beleuchten oder verschleiern kann. Auch wenn die begleitende Fotoausstellung »KaKaKaTi Nno Munange« diese Themen nicht direkt abbildet, wird die Podiumsdiskussion die Bilder als Sprungbrett nutzen, um umfassendere Fragen der Sichtbarkeit, der Repräsentation und der Ethik des Geschichtenerzählens zu diskutieren. In der Diskussion soll darüber nachgedacht werden, wie Fotografie dominante Erzählungen in Frage stellen und Raum für marginalisierte Stimmen schaffen kann.

Die Veranstaltung wird von DeLovie Kwagala alias Papa De als Teil einer Reihe von Gesprächen im Dialog mit deren Ausstellung »KaKaKaTi Nno Munange« in der Galerie Wedding kuratiert.

Sprache: Englisch, mit optionaler Flüsterübersetzung ins Deutsche

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Saturday, 12.07. at 5 pm 

Artist talk and Panel Discussion with Grace Matu and DeLovie Kwagala aka Papa De

This panel discussion explores how photography can illuminate or obscure the lived experiences of displacement, migration, and disability. While the accompanying photo exhibition »KaKaKaTi Nno Munange« may not directly depict these themes, the panel will use the images as a springboard to discuss broader questions of visibility, representation, and the ethics of storytelling. The conversation will strive to reflect on how photography can challenge dominant narratives and create space for marginalized voices. 

The event is curated by DeLovie Kwagala aka Papa De as part of a series of conversations in dialogue with their exhibition »KaKaKaTi Nno Munange« at Galerie Wedding. 

Language: English, with optional whisper translation to German 

DeLovie Kwagala, auch bekannt als Papa De, lädt in diesem Workshop dazu ein, (Selbst-)Porträts und Geschichtenerzählen durch Fotografie auszuprobieren. Gemeinsam mit dem*der Künstler*in lernen wir deren Beziehung zur Fotografie kennen, vom Selbstporträt bis zum Familienalbum. Wir beschäftigen uns mit den Fotografien, die in der Ausstellung KaKaKaTi Nno Munange zu sehen sind und erkunden eine spielerische und stärkende Beziehung zur Kamera. Dieser Fotoworkshop ist für alle Altersgruppen und Communities offen, wir heißen insbesondere queere und BIPOC (Schwarze, Indigene und Menschen of Color)-Teilnehmer*innen willkommen.

Mit Hilfe von Sofortbildkameras werden die Teilnehmer*innen ermutigt, zu experimentieren, greifbare Erinnerungen zu schaffen und ihre eigenen Geschichten und die ihrer Gemeinschaften zu erzählen. Die Sofortbildkamera (Polaroid oder Instax) ist ein nützliches und leicht zugängliches Werkzeug zum Experimentieren und Erstellen von Bildern, das sofort Ergebnisse liefert und zum spielerischen Umgang mit Bildern und Fotografie anregt.

Wir laden euch herzlich ein, für euch wichtige Gegenstände oder Requisiten mitzubringen, die während der Porträtsitzungen verwendet werden können. Ihr könnt gerne alleine teilnehmen oder auch als Gruppe kommen.

Der Workshop findet auf Englisch und Deutsch statt. Bitte meldet euch per E-Mail an post@galeriewedding.de an, da Platz und Material begrenzt sind.

Die Teilnehmer*innen können ihre eigenen Porträtfotos oder ein kleines selbst gestaltetes Zine mit nach Hause nehmen.

DeLovie Kwagala alias Papa De ist ein*e innovative*r, preisgekrönte*r, nicht-binäre, queere*r Fotograf*in und soziale*r Aktivist*in aus Kampala, Uganda. Papa De ist Autodidakt*in und lebt derzeit in Berlin, Deutschland. In deren* Arbeit erforscht dey Geschichten rund um Identität, Geschlecht, Zugehörigkeit und soziale Ungerechtigkeit. Dey hat mit dem TIME Magazine, Vogue, Dazed, The Guardian, The Washington Post, SAVVY Contemporary und vielen Publikationen und NGOs in Uganda und international zusammengearbeitet.

Im Text wird angelehnt an das Englische »they« im Deutschen »dey/deren/demm« als Pronomen für nicht-binäre Menschen verwendet.

Sunday, 29.06. from 3 to 5 pm 

Led by DeLovie Kwagala aka Papa De, this workshop invites you to explore (self-)portraiture and storytelling through photography. Together with the artist, we’ll learn about their relationship to photography, from self-portrait to family albums, and delve into the photographs on display in their exhibition KaKaKaTi Nno Munange exploring a playful and empowering relationship with the camera. This photography workshop is open to all ages and communities, and we particularly welcome queer and BIPOC participants. 

Using instant cameras, participants will be encouraged to experiment, to create tangible memories, sharing their own stories and those of their communities. The instant camera (the Polaroid or Instax) is a useful and accessible tool for experimenting with and creating images, delivering immediate results that encourage play and ease with image-making and photography.

We warmly invite you to bring along meaningful objects or props to be used during the portrait sessions. You are welcome to join by yourself or bring along your loved ones.

The workshop will be held in English and German. Please register by sending an email to post@galeriewedding.de as space and materials are limited. 

Participants will be able to take home their own portrait photos or a small self-made zine. 

DeLovie Kwagala aka Papa De is a trailblazing award winning non-binary queer photographer and social artivist from Kampala, Uganda. They are self taught and are currently based in Berlin, Germany. Their work explores narratives around identity, gender, belonging, and social injustices. They have worked with TIME Magazine, Vogue, Dazed, The Guardian, The Washington Post, SAVVY Contemporary and many publications and NGOs in Uganda and internationally.

21.06.2025 von 10 bis 12 Uhr

Panel #3 in der Galerie Wedding: »Erinnerungskultur im Afrikanischen Viertel«
Kiez Ausflug*: Gespräch & Ausstellungsbesuch
Ibou Diop (SEN/DE) im Gespräch mit Nicolas Premier (F) und Anna Yeboah (DE)

Panel #3 at Galerie Wedding: »Culture of remembrance in the African Quarter«
Neighbourhood excursion*: Talk & exhibition visit
Ibou Diop (SEN/DE) in conversation with Nicolas Premier (F) and Anna Yeboah (DE)

»Rage Is a Prayer ist ein Ausdruck gelebter Erinnerung – ein improvisiertes Ritual, in dem Klang, Atem und Bewegung zu Trägern von Geschichte, Erschütterung und Heilung werden. Es ist eine persönliche und zugleich kollektive Auseinandersetzung mit dem emotionalen Erbe der Schwarzen Diaspora – mit den Spuren von Leben, die durch Gewalt entwurzelt, geraubt und über Kontinente verstreut wurden, fern der Orte, die sie einst trugen. Es geht aber auch um die leisen, alltäglichen Formen von Ausgrenzung und dem fortdauernden Versuch, Spuren auszulöschen. Dabei geht es nicht nur um die Vergangenheit – sondern darum, wie diese Vergangenheit bis heute in uns wirkt. Es geht darum, ein inneres Feuer durch kalte Städte und fremde Straßen zu tragen. Es geht darum, unserer Seele Raum zu geben – inmitten von Ankunft, Verletzung und der Suche nach Heilung.

Im Dialog mit PURE bringt der*die multidisziplinäre Künstler*in Bláthin Klänge ein, die als Impulse, Fragen oder Zeichen wirken – jede löst eine unmittelbare, gefühlte Reaktion aus. Es entsteht ein freies Zusammenspiel, ein Hören und Antworten, getragen von gegenseitigem Spüren. Wut ist hier kein Spektakel – sie ist ein Heilmittel. Sie ist das, was von Geschichten bleibt, die über Meere, durch Zeiten und Sprachen getragen wurden. Sie ist der Klang des Widerstands. Sie ist ein Gebet – gesprochen in der Sprache des Feuers.«

– die Künstler*innen

Eintritt frei

13.06.2025, Doors 7 pm / Performance 7.30 pm

»Rage Is a Prayer is an act of embodied testimony, an improvised ritual where sound, breath, and movement become vessels for memory, for rupture, and for repair. It is a sacred confrontation with the emotional and psychic afterlife of the ancestral memory of the Black diaspora, echoes of lives displaced, stolen, and scattered across continents, far from the lands that once held them and with the quieter, more insidious violences of ongoing erasure. This is not only about history, it is about what history still does to us now. It is about carrying fire through cold cities and unwelcoming streets. It is about holding space for our spirits in a constant state of arrival, harm and healing.

In dialogue with PURE, multidisciplinary artist Bláthin offers sonic gestures which serve as prompts, provocations, or cues–each one invoking a visceral response, an improvisational call-and-response shaped by mutual attunement. Rage here is not a spectacle, it is a sacrament. It is the sacred residue of histories carried across oceans, across time zones, across languages. It is the sound of rupture and of refusal. It is prayer spoken in the mother tongue of fire.«

– the artists

Free admission

Von 24.05. bis 31.08.2025

Co-kuratiert von Ibou Coulibaly Diop und Julien Enzanza

Eröffnung am 23.05.2025 von 19 bis 22 Uhr.

Am 23. Mai 2025 eröffnet um 19 Uhr in der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst – die Ausstellung »Wege des Erinnerns.« Sie ist den Menschen und Initiativen gewidmet, deren jahrzehntelanges Engagement durch Kunst, Kultur, Wissenschaft und Vermittlung maßgeblich zur Transformation des Berliner Stadtraums beigetragen und den Blick auf Berlins koloniale Vergangenheit erweitert hat.

Die großformatige Fotoserie von Yero Adugna Eticha zeigt Persönlichkeiten, die eine plurale Erinnerungsarbeit in Berlin maßgeblich mitgestaltet und geprägt haben. Ergänzt wird die Ausstellung durch die Schaufensterinstallation »Erinnern. Entschuldigen. Entschädigen«. Sie setzt sich mit der Berliner Afrika-Konferenz von 1884/85 in der Reichskanzlei in der heutigen Wilhelmstraße 92 auseinander, die die Grundlage für die spätere Aufteilung Afrikas durch die europäischen Kolonialmächte bildete. Außerdem zu sehen sind filmische Arbeiten von Nicolas Premier und Siska, die im Auftrag des Erinnerungsortes Kolonialismus realisiert wurden und weitere Hintergrundinformationen zum Thema der Ausstellung vermitteln.Im Dialog mit „Wege des Erinnerns“ wird in der Galerie Wedding zugleich die Ausstellung »KaKaKaTi Nno Munange« mit neuen fotografischen Arbeiten von DeLovie Kwagala aka Papa De gezeigt und am selben Abend eröffnet.

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»Paths of Remembrance«

An exhibition by Yero Adugna Eticha, Nicolas Premier and Siska

From 24.05. to 31.08.2025

Co-curated by Ibou Coulibaly Diop and Julien Enzanza

Opening on 23.05.2025 from 7 to 10 pm.

On May 23, 2025 at 7 pm, the exhibition »Paths of Remembrance.« will open at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst. It is dedicated to the people and initiatives whose decades of commitment through art, culture, science and mediation have contributed significantly to the transformation of Berlin’s urban space and broadened the view of Berlin’s colonial past.

The large-format photo series by Yero Adugna Eticha shows personalities who have played a key role in shaping and influencing pluralistic remembrance work in Berlin. The exhibition is complemented by the window installation »Remember. Apologize. Compensate.« It deals with the Berlin Africa Conference of 1884/85 in the Reich Chancellery at today’s Wilhelmstraße 92, which formed the basis for the later division of Africa by the European colonial powers. Also on display are cinematic works by Nicolas Premier and Siska, which were commissioned by the Erinnerungsort Kolonialismus and provide further background information on the exhibition’s theme. In dialog with »Paths of Remembrance,« the exhibition »KaKaKaTi Nno Munange« with new photographic works by DeLovie Kwagala aka Papa De will also be shown at Galerie Wedding and opened on the same evening.

Eine Ausstellung von DeLovie Kwagala aka Papa De

Kuratiert von Malte Pieper

Ausstellungseröffnung am 23.5.2025 von 19 bis 22 Uhr.

Die Ausstellung »KaKaKaTi Nno Munange« zeigt neue fotografischen Arbeiten von DeLovie Kwagala aka Papa De. Kwagala nutzt die Kamera als Mittel zur Selbstermächtigung und Selbstbefragung. Die Bilder erinnern an ein Familienalbum und loten Bruchlinien zwischen den Generationen aus. Welche Erinnerungen tragen wir in uns, und wie erzählen wir unsere Geschichte neu?

Der Titel »KaKaKaTi Nno Munange«, eine Äußerung in Luganda, widersetzt sich der direkten Übersetzung. In der verbalen Konversation erzeugt sie eine Pause, einen Seufzer, gibt Raum zu Atem, den man nimt, bevor man lügt oder die Wahrheit sagt, den Atem, den man nimmt, bevor man etwas Schwieriges oder Intimes ausspricht. Kakakati bedeuet etwa »Jetzt« und munange »Freund*in« In einer neuen Serie von Selbstporträts, inszeniert im Kleid der eigenen Großmutter, erzählt Kwagala eine Geschichte von Erinnerung, Widerstand und Zugehörigkeit.

Die Ausstellung wird im Dialog mit der Gruppenausstellung »Wege des Erinnerns« gezeigt. Die gemeinsame Präsentation der Ausstellungen ist eine Kooperation zwischen dem Team Erinnerungsort Kolonialismus (Stiftung Stadtmuseum) und der Galerie Wedding — Raum für zeitgenössische Kunst (Fachbereich Kunst, Kultur und Geschichte im Bezirksamt Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur).

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»KaKaKaTi Nno Munange«

24.05 – 31.08.2025

An exhibition by DeLovie Kwagala aka Papa De

Curated by Malte Pieper

Exhibition opening on 23.5.2025 from 7 to 10 pm.

The exhibition »KaKaKaTi Nno Munange« shows new photographic works by DeLovie Kwagala aka Papa De. Kwagala uses the camera as a means of self-empowerment and self-questioning. The images are reminiscent of a family album and explore fault lines between generations. What memories do we carry within us and how do we retell our history?

The title »KaKaKaTi Nno Munange,« an utterance in Luganda, defies direct translation. In verbal conversation, it creates a pause, a sigh, gives space to the breath one takes before lying or telling the truth, the breath one takes before saying something difficult or intimate. Kakakati means »now« and munange means »friend.« In a new series of self-portraits, staged in their own grandmother’s dress, Kwagala tells a story of memory, resistance and belonging.

The exhibition will be shown in dialog with the group exhibition »Paths of Remembrance.« The joint presentation of the exhibitions is a cooperation between Team Erinnerungsort Kolonialismus (Stiftung Stadtmuseum) and Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst (Fachbereich Kunst, Kultur und Geschichte im Bezirksamt Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur).

Kuratiert von Maj Smoszna

*English version below

»Elsewhere I am you | Woanders bin ich du« ist die erste Einzelausstellung des in Berlin lebenden österreichischen Künstlers, Choreographen und Autors Adam Man (alias Sandra Man). In der Ausstellung in der Galerie Wedding präsentiert der Künstler seine Videoarbeiten, die eng mit der Performancekunst verbunden sind, sowie seine Poesie, textbezogene Arbeiten und ein Begleitprogramm mit Performances, Workshops und Live-Aktionen. 

Die Arbeiten von Adam Man in der Ausstellung basieren auf seiner langjährigen Forschung über die Beziehungen zwischen dem menschlichen Körper und der Landschaft. In seinen Video- und Performance-Arbeiten integrieren der Künstler und die eingeladenen Performer besonders isolierte hybride Techno-Naturlandschaften, wie etwa ein gebirgiges Wasserkraftwerk in Österreich, eine Wüstenlandschaft mit einem ausgetrockneten Wald in Südspanien oder einen Friedhof alter Boote in einem ehemaligen Hafen von Kopenhagen. In seiner künstlerischen Praxis sprengt Adam Man die Grenzen zwischen Menschen und Landschaft, zwischen bildender und darstellender Kunst, und als queerer Künstler hinterfragt er auch die binäre Natur der Sprache, die wir verwenden, um die Welt um uns herum und uns selbst zu beschreiben.  

Für die Ausstellung lehnt sich Adam Man an die urbane Landschaft rund um die Galerie Wedding an. Sowohl der Galerieraum als auch seine Umgebung, insbesondere der Rathausvorplatz, dienen als Inspiration, um im Laufe der Ausstellung performative und literarische Arbeiten vor Ort zu schaffen. 

»Elsewhere I am you | Woanders bin ich du« ist eine Fortsetzung des performativen Programms rund um die Bewegungsforschung, das die Galerie Wedding seit 2021 durchführt. Es entsteht aus einem tiefen Interesse an dem Ort und der Nachbarschaft, in der sich die Galerie Wedding als kommunale Kunstgalerie befindet. 

An Exhibition by Adam Man

28.02. – 11.05.2025

Curated by Maj Smoszna

»Elsewhere I am you | Woanders bin ich du« is the first solo exhibition by Berlin-based Austrian artist, choreographer and author Adam Man (aka Sandra Man)*. In the exhibition at Galerie Wedding, the artist presents his video works, deeply related to performance art, as well as their poetry, text-related works and an accompanying programme of performances, workshops and live actions. 

Adam Man’s works in the exhibition draw on his long-standing research into the relationships between the human body and landscape. In their video and performance works, the artist and invited performers integrate especially isolated hybrid techno-natural landscapes, such as a mountainous hydroelectric power station in Austria, a desert landscape with a dried-up forest in Southern Spain, or a graveyard of old boats in a former harbour of Copenhagen. In his artistic practice, Adam Man breaks down the boundaries between human and landscape, between visual and performing arts, and as a queer artist he also questions the binary nature of the language we use to describe the world around us and ourselves.  

Especially for the exhibition, Adam Man is leaning into the urban landscape around the Galerie Wedding. he gallery space as well as its surroundings, in particular the square in front of the gallery (Rathausvorplatz), serve as inspiration to create performative and literary work on site over the course of the exhibition. 

»Elsewhere I am you | Woanders bin ich du« is a continuation of the performative programme around movement research, which has been led by the Galerie Wedding since 2021. It emerges from a deep interest in the location and neighbourhood in which Galerie Wedding is located as a communal art gallery. 

Bewegungsworkshop

Anmeldung unter Philipp.Hennch@ba-mitte.berlin.de

Lisa Densem und Laura Siegmund sind Tänzerinnen und Performerinnen. Sie haben mit Choreograph*innen wie Sasha Waltz, Laurent Chétouane, Sergiu Matis gearbeitet. Mit Adam Man verbindet Laura und Lisa eine lange Zusammenarbeit. Beide waren auch an der letzten Video-/Performance-Arbeit »Lethe« (2023) beteiligt. 

Laura und Lisa haben eine spezielle Weise, ihr Inneres mit der Umgebung zu verbinden. Mit ihren Bewegungen verorten und orientieren sie sich im Raum, sie sind auf lebendige Weise »da«. 

In ihrem Workshop teilen Laura und Lisa mit den Teilnehmenden ihr gemeinsames Interesse an der Sensibilität für Bewegungen, der Wahrnehmung, dem Spüren und den komplexen Beziehungen zwischen Innen und Außen. Beide sind von den Zusammenhängen zwischen Leere und Präsenz, Tun und Nicht-Tun und Bewegungsentwicklungen aus einer ruhigen Stimmung heraus fasziniert. 

Der Workshop findet auf Deutsch und Englisch statt. Es sind keine Vorkenntnisse nötig. Er richtet sich an alle, die sich im Alltag mehr Präsenz und Bewusstsein für ihren Körper wünschen. Um Anmeldung wird gebeten, die Teilnehmer*innenzahl ist begrenzt.

Lisa Densem and Laura Siegmund are dancers and performers. They have worked with choreographers such as Sasha Waltz, Laurent Chétouane and Sergiu Matis. Laura and Lisa have a long collaboration with Adam Man. Both were also involved in the last video/performance work »Lethe« (2023).
Laura and Lisa have a special way of connecting their inner selves with their surroundings. With their movements, they locate and orient themselves in space, they are »there« in a lively way.

In their workshop, Laura and Lisa share with the participants their common interest in sensitivity to movement, perception, sensing and the complex relationships between inside and outside. Both are fascinated by the connections between emptiness and presence, doing and non-doing and movement development from a calm mood.

The workshop will be held in German and English. No previous knowledge is necessary. It is aimed at anyone who would like to be more present and aware of their body in everyday life. Registration is requested, the number of participants is limited.

Maj Smoszna und Adam Man führen durch die Ausstellung. Danach gibt es einen Artist Talk mit Adam und dem Philosophen Bernd Bösel (Uni Potsdam und Fellow am Käte-Hamburger-Kolleg Aachen: «Cultures of Research»).

Bernd und Adam verbindet eine lange Freundschaft, sie kennen einander seit der gemeinsamen Studienzeit in Wien. In einem informellen und persönlichen Gespräch miteinander und den Besucher*innen tauschen sie sich über Themen aus, die Adams Arbeiten zugrundeliegen: Körperlichkeit, Präsenz, Affekt; Bild, Sprache und Raum; Mythologie und Ökologie.

Je nach Bedarf findet das Gespräch auf Deutsch oder Englisch statt.

3. Mai 18h

Lesung (auf Deutsch): 30min / Konzert: 30min

Zwei verwandte und doch unterschiedliche Vervielfältigungen des Hörens: Adam Man liest aus den Texten seiner Performance Wo alle sind, Judith Hamann antwortet mit einem Live-Cellokonzert auf ihren Soundtrack zu Adams Video Paradise.

Judith und Adam haben zusammen mehrfach site-spezifisch an und mit verschiedenen Orten gearbeitet. Sie teilen die Leidenschaft, auf das zu hören, was bereits da ist, und dessen Besonderheit mit ihren jeweiligen Mitteln – Schreiben/Filmen und Komponieren/Performen – behutsam herauszuarbeiten.

Beide nutzen die Gelegenheit von Adams Ausstellung Elsewhere I Am You, um mit einem neuen Format zu experimentieren: an genau dem Ort lesen, der in den Texten beschrieben wird; live spielen zu dem Soundtrack, der eine gefilmte Performance begleitet. Beide Teile beschäftigen sich mit etwas, das bereits geschehen ist, kehren zu ihm zurück. Was passiert mit der Vergangenheit, wenn sie auf die Gegenwart trifft? 

Wo alle sind ist der Titel einer Performance, die vom 28. Februar bis zum 28. März in der Galerie Wedding stattfand. Jeden Nachmittag von 15 bis 15 Uhr saß Adam auf einer Bank und schrieb, wobei er die Umgebung des Galerieraums beschrieb.

Paradise ist eine 2-Kanal-Videoarbeit mit der Originalmusik von Judith. Gefilmt und performt von Adam in Spanien im Jahr 2024, zeigt es den Ort eines Waldbrands.

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Listening Session 

May 3rd 18h

Reading (in German) duration: 30min / Concert duration: 30min

Two related and yet different multiplications of listening: Adam Man will read from the texts of his performance Wo alle sind, Judith Hamann will respond to her soundtrack to Adam’s video Paradise with a live cello concert.

Judith and Adam have collaborated on several site-specific works dedicated to different places. They share a passion for listening to what is already there and carefully revealing its specificity through their respective means – writing/filming and composing/performing.

Both take the opportunity of Adam’s exhibition Elsewhere I Am You to experiment with a new format: Reading at the exact location described in the texts; playing along with the soundtrack that accompanies a filmed performance. Both parts engage with something that has already been done, return to it. What happens to the past when it meets the present? 

Wo alle sind is the title of a performance that took place at Galerie Wedding from February 28th until March 28th. Every afternoon from 3-4pm, Adam sat on a bench and wrote, describing the surroundings of the gallery space.

Paradise is a 2-channel video work, with an original score by Judith. Filmed and performed by Adam in Spain in 2024, it shows the site of a wildfire.

Performance von Adam Man

In »Wo alle sind« werden die Ausstellung und die Umgebung selbst zur künstlerischen „Site“: Vier Wochen lang ist Adam Man jeden Tag um 15 Uhr für eine Stunde in der Galerie Wedding und beschreibt das, was er sieht, die Bewegungen, die Veränderungen, die Kontinuität eines Ortes. Er lässt sich auf den Ausstellungsraum und seine Umgebung so ein wie auf die Landschaften, in und mit denen er arbeitet. Im Unterschied zu diesen meist abgelegenen und einsamen Gegenden, ist die Galerie mit ihren großen Fenstern auf die geradezu archetypischen urbanen Dimensionen – Straße und Platz, Vorübergehen und Versammeln – ein Ort, wo alle sind. Menschen, Tiere, Fahrzeuge, Asphalt und Bäume, Job-Center neben Bibliothek, Wohnhäuser, Läden, Cafés, über ihnen der Himmel. Was passiert, wenn man dem, was alltäglich geschieht, länger zuschaut? Wenn man versucht, es zu beschreiben, festzuhalten, zu erfassen, sich vom Vorübergehenden berühren und einnehmen zu lassen? Womit und mit wem sind wir – meistens unbemerkt, unbeachtet – da? 

In der Zeit von 15 bis 16 Uhr sind die Besucher*innen eingeladen, mit Adam Man zusammen die Umgebung zu betrachten. Sie können neben ihm Platz nehmen, mit ihm nach draußen schauen, die Aufzeichnungen der vergangenen Tage lesen. Nicht sprechen ist ebenso willkommen wie ein Gespräch, das sich auf das bezieht, was man draußen wahrnimmt.

Die Beschreibungen eines jeden Tages bleiben im Galerieraum und wachsen über die Dauer der vier Wochen an. Fotografien des Platzes begleiten den Prozess und füllen sukzessive die Fensterfront.

In “Where all are”, the exhibition and the surroundings themselves become the “site”: For four weeks, Adam Man goes to Galerie Wedding every day at 3 pm for an hour and describes what he sees, the movements, the changes, the continuity of a place. He engages with the exhibition space and its surroundings in the same way as with the landscapes in and with which he works. In contrast to these mostly remote and lonely areas, the gallery with its large windows onto the almost archetypal urban dimensions – street and square, passing and gathering – is a place where everyone is. People, animals, vehicles, asphalt and trees, job centers next to libraries, apartment buildings, stores, cafés, above them the sky, standing, walking, driving. What happens if you watch what happens every day for longer? When you try to describe it, to hold on to it, to grasp it, to let it touch you and take you in? With what and with whom are we there – mostly unnoticed, unnoticed?

From 3 to 4 p.m., visitors are invited to observe the surroundings together with Adam Man. They can take a seat next to him, look outside with him, read the records of the past few days. Not speaking is just as welcome as a conversation about what you see outside.

The descriptions of each day remain in the gallery space and grow over the course of the four weeks. Photographs of the square accompany the process and successively fill the window front.

Eröffnung 27.02. 19 – 22 Uhr 

Kuratiert von Maj Smoszna

*English version below

»Elsewhere I am you | Woanders bin ich du« ist die erste Einzelausstellung des in Berlin lebenden österreichischen Künstlers, Choreographen und Autors Adam Man (alias Sandra Man). In der Ausstellung in der Galerie Wedding präsentiert der Künstler seine Videoarbeiten, die eng mit der Performancekunst verbunden sind, sowie seine Poesie, textbezogene Arbeiten und ein Begleitprogramm mit Performances, Workshops und Live-Aktionen. 

Die Arbeiten von Adam Man in der Ausstellung basieren auf seiner langjährigen Forschung über die Beziehungen zwischen dem menschlichen Körper und der Landschaft. In seinen Video- und Performance-Arbeiten integrieren der Künstler und die eingeladenen Performer besonders isolierte hybride Techno-Naturlandschaften, wie etwa ein gebirgiges Wasserkraftwerk in Österreich, eine Wüstenlandschaft mit einem ausgetrockneten Wald in Südspanien oder einen Friedhof alter Boote in einem ehemaligen Hafen von Kopenhagen. In seiner künstlerischen Praxis sprengt Adam Man die Grenzen zwischen Menschen und Landschaft, zwischen bildender und darstellender Kunst, und als queerer Künstler hinterfragt er auch die binäre Natur der Sprache, die wir verwenden, um die Welt um uns herum und uns selbst zu beschreiben.  

Für die Ausstellung lehnt sich Adam Man an die urbane Landschaft rund um die Galerie Wedding an. Sowohl der Galerieraum als auch seine Umgebung, insbesondere der Rathausvorplatz, dienen als Inspiration, um im Laufe der Ausstellung performative und literarische Arbeiten vor Ort zu schaffen. 

»Elsewhere I am you | Woanders bin ich du« ist eine Fortsetzung des performativen Programms rund um die Bewegungsforschung, das die Galerie Wedding seit 2021 durchführt. Es entsteht aus einem tiefen Interesse an dem Ort und der Nachbarschaft, in der sich die Galerie Wedding als kommunale Kunstgalerie befindet. 

An Exhibition by Adam Man

28.02. – 11.05.2025

Opening 27.02. 19 – 22 Uhr 

Curated by Maj Smoszna

»Elsewhere I am you | Woanders bin ich du« is the first solo exhibition by Berlin-based Austrian artist, choreographer and author Adam Man (aka Sandra Man)*. In the exhibition at Galerie Wedding, the artist presents his video works, deeply related to performance art, as well as their poetry, text-related works and an accompanying programme of performances, workshops and live actions. 

Adam Man’s works in the exhibition draw on his long-standing research into the relationships between the human body and landscape. In their video and performance works, the artist and invited performers integrate especially isolated hybrid techno-natural landscapes, such as a mountainous hydroelectric power station in Austria, a desert landscape with a dried-up forest in Southern Spain, or a graveyard of old boats in a former harbour of Copenhagen. In his artistic practice, Adam Man breaks down the boundaries between human and landscape, between visual and performing arts, and as a queer artist he also questions the binary nature of the language we use to describe the world around us and ourselves.  

Especially for the exhibition, Adam Man is leaning into the urban landscape around the Galerie Wedding. he gallery space as well as its surroundings, in particular the square in front of the gallery (Rathausvorplatz), serve as inspiration to create performative and literary work on site over the course of the exhibition. 

»Elsewhere I am you | Woanders bin ich du« is a continuation of the performative programme around movement research, which has been led by the Galerie Wedding since 2021. It emerges from a deep interest in the location and neighbourhood in which Galerie Wedding is located as a communal art gallery. 

Lets get together! Mit einer Poetry-Lesung von Jenaba Samura zelebrieren wir gemeinsam den BLACK HISTORY MONTH 2025. Im Anschluss wird es Raum zum Austausch und Zeit zum Verweilen geben. Unter anderem mit einem Büchertausch, für den ihr eingeladen seid, Bücher mitzubringen.

Anmeldung: Philipp.Hennch@ba-mitte.berlin.de

Jenaba Samura (sie/keins) ist freie Autorin, Poetress, Podcast Host und Moderatorin, hierbei bewegt sie sich immer wieder an der Schnittstelle von Theater/Politik. Als Promovendin der Literaturwissenschaften forscht sie aktuell im Projekt „Schwarze Narrative transkultureller Aneignung“ zu Imaginationen eines Schwarzen Europas.

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Let’s get together! We will celebrate BLACK HISTORY MONTH 2025 together with a poetry reading by Jenaba Samura. Afterwards, there will be space for exchange and time to linger. Among other things with a book swap, for which you are invited to bring books.

Registration: Philipp.Hennch@ba-mitte.berlin.de

Jenaba Samura (she/none) is a freelance writer, poetress, podcast host and moderator, always working at the intersection of theater/politics. As a doctoral candidate in literary studies, she is currently researching imaginations of a Black Europe in the project “Black Narratives of Transcultural Appropriation”.

Lesung für Kinder – Black Dads Reading – In deutscher Sprache.

»In dem Vorlese-Club BLACK DADS READERS sind bsonders die Familien mit Schwarzen Kindern eingeladen. Der Fokus bei der Bücher-Auswahl liegt auf Geschichten Schwarzer Autor*innen und Geschchten, die Schwarze Personen als Hauptfiguren nutzen.« – Black Dads Readers

Anmeldung: programm@galeriewedding.de

In Zusammenarbeit mit ZULA werden wir an diesem Tag 50 Bücher als Feiertagsgeschenk verschenken.

Im Rahmen des ACROSS Festivals

From 2 pm to 5 pm

Reading for children – Black Dads Reading – In German.

»The BLACK DADS READERS, our reading club for BIPoC children or children with experiences of discrimination and racism and their parents or caregivers and families. Periodically, we host BLACK DADS READERS events, which are especially geared towards members of the Black community. Non-Black parents of Black children are welcome to join us at any time!« – Black Dads Readers

Registration: programm@galeriewedding.de

In partnership with ZULA, we will be donating 50 books on that day as holiday’s gift

In context of the ACROSS Festivals.

Für Kinder, 7 – 12 Jahre alt und ihre Begleiter

Anmeldung: programm@galeriewedding.de

In kleiner Runde werden wir es uns gemütlich machen und besprechen, was denn Illustration ist und was es von anderen Kunstformen unterscheidet.

Wenn alle bereit sind, werden wir eine Geschichte vorgelesen bekommen und währenddessen aufpassen und überlegen, was denn illustriert werden könnte. Wer will, kann sich Notizen machen oder schon etwas zeichnen. 

Nach der Vorlesung wird jeder an seinem Bild oder Bildern arbeiten, mit Betreuung von mir.

Kurz vor Ende, tuen wir alle Bilder zusammen und gucken, was jeder gezeichnet hat und was für verschiedene Ideen zusammengekommen sind.

For children, 7 – 12 years old and their companions

Registration: programm@galeriewedding.de

We will make ourselves comfortable in a small group and discuss what illustration is and how it differs from other art forms.

When everyone is ready, we will have a story read to us and while we do so, we will pay attention and think about what could be illustrated. Anyone who wants to can make notes or draw something.

After the reading, everyone will work on their picture or pictures, with supervision from me.

Shortly before the end, we will put all the pictures together and see what everyone what everyone has drawn and what different ideas have come together.

Im direkten Bezug zur Ausstellung »Onajite, l’Attesa« von Diana Ejaita hat Hélène Baum-Owoyele in ihrer parallel stattfindenden Ausstellung »Reading List« einen Raum der Interaktion und des Austauschs eingerichtet, in dem Lesungen, kreatives Geschichtenerzählen und Illustrationsworkshops für Kinder und Gäste jeden Alters stattfinden werden. Hélène Baum-Owoyele ist eine ebenfalls in Berlin-Wedding lebende afroeuropäische Künstlerin und Designerin.

Adjacent to the exhibition »Onajite, l’Attesa« and in relation to Diana Ejaita’s work, Hélène Baum-Owoyele has, in their parallel exhibition »Reading List«, set up a space of interaction and engagement which will host readings, creative storytelling and illustration workshops for children and guests of all ages. Hélène Baum-Owoyele is an Afropean visual artist and designer who also lives in Berlin-Wedding.

6.12.2024 bis 15.02.2025

Eröffnung am Donnerstag, 05.12.2025 von 19 bis 22 Uhr

Kuratiert von Malte Pieper und Maj Smoszna

Die Ausstellung Onajite, l’Attesa in der Galerie Wedding zeigt eine Retrospektive der nigerianisch-italienischen, in Berlin-Wedding wohnhaften Künstlerin Diana Ejaita. Ejaita ist bekannt für ihre kraftvolle Bildsprache und eindrucksvolle Symbolik. Bei ihren Themen der kollektiven Erinnerung und Widerstandsfähigkeit von Gemeinschaften stehen besonders persönlichen Geschichten im Vordergrund. Ejaita arbeitet in den Bereichen Druckgrafik, Illustration und Textildesign und lässt mithilfe dieser Techniken die bildlichen Erzähltraditionen ihrer westafrikanischen Herkunft wiederaufleben. Als Künstlerin in der Diaspora vermittelt sie eine dynamische Sichtweise auf symbolische Motive; es entstehen ineinander verflochtene Erzählungen, die die Ausstellung zu einem Raum des Nachdenkens und des Empowerments werden lassen. Das Wort Onajite stammt aus dem Urhobo, einer im nigerianischen Bundesstaat Delta gesprochenen Sprache, und bedeutet »es ist genug«. Es versinnbildlicht Ejaitas Prozess der Selbstfindung und Rückverbindung mit sich selbst, nachdem sie Mutter geworden ist. Der italienische Begriff L’attesa, »das Warten«, bezeichnet die Pause, die man für die Selbstbeobachtung benötigt, sowie den Raum und die Zeit, die man benötigt und sich zur Erholung nimmt. Das Verständnis der Kunst als Quelle der Heilung inmitten eines ständigen Produktionsdrucks stellt einen zentralen Aspekt in Ejaitas Schaffen dar.

Die Ausstellung umfasst eine großformatige Wandinstallation mit Archivdrucken sowie eine neu angefertigte Serie von Gemälden, die zu einer Reflexion über Erinnerung, Geschichtenerzählen und künstlerische Widerstandsfähigkeit anregen. Die Exponate sind von der besonderen Fähigkeit der Kunst geprägt, ein Gefühl der Zugehörigkeit zu erzeugen, an gemeinsame Geschichten zu erinnern und die Wichtigkeit unserer eigenen Geschichten, die über Generationen hinweg erzählt werden, zu verdeutlichen.

The exhibition Onajite, l’Attesa at Galerie Wedding presents a retrospective of Nigerian-Italian, Berlin-Wedding based artist Diana Ejaita. Known for her powerful visual language and evocative symbolism, Ejaita’s work revolves around cultural memory, resilience and community, voicing both personal and collective stories. Ejaita’s practice spans printmaking, illustration, and textile design, reviving the visual storytelling traditions of her West African lineage. As an artist in the diaspora, her works offer a dynamic take on symbolic motifs and interwoven narratives, making the exhibition a space of reflection and empowerment. Onajite, meaning »it is enough« in Urhobo, a language spoken in Delta State in Nigeria, stands for Ejaita’s journey of self-exploration and reconnection, especially after becoming a mother. The Italian term L’attesa, »the waiting«, signals a pause for introspection—a space to take time and recover, central to her approach to art-making as a source of healing amid the pressures of constant production.

The exhibition features a large-scale wall installation with archival prints, alongside a new series of paintings, inviting a meditation on memory, storytelling, and artistic resilience. The exhibits are imbued with the unique power of art to evoke a sense of belonging, rekindling with shared histories and stressing the importance of telling our own stories across generations.

16:30 – 19h

Sonntag, 3. November 2024, 14 – 16 Uhr

Sonntag, 3. November 2024, 17 – 18.30 Uhr

14.09. bis 17.11.2024

Eröffnung am Freitag, 13.09.2024 von 17 bis 22 Uhr

Eine Ausstellung mit Raquel van Haver und Chie Marquart-Tabel 

Kuratiert von Malte Pieper und Maja »May« Smoszna

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY, konzipiert von Solvej Helweg Ovesen

In ihrer künstlerischen Praxis beschäftigt sich Raquel van Haver mit sozialen Themen. In kraftvollen und energiegeladenen Gemälden, Zeichnungen und Collagen stellt sie Menschen in alltäglichen Szenen dar. Mit ihrer künstlerischen Praxis des Archivierens und Rekonstruierens zentraler Lebensereignisse von Menschen und ihren Communities schreibt Raquel van Haver multiperspektivische Geschichten, die in der dominanten Geschichtsschreibung unterrepäsentiert sind.

Die Galerie Wedding, die selbst in einem diversen Stadtteil liegt, lädt die Künstlerin ein, den Fragen nachzugehen: »Wer prägt das soziale Leben in unserem Viertel, wer sind die sozialen Akteur*innen? Wie kann deren Arbeit dokumentiert werden?« Welche Geschichten werden erzählt, und welche nicht? 
Für die Ausstellung Rundhalle wird Raquel van Haver während ihres mehrwöchigen Aufenthaltes im Wedding Menschen porträtieren, die sich für den Kiez engagieren. Im Galerieraum entsteht dabei ein großes Wandbild mit Kreide auf Tafelfarbe. Die Rundhalle ist in verschiedenen öffentlichen Gebäuden ein besonderer Raum für Versammlungen und die repräsentative Ausstellung von Porträts. Die Netzwerke, Gruppen und Einzelpersonen, die die Künstlerin abbildet, repräsentieren Akteur*innen, deren unermüdliche Arbeit und ungebrochenes Engagement für die lokale Gemeinschaft oft sozusagen »hinter den Kulissen« bleibt und meistens weder dokumentiert, geschweige denn archiviert wird. Die Ausstellung versteht sich als ein künstlerisches Mittel, genau diese nachbarschaftliche Arbeit zu archivieren und möchte somit die Menschen würdigen, die im Herzen des Weddings wirken.

In diesem gemeinschaftlichen Forschungsprozess wird van Haver von dem*der im Wedding lebenden Künstler*in Chie Marquart-Tabel unterstützt werden. Chie hat in der Management- und Nachhaltigkeitsberatung gearbeitet und als Künstler*in und Illustrator*in verschiedene Kunstwerke für queere Community-Räume geschaffen. Chies Kunst dreht sich um Gleichzeitigkeit und Zugehörigkeit und lädt zu Momenten der Stille, des Schweigens und der Verbindung ein. In der Galerie Wedding installiert Chie auf prozesshafte Weise einen offenen Raum für gemeinschaftliche Aktivitäten, inspiriert von Trainingsräumen für Kampfsportarten, die Chie auch selbst unterrichtet.

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Round Hall

14.09. until 17.11.2024

Opening Friday, 13.09.2024 from 5 to 10 pm

An exhibition by Raquel van Haver and Chie Marquart-Tabel

Curated by Malte Pieper and Maja »May« Smoszna

As part of the exhibition programme POLY, created by Solvej Helweg Ovesen

Raquel van Haver’s practice is often informed by social issues. In bold and energetic paintings, drawings, and collages of everyday life she frequently depicts people who work or act as social entrepreneurs in various places all over the world. By archiving and reconstructing important moments in the life of these individuals and communities, she writes stories that have been erased from the traditional canon in history.

Galerie Wedding, itself located in a diverse neighbourhood, invites the artist to research the questions: »Who shapes social life, who are the social entrepreneurs in our neighbourhood today? How can their work be documented?« Which stories are told, and which are not? The exhibition Round Hall portrays people who are committed to the neighbourhood. The round hall is a particular space for assemblies and the display of representative portraits in various public buildings. Using chalk on blackboard paint, Raquel van Haver creates a large mural in the gallery. The social networks, groups and individuals which the artist depicts represent those important human beings whose tireless work and unfaltered dedication toward the local community often remain unseen, hidden »behind the scenes« and more often than not, has neither been documented, let alone archived. The exhibition is a means to archive this community-oriented work and wishes to celebrate the people who act at the heart of Wedding.

In this collaborative research process, van Haver will be joined by Wedding-based artist Chie Marquart-Tabel. Chie has worked in Management and Sustainability Consulting. As a freelance artist and illustrator they have created artworks for queer community spaces. Chie’s art evolves around simultaneity and belonging and invites moments of stillness, silence and connection. At Galerie Wedding, they install in a processual way an open space for community activity. The installation is inspired by training rooms for martial arts, which Chie also teaches.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

20.10. Sonntag, 12 – 14 Uhr, Galerie Wedding & Rathausvorplatz Wedding

14. Familiennacht in der Galerie Wedding

Vom 24.10.–28.10.2024 wird die Soundinstallation »Points of Entry« von Oscar Atanga in leicht veränderter Form abgespielt aufgrund von technischer Wartung.
Am Dienstag, 29.10.2024 spielt die Installation wieder in vollständigem Umfang.

From 24.10.–28.10.2024 the sound installation »Points of Entry« by Oscar Atanga will be playing with slight variations due to technical maintenance. 
On Tuesday, 29.10.2024 the installation will resume playing in its full scale.

ACROSS Festival

Performance & Musik & Workshops

September bis Dezember 2024

Galerie Wedding & Rathausvorplatz Wedding

Eröffnung, 7.09.2024, 16 bis 21 Uhr

»ACROSS« ist ein Performance-, Konzert- und Workshop-Programm in Berlin-Wedding, das von September bis Dezember an jedem zweiten Wochenende stattfindet, kostenlos ist und allen offen steht. Mit mehr als 20 Künstler*innen bewegt sich »ACROSS« zwischen künstlerischen Genres und sozialen Praktiken, spricht verschiedene Generationen an und regt an, sich zu bewegen und gemeinsam Zeit zu verbringen, zu beobachten, zu staunen, zuzuhören, zu tanzen und über Unterschiede hinweg Gemeinsamkeiten zu teilen, ACROSS (über) Müllerstraße.

Die Galerie Wedding ist ab September auch sonntags offen, immer von 12 bis 19 Uhr. Jeden zweiten Sonntag werden Workshops mit Künstler*innen veranstaltet. Details zum Programm werden online veröffentlicht. 

Angeboten werden Workshops, Performances und Konzerte auf dem Rathausvorplatz und teilweise in der Galerie Wedding.

Der Eintritt ist immer frei.

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Performance & Music & Workshops

September until December 2024

Galerie Wedding & Rathausvorplatz Wedding

Opening, 7.09.2024, 4 to 9 pm

»ACROSS« is a performance, concert and workshop programme in Berlin-Wedding that takes place on every second weekend from September to December, free of charge and open to all. »ACROSS« features around 20 artists and moves between artistic genres and social practices, appealing to different generations and proposing to move and spend time together, to observe, to marvel, to listen, to dance and to share common ground across differences, ACROSS Müllerstraße.

Galerie Wedding will also be open on Sundays from September, from 12 to 7 pm. Workshops with artists are organised every second Sunday. Details of the programme will be published online.

Workshops, performances and concerts are offered on the square in front of the town hall and partly in the Galerie Wedding.
Admission is always free.

06.09. bis 08.09.2024

Freitag, Samstag und Sonntag von 12 bis 19 Uhr

Wir laden ein zu einem ersten Blick in die prozessorientierte Ausstellung mit Raquel van Haver und Chie Marquart-Tabel in der Galerie Wedding.

Samstag, 7.09.2024
16 Uhr Künstler*innengespräch
17 Uhr DJ-Sets

Weiteres Programm wird bald veröffentlicht.

Im Rahmen der Kunstwoche der Kommunale Galerien Berlin

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Open Studio 

06.09. to 08.09.2024

Friday, Saturday and Sunday from 12 to 7 pm

You are welcome to join us for a first glimpse into the process-based exhibition with artists Raquel van Haver and Chie Marquart-Tabel at Galerie Wedding.

Saturday, 07.09.2024

4 pm Artist Talk
5 pm DJ-Sets

More programme will be announced soon.

As part of the Art Week of Berlin’s District Galleries (Kommunale Galerien Berlin)

Rundhalle

Freitag, 13.09.2024 von 17 bis 22 Uhr
18 Uhr Künstler*innengespräch
20 Uhr DJ-Set von Sherryaeri

Eine Ausstellung mit Raquel van Haver und Chie Marquart-Tabel 

Kuratiert von Malte Pieper und Maja »May« Smoszna

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY, konzipiert von Solvej Helweg Ovesen

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Opening

Round Hall

Friday, 13.09.2024 from 5 to 10 pm
6 pm Artist Talk
8 pm DJ-Set by Sherryaeri

An exhibtion by Raquel van Haver and Chie Marquart-Tabel  

Curated by Malte Pieper und Maja »May« Smoszna

As part of the exhibition program POLY at Galerie Wedding, created by Solvej Helweg Ovesen

Finissage der Ausstellung Three Suns mit den Künstler*innen Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk und Salwa Aleryani, sowie den Kurator*innen Nitsan Margaliot, Maja Smoszna und Malte Pieper.

Komm und sei dabei bei der Finissage und »Still Margins« Diskussion.

Zur Finissage der Ausstellung Three Suns treffen sich die Initiatoren des »Touching Margins« alter-archive Sasha Portyannikova, Nitsan Margaliot und Anna Chwialkowska, um gemeinsam mit den teilnehmenden Künstler_innen des Projekts ihre aktuelle Beziehung zu den Marginalitäten zu diskutieren, was sich in ihrer Beziehung zu ihrem Untersuchungsarchiv entwickelt hat und wie sich ihre Praktiken seit ihren Interviews inmitten der Pandemie verschoben haben.

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24th of August 2024, start 5 pm.

Finissage of the exhibition Three Suns with the artists Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk and Salwa Aleryani, as well as the curators Nitsan Margaliot, Maja Smoszna and Malte Pieper.

Come and Join the Finissage and the »Still Margins« discussion.

For the closing closing of the Three Suns exhibition, the initiators of »Touching Margins« alter-archive Sasha Portyannikova, Nitsan Margaliot and Anna Chwialkowska will meet to discuss together with the participating artists of the project their current relation to the margins, what evolved in their relation to their archive of inquiry and how their practices have shifted and transformed since their interviews in the midst of the pandemic.

Thursday, 22.08.2024 from 5:00 to 6:00 pm Curatorial tour through the exhibition with Malte Pieper, Maja Smoszna, Maryna Makarenko and Anastasia Pilepchuk.

»From Science to Fiction, let the Ear speak«

Der Workshop bietet verschiedene somatische Erkundungen und Deep Listening Partituren an, um andere Wege der Beziehung zum eigenen Körper, zu übermenschlichen Körpern und zur Welt im Allgemeinen zu finden. Wir erforschen verschiedene Arten des Zuhörens, um in anderen Körperteilen Handlungsfähigkeit zu finden. Wir vermengen die subversiven und visionären Ideen von Vilém Flusser mit den somatischen Partituren von Pauline Oliveros und werden sehen, was für eine Mischung nach 3 Stunden Workshop herauskommt.

Infos:
10.08.2014 von 14 bis 17 Uhr
Ort: Plötzensee, Wedding
in englischer Sprache
Teilnehmer sollten älter als 12 Jahre sein

Anmeldung erforderlich: post@galeriewedding.de
Bitte schicke deinen Namen, deine E-Mail und deine Telefonnummer.
Der Workshop ist offen für alle, Bewegungserfahrung ist nicht erforderlich.

Bitte bringe eine Decke oder Yogamatte, ein Notizbuch und einen Stift sowie bequeme Kleidung und Badesachen mit. Der Workshop kann sanfte, auf Zustimmung basierende Berührungen durch andere Teilnehmer während der Bewegungspartituren beinhalten, bitte vergewissere dich ob du dich damit wohl fühlst.
Nach dem Workshop laden wir dich ein, bei einem gemeinsamen Potluck mit Snacks und Erfrischungen zu verweilen. Du bist herzlich eingeladen, einen Snack oder ein Getränk deiner Wahl mitzubringen.

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»From Science to Fiction, let the Ear speak«

The workshop offers various somatic explorations and Deep Listening scores to find other ways of relating to one’s own body, more-than-human bodies, and the world at large. We delve into different ways of listening in order to find agency in other body parts. Cooking together subversive and visionary ideas from Vilém Flusser with the somatic scores of Pauline Oliveros, we will see what kind of mix comes out after 3 hours of the workshop.

Info:
10.08.2014 from 2 to 5 pm
Location: Plötzensee, Wedding
in English
Participants should be older than 12

Registration required: post@galeriewedding.de
Please send your name, email and phone number.
The workshop is open to all, no previous movement experience required.

Bring a blanket or yoga mat, a notebook and pen as well as cosy clothes and swimwear.
The workshop may include gentle consent-based touch from other participants during movement scores, please make sure whether you are comfortable with that. After the workshop we invite you to hang around and join us for a Potluck with some snacks and refreshments. You are welcome to bring a snack or drink of your choice.

Friday, 21.06.2024 from 5:30 to 6:30 pm Curatorial tour through the exhibition on the day of the summer solstice with Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

07.06. bis 24.08.2024

Eröffnung Donnerstag, 06.06.2024 von 18 bis 22 Uhr
19 Uhr Abschied von Solvej Helweg Ovesen, der langjährigen Leiterin & Willkommen des neuen künstlerischen Leitungsteams Malte Pieper und Maja Smoszna sowie der leitenden Kuratorin des Sachgebiets Gegenwartskunst, Eylem Sengezer
20-22 Uhr DJ-Set von Asidron

Eine Ausstellung mit Salwa Aleryani, Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk 

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2024, konzipiert von Solvej Helweg Ovesen

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Opening Three Suns

07.06. until 24.08.2024

Opening Tursday, 06.06.2024 from 6 to 10 pm
7pm Farewell to Solvej Helweg Ovesen, the long-time artistic director & Welcome to the new artistic direction team Malte Pieper and Maja Smoszna as well as the head curator of the department of contemporary art, Eylem Sengezer
8-10pm DJ-Set by Asidron

An exhibtion by Salwa Aleryani, Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk 

Curated by Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

As part of the exhibition program POLY 2024 at Galerie Wedding, created by Solvej Helweg Ovesen

Eine Ausstellung von Salwa Aleryani, Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

Eröffnung am Donnerstag, 06.06.2024 von 18 bis 22 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY, konzipiert von Solvej Helweg Ovesen

»Die drei Sonnen nahmen fast den gesamten Himmel ein, und als sie nach Westen drifteten, versank die Hälfte ihrer Formation unterhalb des Horizonts. Ein riesiger Fächer drehte sich unaufhörlich, gelegentlich schoss eine ihrer hellen Klingen über die Horizontlinie hoch, um der sterbenden Welt einen weiteren kurzen Sonnenaufgang und -untergang zu bescheren. Nach dem Sonnenuntergang glühte der Boden in einem gedämpften Rot, und der kurz darauf folgende Sonnenaufgang überflutete alles mit seinen gleißenden parallelen Strahlen.« Liu Cixin, The Three-Body Problem, 2014 

Die Sommerausstellung in der Galerie Wedding bringt drei Künstlerinnen zusammen, die sich mit dem Verdecken und Freilegen von Erinnerungen, Spuren und Geschichten beschäftigen. Ihre unterschiedlichen Praktiken stehen im Dialog mit der Architektur, in der sie sich befinden, sie bewegen sich in der Nähe der Science-Fiction und verhandeln ihre jeweilige Herkunft und ihre Solidarität zueinander. In der Ausstellung beziehen wir uns auf die Sonne bzw. Sonnen sowohl als Metapher als auch als konkreten Gegenstand und betrachten ihre Wirkung auf unser Leben auf nichtlineare, poetische und spekulative Art. Wiederherstellen, schützen, reflektieren, konfrontieren: die ausgestellten Werke von Salwa Aleryani, Maryna Makarenko und Anastasia Pilepchuk verstehen sich als Vorschläge für Transformationen, für neue Wege des Seins und des Zueinander-Stehens.

Außerdem wird in der Ausstellung das Archiv Touching Margins zugänglich gemacht, in dem Berliner Tanzschaffende in Interviews über ihre Arbeit mit Bewegung, Körper und erinnerter Geschichte berichten.

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Three Suns

An exhibition by Salwa Aleryani, Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk

Curated by Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

Opening Thursday, 06.06.2024 from 6 to 10 pm.

»The three suns took up almost the entire sky, and as they drifted toward the west, half of the formation sank below the horizon. The giant fan continued to spin, a bright blade occasionally shooting above the horizon to give the dying world another brief sunrise and sunset. After a sunset, the ground glowed dim red, and the sunrise a moment later flooded everything with its glaring, parallel rays.« Cixin Liu, The Three-Body Problem, 2014 

The summer exhibition at Galerie Wedding brings together three artists dealing with covering and uncovering memories, traces and histories. Their different practices are in conversation with the architecture they are situated in, sci-fi proximities alongside their backgrounds and shared solidarity. With the exhibition we use the sun(s) as both a metaphor and concrete matter, and look at its effect on our lives in non-linear, poetic and speculative variations. Recovering, protecting, reflecting, confronting – the exhibited works by Salwa Aleryani, Maryna Makarenko and Anastasia Pilepchuk propose transformations and ways of being and relating.

The exhibition also features the Touching Margins archive, in which Berlin dance makers talk about their work with movement, the body and remembered history in interviews.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

2.5.2024

20-22 Uhr »Heartbound – A different kind of love story«(2018) Filmvorführung (DA & THA, OmeU) und Online-Gespräch (ENG) mit Sine Plambech und Sommai Molbaek im Sinema Transtopia Tickets

Janus Metz & Sine Plambech, Dänemark, Thailand 2018, 90 Min., OmeU

Filmvorführung (in Dänisch und Thai, Original mit englischen Untertiteln) und Online-Gespräch (in Englisch) mit Sine Plambech und Sommai Molbaek.

In einer kleinen, windgepeitschten Fischergemeinde an der Nordküste Dänemarks leben 926 Thai-Frauen. Vor 25 Jahren gab es noch keine. Heartbound ist eine einzigartige Studie über dieses beispiellose Netzwerk von thailändisch-dänischen Ehen. Der über zehn Jahre gedrehte Film folgt vier Paaren und ihren Kindern und dokumentiert, wie sich ihr Leben entwickelt und welche wirtschaftlichen und emotionalen Beziehungen sie miteinander verbinden. Eine faszinierende Erkundung der Globalisierung anhand der intimen Kulisse von Ehe und Familie. (SU)

3.5.2024

20-22 Uhr »We don’t dance for nothing« (2022) Filmvorführung (ENG, FIL, Kantonesisch, OmeU) und Online-Gespräch mit Stefanos Tai (ENG) im Sinema Transtopia Tickets

Filmvorführung (in Englisch und Filipino und Kantonesisch, Original mit englischen Untertiteln) und Online Gespräch mit Stefanos Tai (in Englisch)

We Don’t Dance for Nothing ist eine Fotomontage, ein Liebesbrief an die philippinischen Hausangestellten in Hongkong. Stefanos Tais Film folgt einer jungen Hausangestellten, die sich befreien und ihren Träumen von Unabhängigkeit, Liebe und Mutterschaft folgen will. Der Film wurde während der Proteste in Hongkong im Jahr 2019 auf Super 16 gedreht und besteht aus einer Mischung aus Standbildern und Live-Action-Filmen. Tai berührt LGBTQ+-Themen, Fragen der Arbeiter*innenrechte und die sich verändernde politische Landschaft Hongkongs und fängt Momente der Freude inmitten des Kampfes ein. Indem er die von philippinischen Hausangestellten empfundene Gefangenschaft und die Freiheit, die sie im Tanz finden, anschaulich zum Ausdruck bringt, geht Tais Film über die (falschen) Darstellungen ihrer Gemeinschaft in den Medien hinaus und zeigt sie als Menschen voller Talent, Freude und Anmut. (SU)

4.5.2024

18-20 Uhr »Westwärts« (1992), Filmvorführung und Gespräch (DE) mit Susanne Wycisk im Sinema Transtopia, 20-22 Uhr »BOON RAWD« (ผู้หญิงคนนั้นชื่อบุญรอด 1985) Filmvorführung (THA, ENG, OmeU) im Sinema Transtopia Tickets

Westwärt

Susanne Wycisk & Foundation for Women, Thailand, Westdeutschland 1992, 50 Min., OF

Als Ergebnis des deutsch-thailändischen Dialogprojekts im Jahr 1980 wurde dieses bilaterale Filmprojekt – ursprünglich unter dem Titel »Aufbruch« – von der Südostasien Infostelle (Bochum) und der Stiftung für Frauen Thailand entwickelt: mit einem Team bestehend aus Susanne Wycisk, Rangsima Limpisawas und Usa Lerdsrisuntad. Gemeinsam drehten sie einen der frühesten Dokumentarfilme über das Leben südostasiatischer Frauen (Thailänderinnen und Filipina) in westdeutschen Städten wie Bochum, Hamburg, Frankfurt am Main und West-Berlin,
in dem sie ihr soziales Miteinander, ihren Alltag und die Diskriminierungen, denen sie ausgesetzt waren, reflektierten. Das Rohmaterial des Films, das im Archiv für alternative Schriften (AFAS, Duisburg) aufbewahrt wird, wird für die Ausstellung IN NOBODY’S SERVICE und für einen zukünftigen Film von Sarnt Utamachote verwendet, der noch in der Entwicklung ist. (SU)

Boon Rawd ผู้หญิงคนนั้นชื่อบุญรอด

Vijitra Kunawut (วิจิตร คุณวุฒิ), Thailand 1985, 128 Min., OmeU

Während des US-amerikanischen Vietnamkriegs kehrt Boon Rawd, eine temperamentvolle junge Frau, in ihr Heimatdorf zurück, um Trost und Arbeit zu finden, nachdem sie von ihrem Arbeitgeber vergewaltigt wurde. Zu Hause stellt sie fest, dass viele Frauen aus finanzieller Verzweiflung Leih-Ehefrauen für die amerikanischen Soldaten auf dem Luftwaffenstützpunkt in der Nähe ihres Dorfes geworden sind. Sie ist entschlossen, nicht denselben Weg einzuschlagen, sieht sich aber mit harten Anfeindungen und Missverständnissen von ihrer Umgebung konfrontiert, als sie eine echte Zuneigung zu Robert Harry, dem Chefmechaniker des Luftwaffenstützpunkts, entwickelt. Der Film basiert auf dem populären Roman Phu Ying Khon Nan Chue Boonrod (1980) der bekannten thailändischen Autorin Supa Sirisingh (die unter dem Pseudonym Botan auftrat).

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2.5.2024

8-10pm »Heartbound – A different kind of love story« (2018) Film (DA & THA, with English subtitles) and online conversation with Sine Plambech and Sommai Molbaek (ENG) at Sinema Transtopia Tickets

Janus Metz & Sine Plambech, Denmark, Thailand 2018, 90 Min., OV with English subs

In a small, wind-swept fishing community on the Northern coast of Denmark live 926 Thai-women. 25 years ago there were none. Heartbound is a unique study of this unprecedented network of Thai/Danish marriages. Shot over ten years, it follows four couples and their children, documenting how their lives develop alongside the economic and emotional bonds that tie them together. A fascinating exploration of globalization set on the intimate stage of marriage and family. (SU)

3.5.2024

8-10pm »We don’t dance for nothing« (2022) film (ENG, FIL & Cantonese, with English Subtitles) and online-conversation with Stefanos Tai (English) at Sinema Transtopia Tickets

Stefanos Tai, Philippines, Hong Kong 2022, 86 Min., OV with English subs

We Don’t Dance for Nothing is a photo-montage love letter to the Filipina domestic workers of Hong Kong. Stefanos Tai’s film follows a young domestic worker who wants to break free and follow her dreams of independence, love and motherhood. Captured on Super 16 during the Hong Kong protests of 2019, the film’s imagery is a blend of stills and live-action footage. Tai touches upon LGBTQ+ themes, issues of workers‘ rights, and Hong Kong’s changing political landscape, capturing moments of joy amidst struggle. By vividly expressing the entrapment felt by Filipina domestic workers and the freedom they find in dance, Tai’s film moves beyond media (mis)representations of their community and shows them as people full of talent, joy and grace. (SU)

4.5.2024

6-8pm »Westwärts« (1992) film und conversation (GER) with Susanne Wycisk at Sinema Transtopia and 8-10pm »BOON RAWD« (ผู้หญิงคนนั้นชื่อบุญรอด 1985) film screening (THA & ENG, with English subtitles) at Sinema Transtopia Tickets

Westwärts

Susanne Wycisk & Foundation for Women, Thailand, West German 1992, 50 Min., OV
In 2020, whilst searching through the storage of Banying Berlin, curator Sarnt Utamachote found a VHS tape. It turned out to be Westwärts: Südostasiatinnen in der BRD, one of the earliest documentary films about the lives of Southeast Asian women (Thai and Filipina) in West German cities such as Bochum, Hamburg, Frankfurt and West Berlin. Initiated by Southeast Asia Information Center (Südostasien Infostelle, Bochum) in cooperation with Foundation for Women Thailand, the team behind the documentary consisted of researchers and activists on women’s issues. Now digitized and the raw footage held at the Archive of Alternative Writings (AFAS, Duisburg), the documentary stands as an important reflection on the social interactions, daily routines and discriminations faced by these women. Following this screening as part of IN NOBODY’S SERVICE, the footage is being used by Utamachote for a new film work. (SU)

Boon Rawd ผู้หญิงคนนั้นชื่อบุญรอด

Vijitra Kunawut (วิจิตร คุณวุฒิ), Thailand 1985, 128 Min., OV with English subs

During the U.S. Vietnam War, Boon Rawd, a feisty young woman returns to her hometown to seek solace and work after she is violated by her employer. Back home, she realizes many women have, out of financial desperation, become rent wives for the American soldiers at the military airbase near her village. She is determined not to go down the same route but faces harsh insults and misunderstandings from those around her when she develops a genuine bond with Robert Harry, the head mechanic of the airbase. The film is based on a popular novel, Phu Ying Khon Nan Chue Boonrod (1980), by the prominent Thai female author Supa Sirisingh aka Botan. (SU)

12 – 14 Uhr Offener Vortrag und Austausch (in Englisch) im Rahmen des Gallery Weekend »Trading our sweat for their money«, über die Geschichte, Erfahrungen und kulturelle Produktion thailändischer Arbeitsmigrant*innen in Israel mit Shahar Shoham, moderiert von Rosalia Namsai Engchuan

»Tausch unseres Schweißes gegen ihr Geld« ist ein Zitat aus einem Lied thailändischer Feldarbeiter*innen in Israel. Das Lied ist Teil kollektiver Reflexionen und Ausdrucksformen ihrer Migrationserfahrungen vom Isaan, im Nordosten Thailands, zu den Obst-, Blumen- und Gemüsefarmen in Israel. Wenn man in einem deutschen Supermarkt nach Orangen oder Avocados aus Israel greift, ist die Wahrscheinlichkeit groß, dass sie von einem thailändischen Erntehelfer*innen geerntet wurden. Thailändische Arbeitsmigrant*innen sind für den israelischen Agrarsektor, der in den letzten vier Jahrzehnten von ihrer Arbeitskraft abhängig geworden ist, unverzichtbar. Die Aufnahme thailändischer Arbeitsmigrant*innen in Israel ist jedoch stark reglementiert und an bestimmte Bedingungen geknüpft: Sie dürfen nur für eine begrenzte Zeit in der Landwirtschaft arbeiten und werden durch eine Migrationspolitik kontrolliert, die darauf abzielt, ihre marginalisierte Position in Israel beizubehalten. Ihre Migrationswege sind konkrete Manifestationen größerer historischer und geopolitischer Verstrickungen: der amerikanische Krieg in Vietnam, die interne Kolonisierung des Isaan – einer Region im Nordosten Thailands – durch neoliberale Migrationspolitik, die als »Entwicklungs«-Initiativen ausgegeben wird, und die transnationale Produktion eines Stereotyps des »idealen« thailändischen Landarbeiter*innen als gefügig und gehorsam. In einem öffentlichen Vortrag wird Shahar Shoham, eine Anthropologin und Aktivistin, die mit thailändischen Landarbeitern in Israel und Thailand zusammenarbeitet, über ihre Forschungen und Bemühungen berichten, die Erzählungen und Erfahrungen von Migrant*innen in den Mittelpunkt zu stellen.

Shahar Shoham ist Doktorandin in Global and Area Studies am Institut für Asien- und Afrikastudien der Humboldt-Universität. Ihre ethnografische Forschung bietet eine neue Perspektive auf das thailändisch-israelische Arbeitsmigrationsregime, indem sie die Erfahrungen thailändischer Arbeitsmigrant*innen in Israel sowie die ihrer Herkunftsgemeinschaften in Thailand in den Mittelpunkt stellt. Shoham hat einen B.A. in Philosophie und Ostasienwissenschaften von der Universität Tel Aviv und einen M.A. in Global Studies von der Humboldt-Universität. Sie erhielt Stipendien des DAAD und der Hans-Böckler-Stiftung. Zuvor leitete Shoham die Abteilung für Migranten und Flüchtlinge bei der Nichtregierungsorganisation »Ärzte für Menschenrechte-Israel«.

15 – 17 Uhr Kurator*innenführung mit Sarnt Utamachote (in Englisch, Deutsch oder Thai)

17 – 19 Uhr Publikationsvorstellung von Mutating Kinship Lab 2023 (auf Englisch)

Mutating Kinship Lab (MKL) ist eine künstlerische Denkwerkstatt, die sich der Förderung des Dialogs und der Zusammenarbeit innerhalb der Künstler*innengemeinschaft der asiatischen Diaspora in Deutschland verschrieben hat. Der Schwerpunkt liegt dabei auf Archivierungsinitiativen, dem Aufbau eines Unterstützungsnetzwerks und dem Austausch von Ressourcen. Im Jahr 2022 reagierte die Initiative auf die drängenden Fragen der prekären Lebens- und Arbeitsbedingungen der asiatischen Diaspora mit einer Reihe von Workshops und der Veröffentlichung eines Kunstbuchs. Im Jahr 2023 konzentrierte sich die MKL auf das postpandemische Publikum, indem sie Anti-Fragilität und Brave Spaces erforschte, die den kritischen Diskurs mit dem weißen Publikum fördern.

Ariel William Orah ist ein in Berlin lebender indonesischer Künstler, Community-Katalysator und Kulturschaffender. Er ist Mitbegründer der kollaborativen Plattform und Künstlergruppe Soydivision, des auf Empathie ausgerichteten Klangkünstler*innenkollektivs L-KW und der von Künstler*innen der asiatischen Diaspora geleiteten Denkfabrik Mutating Kinship Lab. Hany Tea ist eine interdisziplinäre Künstlerin, Aktivistin und Community-Organisatorin. Sie ist Mitglied von DAMN*, einem Aktivist*innenkollektiv und einer politischen Plattform, die die Stimmen der asiatischen Diaspora in Deutschland gegen die sich überschneidende Diskriminierung durch politische Community-Organisation, Bildung und Empowerment verbindet, verstärkt und mobilisiert.

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Curator’s tour, open lecture and launch of a publication

12-2pm Open Lecture and Exchange (in English) as part of the Gallery Weekend »Trading our sweat for their money«, on the histories, experiences, and cultural production of Thai migrant workers in Israel with Shahar Shoham, moderated by Rosalia Namsai Engchuan

»Trading our sweat for their money« is a quote from a song by a Thai farmworker in Israel. The song is part of collective reflections and expressions of their migration experiences from Isaan in the Northeast of Thailand to the fruits, flowers and vegetables farms of Israel. When browsing the aisles of a German supermarket and reaching for oranges or avocados from Israel, there’s a high probability they were harvested by a Thai farmworker. Thai migrant workers are essential to the Israeli agricultural sector, which has become dependent on their labor in the past four decades. The welcoming of Thai migrants to Israel is however heavily regulated and extremely conditional: they are only allowed to work in the agricultural sector for a limited time and are controlled by migration policies which aim to maintain their marginalized position while in Israel. Their migration pathways are concrete manifestations of larger historical and geopolitical entanglements: the American war in Vietnam, the internal colonization of Isaan – a region in the Northeast of Thailand – through neoliberal migration policies framed as »development« initiatives and the transnational production of a stereotype of the »ideal« Thai farmworker as docile and obedient. In an open lecture, Shahar Shoham, an Anthropologist and activist working with Thai farmworkers in Israel and Thailand, will share on her research and efforts to center migrant narratives and experiences. 

Shahar Shoham is a doctoral candidate in Global and Area Studies at the Institute for Asian and African Studies at Humboldt University. Her ethnographic research provides a new perspective on the Thailand-Israel labor migration regime by centering the experiences of Thai migrant farmworkers in Israel as well as their sending communities in Thailand. Shoham holds a B.A in Philosophy and East Asia Studies from Tel Aviv University, and an M.A in Global Studies from Humboldt University. She received scholarships from the DAAD and the Hans-Böckler-Stiftung. Previously, Shoham managed the migrants and refugee department in the NGO »Physicians for human rights-Israel«.

3-5pm Curator’s tour with Sarnt Utamachote (in English, German or Thai)

5-7pm Publication Launch of Mutating Kinship Lab 2023 (in English)

Mutating Kinship Lab (MKL) is an artistic think-tank entitiy dedicated to fostering dialogue and collaboration within the Asian diaspora artist community in Germany with a primary focus on archival initiatives, building a network of support, and sharing resources. In 2022, the initiative responded to the pressing issues of precarious living and working conditions faced by the Asian diaspora through a series of workshop and art book publication. In 2023, MKL focused on the post-pandemic audienceship by exploring Anti-Fragility and Brave Spaces, which promote critical discourse with white audiences.

Ariel William Orah is a Berlin-based Indonesian artist, community catalysator, and cultural practitioner. He co-founded the collaborative platform and artist group Soydivision, the empathy-driven sound artist collective L-KW, and Asian-diaspora artist-led think thank entity Mutating Kinship Lab. Hany Tea is an interdisciplinary artist-activist and community organiser. She is a member of DAMN*, an activist collective and political platform that connects, amplifies and mobilises voices of the Asian diaspora in Germany against intersecting discrimination through political community organising, education and empowerment.

06. April 2024
11-13 Uhr Kuratorinnenführung mit Sarnt Utamachote (in Englisch, Deutsch oder Thai) mit Übersetzung in Filipino
13-14 Uhr »Somtam Manifesto« von Mon Sisu Satrawaha (in Englisch), eine Mitmach-Performance mit Essen Ort: Galerie Wedding

Diese Performance ist Teil der ausgestellten Installation. In Anlehnung an ein altes siamesisches Sprichwort, das besagt, dass »eine Frau nach dem Klang ihres Mörsers beurteilt wird«, wird die Künstlerin das Publikum einladen, mit ihr Papayasalat zu machen. Diese Strategie, Essen als Gemeinschaftsachse und Ausgangspunkt für Diskussionen über Rechte zu nutzen, wurde auch in der Vergangenheit von vielen Aktivistinnen angewandt. Durch das Zusammenkommen entstehen Klänge, die womöglich eine Revolte auslösen können.

15-18 Uhr »Rosas ng Digma« Musik-Jam-Workshop mit dem Kollektiv Gabriela
Germany (in Englisch und Filipino)
Ort: Galerie Wedding
Anmeldung erforderlich: post@galeriewedding.de

Lieder und Gedichte zur Feier und Ehrung der Frauen im Kampf für Freiheit und Demokratie. Bei dieser Veranstaltung werden Lieder und Gedichte vorgetragen, die den unermesslichen Beitrag der Frauen im Kampf für Freiheit und Demokratie auf den Philippinen und darüber hinaus herausstellen. In die Performances werden Kurzgeschichten und Erzählungen über die Auswirkungen dieser progressiven kulturellen Beiträge in diesem Kampf eingestreut. Der Titel der Veranstaltung „Rosas ng digma“ ist ein Lied, das 2001 von Musikang Bayan veröffentlicht wurde und eine Hommage an die Frauen ist, die ihr Leben dem Kampf widmen.

20-22 Uhr Lesung aus eigenem Gedicht und Buch (in Englisch und Deutsch) mit Analie Gepulani
Neiteler und Anika Baluran Schäfer
Ort: Galerie Wedding
Anmeldung erforderlich: Bitte hier anmelden

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6 April 2024
11am-1pm Curator’s tour (in English or German or Thai) with Filipino translation
1-2pm Food-related Participatory Performance »Somtam Manifesto« (in English) by
Mon Sisu Satrawaha
Location: Galerie Wedding

This performance is a part of the installation exhibited, based on the old Siamese proverb that »judges the women by the sounds of her mortar«, the artist will invite audiences to make papaya salad with her. This strategy of using food as a community axis and beginning point of discussion on rights has been utilised by many activists in the past as well. Creating sounds of, perhaps, revolt by coming together.

3-6pm »Rosas ng Digma« (Rose of the War/Struggle, in English and Filipino) Music
Jam Workshop by collective Gabriela Germany
Location: Galerie Wedding
Registration required: post@galeriewedding.de

Songs and poems to celebrate and honour the women in the struggle for freedom and democracy. This event showcases performances of songs and poems highlighting the invaluable contributions of women in advancing the struggle for freedom and democracy in the Philippines and beyond. Short stories as well as narratives on the impacts of these progressive cultural performances in the struggle will be interspersed in the performances. The event title »Rosas ng digma« is a song released by Musikang Bayan in 2001 that pays homage to the women who dedicate their lives to the struggle.

8-10pm Collective reading from poem and book (in English and German) with Analie Gepulani Neiteler and Anika Baluran Schäfer
Location: Galerie Wedding
Registration required: Please register here

Veranstaltungen als Teil der Woche gegen Rassismus

21. März 2024
16-18 Uhr Kurator*innenführung mit Sarnt Utamachote (in Englisch, Deutsch oder Thai)
18-20 Uhr Performance »What kind of woman?«, eine interaktive Langzeitperformance von Raksa Seelapan als Teil der Woche gegen Rassismus

Seelapan lädt das Publikum ein, mit ihren Auftritten zu interagieren, entweder aus der Ferne, indem sie auf das digitale Whiteboard schreibt, oder aus der Nähe, indem sie direkt auf einen zugeht. Hier wird sie selbst zu einer lebenden Leinwand, die es erlaubt, ihr Aussehen, ihre Kleidung und ihr Verhalten zu beurteilen und im Hinblick auf gesellschaftliche Normen, persönliche Interpretationen und die Angst vor Intimität zu erforschen, mit dem mittlerweile der Körper einer asiatischen Frau behaftet ist. Sie hinterfragt schließlich das Recht des Körpers, sexuell, sinnlich, einschüchternd und provokativ zu sein. Der Höhepunkt am Ende der Ausstellung zielt darauf ab, diese Ergebnisse in eine abschließende Darstellung auf der Finissage zu verwandeln.

Siehe auch: IN NOBODY’S SERVICE | What kind of woman? – Stiftung gegen Rassismus (stiftung-gegen-rassismus.de)

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Events as part of the Week Against Racism

21. March 2024
4-6pm Curator’s tour with Sarnt Utamachote (in English or German or Thai)
6-8pm Performance »What kind of woman?« Durational interactive piece by Raksa Seelapan as part of Week Against Racism

Raksa invites the audience to interact with her appearances, either from afar by writing on the digital whiteboard, or from nearby by directly approaching her. Here she becomes a living canvas, allowing her appearance, dress, and behaviour to be judged and explored in terms of societal norms, personal interpretations, fear of intimacy, now embedded in the Asian women body. She questions ultimately the bodily rights to be sexual, sensual, intimidating, and provocative. The culmination at the exhibition’s end aims to transform these outcomes into a final presentation at the Finissage.

See also: IN NOBODY’S SERVICE | What kind of woman? – Stiftung gegen Rassismus (stiftung-gegen-rassismus.de)

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Sa Serbisyo sa Walang Sinuman

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Sa Serbisyo sa Walang Sinuman

08.03. bis 18.05.2024

28.04.2024 von 12 – 14 Uhr Offener Vortrag und Austausch (in Englisch) im Rahmen des Gallery Weekend »Trading our sweat for their money«, über die Geschichte, Erfahrungen und kulturelle Produktion thailändischer Arbeitsmigrant*innen in Israel mit Shahar Shoham, moderiert von Rosalia Namsai Engchuan, 15-17 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA) anlässlich des Gallery Weekend, 17-19 Uhr Launch der Publikation »Mutating Kinship Lab 2023« (ENG)

02.05.2024 von 15-17 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA), 20-22 Uhr »Heartbound – A different kind of love story« (2018) Filmvorführung (DA & THA, OmeU) und Online-Gespräch (ENG) mit Sine Plambech und Sommai Molbaek im Sinema Transtopia

03.05.2024 von 20-22 Uhr »We don’t dance for nothing« (2022) Filmvorführung (ENG, FIL, Kantonesisch, OmeU) und Online-Gespräch mit Stefanos Tai (ENG) im Sinema Transtopia

04.05.2024 von 14-16 Uhr Interaktiver Wedding-Stadtrundgang mit Vertreter*innen von Ban Ying (DE, ENG), 18-20 Uhr »Westwärts« (1992), Filmvorführung und Gespräch (DE) mit Susanne Wycisk im Sinema Transtopia, 20-22 Uhr »BOON RAWD« (ผู้หญิงคนนั้นชื่อบุญรอด 1985) Filmvorführung (THA, ENG, OmeU) im Sinema Transtopia                                                              

18.05.2024 von 14-15 Uhr Performance »The Brainless Dancer« von Fah Passion-Asasu, 15-17 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA) mit philippinischer Verköstigung, 18-19 Uhr Performance »Unidentified« von Liad Hussein Kantoworicz, 20-21 Uhr Perfomance von Raksa Seelapan

Vergangene Veranstaltungen

07.03.2024 von 17-22 Uhr Vernissage mit Führung von Sarnt Utamachote und Künstler*innengespräch (ENG) mit thailändischer Verköstigung.

21.03.2024 von 16-18 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA), 18-20 Uhr: Performance »What kind of woman?«, eine interaktive Langzeitperformance von Raksa Seelapan als Teil der Woche gegen Rassismus 

06.04.2024 von 11-13 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA) mit Übersetzung in Filipino, 13-14 Uhr »Somtam Manifesto« von Mon Sisu Satrawaha (ENG), eine Mitmach-Performance mit Essen, 15-18 Uhr »Rosas ng Digma« Musik-Jam-Workshop mit dem Kollektiv Gabriela Germany (ENG & FIL), 20-22 Uhr Lesung aus eigenem Gedicht und Buch (ENG & DE) mit Analie Gepulani Neiteler und Anika Baluran Schäfer 

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EVENTS IN NOBODY’S SERVICE

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Sa Serbisyo sa Walang Sinuman

28.04.2024 12-2pm Open Lecture and Exchange (in English) as part of the Gallery Weekend »Trading our sweat for their money«, on the histories, experiences, and cultural production of Thai migrant workers in Israel with Shahar Shoham, moderated by Rosalia Namsai Engchuan, 3-5pm Curator’s tour (ENG, GER or THA) during Gallery Weekend and 5-7pm publication launch »Mutating Kinship Lab 2023« (ENG)

02.05.2024 3-5pm Curator’s tour at Galerie Wedding (ENG, GER or THA) and 8-10pm »Heartbound – A different kind of love story« (2018) Film (DA & THA, with English subtitles) and online conversation with Sine Plambech and Sommai Molbaek (ENG) at Sinema Transtopia

03.05.2024 8-10pm »We don’t dance for nothing« (2022) film (ENG, FIL & Cantonese, with English Subtitles) and online-conversation with Stefanos Tai (English) at Sinema Transtopia

04.05.2024 2-4pm interactive Wedding City Tour and conversation with representatives of Ban Ying (GER, ENG), 6-8pm »Westwärts« (1992) film und conversation (GER) with Susanne Wycisk at Sinema Transtopia and 8-10pm »BOON RAWD« (ผู้หญิงคนนั้นชื่อบุญรอด 1985) film screening (THA & ENG, with English subtitles) at Sinema Transtopia

18.05.2024 2-3pm Public Durational Performance »The Brainless Dancer« by Fah Passion-Asasu, 3-5pm Curator’s tour (ENG, GER or THA) with Filipino food, 6-7pm Durational Performance »Unidentified« by Liad Hussein Kantoworic and 8-9pm Closing Durational Performance by Raksa Seelapan

Past Events

07.03.2024 5-10pm Opening with curator’s tour and artists talk (ENG) and Thai food

21.03.2024 4-6pm Curator’s tour (ENG, GER or THA) and 6-8pm Performance »What kind of woman?« Durational interactive piece by Raksa Seelapan as part of Week Against Racism

06.04.2024 11am-1pm Curator’s tour (ENG, GER or THA) with Filipino translation, 1-2pm Food-related Participatory Performance »Somtam Manifesto« by Mon Sisu Satrawaha (ENG), 3-6pm »Rosas ng Digma« (Rose of the War/Struggle) Music Jam Workshop by collective Gabriela Germany (ENG & FIL), 8-10pm Reading from poem and the book (regiospectra 2022) (ENG & GER) with Analie Gepulani Neiteler and Anika Baluran Schäfer 

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Sa Serbisyo sa Walang Sinuman

08.03. bis 18.05.2024

Eröffnung am 07.03.2024 von 17 bis 22 Uhr

Eine Ausstellung von Sarnt Utamachote & Wisanu Phu-artdun, Rosalia Namsai Engchuan, Natthapong Samakkaew, Jasmin Werner, Mon Sisu Satrawaha, Bussaraporn Thongchai und Krisanta Caguioa-Mönnich. 

Künstler*innen des Programms Kollektiv Gabriela Germany, Ban Ying Unterkunft und Beratungsstelle für migrantische Frauen*, Raksa Seelapan, Fah Passion-Asasu, Liad Hussein Kantoworicz, Analie Gepulani Neiteler & Anika Baluran Schäfer, Sine Plambech & Sommai Molbaek, Stefanos Tai, Susanne Wycisk, Vijitra Kunawut

Kuratiert von Sarnt Utamachote als Teil des Ausstellungsprogramms POLY 2024 in der Galerie Wedding

In Zusammenarbeit mit Woche gegen Rassismus, Thaispora Podcast, Sinema Transtopia, Ban Ying Berlin und Gabriela Germany

Was ist Pflege, wenn sie sich von den Kund*innen abwendet und zu den Anbieter*innen selbst zurückkehrt? 

Das Projekt nimmt die extrem gewalttätigen Klischeebilder, die insbesondere auf thailändische und philippinische Frauen und queere Körper projiziert werden, als seinen Ausgangspunkt. Einige von uns wurden bei der Beantragung eines Visums gefragt, ob wir mit einem deutschen Mann verheiratet seien, andere wurden als »Frauen aus dem Katalog«, wieder andere als »Prostituierte« oder »Dienstmädchen« bezeichnet. 

Diese rassistischen Ausdrücke haben uns, das Kollektiv un.thai.tled, dazu veranlasst, uns mit solchen Geschichten und – leider – auch mit der Realität unserer »Schwestern« und »Tanten« auseinanderzusetzen. Ein Forschungsstipendium der Akademie der Künste im Jahr 2022 ermöglicht es uns, unsere bereits begonnene Zusammenarbeit mit der thailändischen Anwohnerschaft am Preußenpark (»Thai Park«, Berlin) fortzusetzen. 

Das Ergebnis ist die Ausstellung und das Programm IN NOBODY’S SERVICE als integraler Teil des POLY-Programms der Galerie Wedding mit einem multidisziplinären, polysemischen Fokus auf Geschichtsschreibung, Arbeit, Liebe und Fürsorge in der zeitgenössischen Kunstpraxis.

Die Migrationsgeschichten aus Thailand und den Philippinen in den Westen sind von den amerikanischen Einflüssen und der Kolonialisierung der Region geprägt. Sie sind die direkte Konsequenz der Präsenz von Militärbasen der weißen Kolonisatoren in den jeweiligen Ländern, mitsamt ihrer Begierden, welche die geschlechtsspezifische Migration, die sich über die Jahre entwickelt hat, maßgeblich mitbedingen.

Im Zuge der sich hierzu parallel entwickelnden Interessen Westdeutschlands am Tourismus und dem Austausch an Arbeitskräften – in der Sex-, Pflege- und Reproduktionsindustrie – entstanden beispielsweise Heiratsagenturen in Berlin (die einen prospektiven Ehemann mit einer potenziellen Ehefrau zusammenbrachten) oder billige Dienstmädchenagenturen in Entwicklungsländern sowie Bordelle und Massagesalons in Frankfurt am Main und Hamburg. Hier wurden unsere Körper zu bloßen »Dienstleistungserbringern« gemacht – was notgedrungenermaßen zu Fragen wie denen bei der Visumbeantragung führt.

Sind wir »diese Art Frau«?

Gleichzeitig sehen wir aber auch in eben diesen, uns unterdrückenden Räumen das Potenzial und die Möglichkeit, sie in Orte der Fürsorge, des Trostes und des Wissens umzugestalten. Das Projekt IN NOBODY’S SERVICE zielt darauf ab, diese Vergangenheit, die mit unserer Gegenwart eng verbunden ist, als Material für eine künstlerische Zusammenarbeit mit unseren »Schwestern« und »Tanten« zu nutzen. Durch das Hervorheben der nicht-biologischen Verwandtschaft und unserer Beziehungshaftigkeit versuchen wir, uns auf die Gemeinsamkeiten in unseren Kämpfen und die daraus entstandene Empathie zu konzentrieren. Wir entstigmatisieren für uns diesen Dienstleistungssektor (einschließlich der Sexarbeit), nehmen ihm seine negativen Konnotationen und ergreifen die Chance, unsere Rechte auf Heilung und dauerhafte Befreiung zurückzufordern.

Wenn »jene Art« und »diese Art« zusammenkommen, dann sind wir unschlagbar.

An der Schnittstelle von Klasse, Geschlecht, Sexualität und – wenn man so sagen darf – Träumen würdigt IN NOBODY’S SERVICE den sich neu geformten Realitäten jenseits ihrer weißen Ehemänner oder der gesellschaftlichen Verhältnisse – jetzt für uns verfügbar, jetzt in niemandes Diensten. 

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IN NOBODY’S SERVICE

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Sa Serbisyo sa Walang Sinuman

An exhibition by: Sarnt Utamachote & Wisanu Phu-artdun, Rosalia Namsai Engchuan, Natthapong Samakkaew, Jasmin Werner, Mon Sisu Satrawaha, Bussaraporn Thongchai and Krisanta Caguioa-Mönnich. 

Program Artists: Collective Gabriela Germany, Ban Ying shelter house and consultant service for migrant women, Raksa Seelapan (with Fah Passion-Asasu, Liad Hussein Kantoworicz), Analie Gepulani Neiteler & Anika Baluran Schäfer, Sine Plambech & Sommai Molbaek, Stefanos Tai, Susanne Wycisk, Vijitra Kunawut

Curated by Sarnt Utamachote as part of the exhibition program POLY 2024 at Galerie Wedding

In collaboration with Week Against Racism, Thaispora Podcast, Sinema Transtopia, Ban Ying Berlin and Gabriela Germany

What is care, if turned away from the customers, back to the providers themselves? 

The project departs from the extremely violent cliché images that are projected on especially Thai and Filipina women and queer bodies. Some of us have been asked »are you married to a German guy? « during our visa application, some have been called »women from the catalogue«, some »prostitute«, some »maids«. These racist words triggered us, collective un.thai.tled, to dig deeper into such histories and, unfortunately, the realities of our »sisters and aunties«. A research grant by Akademie der Künste in 2022 therefore allows us to continue our trajectory from previous engagement with the Thai community in Preußenpark (»Thai Park«, Berlin). The result is the exhibition and programme IN NOBODY’S SERVICE, as part of the POLY programme of Galerie Wedding, focusing on a multidisciplinary polysemic approach to history writing, labour, love, and care in contemporary arts practice. 

Migration histories from Thailand and Philippines to the West have been shaped by American influences and colonisation in the region and entangled the white colonisers’ military bases and their desires with the conditions of gendered migration after. With West Germany’s parallel interests in tourism and developing labour exchanges – of sex, care and the reproductive industry, it gave birth to, for example, the marriage agencies in Berlin (that linked husband and wife together), or cheap maid agencies across developing countries, the brothels and massage salons in Frankfurt am Main and Hamburg. Here our bodies have been rendered to mere »providers« – resulting in questions like the ones posed at the visa application centre.

Are we »that kind of woman«?

At the same time, we also recognise that these oppressive spaces can be subverted into places of care, comfort, and knowledge. This project aims to allow such a past now entangled in our present to be our material for artistic collaboration with our »sisters and aunties«. Highlighting the non-biological kinship and relationality, we attempt to focus on the proximity of common struggles and empathy that arose. De-stigmatizing this service sector (including sexwork) and its negative connotations on us, we take this as a chance to reclaim our rights to healing and temporal liberation.

When »that kind« and »this kind« come together, then we are unbeatable.

Via the intersection of class, gender, sexuality, and – if we may say – dreams, IN NOBODY’S SERVICE recognises the carved-out realities beyond the realms of their white husbands or social conditions – now available for us, now in nobody’s service.

In dieser Ausstellung wird der Raum als Lounge oder als „Downtime Salon“ dargestellt, der widerspiegelt, wie Klang, Licht und räumliches Mapping eingesetzt werden, um für den*die Besucher*in Sphären der Resonanz zu schaffen. Diese Sphären verbinden physische Wesen in einer öffentlichen Umgebung und formen einen performativen Zeit-Raum von Zwischenmomenten, in dem sich ein gleichzeitiges Gefühl von Nichts und Alles entfaltet.“ Nile Koetting

Gewinne noch mehr Einblick in unsere aktuelle Ausstellung bei der kuratorischen Führung am 20.02. um 19 Uhr mit Nile Koetting und Nitsan Margaliot.

[EN]
“In this show, the space is rendered as a lounge or a „Downtime Salon,“ reflecting how sound, light, and spatial mapping are used to create spheres of resonance for the visitor. These spheres interconnect physical beings in a public setting, shaping a performative time-space of in-between moments where a simultaneous sense of nothing and everything unfolds.” Nile Koetting

Learn more about our current exhibition by taking part in the exhibition tour with Nile Koetting and Nitsan Margaliot on February 20th at 7 pm.

Buchlaunch mit Kathrin Becker, Solvej Helweg Ovesen, Nitsan Margaliot, Felicia Ewert, Maxi Wallenhorst und dem Distanz Verlag

18.01.2024 von 17 bis 19:30 Uhr

Wir haben aufregende Neuigkeiten:

Das Buch POLY. A Fluid Show ist endlich da. 

Daher würden wir Sie gerne zum Book Launch am Donnerstag, 18.01.2024, von 17 bis 19:30 Uhr zu uns in die Galerie Wedding in die Ausstellung POLYHARMONY von Nile Koetting einladen.

Im Rahmen der Veranstaltung werden die beteiligten Autor*innen Felicia Ewert und Maxi Wallenhorst die Diskussion aus der Publikation »POLY. A Fluid Show« in der Galerie Wedding fortsetzen.

Programm:
17 Uhr: Kuratorenführung von »POLYHARMONY Downtime Salon 23-24« mit Nitsan Magaliot 
18 Uhr: Kurze Begrüßung von Solvej Helweg Ovesen, Kathrin Becker (Hsg.)
18:10 Uhr: Beitrag von Felicia Ewert: »Queer Existence as a Revolutionary Act, Statement«
18:40 Uhr: Beitrag von Maxi Wallenhorst: »Less than a Utopia, Less than a Mystery«
19 – 19:30 Uhr: Bar 

Von Mono- zu Polykultur

Im globalen Westen haben wir uns bis heute in der Karriere- und Lebensplanung vorwiegend darauf konzentriert, eine Sache gut zu machen (Spezialisierung), eine konsistente Persönlichkeit zu entwickeln (Individualität) und eine Person zu lieben (Monogamie). In der zeitgenössischen Ästhetik geht es noch immer darum, eine Form zu verfeinern (Minimalismus). Doch haben gesundheitliche, ökologische, und politische (Poly-)Krisen nachhaltigen Einfluss auf unser Verständnis des Einzigartigen, des Singulären und des Dominanten. Ein Mehr an Optionen und Lösungsansätzen zeigt, dass wir ein breites Spektrum von Liebe, von Handlungs- und Lebensweisen und ökonomischen wie ökologischen Strategien brauchen, um den durch Kriege, Klimawandel und andere Umbrüche der Gegenwart veränderten Gegebenheiten gewachsen zu sein.

Die Publikation zu den Ausstellungen POLY. A Fluid Show und Emma Talbot im KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst und Polychrome, Polymorph sowie Polyharmony in der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst geht dem Thema der non-binären Weltanschauungen in der Gegenwartskunst nach. Der Katalog enthält sowohl umfassende künstlerische wie wissenschaftliche Recherchen in Texten von Solvej Helweg Ovesen, Felicia Ewert, Katerina Gregos und Maxi Wallenhorst als auch Kurzinterviews und -texte mit den teilnehmenden Künstler*innen: Cibelle Cavalli Bastos, melanie bonajo, Elolo Bosoka, Kerstin Brätsch, Raquel van Haver, Nile Koetting, Toni Mauersberg, Thomias Radin, Na Chainkua Reindorf, Lorenzo Sandoval, Emma Talbot und Mikey Woodbridge.
Eine kleine Vorschau finden Sie hier: POLY. A Fluid Show (distanz.de)

Wir freuen uns sehr über Ihr Kommen.

POLY. A Fluid Show

Herausgeberinnen
Solvej Helweg Ovesen, Kathrin Becker
 
Texte
Cibelle Cavalli Bastos, Kathrin Becker, melanie bonajo, Felicia Ewert, Solvej Helweg Ovesen, Katerina Gregos, Nitsan Margaliot & Nile Koetting, Malte Pieper, Thomias Radin, Emma Talbot, Maxi Wallenhorst, Mikey Woodbridge
 
Redaktion
Malte Pieper
 
Übersetzung
Saskia Köbschall, Lea Pischke 
 
Lektorat
Saskia Köbschall, Malte Pieper
 
Korrektorat
Bärbel Kirchhoff, Lea Pischke

Gestaltung
Studio Yukiko
 
Lithografie
max-color, Berlin
 
Produktion
Charlotte Riggert, DISTANZ Verlag
 
Gesamtherstellung
Gallery Print, Berlin
 
Erschienen im
DISTANZ Verlag
www.distanz.de

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POLY. A Fluid Show

Booklaunch with Kathrin Becker, Solvej Helweg Ovesen, Nitsan Margaliot, Felicia Ewert, Maxi Wallenhorst and the Distanz publishing house

18.01.2024 from 5 until 7:30pm

We have exciting news:
 
The book POLY. A Fluid Show is finally here.

Therefore, we would like to invite you to the book launch on Thursday, 18.01.2024 from 5 to 7:30pm into the exhibition POLYHARMONY by Nile Koetting at Galerie Wedding.

As part of the event, the participating authors Felicia Ewert and Maxi Wallenhorst will continue the discussion from the publication »POLY. A Fluid Show« at Galerie Wedding.

Program:
5 pm: Curator’s tour of „POLYHARMONY Downtime Salon 23-24“ with Nitsan Magaliot 
6 pm: Short welcome by Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Becker (eds.)
6:10 pm: Contribution by Felicia Ewert: „Queer Existence as a Revolutionary Act, Statement“
6:40 pm: Contribution by Maxi Wallenhorst: „Less than a Utopia, Less than a Mystery“
19 – 19:30: Bar

From Mono- to Polyculture

In the global West, our plans for our careers and lives have typically been focused on being good at one thing (specialization), developing a consistent personality (individuality), and loving one person (monogamy). Contemporary aesthetics are still about refining one form (minimalism). Yet health, ecological, and political (poly)crises have a sustained influence on our conception of the unique, the singular, and dominant. A proliferation of options and potential solutions illustrates that we need a wide spectrum of love, of ways of acting and living and economic as well as ecological strategies to grapple with circumstances changed by wars, climate change, and the other upheavals we face today.

The publication accompanying the exhibitions POLY. A Fluid Show and Emma Talbot at the KINDL and Polychrome, Polymorph, and Polyharmony in Galerie Wedding – Raum für Zeitgenössische Kunst, explore the theme of nonbinary worldviews in contemporary art. The catalogue combines essays by Solvej Helweg Ovesen, Felicia Ewert, Maxi Wallenhorst, and Katerina Gregos summarizing extensive artistic and scholarly research with short interviews and texts with and about the participating artists: Cibelle Cavalli Bastos, melanie bonajo, Elolo Bosoka, Kerstin Brätsch, Raquel van Haver, Nile Koetting, Toni Mauersberg, Thomias Radin, Na Chainkua Reindorf, Lorenzo Sandoval, Emma Talbot, and MIKEY Woodbridge.

You can find a small preview here: POLY. A Fluid Show (distanz.de)

We look forward to seeing you there.

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POLY. A Fluid Show

Editors
Solvej Helweg Ovesen, Kathrin Becker

Texts
Cibelle Cavalli Bastos, Kathrin Becker, melanie bonajo, Felicia Ewert, Solvej Helweg Ovesen, Katerina Gregos, Nitsan Margaliot & Nile Koetting, Malte Pieper, Thomias Radin, Emma Talbot, Maxi Wallenhorst, Mikey Woodbridge

Catalogue Editing
Malte Pieper

Translation
Saskia Köbschall, Lea Pischke 

Copy Editing 
Saskia Köbschall, Malte Pieper

Proof Reading
Bärbel Kirchhoff, Lea Pischke

Design
Studio Yukiko

Image Editing
max-color, Berlin

Production Management 
Charlotte Riggert, DISTANZ Verlag

Printing and Binding 
Gallery Print, Berlin

Published by
DISTANZ Verlag
www.distanz.de

07.12.2023 von 19 Uhr bis 22 Uhr Ausstellungseröffnung POLYHARMONY mit »Introspective Étude« Live Intervention von Mari Sawada (Violine)

09.12.2023 um 15 Uhr Gespräch und Führung mit Nile Koetting und Nitsan Margaliot und 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Antoine Mermet (Saxofon)

16.12.2023 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Antoine Mermet (Saxofon)

06.01.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Antoine Mermet (Saxofon)

13.01.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Mari Sawada (Violine)

20.01.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Antoine Mermet (Saxofon)

27.01.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Mari Sawada (Violine)

03.02.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Antoine Mermet (Saxofon)

10.02.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Mari Sawada (Violine)

17.02.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Mari Sawada (Violine)

20.02.2024 um 19 Uhr Gespräch und Führung mit Nile Koetting und Nitsan Margaliot

24.02.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Mari Sawada (Violine)

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Events POLYHARMONY

07.12.2023 from 7pm until 10pm Opening POLYHARMONY and »Introspective Étude« Live Intervention with Mari Sawada (Violin)

09.12.2023 at 3 pm Artist Talk with Nile Koetting and Nitsan Margaliot and 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention von Antoine Mermet (Saxofon)

16.12.2023 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Antoine Mermet (Saxophone)

06.01.2024 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Antoine Mermet (Saxophone)

13.01.2024 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Mari Sawada (Violin)

20.01.2024 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Antoine Mermet (Saxophone)

27.01.2024 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Mari Sawada (Violin)

03.02.2024 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Antoine Mermet (Saxophone)

10.02.2024 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Mari Sawada (Violin)

17.02.2024 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Mari Sawada (Violin)

20.02.2024 at 7pm Artist Talk with Nile Koetting and Nitsan Margaliot 

24.02.2024 at 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Mari Sawada (Violin)

*English version below

Eine Ausstellung von Nile Koetting

Kuratiert von Nitsan Margaliot

Eröffnung am 07.12.2023 von 19 bis 22 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit dem KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

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POLYHARMONY
Downtime Salon 23-24

An exhibition by Nile Koetting

Curated by Nitsan Margaliot

Part of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in collaboration with KINDL – Centre for Contemporary Art
Artistic Direction POLY: Solvej Helweg Ovesen

Opening on 07.12.2023 from 7 to 10 pm

*English version below

Downtime Salon 23 -24

Eine Ausstellung von Nile Koetting

Kuratiert von Nitsan Margaliot

Eröffnung am 07.12.2023 von 19 bis 22 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit dem KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Für POLYHARMONY entsteht in der Galerie Wedding eine Lounge oder „Downtime Salon“ um aufzuzeigen, wie Klang, Licht und räumliches Design eingesetzt werden können, um Resonanzräume zu schaffen. Der Begriff „Polyharmony“ bezieht sich auf eine Struktur, in der zwei oder mehr musikalische Harmonien gleichzeitig erklingen. Koetting spiegelt die japanische Kultur, in welcher sehr viel Wert daraufgelegt wird, dass Situationen harmonisch ablaufen, was durch Redewendungen wie „die Luft lesen“ vermittelt wird. Wenn jemand nicht im Einklang ist, ist diese Person jemand „der die Luft nicht lesen kann“.

Die Ausstellung schafft eine Atmosphäre der Achtsamkeit, die Wege zu verschiedenen Arten des Zuhörens aufzeigt, in der eine Vielzahl von Tönen Vibrationen in ständigem Fluss erzeugt. Im Raum gibt es mehrere Werke, die diese Atmosphäre mitgestalten: eine Maschine, die trinkbares Wasser aus der Luft erzeugt, Ikebana-Blumenarrangements und eine Klanglandschaft, die aus einer entschärften Komposition besteht und in Mustern des endlosen Wartens zirkuliert. Koettings Ausstellung POLYHARMONY ist eine Zusammenarbeit mit dem Berliner Solistenensemble Kaleidoskop.

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POLYHARMONY
Downtime Salon 23-24

An exhibition by Nile Koetting

Curated by Nitsan Margaliot

Part of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in collaboration with KINDL – Centre for Contemporary Art
Artistic Direction POLY: Solvej Helweg Ovesen

Opening on 07.12.2023 from 7 to 10 pm

For POLYHARMONY, a lounge or „downtime salon“ is being created at Galerie Wedding to demonstrate how sound, light and spatial design can be used to create resonant spaces. The term „polyharmony“ refers to a structure in which two or more musical harmonies sound simultaneously. Koetting reflects Japanese culture, where great importance is placed on situations being harmonious, conveyed by phrases such as „reading the air“. If someone is not in harmony, that person is someone „who cannot read the air“.

The exhibition creates an atmosphere of mindfulness that shows ways to different ways of listening, where a variety of sounds create vibrations in constant flux. There are several works in the space that help create this atmosphere: a machine that creates drinkable water from the air, Ikebana flower arrangements and a soundscape consisting of a defused composition that circulates in patterns of endless waiting. Koetting’s exhibition POLYHARMONY is a collaboration with the Berlin soloist ensemble Kaleidoskop.

*English version below

Wir haben aufregende Neuigkeiten:

Das Buch Existing Otherwise | Anders Existieren ist endlich da. 

Daher würden wir Sie gerne zum Book Launch am Freitag, 24.11.2023, von 18 bis 22 Uhr zu uns in die Galerie Wedding einladen.

Anders Existieren (XO) wurde als Ausstellungs- und Diskursprogramm in Berlin und Tamale (Ghana) von Isabel Lewis, Ibrahim Mahama und Solvej Helweg Ovesen konzipiert. Das Buch präsentiert die transformativen Kunstwerke und die Diskurse, die im Rahmen dieses Projektes während der COVID-19-Pandemie entstanden sind. Künstler*innen, Choreograph*innen, Vordenker*innen für Sustainable Leadership und Wissenschaftler*innen reflektieren in Interviews und „Umschulungs“-Vorträgen über die Zukunft des Zusammenlebens, den Umgang mit dem gesellschaftlichen und physischen Kollaps, Recycling sowie den Raum, den die Kunst für die Transformation bietet.

Eine kleine Vorschau finden Sie hier: Anders Existieren | Neu | Programm | KERBER VERLAG

Wir freuen uns sehr über Ihr Kommen und auf ein Wiedersehen.

XO – Existing Otherwise, Anders Existieren
Kerber Verlag 2023

Texte von
Jem Bendell, Övül Ö. Durmuşoğlu, Va-Bene Elikem Fiatsi, Nadine Isabelle Henrich, Isabel Lewis, Ibrahim Mahama, Nitsan Margaliot, Ute Müller-Tischler, Solvej Helweg Ovesen, Malte Pieper, Kathrin Pohlmann, Maja Smoszna

Künstler*innen
Ana Alenso, Dirk Bell, Rüzgâr Buşki, Eli Cortiñas, Sarah Ama Duah, Irene Fernández Arcas, Gloria Höckner, Emily Hunt, Ato Jackson, Anton Kats, Justin F. Kennedy, Sandra Stephanie Kyeraa, Isabel Lewis, Tracy Naa Koshie Thompson, Hannah Toticki, Éva Mag, Rachel Monosov, Ania Nowak, Anna Nowicka, Ingrid Ogenstedt, Dmitry Paranyushkin, Thomias Radin, Jimmy Robert, Moran Sanderovich, Colin Self, Viron Erol Vert, RA Walden, Ziggy Zeitgeist

Herausgegeben von
Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst
Ute Müller-Tischler, Solvej Helweg Ovesen

Gestaltung von
Miriam Busch

Lektorat
Beatrix Joyce
Vreda Marschner

Übersetzung
Lea Pischke
Saskia Köbschall

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XO – Existing Otherwise

We have exciting news:

The book Existing Otherwise | Anders Existieren is finally here.

Therefore, we would like to invite you to the book launch on Friday, 24.11.2023 from 6 to 10pm at Galerie Wedding.

Existing Otherwise (XO) was conceived as an exhibition and discourse program in Berlin and Tamale (Ghana) by Isabel Lewis, Ibrahim Mahama and Solvej Helweg Ovesen. The book presents the transformative artworks and discourses that were created as part of this project during the COVID-19 pandemic. In interviews and „retraining“ lectures, artists, choreographers, visionaries for sustainable leadership and scientists reflect on the future of coexistence, dealing with social and physical collapse, recycling and the space that art offers for transformation.

You can find a little Preview here: Anders Existieren | Neu | Programm | KERBER VERLAG

We are really happy to have you and look forward to seeing you again.

XO- Existing Otherwise
Kerber Verlag 2023

Texts by
Jem Bendell, Övül Ö. Durmuşoğlu, Va-Bene Elikem Fiatsi, Nadine Isabelle Henrich, Isabel Lewis, Ibrahim Mahama, Nitsan Margaliot, Ute Müller-Tischler, Solvej Helweg Ovesen, Malte Pieper, Kathrin Pohlmann, Maja Smoszna

Artists
Ana Alenso, Dirk Bell, Rüzgâr Buşki, Eli Cortiñas, Sarah Ama Duah, Irene Fernández Arcas, Gloria Höckner, Emily Hunt, Ato Jackson, Anton Kats, Justin F. Kennedy, Sandra Stephanie Kyeraa, Isabel Lewis, Tracy Naa Koshie Thompson, Hannah Toticki, Éva Mag, Rachel Monosov, Ania Nowak, Anna Nowicka, Ingrid Ogenstedt, Dmitry Paranyushkin, Thomias Radin, Jimmy Robert, Moran Sanderovich, Colin Self, Viron Erol Vert, RA Walden, Ziggy Zeitgeist

Published by
Galerie Wedding – Space for Contemporary Art
Ute Müller-Tischler, Solvej Helweg Ovesen

Design by
Miriam Busch

Copyediting
Beatrix Joyce
Vreda Marschner

Translation
Lea Pischke
Saskia Köbschall

Ausstellungsverlängerung bis zum 25.11.2023

POLYMORPH

Ein <Wellenfunktionssalon/> 2.0

Eine Ausstellung von Cibelle Cavalli Bastos

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

*English version below

12.10.2023 von 19 bis 21 Uhr AevtarDeprogram: Debugging the Program
Workshop mit Cibelle Cavalli Bastos in der Galerie Wedding. In englischer Sprache. Eintritt frei. Anmeldung an post@galeriewedding.de. Die Platzzahl für Drop-Ins ist begrenzt.

18.10.2023 um 18 Uhr Kuratorinnenführung POLY. A Fluid Show mit Solvej Helweg Ovesen und der Künstler*in Cibelle Cavalli Bastos im KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst, im Maschinenhaus M2. In englischer Sprache. Eintritt frei. Anmeldung vorab online über kindl-berlin.de/diskursprogramm.

– Individuelle Fahrt vom KINDL zur Galerie Wedding –

18.10.2023 um 20 Uhr Kuratorinnenführung POLYMORPH mit Solvej Helweg Ovesen und der Künstler*in Cibelle Cavalli Bastos in der Galerie Wedding. In englischer Sprache. Eintritt frei. Keine Anmeldung erforderlich.

08.11.2023 um 19:30 The Flow Equation/SelfDefrag: Performance von Cibelle Cavalli Bastos im KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst. In englischer Sprache. Eintritt frei. Keine Anmeldung erforderlich.

16.11.2023 von 17 bis 19 Uhr Debinarize/Debinarizing
Workshop mit Cibelle Cavalli Bastos in der Galerie Wedding. In englischer Sprache. Eintritt frei. Anmeldung an post@galeriewedding.de. Die Platzzahl für Drop-Ins ist begrenzt. (Änderung der Uhrzeit wird vorbehalten).

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POLY Events

12.10.2023 from 7 to 9 pm AevtarDeprogram: Debugging the Program
Workshop with Cibelle Cavalli Bastos at Galerie Wedding. In English language. Free admission. Send registration to post@galeriewedding.de. The number of places for drop-ins is limited.

18.10.2023 at 6 pm guided tour POLY. A Fluid Show with curator Solvej Helweg Ovesen and artist Cibelle Cavalli Bastos at KINDL – Centre for Contemporary Art, in Maschinenhaus M2. In English language. Free admission. Sign-up online via kindl-berlin.de/diskursprogramm.

– independent commute from KINDL to Galerie Wedding –

18.10.2023 at 8 pm guided tour POLYMORPH with curator Solvej Helweg Ovesen and artist Cibelle Cavalli Bastos at Galerie Wedding. In English language. Free admission. No registration required.

08.11.2023 at 7:30 pm The Flow Equation/SelfDefrag: Performance by Cibelle Cavalli Bastos at KINDL – Centre for Contemporary Art. In English. Free admission. No registration required.

16.11.2023 from 5 to 7 pm Debinarize/Debinarizing
Workshop with Cibelle Cavalli Bastos at Galerie Wedding. In English language. Free admission. Send registration to post@galeriewedding.de. The number of places for drop-ins is limited. (The time might be subject to change).

POLYMORPH

Ein <Wellenfunktionssalon/> 2.0

Eine Ausstellung von Cibelle Cavalli Bastos

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 14.09.2023 von 15 bis 21 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Wenn sich jemand im Dazwischen zu Hause fühlt, dann ist es Cibelle Cavalli Bastos (* 1978 in São Paulo, Brasilien), auch bekannt als »aevtarperform« oder »Cibelle« (Sänger*in). Eine genre- und gender-nonkonforme Person. Cibelles Soloausstellung POLYMORPH und der skulpturale Beitrag zur Gruppenausstellung POLY. A Fluid Show im KINDL sind hybride Manifestationen von gelebter Erfahrung, die algorithmisch, physisch und materiell verarbeitet wird. Konkret zeigt eine großflächige Wandtapete Kunstwerke von Cibelle im Lauf der Zeit, durch unsere Telefone wird die Ausstellung in der Galerie Wedding mittels Augmented Reality 3D-erweitert, und eine Reihe von Latexskulpturen sind an beiden Ausstellungsorten zu sehen.

Cibelle ist Meister*in des Morphings von Zeitlichkeiten. Die virtuellen und physischen Arbeiten werden präsentiert als Bewusstseinsströme durch ephemere und haptische Räume. Cibelles Praxis richtet sich gegen gesellschaftliche Algorithmen und bietet alternative, nicht-binäre Standards für soziale Medien, indem sie durch den virtuellen (Web3-)Raum, Künstliche Intelligenz oder maschinelles Lernen Mixed-Reality-Erfahrungen herstellt. Die Ergebnisse kommen in unzähligen formalen Auflösungen und sind »ein De-Programmierungs- oder Debugging-Prozess, um die Beseitigung von gesellschaftlicher Malware bewusst und unbewusst zu erleichtern« (Cibelle Cavalli Bastos). Cibelle beschreibt die Ausstellung in der Galerie Wedding als <Wellenfunktionssalon/> 2.0, wo der Raum zu einem Ort für Erfahrungen mit gemischter Realität, Materialität und Zeitlichkeit und zu einem Rahmen für Workshops, kritisches Denken und Performance wird.

Parallel zu POLYMORPH zeigt Cibelle Cavalli Bastos auch skulpturale Arbeiten in POLY. A Fluid Show im KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst im Rahmen einer institutionellen Zusammenarbeit, 17.09.2023 bis 25.02.2024.

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POLYMORPH
a <wave function salon/> 2.0

An exhibition by Cibelle Cavalli Bastos

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Part of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in collaboration with KINDL – Centre for Contemporary Art
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Opening on 14.09.2023 from 3 to 9 pm

If anyone feels at home in the in-between, it is Cibelle Cavalli Bastos (* 1978 in São Paulo, Brazil), aka »aevtarperform« or »Cibelle« (the singer), who is a genre/gender-non-conforming, neurodiverse, and polyvalent being. Their exhibition POLYMORPH and artwork contribution to the group show POLY. A Fluid Show in the KINDL is a hybrid manifestation of lived experience and mental detritus processed algorithmically, physically and trans-materially. What we see is a large scale wallpaper of their different artworks throughout time, a 3D extension of the Galerie Wedding show through our phones, and a series of latex sculptures distributed in both exhibition venues. 

Bastos is a master of morphing temporalities, virtual and physical spaces, the ephemeral and the haptic, and presents their work as a non-retinal flow of consciousness. A challenging and activist state in its own right. Bastos’ practice operates against societal algorithms and offers alternative non-binary standards through their agency in social media and the creation of mixed reality experiences. The activist agency also includes web3 space, AI, AR and machine learning. The outputs come in myriad formal resolutions and are »a de-programming, or debugging, process to facilitate the riddance of societal malware consciously and subconsciously« (Cibelle Cavalli Bastos). Bastos describes the exhibition in Galerie Wedding as a <wave function salon/> 2.0, where the space becomes a site for experiences of mixed reality, materiality and temporality and a framework for workshops, critical thinking and performance.

Parallel to POLYMORPH, Cibelle Cavalli Bastos also shows sculptural work in POLY. A Fluid Show in the KINDL – Centre for Contemporary Art as part of an institutional collaboration, 17.09.2023 to 25.02.2024.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Ein <Wellenfunktionssalon/> 2.0

Eine Ausstellung von Cibelle Cavalli Bastos

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 14.09.2023 von 15 bis 21 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Wenn sich jemand im Dazwischen zu Hause fühlt, dann ist es Cibelle Cavalli Bastos (* 1978 in São Paulo, Brasilien), auch bekannt als »aevtarperform« oder »Cibelle« (Sänger*in). Eine genre- und gender-nonkonforme Person. Cibelles Soloausstellung POLYMORPH und der skulpturale Beitrag zur Gruppenausstellung POLY. A Fluid Show im KINDL sind hybride Manifestationen von gelebter Erfahrung, die algorithmisch, physisch und materiell verarbeitet wird. Konkret zeigt eine großflächige Wandtapete Kunstwerke von Cibelle im Lauf der Zeit, durch unsere Telefone wird die Ausstellung in der Galerie Wedding mittels Augmented Reality 3D-erweitert, und eine Reihe von Latexskulpturen sind an beiden Ausstellungsorten zu sehen.

Cibelle ist Meister*in des Morphings von Zeitlichkeiten. Die virtuellen und physischen Arbeiten werden präsentiert als Bewusstseinsströme durch ephemere und haptische Räume. Cibelles Praxis richtet sich gegen gesellschaftliche Algorithmen und bietet alternative, nicht-binäre Standards für soziale Medien, indem sie durch den virtuellen (Web3-)Raum, Künstliche Intelligenz oder maschinelles Lernen Mixed-Reality-Erfahrungen herstellt. Die Ergebnisse kommen in unzähligen formalen Auflösungen und sind »ein De-Programmierungs- oder Debugging-Prozess, um die Beseitigung von gesellschaftlicher Malware bewusst und unbewusst zu erleichtern« (Cibelle Cavalli Bastos). Cibelle beschreibt die Ausstellung in der Galerie Wedding als <Wellenfunktionssalon/> 2.0, wo der Raum zu einem Ort für Erfahrungen mit gemischter Realität, Materialität und Zeitlichkeit und zu einem Rahmen für Workshops, kritisches Denken und Performance wird.

Parallel zu POLYMORPH zeigt Cibelle Cavalli Bastos auch skulpturale Arbeiten in POLY. A Fluid Show im KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst im Rahmen einer institutionellen Zusammenarbeit, 17.09.2023 bis 25.02.2024.

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POLYMORPH
a <wave function salon/> 2.0

An exhibition by Cibelle Cavalli Bastos

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Part of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in collaboration with KINDL – Centre for Contemporary Art
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Opening on 14.09.2023 from 3 to 9 pm

If anyone feels at home in the in-between, it is Cibelle Cavalli Bastos (* 1978 in São Paulo, Brazil), aka »aevtarperform« or »Cibelle« (the singer), who is a genre/gender-non-conforming, neurodiverse, and polyvalent being. Their exhibition POLYMORPH and artwork contribution to the group show POLY. A Fluid Show in the KINDL is a hybrid manifestation of lived experience and mental detritus processed algorithmically, physically and trans-materially. What we see is a large scale wallpaper of their different artworks throughout time, a 3D extension of the Galerie Wedding show through our phones, and a series of latex sculptures distributed in both exhibition venues. 

Bastos is a master of morphing temporalities, virtual and physical spaces, the ephemeral and the haptic, and presents their work as a non-retinal flow of consciousness. A challenging and activist state in its own right. Bastos’ practice operates against societal algorithms and offers alternative non-binary standards through their agency in social media and the creation of mixed reality experiences. The activist agency also includes web3 space, AI, AR and machine learning. The outputs come in myriad formal resolutions and are »a de-programming, or debugging, process to facilitate the riddance of societal malware consciously and subconsciously« (Cibelle Cavalli Bastos). Bastos describes the exhibition in Galerie Wedding as a <wave function salon/> 2.0, where the space becomes a site for experiences of mixed reality, materiality and temporality and a framework for workshops, critical thinking and performance.

Parallel to POLYMORPH, Cibelle Cavalli Bastos also shows sculptural work in POLY. A Fluid Show in the KINDL – Centre for Contemporary Art as part of an institutional collaboration, 17.09.2023 to 25.02.2024.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

POLYCHROME
The Myth of Karukera and Cibuqueira

Eine Ausstellung von Thomias Radin

Kuratiert von Malte Pieper

Finissage am 26.08.2023

15 Uhr – Ausstellungsrundgang in englischer Laut- und deutscher Gebärdensprache

Installation mit Klang und Video von Oscar Ngu Atanga und Phillipp Och (afro.bahn Kollektiv)
19 Uhr – Performance von Thomias Radin
20 Uhr – DJ Set von Oscar Ngu Atanga

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

In der Ausstellung stellt Thomias Radin in der Galerie Wedding sein neu geschaffenes Wandgemälde „Der Mythos von Karukera und Cibuqueira” vor. Der Titel lehnt an die Eigennamen der beiden Hauptinseln von Guadeloupe an. Mit dem Wandgemälde knüpft Radin eine Geschichte rund um die Bedingung des Menschseins, die Kraft der Bewegung und die fortwährende Bedeutung von Mythen für unser Weltbild.

Um 19 Uhr wird Radin das Wandbild im Rahmen der Finissage durch Klang und Bewegung in einer Performance aktivieren. Um 15 Uhr führen Thomias Radin und Malte Pieper durch die Ausstellung. Der Ausstellungsrundgang findet auf englischer Lautsprache und deutscher Gebärdensprache (DGS) statt. Auch eine Übersetzung in deutsche Lautsprache ist möglich. 

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POLYCHROME
The Myth of Karukera and Cibuqueira

An exhibition by Thomias Radin

Curated by Malte Pieper

Part of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in collaboration with KINDL – Centre for Contemporary Art
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Finissage on 26.08.2023

3 pm – Exhibition Tour in English spoken and German sign language

Visual and sonic installation by Oscar Ngu Atanga and Phillip Och (afro.bahn collective)
7 pm – Performance by Thomias Radin
8 pm – DJ Set by Oscar Ngu Atanga

Thomias Radin premieres his newly created mural ›The Myth of Karukera and Cibuqueira‹, inspired by the two native names of the main islands of Guadeloupe. Radin weaves a story exploring the human condition, the power of movement, and the enduring relevance of myth in shaping our understanding of the world.

For the finissage ceremony, at 7 pm Radin activates the work in a performance with sound and movement. At 3 pm, Thomias Radin and Malte Pieper propose a tour in the exhibition in English spoken language and German sign language. Translation to German spoken language available.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

POLYCHROME
The Myth of Karukera and Cibuqueira

Eine Ausstellung von Thomias Radin

Kuratiert von Malte Pieper

Finissage am 26.08.2023

15 Uhr – Ausstellungsrundgang
ab 16 Uhr Installation mit Klang und Video von Oscar Ngu Atanga und Phillipp Och (knwn.labs) und Kurzfilm mit Tianna Strickland und AUCO
19 Uhr – Performance von Thomias Radin
20 Uhr – DJ Set von O.N.A

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

In der Ausstellung stellt Thomias Radin in der Galerie Wedding sein neu geschaffenes Wandgemälde „Der Mythos von Karukera und Cibuqueira” vor. Der Titel lehnt an die Eigennamen der beiden Hauptinseln von Guadeloupe an. Mit dem Wandgemälde knüpft Radin eine Geschichte rund um die Bedingung des Menschseins, die Kraft der Bewegung und die fortwährende Bedeutung von Mythen für unser Weltbild. Thomias Radin wird das Werk im Rahmen der Finissage mittels Klang und Bewegung aktivieren. 

knwn.labs, bestehend aus Oscar Ngu Atanga und Phillipp Och, werden bei der Finissage von POLYCHROME eine audiovisuelle Installation mit dem Titel »Swim or Sway« präsentieren. Die Installation zeigt auch einen Kurzfilm mit Tianna Strickland und AUCO und ist inspiriert von der drexcyanischen Mythologie und dem Werk von Thomias Radin, insbesondere dem Mythos von Karukera und Cibuqueira.

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POLYCHROME
The Myth of Karukera and Cibuqueira

An exhibition by Thomias Radin

Curated by Malte Pieper

Part of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in collaboration with KINDL – Centre for Contemporary Art
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Finissage on 26.08.2023

3 pm – Exhibition Tour
from 4 pm Visual and sonic installation by Oscar Ngu Atanga and Phillip Och (knwn.labs), including a short film featuring Tianna Strickland and AUCO
7 pm – Performance by Thomias Radin
8 pm – DJ Set by O.N.A

Thomias Radin premieres his newly created mural ›The Myth of Karukera and Cibuqueira‹, inspired by the two native names of the main islands of Guadeloupe. Radin weaves a story exploring the human condition, the power of movement, and the enduring relevance of myth in shaping our understanding of the world.

For the finissage ceremony, Thomias Radin activates the work through sound and movement. Moreover, knwn.labs comprised of Oscar Ngu Atanga and Phillipp Och, will present an audio visual installation entitled »Swim or Sway« at the finissage of POLYCHROME. The installation includes a short film featuring Tianna Strickland and AUCO, and is inspired by Drexcyian mythology and the work of Thomias Radin, particularly the Myth of Karukera and Cibuqueira.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

*English version below

Samstag, 19.8.2023 von 17.30 bis 22 Uhr

Immersive Rauminstallation mit Sound und Bildern von Oscar Ngu Atanga, Makossiri und Phillip Och, mit Spoken Word von Tianna Strickland

Im Austausch mit Thomias Radins aktueller Ausstellung POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira in der Galerie Wedding

Am Samstag, 19.8.2023, von 17.30 bis 22 Uhr lädt das Kollektiv afro.bahn zu The Creation of New Mythologies ein, einem Abend mit immersiven Klängen und Bildern im Gespräch mit Thomias Radins Ausstellung in der Galerie Wedding. „The Creation of New Mythologies“ ist eine panafrikanische Reise, die durch gesprochenes Wort, elektronische Live-Performance, Film und Ton erzählt wird und das Publikum durch die Welten führt, die durch Thomias Radins Wandgemälde geschaffen wurden. Afro.bahn ist ein Kollektiv afro-diasporischer multidisziplinärer Künstler*innen, die afro-futuristische Mythen durch audiovisuelle Performances und Installationen erforschen. Gemeinsam kombinieren sie Klang- und Filmideen, überlagern Gesang und Poesie mit afrikanischen Polyrhythmen über futuristischen elektronischen Beats. Seine Mitglieder sind Oscar Ngu Atanga alias O.N.A, ein in Manchester geborener kamerunischer Klangkünstler, Kurator und Selektor, Makossiri, eine in Kenia geborene und in Berlin ansässige Produzentin/DJ elektronischer Musik, deren Clubmusik, sich über Genregrenzen hinwegsetzt, Phillip Och ist ein multi-disziplinärer Bild- und Audiokünstler, der zwischen London und Berlin arbeitet, und Tianna Strickland, eine bildende Künstlerin mit Schwerpunkt auf analoger Fotografie.

„Unsere Arbeit ist eine Reflexion unserer Erfahrungen als in Europa lebende und arbeitende Künstler afrikanischer Herkunft, einschließlich der Kultur, Bräuche und Mythologien, die wir mitbringen. Neben den Wurzeln der Orte, aus denen wir kommen, gibt es auch bidirektionale Einflüsse der Räume, die wir bewohnen. In Echtzeit werden wir die Wahrnehmung dieser unzähligen Einflüsse präsentieren und hinterfragen.“
afro.bahn Kollektiv

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

The Creation of New Mythologies

Saturday, 19 August 2023 from 5.30 to 10 pm

Physical & immersive installation powered by sonics and visuals from
Oscar Ngu Atanga, Makossiri and Phillip Och, and spoken word by Tianna Strickland

in conversation with Thomias Radin’s exhibition POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira at Galerie Wedding

On Saturday, 19 August 2023, from 5.30 to 10 pm, afro.bahn collective invites you to The Creation of New Mythologies, an evening of immersive sonics and visuals in conversation with Thomias Radin’s exhibition at Galerie Wedding. The Creation of New Mythologies is a pan-African journey, told through spoken word, live electronic performance, film and sound that will move the audience through the worlds created by Thomias Radin’s mural. Afro.bahn is a collective of afro diasporic multi-displinary artists exploring afro-futuristic myths through audio visual performances and installations. Together, they combine ideas of sound and film layering song and poetry with african polyrhythms over futuristic electronic beats. It’s members are Oscar Ngu Atanga aka O.N.A, a Manchester born Cameroonian sound artist, curator and selector, Makossiri, a Kenyan born-berlin based electronic music producer/DJ who makes club music that defies genre limitations, Phillip Och is a multi-displinary visual and audio artist creating between London and Berlin and Tianna Strickland, a visual artist focusing on analog photography.

“Our work is a reflection on our experiences as artists of African heritage living and working in Europe including the culture, customs and mythologies we bring with us. Alongside the roots of the places we come from sits the bi-directional influences of the spaces we come to inhabit. In real time we will present and challenge the perceptions of these myriad influences.”
afro.bahn collective

In the framework of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in cooperation with KINDL – Centre for Contemporary Art.
Artistic director: Solvej Helweg Ovesen

mit Thomias Radin

Donnerstags am 20.7., 27.7., 3.8.
Dance Battle am 10.8.
von 18 bis 21 Uhr
in der Galerie Wedding

Kostenlos, Drop-in (keine Voranmeldung nötig)
Alle Level, keine Vorkenntnisse nötig
Sprachen: Englisch, Französisch, Deutsch

Thomias Radin, Maler, Kurator und Performer, bietet an drei aufeinanderfolgenden Abenden in der Galerie Wedding Tanz- und Bewegungssessions an. Die Sessions finden jeweils Donnerstag in Radins aktueller Ausstellung POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira statt und laden die Teilnehmer*innen zu einer Freestyle-Session zu verschiedenen Musikrichtungen wie House, HipHop, Funk und experimentellen Sounds ein.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Movement Sessions and Dance Battle

with Thomias Radin

Thursdays on 20.7., 27.7., 3.8.
Dance Battle on 10.8.
from 6 to 9 pm in Galerie Wedding

Free admission, drop-in (no pre-registration)
All levels
Languages: English, French, German

Thomias Radin, painter, curator and performer, hosts movement sessions on three consecutive evenings in Galerie Wedding. The sessions will take place on Thursdays in Radin’s current exhibition POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira and invite participants to join a freestyle session around diverse genre of music as House, HipHop, Funk, experimental sounds.

In the framework of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in cooperation with KINDL – Centre for Contemporary Art.
Artistic director: Solvej Helweg Ovesen

16.06.2022 zwischen 15 und 15.30 Uhr eine Tanz-Performance von Jule Flierl auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Faux-Pas ist eine Solo-Tanzintervention im öffentlichen Raum. Sie besteht aus Tanz und Gesang. Da ist ein Einhorn, das sich nicht sicher ist, wie dieser Tanz weitergehen soll. Das Einhorn trägt Steppschuhe, die es genauso benutzt, wie jedes Einhorn es tun würde.

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Faux Pas

16.06.2022 between 3 and 3.30 pm a dance performance by Jule Flierl on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Faux-Pas is a solo dance intervention embedded in public space. It consists of dance and vocal material. There is a unicorn that deals with the uncertainty of how to continue this dance. The unicorn wears tap shoes, which it uses just like any unicorn would.

16.06.2022 zwischen 15.45 und 16.15 Uhr eine Performance von Esther Siddiquie in der Galerie Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Die Performance ist das Ergebnis einer Recherche zu neuen Ansätzen einer somatischen Archivierungsarbeit. Der Körper wird in den Mittelpunkt gerückt und im Kontext eines Archivs sichtbar gemacht. Die Performance testet das Potenzial von Archiven, einen Körper in Bewegung zu bringen und stellt damit konventionelle Archivierungsmethoden in Frage. Grundlage der Performance ist das Dokumentarfilmarchiv ihres verstorbenen Vaters Shabbir Siddiquie.

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re | | mains

16.06.2022 between 3.45 and 4.15 pm a performance by Esther Siddiquie at Galerie Wedding

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

The performance is the outcome of a research that explores approaches of a somatic archival work. The body is centred and made visible within the context of the archive. The research thus questions conventional archiving methods and instead tests the potential of an archive to bring the body into movement. For the performance, the artist will be working with the documentary film archive of her deceased father Shabbir Siddiquie.

16.06.2022 zwischen 16.30 und 17.30 Uhr eine Performance von Juan Betancurth mit Romany Dear und Daniel Neumann auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Performanceimprovisation des eigens für POLY(e)MOTION aus Bogotá, Kolumbien, angereisten Künstlers Juan Betancurth mit Romany Dear & Daniel Neumann
Scores of Intimacy ist ein Performance-Konzept, das mit der Idee einer ›universellen Sprache‹ spielt, die durch abstrahierte Bilder entsteht und in Bewegungen und Klängen übertragen wird. Die Einladung besteht darin, ein Umfeld gemeinschaftlicher Intimität im öffentlichen Raum durch performative Improvisation zu schaffen und dabei neue Wege der Annäherung sowie des nonverbalen Dialogs zu erproben. 

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Scores of Intimacy

16.06.2022 between 4.30 and 5.30 pm a performance by Juan Betancurth with Romany Dear and Daniel Neumann on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Performance improvisation by the artist Juan Betancurth – who will be especially coming from Bogotá, Colombia, for the occasion – with Romany Dear & Daniel Neumann
Scores of Intimacy is a performance concept which plays with the idea of a ›universal language‹, created by abstracted visuals that are translated into movements and sounds. The invitation is to share an environment of communal intimacy in public space via a performative improvisation, exploring new ways of getting closer to each other, to enter a non verbal dialogue.

18 Uhr Flor de Pantano, Performance von Maque Pereyra – RVP

16.06.2022 zwischen 18 und 19 Uhr eine Tanzperformance von Maque Pereyra auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Diese körperbasierte Performance hat ihren Ursprung in einem langjährig entwickelten Performancekonzept der Künstlerin Maque Pereyra: Flor de Pantano beforscht die Überschneidung von Musikproduktion, Rappen und DJing als Erweiterung des performativen Körpers. In ihrer Verschränkung von Konzertdynamik, DJ-Sets und Publikumsinteraktion präsentiert die Performance verschiedene Aspekte von Pereyras künstlerischer Praxis.

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Flor de Pantano

16.06.2022 between 6 and 7 pm a dance performance by Maque Pereyra on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

This body-based performance stems from the idea the artist has been developing over the past few years, exploring the intersection of music production, rapping, and DJing as an extension of the performative body. As such, this performance incorporates elements of concert dynamics, DJ sets, and audience interaction, showcasing various aspects of Maque Pereyra’s artistic practice.

16.06.2022 zwischen 19.30 und 20.30 Uhr ein Konzert von Isasi Armengod auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Isasi Armengod ist eine künstlerische Zusammenarbeit von Luna Carlos Armengod und Isasi Isasi. Die musikalische Produktion zeichnet sich durch eine ständige Suche aus, die sich in einer Mischung aus urbanen Rhythmen, lateinamerikanischen Wurzeln und afrikanischem Geist manifestiert. Bei Isasi Armengod wird die künstlerische Praxis der bzw. des jeweils anderen über die disziplinären Grenzen von Musik und Bildhauerei hinaus erweitert und zu neuen Welten verschmolzen.

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Corrientes vitales II – El nido

16.06.2022 between 7.30 and 8.30 pm a concert by Isasi Armengod on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Isasi Armengod is an artistic collaboration between Luna Carlos Armengod & Isasi Isasi. Isasi Armengod’s musical production can be described as a continuous search: a mixture of urban rhythms, Latin American roots, and African spirit. The transdisciplinary expansion of their practices is an attempt to merge their respective musical and sculptural worlds, all the while re-assessing the boundaries of both.

16.06.2022 zwischen 19.30 und 20.30 Uhr ein Konzert von Isasi Armengod auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Isasi Armengod ist eine künstlerische Zusammenarbeit von Luna Carlos Armengod und Isasi Isasi. Die musikalische Produktion zeichnet sich durch eine ständige Suche aus, die sich in einer Mischung aus urbanen Rhythmen, lateinamerikanischen Wurzeln und afrikanischem Geist manifestiert. Bei Isasi Armengod wird die künstlerische Praxis der bzw. des jeweils anderen über die disziplinären Grenzen von Musik und Bildhauerei hinaus erweitert und zu neuen Welten verschmolzen.

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Corrientes vitales II – El nido

16.06.2022 between 7.30 and 8.30 pm a concert by Isasi Armengod on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Isasi Armengod is an artistic collaboration between Luna Carlos Armengod & Isasi Isasi. Isasi Armengod’s musical production can be described as a continuous search: a mixture of urban rhythms, Latin American roots, and African spirit. The transdisciplinary expansion of their practices is an attempt to merge their respective musical and sculptural worlds, all the while re-assessing the boundaries of both.

16.06.2022 zwischen 21 und 22 Uhr eine Drag Performance von The Darvish und Judy LaDivina auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Yalla Hafla ( dt. Lasst uns feiern! ) ist ein monatlich stattfindendes Fest der Musik und Kultur des Mittelmeerraums. Seit 2017 wird die Show von dem Drag-Phänomen Judy LaDivina und der Bauchtanzsensation The Darvish moderiert und produziert und hat sich seitdem zu einer der lautesten Demonstrationen für Liebe und Koexistenz mit einem sicheren Raum für queere Araber*innen und Jüd*innen entwickelt.

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Yalla Halfa

16.06.2022 between 9 and 10 pm a drag performance by The Darvish and Judy LaDivina on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Yalla Hafla ( let’s party ) is a monthly celebration of Mediterranean sounds and culture.
Hosted and produced by the drag phenomenon Judy LaDivina and the belly dance sensation The Darvish, the show premiered in 2017 and has been growing ever since to be one of the loudest demonstrations of love and coexistence, offering a safe space for queer Arabs and Jews.

17.06.2022 zwischen 14  und 15.30 Uhr ein Workshop von Skinship in der Galerie Wedding

Anmeldung via post@galeriewedding.de

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Wir bieten euch die Teilnahme an einem geleiteten Gruppenritual in der Galerie Wedding an, bei dem das menschliche Bedürfnis nach Berührung und Verbindung durch gemeinsame Co-Kreation lebendig wird. Wir erforschen, wie Zustimmung und Kommunikation mit Spiel, Intuition und Körpersprache in Einklang gebracht werden können. Wie finden wir heraus, was wir wollen? Wie fühlt es sich an, unsere Wünsche zu äußern? Wie fühlt es sich an, wenn unser Wunsch nach Verbindung erfüllt wird? Wie fühlt es sich an, ein Nein und ein Ja zu erhalten? Ihr seid alle eingeladen, so wie ihr seid, teilzunehmen. Wir sind nicht auf der Suche nach richtigen oder falschen Antworten, sondern wollen unsere kollektive Neugier und unser Wissen über das menschliche Bedürfnis nach Verbindung verbessern.

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MY BODY MY PLEASURE

17.06.2022 between 2 and 3.30 pm a workshop by Skinship at Galerie Wedding

Registration via post@galeriewedding.de

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

You are offered the participation in a guided group ritual inside Galerie Wedding where the human desire for touch and connection can come alive through collective co-creation. We will explore how consent and communication can be balanced with playfulness, intuition and body language. How do we find out what we want? How does it feel to voice our desires? How does it feel to be met in our wish for connection? How does it feel to receive a no and a yes? You are invited to join just as you are. We are not looking for right or wrong answers, but to improve our collective curiosity and knowledge of the human desire for connection. 

17.06.2022 zwischen 16.00 und 17.30 Uhr ein Workshop von Amelia Uzategui Bonilla und Joana Tischkau in der Galerie Wedding

Anmeldung via post@galeriewedding.de

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Dieser Workshop lädt zu einem Austausch über die Nuancen kultureller Aneignung, aus der Perspektive der künstlerischen Forschungsarbeit von Joana Tischkau und Amelia Uzategui Bonilla, ein. Die beiden Tänzerinnen und Performancekünstlerinnen werden gemeinsam eine Kombination aus körperlichen Erkundungen anleiten, die den Teilnehmenden dabei hilft, sich mit Fragen der kulturellen Aneignung auseinanderzusetzen. Anhand einer Fülle von Materialien, darunter Texte, historische und popkulturelle Beispiele, werden Diskussionen in kleinen Gruppen geführt. Mit dem Workshop möchten Tischkau und Uzategui die Teilnehmenden dazu anregen, Verhandlungsformen für kulturelles Material innerhalb der eigenen künstlerischen Praxis zu finden und sich spielerisch mit eigenem ›kulturellen Gepäck‹ auseinanderzusetzen.

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Is this Appropriate – Where does the homage end and the parody begin?

17.06.2022 between 4 and 5.30 pm a workshop by Amelia Uzategui Bonilla and Joana Tischkau at Galerie Wedding

Registration via post@galeriewedding.de

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

This workshop offers an exchange on the nuances of cultural appropriation, framed by Joana Tischkau’s and Amelia Uzategui Bonilla’s artistic work and research. The two dance artists and performance makers will lead a combination of physical explorations, inviting the participants to engage with questions around cultural appropriation. Drawing on a plethora of material, including text, historical and pop cultural examples, they will guide and assist small group discussions to investigate how to negotiate cultural material within one’s own artistic practice. The workshop aims at facilitating a playful discovery of one’s own cultural baggage.

17.06.2022 zwischen 17.30 und 21 Uhr ein Jam und House Dance Battle von House Szene Berlin und Gästen auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

JAM ACROSS & BATTLE ist eine Veranstaltung, die Jam und House Dance Battle kombiniert. Wir laden euch, die House-Heads, die Mover verschiedener Stile und vor allem alle Tanzbegeisterten, die dem Groove einfach nicht widerstehen können, ein, zu uns zu kommen und euch die Seele aus dem Leib zu tanzen!
Der House-Jam dient auch als Qualifikationsrunde für unser Battle – House 7 to Smoke. Ganz gleich, welches Niveau, welche Erfahrung oder welchen Stil ihr normalerweise ›von Haus aus‹ tanzt, ihr seid alle herzlich eingeladen, mit uns zu jammen. Wir wollen sehen, wie ihr den Dancefloor in Brand setzt!

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JAM ACROSS & BATTLE

17.06.2022 between 5.30 and 9 pm a jam with a house dance battle by House Szene Berlin and Guests on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

JAM ACROSS & BATTLE is an event combining a jam with a house dance battle.
We invite you, the house heads, the movers of different styles and most importantly, all dance lovers who simply can’t resist the groove to come and join us to dance your heart out!
The house jam will also serve as the qualifying round for our battle – House 7 to Smoke. No matter which level, experience or style you usually call your ›home‹, you are all welcome to come and jam with us. We want to see you set the dancefloor on fire!

17.06.2022 zwischen 21 und 22 Uhr eine Drag-Tanzperformance von Katana Six auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Die Performance beginnt mit Gesang, der in eine energiegeladene Drag-Tanzperformance übergeht. Katana Six ist ein visuelles Spektakel, die Kostüme selbst gemacht, das Make-up ein Kunstwerk für sich. Es ist die Besonderheit von queeren Performances, sich Fragen der Selbstbestimmung sowohl mit einer Anklage als auch mit einer Feier anzunähern. Die Erprobung der Identität, die heute in der queeren Clubkultur stattfindet, blickt auf eine lange Geschichte der Selbsterkundung zurück, welche für viele queere Menschen ein Symptom des Überlebenskampfes war – und bisweilen noch ist. Katana Six zeigt die Schönheit der queeren Identität, die durch ihr Drag-Alter Ego schillernd und stark zum Ausdruck kommt.

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KATANA SIX

17.06.2022 between 9 and 10 pm a drag dance performance by Katana Six on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

The performance consists of a combination of live singing, which then transitions into a high energy drag dance performance. Katana Six is a visual spectacle, the costumes selfmade and the makeup an artwork almost. Queer performance inherently approaches identity with both a reckoning and celebration. The exploration of identity that is experienced in queer club culture today comes from a long history of self exploration that was, and often still is, a symptom of the struggle for survival for queer individuals. Katana Six showcases the beauty of queer identity creation expressed with strength and flamboyance through her drag persona.

Eine Ausstellung von Thomias Radin

Kuratiert von Malte Pieper

Eröffnung am 15.06. von 18 bis 22 Uhr
mit DJ Set von Peeps und Coco Calypso

18 Uhr – Warm Up DJ Set von Peeps B2B Coco Calypso
19 Uhr – Begrüßung und Talk von Thomias Radin & Malte Pieper
20 Uhr – Eröffnungszeremonie von Thomias Radin
21 Uhr – DJ Set von Peeps B2B Coco Calypso

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

In der Ausstellung stellt Thomias Radin in der Galerie Wedding sein neu geschaffenes Wandgemälde „Der Mythos von Karukera und Cibuqueira” vor. Der Titel lehnt an die Eigennamen der beiden Hauptinseln von Guadeloupe an. Mit dem Wandgemälde knüpft Radin eine Geschichte rund um die Bedingung des Menschseins, die Kraft der Bewegung und die fortwährende Bedeutung von Mythen für unser Weltbild und wird das Werk im Rahmen einer Eröffnungszeremonie mittels Klang und Bewegung aktivieren. 

Zu kulinarischen Genüssen aus der Karibik und Westafrika legen die DJs Peeps und Coco Calypso auf und lassen den Abend ausklingen.

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POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira

An exhibition by Thomias Radin

Curated by Malte Pieper

Opening on 15.06. from 6 to 10 pm
with DJ set by Peeps and Coco Calypso

6 pm – Warm Up DJ Set by Peeps B2B Coco Calypso
7 pm – Welcome and Talk by Thomias Radin & Malte Pieper
8 pm – Opening ceremony by Thomias Radin
9 pm – DJ Set by Peeps B2B Coco Calypso

Thomias Radin premieres his newly created mural ›The Myth of Karukera and Cibuqueira‹, inspired by the two native names of the main islands of Guadeloupe. Radin weaves a story exploring the human condition, the power of movement, and the enduring relevance of myth in shaping our understanding of the world.

For the opening ceremony, Radin activates the work through sound and movement. A DJ set by Peeps and Coco Calypso invites you to dance and hang out throughout the evening while Caribbean and West African snacks will be served.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

16.06. bis 26.08.2023

Eine Ausstellung von Thomias Radin

Kuratiert von Malte Pieper

Eröffnung am 15.06. von 18 bis 22 Uhr
mit DJ Set von Peeps und Coco Calypso

19 Uhr Begrüßung und Gespräch mit Thomias Radin und Malte Pieper
20 Uhr Opening Ceremony mit Thomias Radin

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Im Sommer 2023 entfaltet sich Thomias Radins besondere Praxis der Verschmelzung von Tanz und Malerei in der Galerie Wedding als Wandbild, Bewegung und Szenografie für Performances. Seine farbintensive Malerei streckt sich als Installation durch den großen Galerieraum und bildet den Rahmen für das Tanz- und Performanceprogramm Movement Research ACROSS: POLY(e)MOTION. 

POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira erprobt Radin die schwer fassbare und doch fesselnde Natur eines Mythos, der von den indigenen Namen des heutigen Guadeloupe erzählt. Er erforscht die Fähigkeit des Mythos, die Wahrheit sowohl zu enthüllen als auch zu verbergen, so zeigen seinen Malereien oft verdrehte Körperhaltungen, Masken und abgewandte Gesichter. »Der Mythos von Karukera und Cibuqueira« behandelt die Bedingungen und Umstände des Menschseins, die Kraft der Bewegung und die fortdauernde Bedeutung von Erzählungen für unser Weltverständnis. Mythen faszinieren Radin als hochentwickeltes und ausgeklügeltes Kommunikationssystem. Für Radin ist der Mythos ein sich bewegendes und tanzendes Wissen, das sich wandelt, alt und modern zugleich ist. Die Ausstellung nimmt Bezug auf die vorkolonialen Bezeichnungen Karukera, »Insel der schönen Gewässer«, und Cibuqueira, »Insel der Gummibäume«, die präkolonialen Namen für die beiden Hauptinseln von Guadeloupe. Karukera und Cibuqueira sind in Radins Geschichte zwei gefallene Engel, die auf der Suche nach ihrer Vereinigung sind. Sie stehen für die transformative Kraft der Bewegung, die uns mit uns selbst, miteinander und mit der Welt um uns herum verbindet.

Radin, geboren in Guadeloupe, aufgewachsen in Frankreich und heute in Berlin lebend, lässt sich von der Kraft der Bewegung inspirieren, die Südamerika, die Karibik und Westafrika miteinander verbindet, um seine Bilder mit dynamischer Energie und Ausdruck zu erfüllen. Als Tänzer bewegt sich Radin zwischen Hip-Hop, Capoeira und Gwo Ka, der Musik- und Tanzkultur aus Guadeloupe. Angelehnt an die Technik des Sampling aus der Musik mischt Radin historische Referenzen, persönliche Erfahrungen und Popkultur. Das Wandgemälde verbindet dabei den Innenraum der Galerie mit den urbanen Außenräumen der Stadt, die Ausstellung verbindet Bühnenbild, Architektur, Malerei und Klang in einer Bewegung. Das Adjektiv »polychrom«, das aus dem Griechischen abgeleitet ist und »viele Farben« meint, bezieht sich auf eine Vielzahl von Farbtönen und Texturen, aber auch auf einen Poly-Rhythmus von Gesten, Techniken und Medien.

Nach seiner raumgreifenden Installation in der Galerie Wedding wird im Rahmen der Kooperation von Galerie Wedding mit dem KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst in der Ausstellung POLY. A Fluid Show, Radins Film »Rivals« in Konstellation mit der Malerei »The Annunciation: Tout‘ Moun doubout`, An nou ay !« im September seine Premiere haben.

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POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira

16.06. to 26.08.2023
An exhibition by Thomias Radin
Curated by Malte Pieper

Opening on 15.06., 6 to 10 pm
with DJ Set by Peeps and Coco Calypso

7 pm Greeting and talk with Thomias Radin and Malte Pieper
8 pm Opening Ceremony with Thomias Radin

In the framework of the exhibition programme POLY 2023-24 at Galerie Wedding in cooperation with KINDL – Centre for Contemporary Art.
Artistic director: Solvej Helweg Ovesen

In the summer of 2023, Thomias Radin’s distinctive practice of melding dance and painting unfolds at Galerie Wedding as a mural, movement and scenography for performances. His vivid and colourful work stretches through the large gallery space as an installation and forms the framework for the dance and performance programme Movement Research ACROSS: POLY(e)MOTION.

In POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira, Radin explores the elusive and captivating nature of a myth that talks about the indigenous names of today’s Guadeloupe. He delves into into the ability of myth to both reveal and conceal the truth, often showing twisted postures, masks and averted faces in his paintings. „The Myth of Karukera and Cibuqueira“ is an invitation to explore the human condition, the power of movement, and the enduring relevance of myth in shaping our understanding of the world. Myths fascinate Radin as a highly advanced and sophisticated communication system. For Radin, myth is a moving and dancing knowledge, morphing and travelling, ancient and modern at the same time. The exhibition refers to the pre-colonial names Karukera, „island of the beautiful waters“, and Cibuqueira, „island of the gum-trees“, the native names for the two main islands of Guadeloupe. In Radin’s story, Karukera and Cibuqueira are two fallen angels on a quest to be reunited. They represent the transformative power of movement, which connects us to ourselves, each other and to the world around us.

Born in Guadeloupe, raised in France and now living in Berlin, Radin draws inspiration from the power of movement that connects South America, the Caribbean and West Africa to infuse his images with dynamic energy and expression. As a dancer, Radin moves between Hip-Hop, Capoeira and Gwo Ka, the music and dance culture from Guadeloupe. Borrowing the technique of sampling from music, Radin mixes historical references, personal experiences and pop culture. The mural thereby unites the indoor gallery space to the outdoors, the exhibition combines stage design, architecture, painting and sound in one movement. The adjective „polychrome“, which is derived from the Greek and means „many colours“, refers to a multiplicity of shades and textures, but also to a poly-rhythm of gestures, techniques and media.

Following his spatial installation at Galerie Wedding, in the context of the cooperation between Galerie Wedding and KINDL – Centre for Contemporary Art, in the exhibition POLY. A Fluid Show, Radin’s film „Rivals“ will have its premiere in tandem with the painting „The Annunciation: Tout‘ Moun doubout`, An nou ay !“ in September.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

*English version below

Tanz, Performance und Musik mit Amelia Uzategui Bonilla & Joana Tischkau, Esther Siddiquie, Houseszene Berlin, Isasi Armengod, Juan Betancurth (mit Romany Dear & Daniel Neumann), Jule Flierl, Katana Six, Maque Pereyra, Peeps B2B Coco Calypso, Skinship, The Darvish & Judy LaDivina, Thomias Radin

15.06. bis 17.06.2023

Galerie Wedding & Rathausvorplatz Wedding

Kuratiert von Kathrin Pohlmann, Solvej Helweg Ovesen, Malte Pieper, Nitsan Margaliot.

Eröffnung am 15.06. um 18 Uhr mit DJ und dem karibischem & westafrikanischem Essen
DJ Set von Peeps B2B Coco Calypso ab 18 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

POLY(e)MOTION ist die zweite Ausgabe von Movement Research ACROSS, einem Musik- und Performance-Programm in der Galerie Wedding und auf dem anliegenden Rathausvorplatz im öffentlichen Raum, welches von XO Curatorial Projects, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann, in Zusammenarbeit mit den Kurator*innen Nitsan Margaliot und Malte Pieper entwickelt wurde. Der Künstler und Tänzer Thomias Radin, der die parallel stattfindende Ausstellung POLYCHROME – Der Mythos von Karukera und Cibuqueira in der Galerie Wedding kreiert, eröffnet mit seiner Performance den ersten Abend.

In POLY(e)MOTION verbinden wir Bewegungsforschung und Emotionen von allen Körpern und aus allen Ecken der Welt zu einem zeitgenössischen, interdisziplinären, lokalen Berliner Event. Kostenlos und offen für alle. Zeitgenössischer Tanz und partizipatorische Praktiken werden als kreative Raumgestaltung und soziales Bühnenbild im Herzen von Wedding eingesetzt. Body Positivity, ästhetische Qualität und Street Smartness werden im Mittelpunkt stehen.

POLY(e)MOTION ist ein polyzentrisches Nachbarschafts-Event mit einem Pop-Up Amphitheater. Für das dreitägige Festival werden wir den eigens für den Ort entworfenen und gebauten “Flexible Colour Circle” (dt. flexibler Farbenkreis) des Künstlers Viron Erol Vert, der bereits bei ACROSS 2022 zentraler Austragungsort der Performances war, erneut errichten.

Nach erfolgreicher Durchführung der ersten Ausgabe von Movement Research ACROSS mit 20 performativen Beiträgen im Juni 2022, folgt nun eine neue Reihe von Performances und Workshops lokaler und internationaler Künstler*innen an drei Tagen im Juni 2023. Die kommunale Galerie Wedding kehrt zurück in den Außenraum und verbündet sich erneut mit der internationalen freien Szene Berlins.

Die vielfältigen hybriden Formate des Festivals, konzipiert für den öffentlichen Raum, lockern die Körper mit Humor und bringen die Straße zum Vibrieren.

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Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Dance, performance and music with Amelia Uzategui Bonilla & Joana Tischkau, Esther Siddiquie, Houseszene Berlin, Isasi Armengod, Juan Betancurth (with Romany Dear & Daniel Neumann), Jule Flierl, Katana Six, Maque Pereyra, Peeps B2B Coco Calypso, Skinship, The Darvish & Judy LaDivina, Thomias Radin.

15.06. to 17.06.2023

Galerie Wedding & Town Hall Square (Rathausvorplatz) Wedding

Curated by Kathrin Pohlmann, Solvej Helweg Ovesen, Malte Pieper, Nitsan Margaliot.

Opening on 15.06. 6pm with DJ and Caribbean & West African food
DJ set by Peeps B2B Coco Calypso from 6 pm

As part of the exhibition programme POLY 2023-24 at Galerie Wedding.
Artistic direction: Solvej Helweg Ovesen

POLY(e)MOTION is the second edition of Movement Research ACROSS, a music and performance programme in public space at Galerie Wedding and the neighbouring Town Hall Square (Rathausvorplatz), developed and curated by XO Curatorial Projects, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann, in collaboration with curators Nitsan Margaliot and Malte Pieper. The artist and dancer Thomias Radin, who will be creating the accompanying exhibition POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira at Galerie Wedding, will open the first evening with his performance.

In POLY(e)MOTION we connect movement research and emotions of all bodies and from all corners of the world to a contemporary, interdisciplinary, local Berlin event. Free of charge and open to all. Contemporary dance and participatory practices are applied as creative space making and social stage setting in the heart of Wedding. Body positivity, aesthetic quality and street smartness will be the in the focus.

POLY(e)MOTION is a polycentric neighbourhood event with a pop-up amphitheatre. For the three-day festival, we will set up again the „Flexible Colour Circle“ by artist Viron Erol Vert, which already served as the central venue for the performances at ACROSS 2022.

After the successful first edition of Movement Research ACROSS with 20 performative contributions in June 2022, a new series of performances and workshops by local and international artists will follow over three days in June 2023. The municipal Galerie Wedding returns to the outdoor space and teams up again with Berlin’s international independent scene. 

The festival’s diverse hybrid formats, designed for public space, loosen bodies with humour and make the street vibrate.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, ifa-Galerie in Berlin, Institut für Auslandsbeziehungen und der Senatsverwaltung für Wirtschaft, Energie und Betriebe.

11.05.2023, 18 Uhr

Gespräch mit Ania Nowak, Athena Lange & Martin Vahemäe-Zierold, moderiert von Caren Miesenberger.

Die Veranstaltung findet in Deutscher Laut- und Gebärdensprache statt.

Der Ausgangspunkt für das Gespräch ist die neue Videoarbeit »Lip Service« (2023) von Ania Nowak und Athena Lange, die im Rahmen der Ausstellung “Ill Delights” in der Galerie Wedding seine Premiere feiert. 

In dem Video kommunizieren die hörende Performerin Ania Nowak und die taube Performerin Athena Lange unter Einbezug der Bildsprache des Stummfilms und konfrontieren dabei das hörende Publikum mit der Arbeit des Lippenlesens. Sie stellen die üblichen Ausdrucksformen jenseits der verbalen Sprache und des Gehörsinns in Frage und erforschen Sprachen, die von der Mehrheitsgesellschaft ausgegrenzt werden – wie die (Deutsche) Gebärdensprache.

In einem Austausch mit den beiden Künstlerinnen, Ania Nowak und Athena Lange, werden wir den Entstehungsprozess dieses neuen Werks und die Geschichte ihrer Beziehung kennen lernen. »Lip Service« ist aber nicht nur ästhetisch und emotional ansprechend, sondern vermittelt die auch eine gesellschaftspolitische Botschaft, die sich gegen Diskriminierung und Audismus richtet. Martin Vahemäe-Zierold ist als Beauftragte*r für Queer und Antidiskriminierung im Bezirksamt Mitte in Berlin zu der Gesprächsrunde eingeladen. Von der Kunst ausgehend werden wir uns gemeinsam mit sozialen Fragen und der aktuellen Stellung der Tauben-Minderheit in Kunst und Politik beschäftigen.

Aperitif & Artist Talk

11.05.2023, 6pm 

Talk with Ania Nowak, Athena Lange & Martin Vahemäe-Zierold, moderated by Caren Miesenberger.

The event will take place in German spoken and sign language.

The starting point for the conversation is the new video work »Lip Service« (2023) by Ania Nowak and Athena Lange, which is celebrating its premiere as part of the exhibition »Ill Delights« at Galerie Wedding.

In the video work »Lip Service« (2023), hearing performer Ania Nowak and Deaf performer Athena Lange call on the visual expression of silent film and  expose the hearing audience to the hard labour of lip reading. They question the established modes of expression beyond verbal language and the sense of hearing and explore languages that are marginalized by the majority of society, such as (German) sign language.

In a conversation with the two artists, Ania Nowak and Athena Lange, we will learn about the process of creating this new work and the history of their relationship. „Lip Service“ is not only aesthetically and emotionally appealing, but also conveys a socio-political message against discrimination and audism. Martin Vahemäe-Zierold is invited to the talk round as a commissioner on queer and antidiscrimination at the District Office Mitte in Berlin. Taking art as a starting point, we will together look at social questions and the current position of the Deaf minority in arts and politics.

30.04.2023, 18 Uhr

Ausstellungsführung mit der Künstlerin Anna Nowak und Kurator*in Maja Smoszna

Im Rahmen des Ausstellung Ill Delights in der Galerie Wedding

Die Führung findet in Englischer, Deutscher Laut- und Gebärdensprache statt.

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Exhibition tour

30.04.2023, 6 pm

Exhibition tour with the artist Anna Nowak and curator Maja Smoszna

In the context of the exhibition Ill Delights at Galerie Wedding

The tour will take place in English, German spoken and sign language.

30.04.2023, 17 Uhr

Eine Performance von Ania Nowak

Im Rahmen des Ausstellung Ill Delights in der Galerie Wedding

In Deep Inside widmet sich Ania Nowak der Ekstase. Sie stellt die House-Musik und ihre Texte der barocken Poesie und den skulpturalen Darstellungen göttlicher Ekstase gegenüber. Visuelle Bezüge zu Jan Lorenzo Berninis Heiliger Ludovica Albertoni überlagern sich mit der Sprache des Verlangens und der Sehnsucht nach Gott, den Liebenden und der gemeinschaftsbildenden Energie der House-Musik.

Nowak nutzt die Wiederholung, den Rhythmus und den Inhalt sowohl der House-Musik als auch der barocken Texte, um in einer Zeit des (post)pandemischen sozialen Unbehagens nach dem kollektiven Körper und der Seele zu suchen. Sie lauscht den Stimmen, die die House-Rhythmen antrieben, um viele längst vergessene schwarze Sängerinnen und Sänger in Erinnerung zu rufen, die oft aufgrund ihres Geschlechts und ihrer Rasse marginalisiert wurden. Nowak spricht mit den Geistern dieser Stimmen und ehrt sie als Leader*innen und Partner*innen. Für Erinnerung und Ekstase.

Text Remix, Choreografie, Performance: Ania Nowak
Sound: Justyna Stasiowska
Kostüm: Grzegorz Matląg
Äußeres Auge: Julia Plawgo
Textauszüge aus Frankie Knuckles (feat. Jamie Principle), „Your Love“; Fonda Rae, „Tuch Me“ und „Living in Ecstasy“; Ellis D. Presents Boom-Boom, „Work This Pussy (Hurt Me Mix)“; Robin S, „Show Me Love“; Black Box, „Ride on Time“; House to House, „Taste My Love“; Crystal Waters, „Gypsy Woman (She’s Homeless)“; Sonikku ft. LIZ (SOPHIE remix), „Sweat“; Rozalla, „Everybody’s Free“; Clivilles‘ & Cole, „A Deeper Love (A Deeper Feeling Mix)“; Peech Boys „Don’t Make Me Wait“; Lope de Vega, „Various Effects of Love“; Francisco de Quevedo, „Love That Endures Beyond Death“
Produktion: La Casa Encendida
Unterstützt durch das Ankara Queer Art Program

The performance is in English.

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Deep Inside

30.04.2023, 5pm

A Performance by Ania Nowak

In the framework of exhibition Ill Delights at Galerie Wedding

In Deep Inside Ania Nowak looks at ecstasy. She juxtaposes house music and its lyrics with Baroque poetry and sculpturesque depictions of divine ecstasy. Visual references to Jan Lorenzo Bernini’s Blessed Ludovica Albertoni overlap with language of desire and longing for God, the lover and the community building energy of house music.

Nowak uses repetition, rhythm and content of both house music and Baroque texts to search for collective body and soul in a time of (post)pandemic social awkwardness. She listens to voices that drove house rhythms to summon many long forgotten black singers, often marginalised due to their gender and race. Nowak speaks with the ghosts of those voices, honouring them as leaders and partners. For memory and ecstasy.

Text remix, choreography, performance: Ania Nowak
Sound: Justyna Stasiowska
Costume: Grzegorz Matląg
Outside Eye: Julia Plawgo
Text excerpts from Frankie Knuckles (feat. Jamie Principle), „Your Love“; Fonda Rae, „Tuch Me“ und „Living in Ecstasy“; Ellis D. Presents Boom-Boom, „Work This Pussy (Hurt Me Mix)“; Robin S, „Show Me Love“; Black Box, „Ride on Time“; House to House, „Taste My Love“; Crystal Waters, „Gypsy Woman (She’s Homeless)“; Sonikku ft. LIZ (SOPHIE remix), „Sweat“; Rozalla, „Everybody’s Free“; Clivilles‘ & Cole, „A Deeper Love (A Deeper Feeling Mix)“; Peech Boys „Don’t Make Me Wait“; Lope de Vega, „Various Effects of Love“; Francisco de Quevedo, „Love That Endures Beyond Death“
Production: La Casa Encendida
Supported by Ankara Queer Art Program

Die Performance ist auf Englisch.

14.04. bis 27.05.2023

Eine Ausstellung von Ania Nowak & Friends

Freund*innen/Mitwirkende: Angela Alves, Anu Czerwinski, Athena Lange, Cee Füllemann, Grzegorz Matlag »Maldoror«, Janne Ebel, Justyna Stasiowska

Kuratiert von Maja Smoszna

Eröffnung mit DJ am 13.04. von 19 bis 22 Uhr

DJ Set von Kasja ab 21 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Am Donnerstag, dem 13. April 2023 um 19 Uhr lädt die Galerie Wedding ein zur Eröffnung der Ausstellung »Ill Delights« von Ania Nowak & Friends, kuratiert von Maja Smoszna.

Subversive Strategien der Performancekunst, die sich aus Drag, politischen Manifesten und engagierten Formen des körperlichen Widerstands ableiten, setzt die Choreografin und Künstlerin Ania Nowak ein, um mit den Rollen zu spielen, die wir einnehmen. Dabei arbeitet sie eng mit anderen Künstler*innen zusammen. In ihren choreografierten Videoarbeiten und kollaborativen Bühnenprojekten versucht sie, Raum und Möglichkeiten für kollektives Vergnügen sowohl innerhalb als auch jenseits des Unbehagens zu eröffnen. In ihrer jüngsten Videoarbeit hinterfragen Ania Nowak und die gehörlose Performerin Athena Lange die auf der verbalen Sprache und dem Gehörsinn basierenden Kommunikationsgewohnheiten. Darüber hinaus schlagen sie ein relationales Alphabet von intimen Gesten, nonverbalem Humor und Gebärdensprache vor, um normative Kommunikationscodes zu erweitern und zu diversifizieren.

Grußworte der Bezirksbürgermeisterin Stefanie Remlinger, der Galerieleiterinnen Ute Müller-Tischler und Solvej Helweg Ovesen sowie der Kurator*in Maja Smoszna werden die Veranstaltung eröffnen.

Der Abend wird durch eine Simultanübersetzung in Deutsche Gebärdensprache begleitet.

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Ill Delights

14.04. – 27.05.2023

An exhibition by Ania Nowak & Friends

Friends/Contributors: Angela Alves, Anu Czerwinski, Athena Lange, Cee Füllemann, Grzegorz Matlag »Maldoror«, Janne Ebel, Justyna Stasiowska

Curated by Maja Smoszna

Opening with DJ on 13.04., 7 to 10 pm

DJ set by Kasja from 9 pm

Within the framework of POLY 2023–24 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

On Thursday, 13 April 2023 at 7pm, Galerie Wedding invites you to the opening of the exhibition »Ill Delights« by Ania Nowak & Friends, curated by Maja Smoszna.

With subversive performing arts strategies derived from drag, political manifestos, and engaged forms of physical resistance, the choreographer and artist Ania Nowak, in close collaboration with other artists, seeks to play with the roles we take on. In her choreographed video works and collaborative stage projects she tries to open up space and possibilities for collective pleasure both within and beyond discomfort. In their latest video work, Ania Nowak and the Deaf performer Athena Lange attempt to challenge the habits of communication based on verbal language and the sense of hearing. Instead, they propose a relational alphabet of homoerotic gestures, non-verbal humor, and sign language as a way of expanding and diversifying normative communication codes.

Greetings from the district mayor Stefanie Remlinger, the gallery directors Ute Müller-Tischler and Solvej Helweg Ovesen, and the curator Maja Smoszna will open the event.

The evening will be accompanied by simultaneous translation into German sign language.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen von NEUSTART KULTUR.

14.04. bis 27.05.2023

Eine Ausstellung von Ania Nowak & Friends

Freund*innen/Mitwirkende: Angela Alves, Anu Czerwinski, Athena Lange, Cee Füllemann, Grzegorz Matlag »Maldoror«, Janne Ebel, Justyna Stasiowska

Kuratiert von Maja Smoszna

Eröffnung mit DJ am 13.04. von 19 bis 22 Uhr

DJ Set von Kasja ab 21 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Subversive Strategien der Performancekunst, die sich aus Drag, politischen Manifesten und engagierten Formen des körperlichen Widerstands ableiten, setzt die Choreografin und Künstlerin Ania Nowak ein, um mit den Rollen zu spielen, die wir einnehmen. Dabei arbeitet sie eng mit anderen Künstler*innen zusammen. In ihren choreografierten Videoarbeiten und kollaborativen Bühnenprojekten versucht sie, Raum und Möglichkeiten für kollektives Vergnügen sowohl innerhalb als auch jenseits des Unbehagens zu eröffnen. In ihrer jüngsten Videoarbeit hinterfragen Ania Nowak und die gehörlose Performerin Athena Lange die auf der verbalen Sprache und dem Gehörsinn basierenden Kommunikationsgewohnheiten. Darüber hinaus schlagen sie ein relationales Alphabet von intimen Gesten, nonverbalem Humor und Gebärdensprache vor, um normative Kommunikationscodes zu erweitern und zu diversifizieren.

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Ill Delights

14.04. – 27.05.2023

An exhibition by Ania Nowak & Friends

Friends/Contributors: Angela Alves, Anu Czerwinski, Athena Lange, Cee Füllemann, Grzegorz Matlag »Maldoror«, Janne Ebel, Justyna Stasiowska

Curated by Maja Smoszna

Opening with DJ on 13.04., 7 to 10 pm

DJ set by Kasja from 9 pm

Within the framework of POLY 2023–24 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

With subversive performing arts strategies derived from drag, political manifestos, and engaged forms of physical resistance, the choreographer and artist Ania Nowak, in close collaboration with other artists, seeks to play with the roles we take on. In her choreographed video works and collaborative stage projects she tries to open up space and possibilities for collective pleasure both within and beyond discomfort. In their latest video work, Ania Nowak and the Deaf performer Athena Lange attempt to challenge the habits of communication based on verbal language and the sense of hearing. Instead, they propose a relational alphabet of homoerotic gestures, non-verbal humor, and sign language as a way of expanding and diversifying normative communication codes.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen von NEUSTART KULTUR.

*English version below

Die Ausstellungsräume der Galerie Wedding werden zurzeit durch das Sozialamt genutzt. Wir sind im Frühling 2023 wieder für Sie da. In der Zwischenzeit können Sie die Werke von Anton Kats und Ania Nowak durch die Fenster der Galerie sehen:

Ania Nowak »Untitled 3 (Don’t Give Advice!)«, 2018

Das Gespenst des Populismus geht in Europa um. Es ist ein Populismus der guten Ratschläge und der autoritären Sorge um die Unterdrückten. Gleichheit ist ein kommunistischer Traum, während Produktivität eine kapitalistische Forderung ist. Die Menschen arbeiten, produzieren und konkurrieren. Wer hat heute noch Zeit für eine Revolution? Wer für (Selbst-)Pflege? Wer kann von zu Hause aus arbeiten? Und wer kümmert sich um den Haushalt? Wer kann die Welt verändern? Und wer räumt nach der Revolution auf?

Video: Aleksandra Osowicz

Text: Ania Nowak, Jayson Patterson & Ron Padgett »How to Be Perfect«, Kaitlyn Boulding »Questions to Ask Yourself Before Giving Up«, Charles Bukowski »The Laughing Heart«, Rumi »Oh Soul 

Die für Dezember 2022 – Februar 2023 geplante Ausstellung von Ania Nowak wurde auf April – Mai 2023 verschoben.

Wandzeichungen von Anton Kats, 2022 

»Vostok 6 landing on Altair«

»Laika«

»Baikonur cosmo drome«

»Valentina Tereshkova preparing for the flight«

Im Rahmen der Ausstellung »Grounded Outer Space People« hat Anton Kats verschiedene Ideen des Kosmismus und die russische Kolonialisierung des Weltraums durch u.a. das Raumfahrtprogramm »Vostok 1-6« kritisch untersucht.
Auf der großen orangefarbigen Wand in der Galerie Wedding sieht man unter anderen die Russin Valentina Tereschkowa, eine Antiheldin, die in einem Probesessel für ihre erste Reise als Kosmonautin im Weltall (1964) übt – »Valentina Tereshkova preparing for the flight«. Nach ihrer Rückkehr auf die Erde wurde Tereschkowa zu einer politischen Schlüsselfigur in Russland. Sie ist immer noch ein sehr aktives reaktionäres Mitglied von Putins Partei »Unser Russland«. Ihre Rolle in der Politik ist speziell darauf ausgerichtet, die verrücktesten Vorschläge einzubringen, wie z. B. die unbegrenzte Verlängerung von Putins Amtszeit als Präsident. Die großen Wandzeichnungen im Hauptausstellungsraum zeigen also die Vorbereitungen für ihre Reise (auf der rechten Wand) und ihre Landung (auf der linken Wand).

»Public Transport Library proposal in the U6 subway«

Die »Transmigration Library« befindet sich in ständigem Wandel. Ihre Iteration in der Galerie Wedding war ein Vorschlag, eine Bibliothek in der U-Bahn zu schaffen. Ein transitorischer Ort, an dem sich die Menschen mit Literatur auseinandersetzen können, die sich mit verschiedenen Übergangszuständen befasst. 

Die Wandzeichungen waren Teil der Ausstellung »Grounded Outer Space People« (14.10. bis 19.11. 2022) in der Galerie Wedding.

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Ania Nowak & Anton Kats

22.11.2022 – 31.03.2023

The exhibition space of the Galerie Wedding is currently being used by the Social Welfare Office. We will be back for you in spring 2023. In the meantime, you can see the works of Anton Kats and Ania Nowak through the gallery windows:

Ania Nowak „Untitled 3 (Don’t Give Advice!)“, 2018

The specter of populism is haunting Europe. It is a populism of good advice and authoritarian concern for the oppressed. Equality is a communist dream, while productivity is a capitalist demand. The people work, produce and compete. Who has time for revolution today? Who for (self-)care? Who can work from home? And who takes care of the household? Who can change the world? And who will clean up after the revolution? 

Ania Nowak »Untitled 3 (Don’t Give Advice!)«, 2018

Video: Aleksandra Osowicz

Text: Ania Nowak, Jayson Patterson & Ron Padgett »How to Be Perfect«, Kaitlyn Boulding »Questions to Ask Yourself Before Giving Up«, Charles Bukowski »The Laughing Heart«, Rumi »Oh Soul«

The exhibition by Ania Nowak planned for December 2022 – February 2023 has been postponed to April – May 2023.

Wall drawings by Anton Kats, 2022 

»Vostok 6 landing on Altair«

»Laika«

»Baikonur cosmo drome«

»Valentina Tereshkova preparing for the flight«

As part of the exhibition »Grounded Outer Space People« Anton Kats has critically examined different ideas of Cosmism and the Russian colonialization of the outer space through their space travel program »Vostok 1-6«. On the large orange wall in the Galerie Wedding, one sees, among others, the Russian Valentina Tereshkova, an anti-heroine, practicing in a rehearsal chair for her first journey as a cosmonaut in space (1964), »Valentina Tereshkova preparing for the flight«. After her return to Earth, Tereshkova became a key political figure in Russia. She is still a very active reactionary member of Putin’s »Our Russia« party. Her role in politics is specifically to bring in the most insane proposals, such as extending Putin’s term as president indefinitely. Thus, the large wall drawings in the main exhibition space show the preparations for her trip (on the right wall) and her landing (on the left wall).

»Public Transport Library proposal in the U6 subway«

The »Transmigration Library« is in constant transition. Its iteration in Galerie Wedding is a proposal to make a library on the subway train. A transitory place where people can engage with the literature that addresses different transitional states.

The wall drawings were part of the exhibition »Grounded Outer Space People« (14.10. – 19.11. 2022) at Galerie Wedding

Nach einem erfolgreichen Jahr, in dem die Galerie Wedding viele in Berlin lebende Künstler*innen und Besucher*innen mit unterschiedlichen kulturellen Hintergründen zusammengebracht und das Nachbarschafts-Festival ACROSS gegründet hat, muss sie wegen der Wahlvorbereitungen ihre Ausstellungsräume in der Müllerstraße 146-147 für den Winter verlassen.

Von Ende November 2022 bis März 2023 verwandelt man die Galerie Wedding wieder in einen Warte-, Empfangs- und Beratungsraum für das Sozialamt des Bezirksamtes Mitte. Ab 1. April 2023 kann die Galerie Wedding wieder Ausstellungen zeigen und beginnt mit der für ursprünglich Dezember 2022 geplante Ausstellung der Künstlerin und Performerin Ania Nowak.

In den Wintermonaten sind die Besucher*innen der Galerie herzlich eingeladen, die folgenden Kunstwerke von Anton Kats und Ania Nowak durch die Fenster der Galerie zu betrachten: Anton Kats »Vostok 6 landing on Altair«, »Laika«, »Baikonur cosmo drome«, »Valentina Tereshkova preparing for the flight«, »Public Transport Library proposal in the U6 subway« und »Untitled 3 (Don’t Give Advice!)« von Ania Nowak

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Galerie Wedding is closing for the winter of 2022/23

After a successful year in which Galerie Wedding brought together many Berlin-based artists and visitors from different cultural backgrounds and founded the neighbourhood festival ACROSS, it has to leave its exhibition space at Müllerstraße 146-147 for the winter due to election preparations. 

From the end of November 2022 until March 2023, Galerie Wedding will once again be transformed into a waiting, reception and consultation room for the social welfare office of the Mitte district office. From April 1, 2023 Galerie Wedding will be able to show exhibitions again, starting with the exhibition of artist and performer Ania Nowak originally planned for December 2022.

During the winter months, visitors to the gallery are invited to see the following artworks by Anton Kats and Ania Nowak through the gallery windows: Anton Kats »Vostok 6 landing on Altair«, »Laika«, »Baikonur cosmo drome«, »Valentina Tereshkova preparing for the flight«, »Public Transport Library proposal in the U6 subway« and »Untitled 3 (Don’t Give Advice!)« by Ania Nowak.

Freitag 18. November um 17 Uhr Führung durch die Ausstellung Grounded Outer Space People mit der Kuratorin Solvej Helweg Ovesen und dem Künstler Anton Kats

„Die Unterbringung des GOSP Ensembles in der Galerie Wedding und die Bereitstellung unserer Räumlichkeiten für ihre Proben und vor allem auch für Veranstaltungen und improvisierte Konzerte haben uns in einen Raum eingeladen – ähnlich wie die alten Jazzsalons -, in dem die Musik zu einem Wegbegleiter wird, zu einem Asyl für uns, während wir uns verwandeln.“ Solvej Ovesen

Je nach Bedarf kann die Führung auf Englisch oder Deutsch gegeben werden

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Exhibition Tour Grounded Outer Space People

Friday November 18 at 5 pm guided tour through the exhibition Grounded Outer Space People with curator Solvej Helweg Ovesen and artist Anton Kats

„Hosting the GOSP Ensemble at Galerie Wedding and making our space available for their rehearsals and especially for events and improvised concerts has invited us into a space – much like the old jazz salons – where music becomes a companion, an asylum for us as we transform.“ Solvej Ovesen

Depending on demand, the tour can be given in English or German

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

Am 18.11.2022 von 19 bis 21 Uhr abschließendes Event der akutellen Ausstellung Grounded Outer Space People mit musikalischer Performance und Lesung

mit:
Anja Jadryschnikova, Anton Kats, Kelly Krugman, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist

Die musikalische Performance von Grounded Outer Space People am 18. November bildet den Abschluss der jüngsten Ausgabe der nomadischen Künstler*innen Residenz und Musikensembles, das die Beziehungen zwischen Seelenwanderung und Musik untersucht. Die Beiträge der anwesenden Künstler*innen, die in einem performativen Musikkonzert zusammengefasst sind, umfassen abstrakte Improvisationen, Tanz und populäre elektronische Musik, die mit Jazz- und Soul-Einflüssen verschmelzen. Basierend auf der Transmigration Library, einer ständig wechselnden Sammlung von Büchern über Klang, Musik, politisch engagierte Praktiken und Herz, umfasst die Performance ausgewählte Lesungen und Stimmen von Künstler*innen, Musiker*innen und Wissenschaftler*innen. Indem sie diese Karten skizzieren und teilen, stellen Grounded Outer Space People ein erweitertes Verständnis von Migration vor, aus dem eine Poetik der Verdrängung entstehen könnte.

Zu den ausgewählten Lesungen gehören unter anderem: Lucy Mayblin und Joe Turner, Sarah Ahmed, Tara Rodgers, Shelley Trower, Hazrat Inayat Khan, Hans TenDam, Sun Ra, Hafiz and The Tibetian Book of The Dead, und weitere. Verwobene Klangstücke und Gespräche aus dem Archiv enthalten Worte und Stimmen von Ursula K. Leguin, Pauline Oliveros, Oberst Bruce Hampton, Don Cherry, bell hooks und Alice Coltrane.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Volta Finale: »If life has an end, why wouldn’t death?« with Grounded Outer Space People

18.11.2022 from 7 to 9 pm final event of the current exhibition Grounded Outer Space People with musical performance and readings

with:
Anja Jadryschnikova, Anton Kats, Kelly Krugman, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist

The musical performance by Grounded Outer Space People on the 18^th of November marks the finale of the latest iteration of the nomadic artist residency/music ensemble, tracing the relationships between transmigration and music. Woven together as a performative music concert, the contributions of artists in residency embrace abstract improvisations, dance, and popular electronic music as they coalesce with jazz and soul influences. Informed by the Transmigration Library, an ever-changing collection of books on sound, music, politically engaged practices and heart, the performance includes selected readings and listens to the voices of artists, musicians, and scholars. By sketching and sharing these maps, Grounded Outer Space People introduce an expanded understanding of migration from which the poetics of displacement might emerge.

Selected readings include, but are not limited to: Lucy Mayblin and Joe Turner, Sarah Ahmed, Tara Rodgers, Shelley Trower, Hazrat Inayat Khan, Hans TenDam, Sun Ra, Hafiz and The Tibetian Book of The Dead, among others. Interwoven sound pieces and archival conversations include words and voices of Ursula K. Leguin, Pauline Oliveros, Col. Bruce Hampton, Don Cherry, bell hooks, and Alice Coltrane.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

Einladung zur Tagung am 5.11.2022 von 10 bis 21 Uhr in der Zitadelle – ZAK Zentrum für Aktuelle Kunst, SpandauSchöpfen ohne Erschöpfung

Nachhaltigkeit im Kunst- und Kulturbetrieb 

Mehr Zeit, Lokalität, Präsenz, Tiefe, Qualität, zufriedene Mitarbeiter*innen, tiefgründige Erzählungen, analoges Arbeiten
Weniger Veranstaltungen, Müll, Transport, Reisen, Beiträge, Zoom, Heizen, Überstunden, Licht, Drucke

Die Diskussion über den Umgang mit begrenzten oder schwindenden Ressourcen gehört heute zu den brisantesten Themen vor dem Hintergrund der Auswirkungen der Klimakrise und des Krieges in der Ukraine. Um den herausfordernden Entwicklungen langfristig begegnen zu können, bietet sich nachhaltiges und ressourcenschonendes Handeln als Lösungsansatz an. Der Arbeitskreis Kommunale Galerien Berlin hat sich zusammengetan, um dem Thema und der Fragestellung der nachhaltigen kuratorischen und künstlerischen Praxen konkret nachzugehen und in diesem Zusammenhang eine Möglichkeit der Vernetzung unter lokalen Akteur*innen aus verschiedenen Kultureinrichtungen anzubieten. 

Die Tagung beleuchtet relevante Handlungsoptionen für die Ausstellungspraxis und für das Kuratieren aus verschiedenen Perspektiven der geladenen Künstler*innen, Kurator*innen und Wissenschaftler*innen und mithilfe interdisziplinärer Ansätze. 

Mehrere Vorträge, Workshops und ein Gespräch zeigen unterschiedliche Dimensionen des Themas Nachhaltigkeit auf und gehen folgenden zentralen Fragen nach: Wie können Kunst- und Kulturarbeiter*innen – insbesondere im kommunalen Bereich – ihre Arbeit nachhaltigkeitsbewusst gestalten? Wie kann der CO2-Abdruck verringert werden? Was beeinflusst die Humanökologie (Arbeitskultur, soziale und kulturelle Relationen der Institutionen) positiv? Wie passen wir unsere Institutionen, Praxis und Arbeitskultur an neue nachhaltige Bedingungen an?

Im Mittelpunkt stehen praktische kuratorische und technische Strategien, um noch vor dem Winter eine nachhaltige Ausstellungsgestaltung und eine Reduzierung der Ressourcen im Betrieb zu diskutieren und zu ermöglichen.

Die Teilnahme an der Tagung ist kostenfrei. 

Alle Interessierten sind herzlich eingeladen.

Die Anmeldung erfolgt per E-Mail bis 31.10.2022 unter: mail@kgberlin.net

Mehr Informationen gibt es unter https://kgberlin.net/kgb-home

9.11.2022 von 17 bis 19 Uhr Film Premiere von »ODYSSEY WITHIN« von Anja Jadryschnikova mit THE WAY Kollektiv

17 Uhr Einführung des „The Way“ Kollektiv mit Anja Jadryschnikova gefolgt von der Filmpremiere »ODYSSEY WITHIN« und einem Q&A mit Anja Jadryschnikova, Bastian Schmiedecke und Liam Wustrack

17.40 Gedichts- und Improvisationsperformance mit Bastian Schmiedecke, Liam Wustrack, Ezgi Ulubayrak & Anja Jadryschnikova 

THE WAY Improvisations-Kollektiv
Gegründet im Jahr 2017 von Anja Jadryschnikova

THE WAY schafft eine Performance-Plattform für Künstler*innen, die Improvisation als ihre höchste Ausdrucksform verstehen.
Dieses Konzept gibt den Performer*innen die Möglichkeit, mit all ihren Facetten zu glänzen und schafft ständigen Austausch, Fortschritt und kreative Freiheit. THE WAY ist eine Symbiose, die verschiedene Kunstformen wie Tanz, Musik, Gesang oder Malerei in einem ständigen Fluss der Improvisation miteinander verschmelzen lässt. Wie das Leben selbst ist es ständig im Wandel, einzigartig und ausdrucksstark.
Die internationalen Künstler*innen von THE WAY stehen für Authentizität, Freiheit und Einigkeit.

»ODYSSEY WITHIN«

Ein Kurzfilm von Anja Jadryschnikova mit THE WAY Kollektiv
Produziert im Juli 2020, veröffentlicht im August 2022
15 min 

„Die Menschen werden alles tun, egal wie absurd, um die
Konfrontation mit ihrer eigenen Seele zu vermeiden. Man wird nicht erleuchtet, indem man sich Lichtgestalten vorstellt, sondern indem man sich die Dunkelheit bewusst macht.“ C.G. Jung

Creative Direction, Script, Voice Over: Anja Jadryschnikova

DOP & Colorgrading: Miles-Vincent Kleveman

Tänzer*innen: Pelin Terzi, Nicole Kuhfeld, Liam Maria Wustrack, Thomias Radin, Andy Schmidt, Minh-Thu Nguyen

Soundtrack: Vizard
Bastian Schmiedecke & Simon Schmieder

Set Design: Nadja Buck

Kamera Assistenz: Tobias Auner

Standort: Kunstanstalt Berlin
Matthias Schlesinger

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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9.11.2022 from 5 pm tp 7 pm film premiere of »ODYSSEY WITHIN« by Anja Jadryschnikova with THE WAY Collective

17:00 Introduction of “The Way“ collective with Anja Jadryschnikova followed by a film premiere »Odyssey Within« and Q&A with Anja Jadryschnikova, Bastian Schmiedecke and Liam Wustrack

17:40 Poetry & Improvisation Performance with Bastian Schmiedecke, Liam Wustrack, Ezgi Ulubayrak & Anja Jadryschnikova 

THE WAY Improvisation Collective
Founded in 2017 by Anja Jadryschnikova

THE WAY creates a performance platform for artists, who understand improvisation as their highest form of expression.
This concept gives the performers an opportunity to shine with all of their facets and generates constant exchange, progress and creative freedom. THE WAY is a symbiosis melding together different art forms like dance, music, singing or painting in a constant flow of improvisation. Like life itself, it is ever changing, unique and expressive.
THE WAY’s international artists stand for authenticity, freedom and unity.

»ODYSSEY WITHIN«

A short film by Anja Jadryschnikova feat. THE WAY Collective
Produced in July 2020, released in August 2022
15 min 

“There is no coming to consciousness without People will do anything, no matter how absurd, in order to avoid facing their own soul. One does not become enlightened by imagining figures of light, but by making the darkness conscious.” C.G. Jung 

Creative Direction, Script, Voice Over by Anja Jadryschnikova 

DOP & Colorgrading by Miles-Vincent Kleveman 

Dancers: Pelin Terzi, Nicole Kuhfeld, Liam Maria Wustrack, Thomias Radin, Andy Schmidt, Minh-Thu Nguyen 

Soundtrack by Vizard 
Bastian Schmiedecke & Simon Schmieder 

Set Design by Nadja Buck

Camera Assistant Tobias Auner 

Location Kunstanstalt Berlin 
Matthias Schlesinger

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

„Auf einer Seite, einem Absatz und in einem Satz kann viel passieren.“ In der neuesten Iteration von Same Page Different Corner lädt Anton Kats ukrainische Musiker*innen in Berlin ein, sich in geselliger Runde zu treffen, zu jammen, zu diskutieren und sich auszutauschen. 

Indem die Galerie Wedding in ein offenes Studio umgewandelt wird, werden ukrainische Musiker*innen gastfreundlich empfangen, um sich in der Transmigration Library zu treffen, die eine ständig wechselnde und kollektive Sammlung von Büchern beherbergt, die von Kats und dem Projekt »Grounded Outer Space People« bereitgestellt wurden. Die öffentlich zugängliche Bibliothek erforscht die Beziehungen zwischen Transmigration und Musik, die unter anderem durch die Bereiche Klang, Zeitlichkeit, politisches Engagement und Poesie assoziiert werden.

Es findet eine »Vostok 7« Listening Session statt, anlässlich zum Launch des Vinyls; ein Hörspiel, das als Anleitung zum Zuhören dient und die Politik des Krieges, Demenz und die Ethik der Liebe mit der Seelenwanderung, der Überwindung des Egos, kosmischen Reisen und Musik verknüpft.
„Aus den Leben und den Geschichten, die in und um Bücher herum eingebettet sind, kann sich viel eröffnen, wenn sie sich im selben Raum treffen und sprechen.“

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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»Same Page Different Corner« with Anton Kats, Helleroid, Oleksandra Monda, Yulia Vlaskina & Others

10.11.2022 at 6 pm Ukrainian musicians meet up and »Vostok 7« Listening Session.

“A lot can happen on one page, one paragraph, and within one sentence.” In the latest iteration of Same Page Different Corner, Anton Kats invites Ukrainian musicians in Berlin to come together to meet, jam, dialogue, and exchange in conviviality. 

Turning Galerie Wedding into an open studio, Ukrainian musicians are hospitably welcomed to meet in the Transmigration Library hosting an ever-changing and collaborative collection of books coming from Kats and the Grounded Outer Space People project. The open-access public library explores the relationships between transmigration and music, associatively engaged through the realms of sound, temporality, political engagement and poetry among others. 

A »Vostok 7« listening session will take place, honouring the launch of the vinyl: a radio play serving as a listening manual anchored in the politics of war, dementia, and the ethics of love as they bridge with transmigration, the overcoming of ego, cosmic travels, and music. “A lot can open from the lives and stories embedded within and around books, as they meet and speak in the same space.”

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

26.10.2022 ab 21 Uhr Radio Transmission von Aiko Okamoto (online)

In der (fast) wöchentlichen Sendung »Notiz für die Welt danach« liest Aiko Okamoto Texte vor bzw. berichtet von den Demos, von denen man etwas für die Welt danach mitnehmen kann und vielleicht muss.

Für die Sendung aus der Galerie Wedding stellt sie das neu eröffnete Museum der Trostfrauen vor.

Die Folge aus der Galerie Wedding kann über folgenden Link gehört werden:
https://sphere-radio.net/sendungen/notiz-fuer-die-welt-danach-2/

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg OvesenBitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Radio Transmission »Notiz für die Welt danach #91«

26.10.2022 at 9 pm Radio Transmission by Aiko Okamoto (online, in German)

In the (almost) weekly broadcast »Notiz für die Welt danach« Aiko Okamoto reads texts and reports from the demos, from which one can and perhaps must take something away for the world afterwards.

For the programme from Galerie Wedding she introduces the newly opened »Museum der Trostfrauen«.

Weblink for listening to the broadcast from Galerie Wedding: https://sphere-radio.net/sendungen/notiz-fuer-die-welt-danach-2/

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

25.10. 2022 von 19 bis 21 Uhr Musik Performance von Raman Khalaf (Oud, Stimme) und Khaled Kurbeh (Klavier, Synthesizer) in der Galerie Wedding

Die elektroakustischen Kompositionen des syrischen Duos erforschen die Maqām-Musik (ein System melodischer Modi) aus Mesopotamien und verwischen die Grenzen zwischen Geschriebenem und Improvisiertem. Ihre Debüt-EP Aphorisms wurde 2017 über das Label Between Buttons veröffentlicht. Seitdem trat das Duo bei XJAZZ Berlin, dem BBC Arabic Festival in London und dem Funkhaus Berlin auf.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Interlude Grounded Outer Space People

25.10.2022 from 7 to 9 pm a music performance by Raman Khalaf (Oud, Voice) and Khaled Kurbeh (Piano, Synthesizer).

The Syrian duo’s electroacoustic compositions explore Maqām music (system of melodic modes) from Mesopotamia and blur the lines between the written and the improvised. Their debut EP Aphorisms was released via Between Buttons label in 2017, they have since performed at the likes of XJAZZ Berlin, BBC Arabic Festival in London and Funkhaus Berlin.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

14.10. bis 19.11. 2022

Performative Ausstellung mit Künstler*innenresidenz und Musikensemble von Anton Kats

mit Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh,
Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy,
Aiko Okamoto, und Ziggy Zeitgeist

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung mit DJ am 13.10. 2022, 18 bis 22 Uhr

Am 13.10.2022 von 18 bis 22 Uhr eröffnet »Grounded Outer Space People« von Anton Kats, eine performative Ausstellung in der Galerie Wedding, die die neuste Ausgabe des nomadischen Projekts mit Live-Performances und DJs präsentiert. 

»Grounded Outer Space People« ist eine nomadische Künstler*innenresidenz und ein Musikensemble, das die Beziehung zwischen »transmigration« und Musik untersucht. Die in einem temporären Studio arbeitende Künstler*innengruppe bespielt den Galerieraum und erweitert den ausstellungsartigen Rahmen durch Ensembleproben, Konzerte, Präsentationen, Performances, Klang- und Bildarbeiten sowie Workshops. 

Raumgreifende Partituren und Zeichnungen erstrecken sich über die Wände der Galerie und kündigen den Launch des Vinyls »Vostok 7« an, ein Hörspiel, das als Reenactment des noch zu bauenden Raumschiffs konzipiert ist. Ausgehend von einer Wahrnehmungsverschiebung vom Visuellen zum Klanglichen betreibt das Projekt ein mobiles Soundsystem, eine Radiostation und einen Hörraum voller Musikinstrumente und akustischer Geräte. 

Anton Kats (*1983 in Cherson) ist ein ukrainischer bildender Künstler, Musiker und Tänzer. In einem Moment, in dem die meisten politischen Konzepte scheitern, wendet sich der Künstler den Protagonist*innen des ukrainischen Kosmismus wie Fedir Tetyanych zu und lässt sich auch von Musiker*innen, Improvisator*innen und Künstler*innen wie Don Cherry und Mocki Cherry inspirieren. Diese Synthese bietet einen dynamischen Ausgangspunkt, um das Konzept der Seelenwanderung als performative, künstlerische und kollektive Praxis zu erforschen. »Grounded Outer Space People« lädt multidisziplinäre Künstler*innen mit unterschiedlichem Hintergrund ein, das zeitgenössische Verständnis von Migration mit Hilfe eines ephemeren Musikensembles zu erweitern, und schlägt ein kritisches Mapping vor, aus dem die Poetik geographischer Verdrängung hervorgehen könnte.

Für das Publikum öffnet zum ersten Mal auch die »Transmigration Library«, eine sich ständig wandelnde Sammlung von Büchern, die speziell auf der Grundlage von Kats‘ Forschungsinteressen im Bereich Klang und Musik, ebenso wie aus einer politisch engagierten künstlerischen Praxis heraus, ausgewählt wurden. Indem das Projekt spielerisch die Idee der Seelenwanderung aufgreift und ein Leben nach dem anderen annimmt, verweist es auf die sehr konkreten Dimensionen eines Körpers, einer Familie, eines Landes, eines Planeten und einer Geschichte. Diese kosmische Landschaft, die furchtlos mit Geist und Mythos, dem Akt des Storytellings, verwoben ist, kommt den Besucher*innen auf halbem Weg entgegen und lädt dazu ein, vorgegebene Beziehungsmodelle zu verlernen.

Ein offenes Veranstaltungsprogramm aus Präsentationen, Konzerten, Listening Session und Ausstellungsführung begleitet das Projekt im Oktober und November. 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Grounded Outer Space People

14.10. – 19.11. 2022

Artist residency and Music ensemble by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt,
Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening with DJ on 13.10. 2022, 6 to 10 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

On 13.10.2022 »Grounded Outer Space People« by Anton Kats opens from 6 to 10 pm a performative exhibition at Galerie Wedding marking the latest iteration of the nomadic project with live performances and DJs.

»Grounded Outer Space People« is a nomadic artist residency/music ensemble investigating the relationship between transmigration and music. Operating in a temporary studio the group of artists inhabits the gallery space and expands the exhibition-like frame through ensemble rehearsals, concerts, presentations, performances, sound- and visual works, and workshops. Upscaled scores and drawings extend over the gallery walls setting forth the launch of »Vostok 7« vinyl, a radio play conceived as a reenactment of the spaceship that has yet to be built. Driven through the perceptual shift from the visual to the sonic, the project operates a mobile sound system, a radio station, and a listening space full of musical instruments and sonic devices.

Anton Kats (*1983 in Kherson) is a Ukrainian visual artist, musician, and dancer. At a moment when most political concepts fail, the artist turns to the protagonists of Ukrainian cosmism such as Fedir Tetyanych, also drawing inspiration from musicians, improvisers, and artists such as Don Cherry and Mocki Cherry. This synthesis offers a dynamic starting point to explore and expand the concept of transmigration as a performative, artistic, and collective practice. Inviting multidisciplinary artists from different backgrounds to explore and expand the contemporary understanding of migration through an ephemeral music ensemble, »Grounded Outer Space People« propose a critical mapping from which the poetics of displacement might emerge.

Opening doors to the first iteration of the »Transmigration Library« the audience is invited to engage with an ever-changing collection of books curated through Kats‘ practice in sound, music, and politically engaged artistic practice. Playfully embracing the notion of reincarnation, taking one lifetime at a time, the project points towards the very concrete dimensions of a body, family, country, planet, and history. Fearlessly entangled with spirit and mythos, the act of storytelling, this cosmic landscape meets the visitor halfway and invites to unlearning of predetermined relational models.

An event program with presentations, concerts, a listening session, and an exhibition tour accompanies the project in October and November. 

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

14.10. bis 19.11. 2022

Performative Ausstellung mit Künstler*innenresidenz und Musikensemble von Anton Kats

mit Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh,
Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy,
Aiko Okamoto, und Ziggy Zeitgeist

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung mit DJ am 13.10. 2022, 18 bis 22 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Am 13.10.2022 von 18 bis 22 Uhr eröffnet »Grounded Outer Space People« von Anton Kats, eine performative Ausstellung in der Galerie Wedding, die die neuste Ausgabe des nomadischen Projekts mit Live-Performances und DJs präsentiert. 

»Grounded Outer Space People« ist eine nomadische Künstler*innenresidenz und ein Musikensemble, das die Beziehung zwischen »transmigration« und Musik untersucht. Die in einem temporären Studio arbeitende Künstler*innengruppe bespielt den Galerieraum und erweitert den ausstellungsartigen Rahmen durch Ensembleproben, Konzerte, Präsentationen, Performances, Klang- und Bildarbeiten sowie Workshops. 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Grounded Outer Space People

14.10. – 19.11. 2022

Artist residency and Music ensemble by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt,
Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening with DJ on 13.10. 2022, 6 to 10 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

On 13.10.2022 »Grounded Outer Space People« by Anton Kats opens from 6 to 10 pm a performative exhibition at Galerie Wedding, Berlin marking the latest iteration of the nomadic project with live performances and DJs.

»Grounded Outer Space People« is a nomadic artist residency/music ensemble investigating the relationship between transmigration and music. Operating in a temporary studio the group of artists inhabits the gallery space and expands the exhibition-like frame through ensemble rehearsals, concerts, presentations, performances, sound- and visual works, and workshops.

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

Am Samstag findet zu der Ausstellung „Wayward“ von Rüzgâr Buşki eine Führung in der Galerie Wedding mit der Kuratorin Nadine Isabelle Henrich statt. Die Führung beginnt um 15 Uhr.

Samstag, 17. September 2022
Beginn: 15 Uhr
Führung der Kuratorin Nadine Isabelle Henrich durch die Ausstellung „Wayward“ von Rüzgâr Buşki.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Exhibition Tour

On Saturday Galerie Wedding welcomes you to join the curator Nadine Isabelle for a guided tour through our current exhibition „Wayward“ by the artist Rüzgâr Buşki at 3pm.

Saturday, 17.09. 2022 at 3 pm
Exhibition tour with the curator Nadine Isabelle Henrich.

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Anmeldung bis zum 8.9. 2022 unter: post@galeriewedding.de

In diesem Workshop werden die Teilnehmenden durch verschiedene Übungen geführt, um die Kraft der eigenen Stimme zu erleben. Es beginnt mit dem Aufwärmen des Körpers und seiner Erdung. Dann werden verschiedene Atemübungen durchgeführt. Durch Summen und Singen werden die Teilnehmenden noch mehr mit ihrer Stimme verbunden. Durch einfache Lieder und Chants lernen sie, jede Beurteilung der Stimme loszulassen und Töne einfach so zu äußern, wie es sich für sie gut anfühlt – sie werden ermächtigt, ihre eigene Stimme zu nutzen und mit ihr Raum einzunehmen.

10. September 2022 (Workshop)
Von 15 bis 18 Uhr Workshop mit Isabelle Rivera »Connect to your super power – connect to your Voice«. In englischer Sprache. BIPOC-Personen sind besonders willkommen.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Connect to your super power – connect to your Voice

Registration until 8.9. 2022 at: post@galeriewedding.de

Workshop participants will be guided through various exercises to experience the power of their own voice. The workshop begins with warming up the body and grounding it, followed by various breathing exercises. Participants develop a deeper their connection to their voice through humming and singing. With simple songs and chants, they learn to let go of any judgement of their voice and simply utter sounds in a way that feels good, empowering them to use their own voice and take up space with it.

10.09. 2022, 3 to 6 pm
Workshop with Isabelle Rivera»Connect to your super power – connect to your Voice«
In english. BIPOC persons are especially welcome.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Şipşak Druck ist eine mobile Siebdruckstation. Şipşak bedeutet auf Türkisch „spontan / ein Schnappschuss / schnell“ und spielt mit der kollektiven Freude am kreativen Experimentieren, um Räume für spontanen Dialog und Austausch zu schaffen. Sie zeigt, wie Siebdruck zugänglich sein, Spaß machen und als Instrument für Empowerment eingesetzt werden kann. 

Workshopleitung: Rüzgâr Buşki und Barbara Campaner

Sprachen: Deutsch, Englisch, Türkisch 

Anmeldung nicht erforderlich

03. September 2022 (Workshop)
Von 12 bis 14 Uhr Siebdruckworkshop für Kinder mit Rüzgâr Buşki und Barbara Campaner »Şipşak goes Galerie Wedding: Wie viele Beine kann man haben?«

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Şipşak goes Galerie Wedding: „Wie viele Beine kann man haben?“

Şipşak means ‘snapshot’ in Turkish. Şipşak Print is a mobile screen-printing station that plays with the joy of creative experimentation and creates spaces for spontaneous exchange. The workshop will reveal the way screen printing works, how fun it is, and how it can be used as a tool for both personal expression and empowerment.

with Rüzgâr Buşki and Barbara Campaner

Languages: English, Turkish, German

no registration needed

03.09. 2022 (Workshop)
Screen printing workshop for children with Rüzgâr Buşki and Barbara Campaner»Şipşak goes Galerie Wedding: Wie viele Beine kann man haben?«, 12 am to 2 pm

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

<Fahrradtour abgesagt> 04.09.2022 Die Fahrradtour fällt leider aus, offen ist die Galerie dennoch: Diesen Sonntag hat sie ihre Türen für Besucher*innen von 14 bis 19Uhr geöffnet.

Am Sonntag, den 4.9. 2022 findet von 15 bis 18:30 Uhr eine Fahrradtour während der KGB-Kunstwoche mit Station in der Galerie Wedding und anschließender Ausstellungsführung statt.

Während der Touren lernen Sie die Arbeit der 35 kommunalen Galerien Berlins kennen. Vor Ort begrüßen Sie Galerieleiter:innen, Kurator:innen und Künstler:innen, präsentieren die laufenden Ausstellungen und stellen Programmschwerpunkte der Galerien vor.

Jede Tour schließt mit einem Überraschungsevent ab.

Die Teilnahme ist kostenfrei.

Die Touren sind bedingt barrierefrei.
Anmeldung bis 31.8. 2022 unter: mail@kgberlin.net

Moderation: Malte Pieper, Dr. Sabine Ziegenrücker

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04.09. 2022 (KGB Art Week)
A bicycle tour in German language during the „KGB-Kunstwoche“ with a stop at Galerie Wedding followed by an exhibition tour. Please register until 31.8.2022 at: mail@kgberlin.net

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

20.08. bis 01.10. 2022

Eine Ausstellung von Rüzgâr Buşki

Kuratiert von Nadine Isabelle Henrich

Eröffnung (alkoholfreie Veranstaltung) am 19.08.2022, 19 bis 22 Uhr mit DJ İpek und MC Josh

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

In Rüzgâr Buşkis Einzelausstellung Wayward manifestieren sich Transidentität und Queerness nicht als utopische Zukunftsvision, sondern als eine unaufhaltsame Praxis und intersektionale Erzählung, die eine relationale Ästhetik entfaltet. Diese wird in der Ausstellung erfahrbar durch Film-Installationen, Siebdrucke und ausgewählte Skizzen.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Wayward

20.08. – 01.10. 2022

Exhibition by Rüzgâr Buşki

Curated by Nadine Isabelle Henrich

Opening (sober event) on 19.08.2022, 7 to 10 pm with DJ İpek and MC Josh

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

In Rüzgâr Buşki’s solo exhibition Wayward trans-identity and queerness manifest not as an utopian vision of the future, but an unstoppable practice. By intersectional storytelling unfolds a relational aesthetic that can be experienced in the exhibition through film installations, screen-prints and selected sketches.

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

20.08. bis 01.10. 2022

Eine Ausstellung von Rüzgâr Buşki

Kuratiert von Nadine Isabelle Henrich

Eröffnung (alkoholfreie Veranstaltung) am 19.08.2022, 19 bis 22 Uhr mit DJ İpek und MC Josh

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

In Rüzgâr Buşkis Einzelausstellung Wayward manifestieren sich Transidentität und Queerness nicht als utopische Zukunftsvision, sondern als eine unaufhaltsame Praxis und intersektionale Erzählung, die eine relationale Ästhetik entfaltet. Diese wird in der Ausstellung erfahrbar durch Film-Installationen, Siebdrucke und ausgewählte Skizzen.

Landkarten, tierische und menschliche Körper bilden den Ausgangspunkt, an dem sich Besucher*innen und dey Künstler*in begegnen, an denen Transformation und Reflektion dicht bei einander geschehen. Es herrscht ein Zustand des Ineinanderfließens, des Übergangs und der Hybridität, der den Blick auf individuelle wie kollektive Körper und Identität prägt. Dies ist jedoch nicht mit einer Abwesenheit von Spannung, Konflikt und Kollisionen gleichzusetzen – die Figuren sind ineinander verschlungen, verbunden und ineinander verkeilt.

Der Titel Wayward bezieht sich in seinen verschiedenen Bedeutungen auf Eigenschaften, welche je nach Kontext positiv oder negativ konnotiert sind: starrköpfig, willensstark, unberechenbar, widerständig. Er beschreibt eine Haltung oder ein Verhalten, das von Anderen nicht erwartet und als sich den sozialen Normen nicht beugend verstanden wird. Das Streben, außerhalb der normativen Schablonen in Selbstbestimmung und mit Integrität zu existieren, bildet das Zentrum in Rüzgâr Buşkis künstlerischer Praxis. Wayward präsentiert eine Übersicht an Arbeiten, die zwölf Jahre filmischen Schaffens, künstlerischer Praxis, LGBTQIA+ Aktivismus und Community-Arbeit umspannt.

Zu der Ausstellung finden im September vielfältige Veranstaltungen statt: Ein Siebdruckworkshop für Kinder, eine Fahrradtour im Rahmen der KGB-Kunstwoche und der Workshop »Connect to your super power – connect to your Voice«.

Im Text wird angelehnt an das Englische »they« im Deutschen »dey/deren/demm« als Pronomen für nicht-binäre Menschen verwendet.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Wayward

20.08. – 01.10. 2022

Exhibition by Rüzgâr Buşki

Curated by Nadine Isabelle Henrich

Opening (sober event) on 19.08.2022, 7 to 10 pm with DJ İpek and MC Josh

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

In Rüzgâr Buşki’s solo exhibition Wayward trans-identity and queerness manifest not as an utopian vision of the future, but an unstoppable practice. By intersectional storytelling unfolds a relational aesthetic that can be experienced in the exhibition through film installations, screen-prints and selected sketches.

Maps, animal and human bodies are the starting point where the visitors and the artist can join for revision and transformation processes. There is a state of confluence, transition and hybridity that shapes the view of individual and collective bodies and identity. However, this is not to be equated with an absence of tension, conflict, collisions and wedging – the figures are intertwined, connected and touching each other.

The title Wayward, in its various meanings, refers to qualities that can have positive or negative connotations depending on the context: headstrong, willful, unpredictable, resistant. It is an attitude or behavior that is not expected by others and is perceived as not conforming to social codes. The striving to exist outside the normative templates in self-determination and integrity is the central theme towards which Rüzgâr Buşki’s practice gravitates. Wayward presents a survey of works spanning 12 years of filmmaking, LGBTQIA+ activism, art-making and community work.

A variety of events will be upcoming in September to accompany the exhibition: A screen-printing workshop for children, a bicycle tour as part of „KGB Kunstwoche“, and the „Connect to your super power – connect to your Voice“ workshop. 

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Kuratiert von Malte Pieper & Maja Smoszna

Beide Performances finden auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Zur Finissage des Programms Movement Research ACROSS finden auf dem Rathausvorplatz zwei Performances statt, die jeweils auf eigene Weise den öffentlichen Raum und das Publikum mit einbeziehen.

INTI-mate Heal-inG ist eine öffentliche Performance-Installation der Künstlerin, Aktivistin und Kuratorin Va-Bene Elikem Fiatsi (auch bekannt als crazinisT artisT), in der die Diskussion über als krank, unvollkommen, illegal und unkultiviert angesehen Körper erweitert wird. Die Performance hinterfragt die Vorstellungen über die Darstellung von an den Rand gedrängten Gruppen in den Mainstream-Medien und die diskriminierende Politik, die zu wirtschaftlicher, religiöser, medizinischer und sozialer Ausgrenzung führt. In INTI-mate Heal-inG wird das Publikum eingeladen, sich an einer kollektiven, verkörperten Solidarität und heilenden Körperpflege zu beteiligen und über die eigene Verletzlichkeit, Ängste und Privilegien nachzudenken.

Für die folgende Performance Best Wishes for Wedding wird die Künstlerin, Akrobatin und Journalistin für Zukunftsmobilität Carrie Hampel ein akrobatisches Spektakel durchführen. Die öffentliche Zeremonie entsteht aus dem Klangmaterial, das die Künstlerin aus Vox-Populi-Interviews mit Bewohner*innen und Arbeiter*innen in Berlin-Wedding über ihre Wünsche für den Bezirk gesammelt hat. Diese Wünsche bilden die Grundlage für rhythmische Klangstücke, zu denen Radakrobaten eine farbenfrohe, geometrische und zirkusähnliche Choreografie aufführen.

Performer*innen: Lauren van Vuuren, Bridget Hines, Performer*innen vom Spandauer Radsportverein; Kostüme: Sarah Ama Duah

Ein DJ Set von Nara schließt den Abend ab. Als Kopf des Disorder-Teams führt sie furchtlos durch eine breite Palette tropischer und basslastiger Sounds – von Reggaeton bis Trap, von Baile Funk bis Kuduro, von Hiphop bis Booty Bass. Sich ausdehnen, erweitern, versinken, fliegen und in der Luft explodieren, das ist es, was man von einer musikalischen Reise mit Nara erwarten kann – Schütteln im Takt garantiert.

Im Rahmen von Movement Research ACROSS konzipiert von XO Curatorial Projects und kuratiert von Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann.

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ACROSS Finissage

30.07.2022 between 4 und 6:30 pm a performance by Va-Bene Elikem Fiatsi & between 7 and 8 pm a performance by Carrie Hampel &
between 8 and 9 pm a DJ set by Nara

Curated by Malte Pieper & Maja Smoszna

Both performances will take place on the Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding).

Two performances will mark the finissage of the Movement Research ACROSS programme in the square in front of the town hall, each in its own way relating to the public space and involving the audience.

INTI-mate Heal-inG is a public performance installation by artist, activist and curator Va-Bene Elikem Fiatsi (also known as crazinisT artisT) that expands the discussion about bodies seen as sick, imperfect, illegal and uncultured. The performance challenges notions about the representation of marginalised groups in mainstream media and the discriminatory policies that lead to economic, religious, medical and social exclusion. In INTI-mate Heal-inG, the audience is invited to participate in a collective, embodied solidarity and healing body care, and to reflect on their own vulnerabilities, fears and privileges.

For the following performance Best Wishes for Wedding, artist, acrobat, and future mobility journalist Carrie Hampel will present an acrobatic spectacle. The public ceremony is created from the sound material the artist collected from vox populi interviews with residents and workers in Berlin-Wedding about their wishes for the district. These wishes make up the basis of rhythmic sound pieces to which cyclist acrobats perform a colourful, geometric and circus-like choreography.

Performers: Lauren van Vuuren, Bridget Hines, performers from the Spandau Cycling Club; costumes: Sarah Ama Duah

A DJ set by Nara will round off the evening. Acting as the head of the disorder team, she fearlessly leads you through a wide range of tropical and bass-heavy sounds – from reggaeton to trap, from baile funk to kuduro, from hiphop to booty bass. Extending, expanding, sinking, flying to explode in the air, that’s what you can expect from a musical journey with Nara – shaking to the beat guaranteed.

In the framework of Movement Research ACROSS conceived by XO Curatorial Projects and curated by Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann.

03.06. bis 30.07.2022

Ausstellung mit Werken von Viron Erol Vert, RA Walden, Jimmy Robert und temporären Interventionen von u.a. André Uerba und Angela Alves in der Galerie Wedding & auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

Für ACROSS hat der bildende Künstler Viron Erol Vert den “Flexible Colour Circle” geschaffen, eine öffentliche und bewohnbare Skulptur-Bühne auf dem Rathausvorplatz in Wedding. Sie dient als Movement Research Bereich für Performances und als Raum für Begegnungen mit und für die Weddinger Bevölkerung. Bei der Gestaltung dieser farbenfrohen Außenbühne ließ sich Vert von den Farbtafeln der Künstlerin Emily Noyes Vanderpoel (1842-1939) inspirieren, die sich mit der imaginären Wirkung von Farben beschäftigte, sowie von Johann Wolfgang von Goethes (1749-1832) Farbenlehre und Johannes Ittens (1888-1967) Farbrad und seinen Überlegungen zur Beeinflussung von Farbe auf Form. Die ACROSS-Ausstellung im Freien wird durch eine Ausstellung in den Räumen der Galerie Wedding ergänzt, in der Werke der Künstler RA Walden, Jimmy Robert und Intervention von u.a. André Uerba und Angela Alves gezeigt werden, die sich mit dem Moment der angehaltenen Bewegung auseinandersetzen

RA Walden kleidet die Galerie Wedding mit „A SCORE FOR REST(YIELDING)“, einem großformatigen Wandtext über die zufälligen Bewegungen von Staub, aus, der als verkörperte Science-Fiction präsentiert wird. Eine aus Aufnahmen außerirdischer Winde bestehende Klangkomposition ergänzt und erweitert den Text. Waldens Arbeit erforscht die Überschneidungen zwischen Krankheit, Behinderung, Bewegung und Technologie: Welche Verbindungen gibt es, welche Formen von Aktionen, Protest und Zukunftsvorstellungen sind möglich?

In seinem fotobasierten und architektonischen Kunstwerk „Untitled (Pilé VII)“ platziert Jimmy Robert die Fotografie eines ruhenden Tänzers in menschlicher Größe auf einem Sockel, seinen Rücken dem/der Betrachter*in zugewandt. Indem er die spezifischen Eigenschaften der in seiner Arbeit verwendeten Materialien hervorhebt, sowohl in der Ausstellung als auch im Aufführungsraum selbst, macht er sie zu Verbündeten im performativen Prozess und hebt die Trennung zwischen Objekt und Körper, Bild und Raum, Lebendigkeit und Stille auf.

Der Film von André Uerba „INVITING MOMENTS OF STILLNESS“ ist eine choreografisch-performative Erkundung der Berührung. Durch Verlangsamung und Konzentration auf den Körper erproben er und seine Mitstreiter*innen verschiedene Formen des Kennenlernens und der gegenseitigen Wahrnehmung als Mittel zur Entdeckung des Zusammenseins.

„REST“ ist eine Installation von Angela Alves im Movement Research Center der Galerie Wedding. Die Arbeit nähert sich dem Ruhen als einem Akt der Selbstfürsorge, der Hingabe und der Rebellion. Die Künstlerin lädt Menschen mit unterschiedlichem Hintergrund ein, sie im Bett zu besuchen und über ihre Beziehung zum Ruhen zu sprechen. Die Audioaufnahmen der Bettgespräche lassen Stimmen zu Wort kommen, die zu politischen Formulierungen werden, sobald sie die private Sphäre verlassen. Geschichten vom Kämpfen, Bewältigen, Widerstehen. Geschichten vom Feiern, Lieben, Schaffen. Die Installation ist bis zum 30. Juni zu sehen.

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Movement Research ACROSS Exhibition

03.06. – 30.07.2022

Exhibition with works by Viron Erol Vert, RA Walden, Jimmy Robert and temporary interventions by a.o. André Uerba and Angela Alves at Galerie Wedding & on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

Curated by Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

For the occasion of ACROSS, visual artist Viron Erol Vert created “Flexible Colour Circle”, a public and inhabitable stage, set in Wedding’s town hall square (Rathausvorplatz). It serves as a Movement Research area for performances and a space for encounters with and for the people of Wedding. When designing the outdoor colourful stage, Vert was inspired by artist Emily Noyes Vanderpoel’s (1842-1939) colour charts studying the imaginary effects of colour, Johann Wolfgang von Goethe‘ theory of colour as well as Johannes Itten’s (1888-1967) colour wheel and ideas of how colour influences shape. This outdoor part of ACROSS is complemented by an indoor exhibition at Galerie Wedding with works by RA Walden and Jimmy Robert with interventions a.o. by André Uerba and Angela Alves, exploring the moment of arrested or accidental movement .

RA Walden presents the work “a score for rest (yielding)” and thereby invests Galerie Wedding with a large-scale wall text on the accidental movements of dust, presented as embodied science fiction. The text is complemented by a new sound piece composed from field recordings of extra-terrestrial winds. Walden’s work explores the intersections between sickness, disability, movement, and technology: What are the connections, what forms of action, protest and imagined futures are possible? 

In this photo-based and architectural artwork, Jimmy Robert places a human-scale resting dancer photograph on a plinth, his back turned towards the audience. By emphasising the specific properties of the materials used in his work, in the exhibition as well as the performance space itself, he turns them into a partner within the performative process, extinguishing the divide between object and body, image and space, liveness and stillness.

„INVITING MOMENTS OF STILLNESS“ is a film by André Uerba, where the choreographic-performative exploration of touch, slow pace and togetherness are key themes. By slowing down and focussing on the body, he and his co-residents test different forms of becoming acquainted with, and sensing, one another as a means of uncovering togetherness.

„REST“ is an installation by Angela Alves at Movement Research Center at Galerie Wedding. It is an ongoing project about the practice of resting. The work approaches resting as an act of self-care, surrender and rebellion. It empowers those who spend a lot of time in bed to have their voices heard and to reveal perspectives on resting as a cultural and political technology. The artist invites people with different backgrounds to visit her in bed and talk about their relationship to rest. Audio recordings of the bed meetings present voices that become political wordings as soon as they leave the private sphere. Stories of struggling, coping, resisting. Stories of celebrating, loving, creating. The installation is on view until June 30.

02.06.2022 zwischen 17 und 22 Uhr eine Ausstellungseröffnung von Viron Erol Vert, RA Walden, Jimmy Robert und Interventionen von u.a. André Uerba und Angela Alves in der Galerie Wedding & auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Bewohnbare Bühne im Außenraum – Ausstellung im Innenraum

Für ACROSS hat der bildende Künstler Viron Erol Vert den „Flexible Colour Circle“ geschaffen, eine öffentliche und bewohnbare Skulptur-Bühne auf dem Rathausvorplatz in Wedding. Sie dient als Movement Research Bereich für Performances und als Raum für Begegnungen mit und für die Weddinger Bevölkerung. Bei der Gestaltung dieser farbenfrohen Außenbühne ließ sich Vert von den Farbtafeln der Künstlerin Emily Noyes Vanderpoel (1842-1939) inspirieren, die sich mit der imaginären Wirkung von Farben beschäftigte, sowie von Johann Wolfgang von Goethes (1749-1832) Farbenlehre und Johannes Ittens (1888-1967) Farbrad und seinen Überlegungen zur Beeinflussung von Farbe auf Form. Die ACROSS-Ausstellung im Freien wird durch eine Ausstellung in den Räumen der Galerie Wedding ergänzt, in der Werke der Künstler RA Walden, Jimmy Robert und Intervention von u.a. André Uerba und Angela Alves gezeigt werden, die sich mit dem Moment der angehaltenen Bewegung auseinandersetzen.

RA Walden wird die Galerie Wedding mit einem großformatigen Wandtext über die zufälligen Bewegungen von Staub auskleiden, der als verkörperte Science-Fiction präsentiert wird. Eine aus Aufnahmen außerirdischer Winde bestehende Klangkomposition ergänzt und erweitert den Text. Waldens Arbeit erforscht die Überschneidungen zwischen Krankheit, Behinderung, Bewegung und Technologie: Welche Verbindungen gibt es, welche Formen von Aktionen, Protest und Zukunftsvorstellungen sind möglich?

In seinem fotobasierten und architektonischen Kunstwerk platziert Jimmy Robert die Fotografie eines ruhenden Tänzers in menschlicher Größe auf einem Sockel, seinen Rücken dem/der Betrachter*in zugewandt. Indem er die spezifischen Eigenschaften der in seiner Arbeit verwendeten Materialien hervorhebt, sowohl in der Ausstellung als auch im Aufführungsraum selbst, macht er sie zu Verbündeten im performativen Prozess und hebt die Trennung zwischen Objekt und Körper, Bild und Raum, Lebendigkeit und Stille auf.

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Movement Research ACROSS

02.06.2022 between 5 and 10 pm an exhibition opening by Viron Erol Vert, RA Walden, Jimmy Robert and interventions by a.o. André Uerba and Angela Alves at Galerie Wedding & on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

Inhabitable Outdoor Stage and Indoor Exhibition

For the occasion of ACROSS, visual artist Viron Erol Vert created “Flexible Colour Circle”, a public and inhabitable stage, set in Wedding’s town hall square (Rathausvorplatz). It serves as a Movement Research area for performances and a space for encounters with and for the people of Wedding. When designing the outdoor colourful stage, Vert was inspired by artist Emily Noyes Vanderpoel’s (1842-1939) colour charts studying the imaginary effects of colour, Goethe‘ theory of colour as well as Johannes Itten’s (1888-1967) colour wheel and ideas of how colour influences shape. This outdoor part of ACROSS is complemented by an indoor exhibition at Galerie Wedding with works by RA Walden and Jimmy Robert with interventions a.o. by André Uerba and Angela Alves, exploring the moment of arrested or accidental movement .

RA Walden presents the work “a score for rest (yielding)” and thereby invests Galerie Wedding with a large-scale wall text on the accidental movements of dust, presented as embodied science fiction. The text is complemented by a new sound piece composed from field recordings of extra-terrestrial winds. Walden’s work explores the intersections between sickness, disability, movement, and technology: What are the connections, what forms of action, protest and imagined futures are possible?  

In this photo-based and architectural artwork, Jimmy Robert places a human-scale resting dancer photograph on a plinth, his back turned towards the audience. By emphasising the specific properties of the materials used in his work, in the exhibition as well as the performance space itself, he turns them into a partner within the performative process, extinguishing the divide between object and body, image and space, liveness and stillness.

02.06.2022 zwischen 17.30 und 18 Uhr & zwischen 19.30 und 20 Uhr eine Performance von Moran Sanderovich auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

In ANASTATICA übernehmen Wunden und Traumata die Funktion von Portalen, über welche menschliche Entwicklungen dank eines „fantastischen“ Potenzials neuer und anderer Körper jenseits des Normativen und Binären ablaufen.

ANASTATICA beschreibt ungewöhnliche Körper als übernatürlich, die aus ihrer Andersartigkeit Kraft schöpfen, und stellt gleichzeitig Fragen über den nie endenden „Opfer-Täter“-Kreislauf in Systemen patriarchaler Gewalt.

Konzept, Choreographie, Performance: Moran Sanderovich

Dramaturgie und Co-Choreographie: Lyllie Rouvière

Musik: Ludwig Wandinger

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ANASTATICA

02.06.2022 between 5.30 and 6 Uhr & between 7.30 and 8 pm a performance by Moran Sanderovich on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

In ANASTATICA wounds and traumas act as portals, enabling a human evolution that relies on the fantastic potential of „new“ and „other“ bodies and develops beyond the normative and binary.

ANASTATICA describes abnormal bodies as supernatural that draw power from their otherness, all the while asking questions about the never-ending cycle of victim and victimiser within systems of patriarchal violence.

Concept, choreography, performance: Moran Sanderovich

Dramaturgy and co-choreography: Lyllie Rouvière

Music: Ludwig Wandinger

02.06.2022 zwischen 18 und 18.30 Uhr & 03.06.2022 zwischen 16 und 16.20 Uhr eine Performance von Lois Alexander in der Galerie Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Inspiriert von dem, was die Wissenschaftlerin Tina Campt als „texturierte Identitäten“ bezeichnet, nutzt die Künstlerin Lois Alexander den verkörperten Charakter von Tanz und Performance, um ein Dazwischen, einen migratorischen Zustand aus verschiedenen Schwarzen feministischen Perspektiven zu artikulieren. Alexander wird in ihrer Performance vor allem Phänomene wässriger Körper und pluralistische Wahrnehmungen von Selbstsein, Verwandtschaft und Zusammensein untersuchen.

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02.06.2022 between 6 und 6.30 pm & 03.06.2022 between 4 und 4.20 pm a performance by Lois Alexander at Galerie Wedding

In the framework of Movement Research ACROSS

Inspired by what scholar Tina Campt describes as ‘textured identities’, artist Lois Alexander uses the embodied nature of dance and performance to articulate an in-between, a migratory state from various black feminist perspectives. Alexander will  especially explore phenomena of watery bodies and pluralistic perceptions of selfhood, kin-making and being together in her performance.

02.06.2022 zwischen 18.30 und 19.15 Uhr eine Lecture Performance von Anna Nowicka in der Galerie Wedding un auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

walk+talk ist eine Lecture-Performance-Reihe, die von dem österreichischen Choreografen und Tänzer Philipp Gehmacher initiiert wurde. Bei walks+talks werden Choreograph*innen eingeladen, ein Solo zu kreieren, in der Bewegung und Sprechen parallel laufen. Thema sind die Konzepte der Künstler*innen, das individuelle Verständnis ihres Körpers in Bewegung und die Geschichte ihrer Praxis.

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walk+talk

02.06.2022 between 6.30 and 7.15 pm a lecture performance by Anna Nowicka at Galerie Wedding and on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

walk+talk is a lecture performance series initiated by Austrian choreographer and dancer Philipp Gehmacher. During walks+talks choreographers are invited to create a solo work where moving and talking run in parallel. The topic is the artists’ concepts, the individual understanding of their body-in-motion and the history of their practice.

*English version below

Kreative Raumgestaltung durch Tanz, Open-Air-Performances und eine sozial-bewohnbare Bühne im Berliner Wedding. 

02.06.2022 bis 30.07.2022

Rathausvorplatz Wedding & Galerie Wedding

Mit Medhat Aldaabal, Lois Alexander, Angela Alves, Tatiana Echeverri Fernandez, Va-Bene Elikem Fiatsi, Jule Flierl, Carrie Hampel, Alexandra Hennig, Roni Katz, Justin F. Kennedy, Éva Mag/Krump Berlin, Tatjana Mahlke & Sonia Robak, Rachel Monosov, Namosh, Anna Nowicka, Jimmy Robert, Moran Sanderovich, Sloush+Zarrt, Colin Self, André Uerba, Viron Erol Vert, RA Walden.

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

Bewegung, Vielfalt, Festlichkeit, Transformation. Mit ACROSS fragen wir, wie wir als Nachbar*innen, als Menschen mit unterschiedlichen Biographien und als Menschen mit verletzlichen Körpern im öffentlichen Raum durch künstlerische Interventionen und Choreographien zusammenkommen können, über Krisen und die Grenzen von Communities hinweg. ACROSS ist eine sozial dynamische Veranstaltungsreihe mit mehr als 16 Performances, konzipiert von einem Team von Kurator*innen aus der Freien Szene Berlins, initiiert und realisiert von XO Curatorial Projects. 

Während unserer Recherchen in den letzten zwei Jahren des Lockdowns haben wir ein starkes Bedürfnis nach körperlichen und improvisierten spontanen Begegnungen und Treffen, neuen Erkundungen sowie Austausch und Interaktion festgestellt. Wie können künstlerische oder bewegungsorientierte Interventionen den öffentlichen Raum in Berlin Wedding zu einem Safer Space für alle Menschen machen?

ACROSS bringt internationale, in Berlin ansässige Tänzer*innen, Künstler*innen, Musiker*innen und ein vielfältiges Publikum in einem urbanen Umfeld zusammen, wobei der Schwerpunkt auf unkonventionellen Bewegungen liegt.

Bewohnbare Außenbühne und Innenausstellung

Im Rahmen von ACROSS schuf der bildende Künstler Viron Erol Vert den „Flexible Colour Circle“, eine öffentliche und bewohnbare Bühne auf dem Rathausvorplatz in Wedding. Sie dient als Movement Research Bereich für Performances und als Raum für Begegnungen mit und für die Weddinger Bevölkerung. Bei der Gestaltung der farbenfrohen Außenbühne ließ sich Vert von den Farbtafeln der Künstlerin Emily Noyes Vanderpoel (1842-1939) inspirieren, die sich mit der imaginären Wirkung von Farben beschäftigte, sowie von Goethes Farbenlehre und Johannes Ittens (1888-1967) Farbrad und den Ideen darüber, wie Farbe die Form beeinflusst. Dieser Teil der ACROSS-Ausstellung im Freien wird durch eine Ausstellung in den Räumen der Galerie Wedding ergänzt, in der Werke der Künstler RA Walden, Jimmy Robert und Intervention von u.a. André Uerba und Angela Alves gezeigt werden, die sich mit dem Moment der angehaltenen Bewegung befassen.

Durchgeführt von XO Curatorial Projects und der Galerie Wedding

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Movement Research ACROSS

Creative space making through dance, outdoor performance and a social inhabitable stage in Wedding, Berlin.

02.06. – 30.07. 2022

With Medhat Aldaabal, Lois Alexander, Angela Alves, Tatiana Echeverri Fernandez, Jule Flierl, Carrie Hampel, Alexandra Hennig, Roni Katz, Justin F. Kennedy, Éva Mag/Krump Berlin, Tatjana Mahlke & Sonia Robak, Rachel Monosov, Namosh, Anna Nowicka, Jimmy Robert, Moran Sanderovich, Sloush+Zarrt, Colin Self, André Uerba, Viron Erol Vert, RA Walden.

Curated by Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

Movement, Diversity, Festivity, Transformation. With ACROSS we ask how we as neighbours, as people with diverse biographies, human beings with vulnerable bodies, can come together in public space through artistic intervention, reaching across communities and crises. ACROSS is a socially dynamic series of events with more than 16 performances brought together by a team of curators from Berlin’s independent scene, initiated and realised by XO Curatorial Projects.

During our research in the last two years of lockdown, we identified a strong need for corporeal and immediate encounters and meetings, for exploration through exchange and interaction. How can multiple artistic interventions turn the public space in Berlin Wedding into a safer space for all people?

ACROSS brings together international Berlin-based dancers, artists, musicians and a diverse audience in an urban setting, with a focus on unconventional movement. 

Inhabitable Outdoor Stage and Indoor Exhibition

For the occasion of ACROSS, visual artist Viron Erol Vert created “Flexible Colour Circle”, a public and inhabitable stage, set in Wedding’s town hall square (Rathausvorplatz). It serves as a Movement Research area for performances and a space for encounters with and for the people of Wedding. When designing the outdoor colourful stage, Vert was inspired by artist Emily Noyes Vanderpoel’s (1842-1939) colour charts studying the imaginary effects of colour, Goethe‘ theory of colour as well as Johannes Itten’s (1888-1967) colour wheel and ideas of how colour influences shape. This outdoor part of ACROSS is complemented by an indoor exhibition at Galerie Wedding with works by RA Walden and Jimmy Robert with interventions a.o. by André Uerba and Angela Alves, exploring the moment of arrested movement.

Executed by XO Curatorial Projects and Galerie Wedding

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und der Senatsverwaltung für Wirtschaft, Energie und Betriebe.

03.06.2022 zwischen 17 und 20 Uhr & 04.06.2022 zwischen 16 und 19 Uhr eine Hiphop-Performance von Éva Mag & Krump Berlinauf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Gemeinsam mit den Krump-Tänzer*innen Mario Perez Amigo, Timothy SteelRage Kakeeto, MICKY KNOXX, Nicole Kufeld, Iman Gele, Joel Borgel und DJ Peter Holm entwickelt die Künstlerin Èva Mag eine Hip-Hop-Performance, die den Begriff „Plethora“ (griechisch: „Überfluss“) mit Hilfe von Lehm, Latex, Krump und Musik untersucht. Krumping ist ein Straßentanz, der sich durch ausdrucksstarke, übertriebene und hochenergetische Bewegungen auszeichnet. Er vermittelt rohe Emotionen auf eine kraftvolle, jedoch gewaltfreie Weise.

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PLETHORA

03.06.2022 between 5 and 8 pm & 04.06.2022 between 4 and 7 pm performance by Éva Mag & Krump Berlin on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

Together with Krump dancers Mario Perez Amigo, Timothy SteelRage Kakeeto, MICKY KNOXX, Nicole Kufeld, Iman Gele, Joel Borgel and DJ Peter Holm, artist Èva Mag engages in a durational hip hop performance investigating the term “plethora” (Greek: “excess”) with the help of clay, latex, krump and music. Krumping is a street dance characterised by expressive, exaggerated and highly energetic movement. It conveys raw emotions in a powerful, yet non-violent way.

03.06.2022 zwischen 20 und 20.45 Uhr eine Performance von Justin F. Kennedy, ILYCH & The Darvish auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

„Recap of an Alien Garden“ ist eine von dem Tänzer und Sänger Justin F. Kennedy konzipierte und choreographierte Science-Fiction-Oper, die einen Alien-Garten auf einem öffentlichen Platz in Berlin als einen Ort der Emanzipation darstellt. Unter Einbindung der Geschichte der Ska-Musik behandelt die Performance Themen der ‘AlienNation’ und Vertreibung. Die mitreißenden Ska-Basslines, überlagert von verfremdenden Texten und Riffs, laden zu einem „überschäumenden Skank“ ein. Das Stück wird von Kennedy, ILYCH und einem besonderen Gast aufgeführt.

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Recap of an Alien Garden

03.06.2022 between 8 and 8.45 pm performance by Justin F. Kennedy, ILYCH and Darvishon Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

Recap of an Alien Garden is a sci-fi opera conceived and choreographed by community dance and vocal artist, Justin F. Kennedy. Recap posits the Alien Garden at the public square in Berlin as a site for emancipation. The performance uses the history of Ska music to address the topics of AlienNation and displacement. The infectious Ska basslines, overlaid with alienating lyrics and riffs invite into an “effervescent skank”. The piece is performed by Kennedy, ILYCH, and a special guest.

04.06.2022 zwischen 19 und 19.40 Uhr eine Tanzperformance von Roni Katz in der Galerie Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Eine Choreografin lädt das Publikum ein, mit ihr gemeinsam aus der Vergangenheit und zu den politischen Realitäten der Gegenwart zu tanzen. Ihre Gefühle werden offengelegt und dabei ihre Inspiration, das ihr eigene Vermächtnis, aber auch die Unmöglichkeit, eine Erziehung und Ausbildung rückgängig zu machen, anerkannt. Die Verflechtung des Tanzes mit ihrem Körper und ihre Fähigkeit, sich davon zu lösen, begleiten sie auf ihrer Suche nach den Gründen, warum sie mit dem Tanzen begonnen hat und warum sie weitermacht.

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Slides, A Letter to Dance

04.06.2022 between 7 and 7.40 pm a dance performance by Roni Katz at Galerie Wedding

In the framework of Movement Research ACROSS

A choreographer invites the audience to join in dancing from the past and to the political realities of the present. While acknowledging inspiration and heritage, and the impossibility to undo education and training, her feelings are exposed. The entanglement of dance with her body and her ability to detach follow her during her search for the reasons why she began, and why she continues dancing.

04.06.2022 zwischen 20 und 21 Uhr ein Gespräch & eine Diskussion mit Alexandra Hennig und Nitsan Margaliot in der Galerie Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Alexandra Henning moderiert eine Diskussion mit Tänzer*innen und Performer*innen zusammen mit dem Choreograf, Tänzer und Kurator Nitsan Margaliot.

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04.06.2022 between 8 and 9 pm a talk & discussion with Alexandra Hennig and Nitsan Margaliot at Galerie Wedding

In the framework of Movement Research ACROSS

Alexandra Henning moderates a discussion with dancers and performers together with choreographer, dancer and curator Nitsan Margaliot.

05.06.2022 zwischen 13 – 15 Uhr Bewegungsworkshop PAUSE; zwischen 15:30-17 Uhr Traum-Workshop Unfolding Dreams mit Anna Nowicka

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

PAUSE ist ein Workshop. In jeder Pause liegt das Potenzial einer Erkundung des Akts des Anhaltens. Nowicka interessiert sich für Pausen als besondere Zustände des Seins im Tanz; Pausen als ruhiger, erweiterter Raum, um zu spüren, zu fühlen und zu reagieren. 

Max. 16 Teilnehmer*innen. Bitte hier anmelden.

Unfolding Dreams (Die Entfaltung von Träumen) ist eine Einladung, in die Träume der letzten Nächte einzutauchen und gemeinsam deren tiefere Bedeutungen zu entschlüsseln. Es handelt sich um einen zweistündigen Workshop, bei dem ein Traum ausgewählt und nach dem Dream Opening®-Verfahren von The School of Images „geöffnet“ wird.

Max. 12 Teilnehmer*innen. Bitte hier anmelden.

Alle sind eingeladen. Es sind keine Vorkenntnisse erforderlich. Beide Workshops finden in englischer Sprache statt.

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PAUSE & Unfolding Dreams

05.06.2022 between 1 – 3 pm Movement workshop PAUSE; between 3:30-5 pm dreams workshop Unfolding Dreams with Anna Nowicka

PAUSE is a workshop. Within every pause lies the potential of an exploration of the act of stopping. Nowicka is interested in pauses as particular states of being within dancing; pauses as a quiet, expanded space to sense, feel and respond.

Max. 16 participants. Please register here.

Unfolding dreams is an invitation to plunge into recent night dreams and to collectively unravel their deeper meanings. It is a two hour workshop where one dream will be chosen and „opened“, following the dream opening® procedure from The School of Images.

Max. 12 participants. Please register here. 

All are invited. No previous experience is required. Both workshops will be held in English.

10.06.2022 zwischen 15 – 17 Uhr partizipative Installation von Tatiana Echeverri Fernandez

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Die Künstlerin wird ein elektronisches Klangstück komponieren und einen großformatigen Teppich anfertigen, auf dem die Menschen sitzen oder liegen können, während sie der in-situ Klanglandschaft zuhören. Durch die Präsenz des Teppichs wird der öffentliche Raum privater, und umgekehrt werden wir, das Publikum, wenn wir in einen inneren Raum eintreten, langsam unsere Wahrnehmung des uns umgebenden äußeren Raums verändern.

Bitte hier anmelden.

Die Intervention findet in deutscher und englischer Sprache statt.

WICHTIG: Die Veranstaltung findet auf dem Rathausvorplatzplatz Wedding neben der Galerie Wedding statt.

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Deep (body) Movement (for restricted spaces)

10.06.2022 between 3 – 5 pm participatory installation by Tatiana Echeverri Fernandez

The artist will compose an electronic sound piece and create a large-scale carpet for people to sit or lie on while listening to the in-situ soundscape. The presence of the carpet will make the public realm more private, and inversely, as we, the audience enter into an inner space, we will slowly change how we perceive the outer space that surrounds us.

Please register here.

The intervention will take place in German and English.

IMPORTANT: The event will take place on the Town Hall Square Wedding next to Galerie Wedding.

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Seit mehreren Jahren präsentieren Sasha Waltz & Guests und Berlin Mondiale „Dabke Community Dancing“ mit Medhat Aldaabal und Adel Sabawi und laden nun erstmals zum Tanzen bei ACROSS ein. 

Der traditionelle Kreistanz ist im Nahen Osten und nun auch in Berlin beliebt. „Wenn ich sehe, dass die Menschen glücklich sind und lächeln, dann fühle ich mich als Teil dieses Landes und das Land als Teil von mir” (Medhat Aldaabal).

Bitte hier anmelden.

Keine Sprache.

WICHTIG: Die Veranstaltung findet auf dem Rathausvorplatzplatz Wedding neben der Galerie Wedding statt.

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Dabke Community Dancing

10.06.2022 between 5 – 6:15 Uhr dance workshop by Medhat Aldaabal

Within the framework of Movement Research ACROSS

For several years now Sasha Waltz & Guests and Berlin Mondiale have been presenting “Dabke Community Dancing” with Medhat Aldaabal and Adel Sabawi and will now for the first time invite participants to dance at ACROSS.

The traditional circle dance is popular in the Middle East and now also in Berlin. “When I see that people are happy and smiling, then I feel that I become part of this country and the country part of me” (Medhat Aldaabal)

Please register here.

No language.

IMPORTANT: The event will take place on the Town Hall Square Wedding next to Galerie Wedding.

XOIR ist ein von Colin Self geleiteter Gesangsworkshop, der sich auf alternative Formen des Gruppensingens konzentriert. Das Ziel von XOIR ist es, ein Umfeld zu schaffen, in dem die Teilnehmer*innen mit ihrer Stimme auf individueller und kollektiver Ebene in Kontakt treten können, und zwar auf der Grundlage somatischer Forschung und Experimente. XOIR steht allen offen, die ihre Stimme als Werkzeug zum Lernen oder zum Aufbau einer neuen Beziehung zum Singen und Zuhören erforschen möchten. 

Bitte hier anmelden.

WICHTIG: Die Veranstaltung findet auf dem Rathausvorplatz Wedding neben der Galerie Wedding statt.

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XOIR

10.06.2022 between 6:30 and 8:30 pm vocal workshop with Colin Selfon the Town Hall Square Wedding

XOIR is a vocal workshop led by Colin Self focused on alternative forms of group singing. Rooted in somatic research and experimentation, the goal of XOIR is to foster an environment for individuals to connect with their voice on an individual and collective level. XOIR is open to anyone interested in exploring their voice as a tool for learning or building a new relationship to singing and listening.

Please register here.

IMPORTANT: The event will take place on the Town Hall Square Wedding next to Galerie Wedding.

10.06.2022 zwischen 21 und 22 Uhr Konzert von Namosh auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

In seinem Konzert kombiniert Namosh Elektronik mit Vocals auf einer Basis von Funk-Rhythmen. Mit ausdrucksstarken Gesten, die denen eines Stummfilmschauspielers nicht unähnlich sind, nimmt eine Geschichte durch Bewegung und Klang Gestalt an. 

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Party Alone

10.06.2022 between 9 und 10 pm concert by Namosh on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

Namosh performs a combined electronic and vocal concert based on funk rhythms.  With expressive movements not unlike a silent film actor, a story takes shape through motion and sound. 

11.06.2022 zwischen 13:30 und 14 Uhr eine Tanzperformance von Medhat Aldaabal auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

 “Zufällig gab man mir meinen Namen

Zufällig gehörte ich einer Familie, die mir

Zufällig ihre Gesichts- und Charakterzüge vererbte

Und ihre Krankheiten auch

Ich spielte keine Rolle dabei, wer ich wurde.

Es war Zufall, dass ich ein Mann wurde

Ich hätte nicht existieren können.“

(Mahmoud Darwish: “Der Würfelspieler”)

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Dice

11.06.2022 between 1:30 und 2 pm dance performance by Medhat Aldaabal on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

“I was named by chance

and belonged to a family by chance,

and inherited its features, traits, and illnesses

 I played no role in who I became

It was by chance that I became a male

I could have not existed.”

(“The Dice Player“ by Mahmoud Darwish)

11.06.2022 zwischen 14.00 und 18.30 Uhr Streetdance & House Jam mit Tatjana Mahlke & Sonja Robak (House Szene Berlin) auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

JAM ACROSS vereint verschiedene Streetdance-Stile wie Breaking, Hip Hop, Popping, House und Waacking in einer einzigen Jam. Jeweils eine Stunde Funk, Hip Hop und House in ihrer schönsten Form. Der House Jam dient auch als Qualifikation für das anschließende Dance Battle – House 7 to Smoke. Egal welches Level, jede*r ist eingeladen zu jammen.

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11.06.2022 between 2 und 6.30 pm Streetdance & House Jam with Tatjana Mahlke & Sonja Robak (House Scene Berlin) on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

JAM ACROSS combines different street dance styles such as breaking, hip hop, popping, house and waacking into one single jam. One hour each of funk, hip hop and house music in their finest form. The House Jam also serves as a qualifier for the dance battle that follows – House 7 to Smoke. No matter what level, everyone is welcome to jam!

11.06.2022 tbc eine Tanzperformance von Jule Flierl auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Den Boden zu berühren heißt, die Erde zu massieren und mit den Fußsohlen zu sprechen. Faux-Pas ist ein Antimarsch, eine Erforschung der Rhetorik von Mustern und experimentellen Ankündigungen. Faux-Pas ist ein integraler Bestandteil der Studie des Künstlerin für die „Schule der Einstimmung und Taktlosigkeit“.

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Faux-Pas

11.06.2022 tbc a dance performance by Jule Flierl on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

To touch the ground is to massage the earth and to speak with the soles of one’s feet. Faux-Pas is an anti-march, a research into patterning rhetorics and experimental announcing. Faux-Pas is an integral part of the artist’s study for the “School of Attunement and Tactlessness”.

11.06.2022 zwischen 19 und 20 Uhr eine Tanzperformance von Rachel Monosov auf dem Rathausvorplatz Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

In »Landscape of Comfort« werden wir gemeinsam die Anpassung des menschlichen Körpers an Strukturen und Objekte untersuchen. Objekte, die angeblich Bewegungsfreiheit bieten, können hier Verwirrung und Frustration stiften, indem sie zu gewohnten, wenn auch unnatürlichen Verhaltensweisen einladen und zwingen. Die Performance hinterfragt, wie der endlose Wechsel zwischen Komfort und Unbehagen den Widerstand gegen Unterwerfung unter einer Machtstruktur verkörpert.

Die Performer*innen sind Tamar Grosz, Camilla Brogaard, Julia Shelkovskaia.

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LANDSCAPE OF COMFORT

11.06.2022 between 7 and 8 pm a dance performance by Rachel Monosov at the Town Hall Square Wedding

In the framework of Movement Research ACROSS

Within the »Landscape of Comfort« , we will collectively explore the human body’s adaptation to structures and objects. Objects that purportedly give freedom to movement, here may create confusion and frustration, inviting and imposing sets of habitual, if unnatural, behaviors. The performance questions how the endless shift between comfort to discomfort embodies resistance to surrendering to the power structure.

The performers are Tamar Grosz, Camilla Brogaard, Julia Shelkovskaia.

11.06.2022 zwischen 20:30 und 21:30 Uhr eine Tanzperformance von André Uerba in der Galerie Wedding und auf dem Rathausvorplatz Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Sieben Performer*innen spielen mit Konzepten der Zusammengehörigkeit und erkunden, wie sich die Begegnung zwischen ihnen, dem Publikum und auch den Zuschauer*innen untereinander manifestieren kann. Fire Starter #2 ist ein Forschungsraum, in dem das Publikum seine Rolle selbst bestimmen kann: es schaut zu, es bewegt sich oder es wechselt dynamisch die Position. Die Performer*innen selbst können zu Betreuer*innen werden, zu „Reiseführer*innen“, die die Erfahrung während des Stücks anleiten.

Uerbas Film INVITING MOMENTS OF STILLNESS, eine choreografisch-performative Erkundung der Berührung, wird in der Galerie Wedding gezeigt werden. Durch Verlangsamung und Konzentration auf den Körper erproben er und seine Mitstreiter*innen verschiedene Formen des Kennenlernens und der gegenseitigen Wahrnehmung als Mittel zur Entdeckung der Zusammenseins. 

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FIRE STARTER #2 & INVITING MOMENTS OF STILLNESS

11.06.2022 between 8:30 and 9:30 pm a dance performance by André Uerba at Galerie Wedding and on the Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

Within the framework of Movement Research ACROSS

Seven performers play with concepts of togetherness and explore how the encounter between the performers, the audience, and also the audience members amongst each other, can manifest. Fire Starter #2 is a space for research where the audience can decide on their role: they watch, they move or they dynamically change role. The performers themselves can at times turn into caretakers, “tour” guides that conduct the experience during the piece. Another work by Uerba is INVITING MOMENTS OF STILLNESS, a film presented in Galerie Wedding, touch, slowness and togetherness are key themes. In the film a choreographic-performative exploration of the practice of touch is presented. By slowing down and focussing on the body, he and his co-residents test different forms of becoming acquainted with, and sensing, one another as a means of uncovering togetherness. 

02.06.2022 zwischen 20 und 22 Uhr & 4.06.2022 zwischen 20 und 22 Uhr & 11.06.2022 zwischen 21.30 und 22 Uhr ein DJ Set von Sloush+Zarrt auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Sigourney Pilz (Berlin 1992) und Thomas Fornoff (Odenwald 1985) sind zwei in Berlin lebende Künstler*innen, welche seit 2011 unter verschiedenen Pseudonymen Solo, als Duo oder in Kollektiven arbeiten. Sie sind Soundkünstler*innen, Hosts einer regelmäßigen Show bei Cashmere Radio, Mitglieder bei Hooops, Kuratoren*innen, Veranstalter*innen und Multimedia-Künstler*innen.

Im Bereich Sound experimentieren sie neben DJ-Sets auch mit Formen von künstlerischer Recherche in den Naturwissenschaften und der Emotionswissenschaft. Fieldrecordings, Geräusche, Text und Musik dienen ihnen als Sprache, um die Zuhörer*innen einzuladen, verschiedene Perspektiven und Zustände einzunehmen. Einige Beispiele sind ein Pilzspaziergang, die Welt der Mikroben, Schlamm und ein performatives Hörspiel über die Welt der Tropfsteinhöhlen und Axolotl. Mit einem Hintergrund aus Film- und Theaterarbeit/Szenenbild/Design/Sozialer Kunst legen sie den Schwerpunkt in ihrer derzeitigen künstlerischen Arbeit vor allem auf Möglichkeiten, Räume zu schaffen, in denen sich Menschen gegenseitig sowie den sie umgebenden Ökosystemen begegnen können.

Die Planung ihrer Veranstaltungen, wie „Pechüler Beckenrand 2021“, beinhaltet Ansätze sozialer Kunst und Praktiken, um das Potenzial des kollektiven Lernens, Wahrnehmens und Austauschs zu erforschen.

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DJ-Set

02.06.2022 between 8 and 10 pm & 4.06.2022 between 8 and 10 pm & 11.06.2022 between 9.30 and 10 pm DJ Set by Sloush+Zarrt on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

Sigourney Pilz (Berlin 1992) and Thomas Fornoff (Odenwald 1985) are two Berlin-based artists who have been working solo, as a duo or in collectives under various pseudonyms since 2011. They are sound artists, hosts of a regular show on Cashmere Radio, members of Hooops, curators, organisers and multimedia artists.

In the field of sound, they experiment not only with DJ sets but also with forms of artistic research in the natural sciences and the science of emotions. Field recordings, sounds, text and music serve as a language to invite the listener to take on different perspectives and states. Some examples are a mushroom walk, the world of microbes, mud and a performative radio play about the world of stalactite caves and axolotls. With a background in film and theatre work/scenic design/social art, they focus in their current artistic work primarily on possibilities, spaces where people can encounter each other as well as the ecosystems that surround them.

The planning of their events, such as „Pechüler Beckenrand 2021“, incorporates social art approaches and practices, to explore the potential of collective learning, perception and exchange.

Am Freitag, den 20. Mai um 17 Uhr lädt Irene Fernández Arcas die Performance-Künstlerin Ana Lessing Menjibar in ihren Ausstellungsraum ein, um ein Gespräch über Wunden und die mögliche Aktivierung von Transformationsprozessen durch Kunst zu eröffnen. In einem Dialog werden sie einen Einblick in ihre individuelle künstlerische Praxis geben und nach Gemeinsamkeiten und Unterschieden suchen.

Ana Lessing Menjibar verbindet Körper und Klang in multimedialen Installationen, um poetische Welten zu schaffen, die auf der Suche nach dem verletzlichen und ekstatischen Körper eine Reihe von Zuständen offenbaren. Sie experimentiert mit dem transformativen Potenzial des Flamenco im Kontext von Performance und zeitgenössischem Tanz.  

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On Friday, May 20 at 5pm, Irene Fernández Arcas invites performance artist Ana Lessing Menjibar to her exhibition space, to open a conversion about wounds and the potential activation of transformative processes through art. In a dialogue, they will give an insight into their individual artistic practices and search for commonalities and differences.

Ana Lessing Menjibar interweaves body and sound in multimedia installations to create poetic worlds that reveal a series of states, searching for the vulnerable and ecstatic body, experimenting with the transformative potential of flamenco in the context of performance and contemporary dance. 

20.05.2022 um 19 Uhr Konzert und Record Release “Corrientes vitales” von Isasi Armengod

Luna Carlos Armengod und Isasi Isasi (Isasi Armengod) sind beide Inselbewohner*innen, sie sind in der Nähe unterschiedlicher Meere aufgewachsen. Der salzige Geruch und die Feuchtigkeit in der Luft sind Aspekte, die für beide eng mit dem Begriff “Heimat” verbunden sind. Die pandemiebedingte Unmöglichkeit, an die jeweiligen Herkunftsmeere zurückzukehren, führte zu einer gemeinsamen Erkundung der lokalen Seen und sie entdeckten ihre Liebe zu süßen Gewässern. Diese neue Erkenntnis ging einher mit wichtigen Veränderungen in ihrem Leben: Trauer und Mutterschaft. Sie fanden darin eine Analogie zur afrokubanischen Mythologie und der Figur der Oshun – Göttin der Mutterschaft, der Weiblichkeit und des süßen Wassers). Sie haben gemeinsam begonnen, eine musikalische Produktion zu entwickeln, die den Klang des Wassers auf auditiver und installativer Ebene verkörpert. Isasi Isasi´s musikalische Produktion ist das Ergebnis einer ständigen Suche: eine Mischung aus urbanen Rhythmen, lateinamerikanischen Wurzeln & afrikanischem Geist. Luna Carlos Armengod arbeitet als Künstlerin mit verschiedenen Medien von Video- und Textilarbeiten bis Installationen. Die transdisziplinäre Erweiterung der jeweiligen Praxis bildete den Start der Kollaboration der beiden, die als der Versuch skizziert wurde, die jeweils eigene musikalische und plastische Welt zu verschmelzen, und die Grenzen beider zu überwinden.

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Corrientes vitales

20.05.2022 at 7 pm Concert and Record Release “Corrientes vitales” by Isasi Armengod

Luna Carlos Armengod & Isasi Isasi (Isasi Armengod) are both islanders, they grew up near different seas. The salty smell & the humidity in the air are aspects that for both of them are closely connected to the term „home“. The pandemic inability to return to their respective seas of origin led to a joint exploration of local lakes & they discovered their love for sweet waters. This new realization was accompanied by important changes in their lives: Grief & Motherhood. They found in it an analogy to Afro-Cuban mythology & the figure of Oshun – goddess of motherhood, femininity & sweet waters). Together they have begun to develop a musical production that embodies the sound of water on an auditory & installation level. Isasi Isasi’s musical production is the result of a constant search: a mixture of urban rhythms, Latin American roots and African spirit. Luna Carlos Armengod works as an artist with different media from video and textile works to installations. The transdisciplinary expansion of their respective practices formed the start of their collaboration, outlined as an attempt to merge their respective musical and sculptural worlds and to transcend the boundaries of both.

<abgesagt> 17.05.2022 Workshop für Kinder »In Translation« mit Thomias Radin

Im Rahmen des Ausstellung Existing Otherwise – Inner Jungle von Irene Fernández Arcas in der Galerie Wedding – kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Workshop »In Translation« führt Thomias Radin Kinder in einen Dialog über visuelle Kunst und Bewegung ein. Es sollen die Beziehungen zwischen Malerei, Musik und Tanz erforscht werden. Wie können Bilder in Bewegung umgesetzt werden? Wie können Bilder getanzt werden? Das Ziel ist es, eine rituelle und spirituelle Verbindung zum Tanz zu entwickeln.

Während des Workshops sind die Kinder eingeladen, den tanzenden Thomias zu skizzieren. Diese Zeichnungen werden dann besprochen und erneut in Tanz übersetzt. Anschließend können die Kinder den Prozess wiederholen und ihre eigenen Zeichnungen oder die ihrer Freunde tanzen.

Thomias Radin, in Guadeloupe geborener, arbeitet  interdisziplinär als Maler und Performer und erforscht dabei immer wieder die Kunst des Tanzes, der Bewegung, des Rhythmus und des Klangs. Dabei spielen Einflüsse seiner afro-karibischen Identität sowie Themen wie die Konstruktion kultureller Identitäten und ihre Beziehungen zum Göttlichen eine Rolle.

Keine Anmeldung erforderlich.

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<cancelled> 17.05.2022 Workshop for children »In Translation« with Thomias Radin

Within the framework of the exhibition
Existing Otherwise – Inner Jungle by Irene Fernández Arcas at Galerie Wedding – curated by Solvej Helweg Ovesen.

In the workshop »In Translation« Thomias Radin introduces children to a dialogue about visual art and movement. The relationships between painting, music and dance will be explored. How can images be translated into movement? How can images be danced? The goal is to develop a ritual and spiritual connection to dance.

During the workshop, children are invited to sketch the dancing Thomias. These drawings will then be discussed and translated into dance again. Afterwards, the children can repeat the process and dance their own drawings or those of their friends.

Thomias Radin, born in Guadeloupe, works interdisciplinary as a painter and performer, always exploring the art of dance, movement, rhythm and sound. Influences of his Afro-Caribbean identity play a role, as do themes such as the construction of cultural identities and their relationships to the divine.

No registration required.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

05.05. 2022 um 17 Uhr Vorstellung der Publikation SoS – Soft Solidarity (Kerber 2022) mit u.a. Ute Müller-Tischler, Solvej Helweg Ovesen, Övül Ö. Durmuşoğlu, Rüzgar Buşki und dem Kerber Verlag.

Soft Solidarity (SoS) bezieht sich auf die Vergangenheit des Berliner Arbeiterbezirks Wedding, der früher als „Roter Wedding“ bekannt war, und stellt eine Frage zur Gegenwart, die für viele Berliner*innen heute zentral ist: Wie leben wir unsere Solidarität?

“Ist Solidarität in der Praxis ein Zusammenhalten aufgrund gleicher Anschauungen und Ziele oder Erfahrungen? Und wenn es das ist, was passiert, wenn wir nur in Teilen die gleichen Ziele haben und eventuell nur wenige Anschauungen teilen? Wenn sich unsere politischen Strategien unterscheiden, bezieht sich der Begriff auf ein solidarisches Eintreten füreinander, das auf Zusammengehörigkeitsgefühle gründet? Und was, wenn diese Zusammengehörigkeitsgefühle gar nicht existieren? Ist Solidarität vielleicht auch einfach nur die gegenseitige solidarische Absicherung gegen existentielle Lebensrisiken?

Saraya Gomis “Vor allem Fragen – Geteilte (Welten-) Räume, Verstehen und Verständnis” „SoS – Soft Solidarity“ (Kerber 2022)

Soft Solidarity (SoS) wurde von Nataša Ilic und Solvej Helweg Ovesen als Fortführung der Ausstellungs- und Diskursreihe POW and UP in der Galerie Wedding konzipiert. Viele der in Berlin lebenden Künstler*innen, Wissenschaftler*innen und Aktivist*innen, die am SoS-Programm beteiligt waren und in Form von Ausstellungen, Performances und Vorträgen einen Dialog über Solidarität entwickelt haben, werden auch bei der Buchvorstellung anwesend sein. Die Publikation setzt sich kritisch mit lokalen Verhältnissen wie demografischen Bewegungen, Fremdenfeindlichkeit, Beschleunigung von Lebens- und Arbeitserfahrungen und mit u.a. dem Konzept der „weichen Solidarität“ als Gegenprogramm zu diesen Umständen auseinander.

Im Rahmen der Veranstaltung werden die beteiligten Autor*innen die Diskussion aus der Publikation „SoS – Soft Solidarity“ in der Galerie Wedding fortsetzen und die immer noch aktuellen Fragen einbeziehen, die in der Zeit der COVID-19-Pandemie besondere Bedeutung gewonnen haben, die aber auch jetzt nicht vergessen werden dürfen. Wie hat die Pandemie unsere Wahrnehmung von Solidarität verändert?

Die Diskussion wird moderiert von Övül Ö. Durmuşoğlu und Solvej Helweg Ovesen.

Zur Publikation:

SoS – Soft Solidarity (Kerber Verlag 2022)

Texte von
Bini Adamczak, Rüzgâr Buşki, María do Mar Castro Varela, Övül Ö. Durmusoglu, Saraya Gomis, Nataša Ilić, Solvej Helweg Ovesen, Gerhild Komander, Marie-Christin Lender, Ewa Majewska, Ute Müller-Tischler, Malte Roloff, Melanie Roumiguière, Jan Tappe

Künstler*innen:
Ana Alenso, Rüzgâr Buşki, Alice Creischer, Burak Delier, Ieva Epnere, Runo Lagomarsino, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Julian Irlinger, Rajkamal Kahlon, Cosima zu Knyphausen, Marina Naprushkina, Antoinette Yetunde Oni, Dane Komljen, Katrin Winkler, kate-hers RHEE, Konstanze Schmitt, Sissel Tolaas, Peter Voss-Knude

Herausgegeben von
Bezirksamt Mitte von Berlin Fachbereich für Kunst, Kultur und Geschichte: Dr. Ute Müller-Tischler, Solvej Helweg Ovesen, Nataša Ilić 

Gestaltung von
Miriam Busch und Elsa Westreicher

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Soft Solidarity (SoS) Publication

05.05. 2022 at 5 pm Launch of the publication SoS – Soft Solidarity (Kerber 2022) with, among others, Ute Müller-Tischler, Solvej Helweg Ovesen, Övül Ö. Durmuşoğlu, Rüzgar Buşki and the Kerber publishing house.

Soft Solidarity (SoS) refers to the past of the working-class district of Wedding, Berlin, formerly known as „Red Wedding,“ and poses a question about the present that is central to many Berliners today: how do we live out our solidarity?

„Is solidarity in practice a sticking together because of the same views and goals or experiences? And if it is, what happens when we have only some of the same goals and possibly share only a few views? If our political strategies differ, does the term refer to standing up for each other in solidarity, based on feelings of togetherness? And what if these feelings of togetherness do not exist? Is solidarity perhaps also simply the mutual solidary protection against existential life risks?

Saraya Gomis “Vor allem Fragen – Geteilte (Welten-) Räume, Verstehen und Verständnis” „SoS – Soft Solidarity“ (Kerber 2022)

Soft Solidarity (SoS) was conceived by Nataša Ilic and Solvej Helweg Ovesen as a continuation of the exhibition and discourse series POW and UP at Galerie Wedding. Many of the Berlin-based artists, scholars, and activists who participated in the SoS program and developed a dialogue on solidarity in the form of exhibitions, performances, and lectures will also be present at the book launch. The publication critically examines local conditions such as demographic movements, xenophobia, acceleration of life and work experiences, and, among other things, the concept of „soft solidarity“ as a counter-program to these circumstances.

During the event, the participating authors will continue the discussion from the publication „SoS – Soft Solidarity“ at Galerie Wedding and include the still current questions that gained special importance during the time of the COVID-19 pandemic, but which must not be forgotten now. How did the pandemic change our understanding of solidarity?

The discussion will be moderated by Övül Ö. Durmuşoğlu and Solvej Helweg Ovesen.

About the publication:

SoS – Soft Solidarity (Kerber Verlag 2022)

Texts by
Bini Adamczak, Rüzgâr Buşki, María do Mar Castro Varela, Övül Ö. Durmusoglu, Saraya Gomis, Nataša Ilić, Solvej Helweg Ovesen, Gerhild Komander, Marie-Christin Lender, Ewa Majewska, Ute Müller-Tischler, Malte Roloff, Melanie Roumiguière, Jan Tappe.

Artists:
Ana Alenso, Rüzgâr Buşki, Alice Creischer, Burak Delier, Ieva Epnere, Runo Lagomarsino, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Julian Irlinger, Rajkamal Kahlon, Cosima zu Knyphausen, Marina Naprushkina, Antoinette Yetunde Oni, Dane Komljen, Katrin Winkler, kate-hers RHEE, Konstanze Schmitt, Sissel Tolaas, Peter Voss-Knude

Published by
District Office Mitte of Berlin Department of Art, Culture and History: Dr. Ute Müller-Tischler, Solvej Helweg Ovesen, Nataša Ilić

Design by
Miriam Busch and Elsa Westreicher

28.04.2022 um 16 Uhr Ausstellungsführung mit Solvej Helweg Ovesen, Irene Fernández Arcas und anderen Künstler*innen; um 17 Uhr Buchpräsentation von „Earnestly“ mit Monilola Olayemi Ilupeju; um 18 Uhr Ritual mit Irene Fernández Arcas und Victoria Fechtner.

Im Rahmen des Ausstellung Existing Otherwise – Inner Jungle von Irene Fernández Arcas in der Galerie Wedding – kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

»Der Grund, warum ich Kunst mache, ist eigentlich, dass ich dem Ganzen einen Sinn geben will. Die Kunstwerke verschmelzen und verwandeln sich, wenn wir viele Menschen zusammenbringen. Ich schaffe Räume mit kleinen Innenräumen, und sie sind nichts, wenn sie nicht gelebt werden. (…) Diese und andere Veranstaltungen, die in der Ausstellung geplant sind, machen den Raum lebendig: Rituale, Happenings, Tänze, Abendessen, Lesungen und Konzerte. Die von mir geschaffenen Räume sind Materialisierungen unseres inneren Dschungels. Es sind Räume, um anders zu existieren, rein und im Moment«. 

Irene Fernández Arcas im Gespräch mit Solvej Helweg Ovesen

Am 28. April (Donnerstag) um 16 Uhr führen die Kuratorin Solvej Helweg Ovesen und die Künstlerin Irene Fernández Arcas die Besucher*innen durch die Ausstellung „Existing Otherwise – Inner Jungle“ von Irene Fernández Arcas und erläutern in einer Dialogführung mit anderen eingeladenen Künstlern die Hintergründe des Projekts.

Um 17 Uhr lädt die Künstlerin und Autorin Monilola Olayemi Ilupeju zur Präsentation ihrer neuen Textsammlung „Earnestly“. Die transdisziplinäre Praxis von Ilupeju konfrontiert mit den Verzerrungen systemischer Strukturen und bietet gleichzeitig Wege zur kollektiven und körperlichen Heilung. Während sie sich mit persönlichen Themen auseinandersetzt, hinterfragt sie auch die breiteren politischen Kontexte, in denen diese Themen und Beobachtungen liegen. 

Um 18 Uhr werden die Künstlerinnen, Irene Fernández Arcas und Victoria Fechtner, ein Ritual „Ritual a la Alegria“ in der Ausstellung durchführen. Für weitere Informationen melden Sie sich an: hello@irenefernandezarcas.com. 

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Gallery Weekend

28.04.2022 at 4 pm Guided tour of the exhibition with Solvej Helweg Ovesen, Irene Fernández Arcas and other artists; at 5 pm Book presentation of „Earnestly“ with Monilola Olayemi Ilupeju; at 6 pm Ritual with Irene Fernández Arcas and Victoria Fechtner.

Within the framework of the exhibition
Existing Otherwise – Inner Jungle by Irene Fernández Arcas at Galerie Wedding – curated by Solvej Helweg Ovesen.

„The reason why I do art is actually to make sense of it all. The art works melt and transform when we bring a lot of people together. I create spaces with smaller rooms inside and they are nothing if they are not lived. (…) This and other events planned in the exhibition make the space lively: rituals, happenings, dances, dinners, readings, and concerts. The rooms I create are materializations of our inner jungle. These are spaces to exist otherwise, purely and in the moment.“

Irene Fernández Arcas in conversation with Solvej Helweg Ovesen

On 28 April (Thursday) at 4 pm, the curator Solvej Helweg Ovesen and the artist Irene Fernández Arcas will guide visitors through the exhibition „Existing Otherwise – Inner Jungle“ by Irene Fernández Arcas and explain the background of the project with other invited artists in a dialogue tour.

At 5 pm, the artist and author Monilola Olayemi Ilupeju invites you to the presentation of her new text collection Earnestly. Ilupeju’s transdisciplinary practice confronts the distortions of systemic structures while offering avenues toward collective and embodied healing. As she works through personal subject matter, she also interrogates the broader, political contexts in which these issues and observations lie.

At 6 pm, the artists Irene Fernández Arcas and Victoria Fechtner will perform a ritual „Ritual a la Alegria“ in the exhibition. Register here for more information: hello@irenefernandezarcas.com.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

29.04.2022 um 17 Uhr Flamenco-Abend “Jaleo y Risa” mit Tablao Flamenco Tempelhof & Friends

Im Rahmen des Ausstellung Existing Otherwise – Inner Jungle von Irene Fernández Arcas in der Galerie Wedding – kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Seit dem Frühjahr 2020 trifft sich die Berliner Flamenco-Community auf dem Tempelhofer Feld. Jeden Samstagabend in den warmen Monaten teilen Musiker*innen, Tänzer*innen und Flamenco-Liebhaber*innen ihre Kunst und ihr Wissen miteinander und helfen Anfänger*innen, mit dem Tanzen zu beginnen.

Am 29. April wird der Frühling in der Galerie Wedding im Rahmen der Ausstellung von Irene Fernández Arcas mit dem „Altar a la Alegria“ gefeiert – inspiriert von der Tradition des 3. Mai-Festes in Andalusien zur Feier des Frühlings, bei dem sich Nachbar*innen und Familien auf den Straßen treffen, um zu tanzen und Spaß zu haben.

„Jaleo y Risas“ ist eine Veranstaltung, bei der sich Tablao Flamenco (Der Tanzboden Tempelhofer Feld) & Friends zum Tanzen, Singen, Lachen und Teilen treffen. Alle Besucher*innen sind eingeladen und willkommen, mitzumachen.

Keine Anmeldung erforderlich.

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Flamenco-Evening

29.04.2022 at 5 pm Flamenco evening “Jaleo y Risa” with Tablao Flamenco Tempelhof & Friends

Within the framework of the exhibition
Existing Otherwise – Inner Jungle by Irene Fernández Arcas at Galerie Wedding – curated by Solvej Helweg Ovesen.

Since spring 2020, Berlin’s flamenco community has been meeting at Tempelhofer Feld. Every Saturday evening during the warm months, musicians, dancers and flamenco lovers share their art and knowledge with each other and help beginners to start dancing.

On April 29th, Galerie Wedding hosts the celebration of spring in context of Irene Fernández Arcas‘ exhibition, at the „Altar a la Alegria“ – inspired by the tradition of the 3rd of May festivity in Andalucía for the celebration of spring, when the neighbors and families meet on the streets to dance and have fun.

„Jaleo y Risas“ is an event in which Tablao Flamenco (Der Tanzboden Tempelhofer Feld) & Friends reunite to dance and sing. All visitors are invited and welcome to join.

No registration required.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

<verschoben> 18.04.2022 um 18 Uhr Workshop Rehearsing Care & Collectivity mit Dora Durkesac und Irene Fernández Arcas im Projektraum INSOLA Berlin (Am Speicher 11-15, 10245 Berlin)

Im Rahmen des Ausstellung Existing Otherwise – Inner Jungle in der Galerie Wedding – kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Der Workshop Rehearsing Collectivity & Care bietet eine Plattform, um neue Systeme der Zusammenarbeit und Mitgestaltung zu entwerfen. Ziel ist es, eine Forschergruppe zu schaffen, in der natürliche und digitale Komponenten eine gleichberechtigte Rolle bei der Regeneration der menschlichen Elemente spielen. Die Künstlerinnen werden mit den Teilnehmenden die Faszination für die Natur und emotionale Zustände in komplexen bestehenden Ökosystemen untersuchen und mit fiktiven Konzepten wie poröser Gemeinschaft, Mikro-Empathie oder Datenkreisläufen experimentieren. Mit Hilfe von Floating, Poesie und digitalen Werkzeugen werden neue Szenarien erforscht, die zu einem temporären Kollektiv führen können.

Zum Raum: „Die Insola ist ein freier Raum in Berlin für Kunst, Musik und Performances in der Mitte der Rummelsburger Bucht. Der Mangel an kreativem Raum in Berlin ist eine bittere Realität. Die Kultur verschwindet und wird an den Rand der Stadt gedrängt. Die Insola ist ein Ansatz in die entgegengesetzte Richtung, eine Verlagerung vom Land aufs Wasser, um kulturelle Aktivitäten innerhalb der Stadtgrenzen wieder zu etablieren. Dieses Projekt zielt darauf ab, eine Gemeinschaft von Künstler*innen und aufgeschlossenen Menschen zu schaffen, die das gleiche Ziel verfolgen, nämlich eine lebendige Kulturszene in Berlin zu erhalten.“ Weitere Informationen finden Sie hier: https://insola.berlin/

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Rehearsing Care & Collectivity

<postponed> 18.04.2022 at 6pm Workshop “Rehearsing Care & Collectivity” with Dora Durkesac and Irene Fernández Arcas in the project space INSOLA Berlin (Am Speicher 11-15, 10245 Berlin)

Within the framework of the exhibition
Existing Otherwise – Inner Jungle at Galerie Wedding
Curated by Solvej Helweg Ovesen

The Rehearsing Collectivity & Care workshop provides a platform to design new systems of collaboration and co-creation. The aim is to create a research group in which natural and digital components play an equal role in the regeneration of human elements. The artists will explore with the participants the perception of nature and emotional states in complex existing ecosystems and experiment with fictional concepts such as porous community, micro-empathy or data circuits. Floating, poetry and digital tools will be used to explore new scenarios that can lead to a temporary collective.

About the space: „The Insola is a free space in Berlin for art, music, and performances at the center of Rummelsburger Bay. The shortage of creative space in Berlin is a bitter reality. Culture is disappearing and has been pushed to the edges of the city. The Insola is an approach in the opposite direction, a shift from land to water to reestablish cultural activities within the city’s boundaries. This project aims to create a community of artists and open-minded people with the same intent of keeping a lively cultural scene in Berlin.“ Check more info here: https://insola.berlin/

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

08.04. bis 21.05. 2022

Eine Ausstellung von Irene Fernández Arcas

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 07.04 2022, 19 bis 22 Uhr

Hot shot de Yoggaton + DJ Set mit Maque Pereyra ab 19 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Irene Fernández Arcas bietet mit farbenfrohen und humorvollen Gemälden, Keramiken, Filmen und Ritualen einen alternativen mentalen und physischen Raum zu dem rauen Großstadtdschungel. Die Ausstellung  spricht Menschen in jeden Alters an und bietet ein sanftes Ankommen im Frühling, trotz der Turbulenzen, die sich seit Winter ereignen.

Yoggaton ist Yoga & Reggaeton, spiritueller Aktivismus und Perreo. Körper zu dekolonisieren und Binäres herauszufordern.
Dj-Set: Maque Tumai a.k.a Maque Pereyra bringt terremoto pa tu cola. Old Skool Reggaeton, Neoperreo, Cumbiatón, Turreo und weltweite Booty Beats.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Existing Otherwise – Inner Jungle

08.04. – 21.02. 2022

Exhibition by Irene Fernández Arcas

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening on 07.04. 2022, 7 to 10 pm

Hot shot de Yoggaton + DJ Set mit Maque Pereyra ab 19 Uhr

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

With her colourful and humorous paintings, ceramics, films and rituals, Irene Fernández Arcas provides an alternative mental and physical space out of the harsh urban jungle. The exhibition addresses people of all ages and offers a soft landing into spring, despite the turbulences that have been happening since winter.

Yoggaton ιѕ ψσɡα & ɾεɡɡαε ϯση, ѕpιrιтυal acтιvιѕм & ℙℰℛℛℰᎾ. тo decolonιze вodιeѕ & тo cнallenge вιnarιeѕ
Dj set: Maque Tumai a.k.a Maque Pereyra brings terremoto pa tu cola. Old skool reggaeton, neoperreo, cumbiatón, turreo and worldwide booty beats.

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

08.04. bis 21.05. 2022

Eine Ausstellung von Irene Fernández Arcas

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 07.04 2022, 19 bis 22 Uhr

Hot shot de Yoggaton + DJ Set mit Maque Pereyra ab 19 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Die Künstlerin bietet mit farbenfrohen und humorvollen Gemälden, Keramiken, Filmen und Ritualen einen alternativen mentalen und physischen Raum zu dem rauen Großstadtdschungel. Die Ausstellung  spricht Menschen in jeden Alters an und bietet ein sanftes Ankommen im Frühling, trotz der Turbulenzen, die sich seit Winter ereignen.

Irene Arcas Fernandéz beschreibt den Inner Jungle (Innerer Dschungel) als „ein utopischer innerer Schutzraum, ein Zufluchtsort, vielleicht voller Licht, Landschaftserinnerungen oder einfach ein imaginärer Ort. Wir alle können solche inneren Räume mit sehr wenig Mitteln schaffen – auch Kinder, es ist kein spezielles Lernen nötig. Wenn man sich einen inneren Dschungel schafft und dorthin bewegt, findet man alles, was man sucht, z. B. Ruhe oder Entspannung“. 

Der Altar ist ein zentrales Gestaltungsmittel in Fernández Arcas Installationen, auch im „Inneren Dschungel“. Hier verwandelt sich der Ausstellungsort in einen physisch weichen Raum, in dem es sowohl Platz für Trauer als auch für Erleichterung oder gar körperliche Auflösung gibt. Es gibt einen Altar, keinen religiösen, aber einen Ort, der eine Menge Schönheit und heilende Energien in sich vereint. 

So viel ihr die Malerei und Keramik auch bedeutet, für Irene Fernández Arcas ist die Zusammenarbeit mit anderen die höchste Form der Kunst. Mit der Ausstellung Inner Jungle versucht sie mit einer Reihe von Mitgestalter*innen sowie dem Team der Galerie Wedding ein Gesamtkunstwerk zu entfalten. Zahlreiche Veranstaltungen werden die Ausstellung begleiten: Yoggaton zur Eröffnung, Künstlerin/Kuratorinnenn-Führung, Lesung und Ritual sowohl als Flamenco zum Gallery Weekend, Kindertanz auf dem Rathausvorplatz, und ein Konzert als Finissage. Irene Fernández Arcas erklärt zur farbenprächtigen, einladenden Ausstellung umhüllender Malerei : „Die von mir geschaffenen Räume sind Materialisierungen unseres inneren Dschungels. Es sind Räume, um anders zu existieren, rein und im Moment.“ 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Existing Otherwise – Inner Jungle

08.04. – 21.05. 2022

Exhibition by Irene Fernández Arcas

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening on 07.04. 2022, 7 to 10 pm

Hot shot de Yoggaton + DJ Set with Maque Pereyra, 7 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

With her colourful and humorous paintings, ceramics, films and rituals, the artist provides an alternative mental and physical space out of the harsh urban jungle. The exhibition addresses people of all ages and offers a soft landing into spring, despite the turbulences that have been happening since winter. 

Irene Fernandéz Arcas describes the Inner Jungle as „a utopian inner safe space, a refuge, full of lights maybe, landscape memories, or simply an imaginary place. We can all create such inner spaces with very little tools – also children, there is for specific learning. If you create an inner jungle and go there, you can find whatever you want to find, such as peace or relaxation.“ 

The altar is a vital design element in Fernández Arcas’s installations in general, and in the Inner Jungle in particular. Here, the exhibition space is transformed into a tangible soft space where there is room for both mourning and relief, or even a sense of bodily dissolution. There is an altar, not a religious one, but a site that holds a lot of beauty and healing energies. 

As much as painting and ceramics mean to her, for Irene Fernández Arcas, collaboration with others is the highest form of art. With the exhibition Inner Jungle, she is attempting to unfold a „Gesamtkunstwerk“, a total work of art, in cooperation with a number of co-creators and the team at Galerie Wedding. Various events will accompany the exhibition: Yoggaton at the opening, a guided tour by the artist and curator, a reading and ritual as well as flamenco for the Gallery Weekend, kids‘ dance on the square in front of the town hall, and a concert at the finissage. Irene Fernández Arcas comments on the colourful, enveloping exhibition of paintings: „The spaces I create are materialisations of our inner jungle. They are spaces to exist otherwise, pure and in the moment.“

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Performance von Sarah Ama Duah am 25.03.2022, um 14 bis 16 Uhr

Performer*innen: Céline Rodrigues Monteiro, Maleburu Moorosi, Sarah Ama Duah, Sarah Zeryab

Musik: Anchoress (Anna Lucia Nissen)

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Sarah Ama Duah, die sowohl Künstlerin als auch Designerin ist, erschafft in ihrer Arbeit „to build to bury to remember“ ein alternatives, temporäres Denkmal aus Latex mit ihrem eigenen Körper. Darüber hinaus lädt sie Performer*innen ein, sich mit ihr in ein Universum zu begeben, das verborgene, aber profane Formen besetzt und mit ihnen verschmilzt. „Ich interessiere mich für die Idee von Denkmälern als Manifestationen von Ideologien, Hierarchien von Körpern, Verehrung und als eine Möglichkeit, über gemeinsame Werte und Utopien nachzudenken“, sagt sie. Sie ist der Meinung, dass imperiale Denkmäler im öffentlichen Raum den Menschen entweder das Gefühl geben, zu Hause zu sein oder nicht dazuzugehören. Wie können neue Denkmäler stattdessen dazu beitragen, eine gemeinsame Grundlage zu schaffen?

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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to build to bury to remember

Performance by Sarah Ama Duah on 25.03. 2022, 2 to 4 pm

Performers: Céline Rodrigues Monteiro, Maleburu Moorosi, Sarah Ama Duah, Sarah Zeryab

Music: Anchoress (Anna Lucia Nissen)

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Sarah Ama Duah, who is both an artist and a designer, creates in her work „to build to bury to remember“ an alternative, temporary latex monument with her own body. She also invites performers to join her in a universe that occupies and merges with hidden but profane forms. “I’m interested in the idea of monuments as manifestations of ideologies, hierarchies of bodies, devotion and as a possibility to think about shared values and utopias”, she says. She believes that imperial monuments in public spaces either make people feel at home or that they don’t fit in. She asks, how can new monuments instead help to create a common ground?

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

Eine Ausstellung von Sarah Ama Duah und Ato Jackson

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 24.02. 2022, 19 bis 22 Uhr

Performance von Sarah Ama Duah am 24.02.2022, um 19 Uhr, gefolgt von einem DJ Set von Hulay Dusha.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Sarah Ama Duah, die sowohl Künstlerin als auch Designerin ist, erschafft in ihrer Arbeit „to build to bury to remember“ ein alternatives, temporäres Denkmal aus Latex mit ihrem eigenen Körper. Darüber hinaus lädt sie Performer*innen ein, sich mit ihr in ein Universum zu begeben, das verborgene, aber profane Formen besetzt und mit ihnen verschmilzt. „Ich interessiere mich für die Idee von Denkmälern als Manifestationen von Ideologien, Hierarchien von Körpern, Verehrung und als eine Möglichkeit, über gemeinsame Werte und Utopien nachzudenken“, sagt sie. Sie ist der Meinung, dass imperiale Denkmäler im öffentlichen Raum den Menschen entweder das Gefühl geben, zu Hause zu sein oder nicht dazuzugehören. Wie können neue Denkmäler stattdessen dazu beitragen, eine gemeinsame Grundlage zu schaffen?