Führung in der Ausstellung »Die gesiezte Tochter. My Total Deconstruction of an Armenian Family« mit der Künstlerin Beatrice Moumdjian und Eylem Sengezer (Leitende Kuratorin / Sachgebietsleitung Gegenwartskunst). Anhand der Werke die unter Anderem aus dem Familienarchiv der Künstlerin stammen werden historische und aktuelle Beziehungen und geopolitische Kontinuitäten aufgezeigt.

Die Führung vermittelt einen Überblick über die Ausstellung sowie ihre zentralen Themen und Zusammenhänge.

Wände, Nischen, Zäune – sie alle klingen, wenn man hinhört. Im Workshop lauschen wir den Räumen der Galerie und ihrer Umgebung, sammeln Rascheln, Echos, Klatschen, Flüstern. Gefundene Geräusche werden gezeichnet, geteilt, verstärkt und nachgeahmt. So entsteht ein kollektives Klangspiel, das Architektur, Körper und Fantasie verbindet. Mit einfachen Mitteln, selbstgebauten Instrumenten und Stimmen verwandeln wir Mauern in Resonanzkörper, erforschen Rhythmen und lassen verborgene Klänge sichtbar werden – ein hörendes Erkunden von Raum und Zeit.

Für Kinder & Jugendliche in Begleitung (8 – 15 Jahre)
Sprachen: Deutsch und Englisch
Ohne Anmeldung

Die Autorin Inana Othman wird musikalisch von Ahmad Ajouz begleitet und spricht im Anschluss mit dem*der Regisseur*in Thu Hoài Trần über ihre Lyrik und ihre neuesten Texte.

Zwischen den Zeilen lagern Stimmen. Unter der Haut ruhen Archive. In den Rissen der Erinnerung sammeln sich Bilder, Gerüche, Namen und Sprachen, die kein staatliches Gedächtnis bewahren kann. Begleitet von Oud-Klängen sowie Fragmenten aus Bild, Ton und Bewegung führt Inana Othman durch poetische Räume entlang der Spuren des Vermissten: den Blicken eines inhaftierten Vaters, den Liedern einer Großmutter, den Händen einer schweigenden Mutter, den Bruchlinien einer Exilsgeologie. Zwischen den Gefängnissen Syriens und den Asylheimen Deutschlands, zwischen mesopotamischen Mythen und kosmischen Vorstellungswelten erscheint Erinnerung als lebendige Kraft – eingeschrieben in Körper, Narben und Sprache. Es entsteht ein vielstimmiges Gegenarchiv aus Klang, Bild und Wort, in dem das Gedicht zur vorübergehenden Heimat wird und das Verschwundene weiteratmet

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Voices are stored between the lines. Archives rest beneath the skin. In the cracks of memory, images, smells, names and languages gather that no state memory can preserve. Accompanied by the sounds of the oud and fragments of image, sound and movement, Inana Othman leads us through poetic spaces along the traces of the missing person: the glances of an imprisoned father, the songs of a grandmother, the hands of a silent mother, the fault lines of an exile geology. Between the prisons of Syria and the asylum homes of Germany, between Mesopotamian myths and cosmic imaginative worlds, memory appears as a living force – inscribed in bodies, scars and language. A polyphonic counter-archive of sound, image and word is created, in which the poem becomes a temporary home and the disappeared continues to breathe.

Eröffnung: 21.05., 18 Uhr 
Laufzeit: 22.05. bis 09.08.2026
Kuratiert von Eylem Sengezer

Moumdjians künstlerische Praxis verbindet autobiografische Recherche mit einer kritischen Perspektive auf Geschichte und ihre Überlieferungsformen. Sie macht sichtbar, wie eng persönliche Lebensgeschichten mit politischen und historischen Prozessen verwoben sind, und wie sich diese Verflechtungen durch künstlerische Verfahren befragen, verschieben und neu artikulieren lassen. Aus ihren verbliebenen Familienfotos, 150 Bildern, überführt sie herausgelöste fotografische Motive in dreidimensionale Objekte, die im Außen- und Ausstellungsraum neu arrangiert und fotografisch reinszeniert werden; die aus ihrem ursprünglichen Kontext herausgelösten Motive verlieren ihre repräsentative Funktion und verwandeln sich in eigenständige Bedeutungsträger und Beweismittel zwischen persönlicher Erinnerung und historischer Rekonstruktion. Beatrice Moumdjians Arbeit legt Spuren frei zwischen dem Genozid an den Armenier*innen, dem Exil in Bulgarien bis zur Migration in das Ost-Berlin der 1990er, und verknüpft Biografie und Geopolitik.

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Beatrice Moumdjian’s artistic practice combines autobiographical research with a critical perspective on history and its forms of transmission. She makes visible how closely personal life stories are interwoven with political and historical processes, and how these interconnections can be questioned, shifted, and rearticulated through artistic methods. From her remaining family photos—150 images—she transforms extracted photographic motifs into three-dimensional objects, which are rearranged and photographically restaged in the outdoor and exhibition spaces; the motifs, removed from their original context, lose their representational function and transform into independent carriers of meaning and evidence, situated between personal memory and historical reconstruction. Beatrice Moumdjian’s work unearths traces spanning the Armenian Genocide, exile in Bulgaria, and migration to East Berlin in the 1990s, linking biography and geopolitics.

DeLovie Kwagala, auch bekannt als Papa De, lädt in diesem Workshop dazu ein, (Selbst-)Porträts und Geschichtenerzählen durch Fotografie auszuprobieren. Gemeinsam mit dem*der Künstler*in lernen wir deren Beziehung zur Fotografie kennen, vom Selbstporträt bis zum Familienalbum. Wir beschäftigen uns mit den Fotografien, die in der Ausstellung KaKaKaTi Nno Munange zu sehen sind und erkunden eine spielerische und stärkende Beziehung zur Kamera. Dieser Fotoworkshop ist für alle Altersgruppen und Communities offen, wir heißen insbesondere queere und BIPOC (Schwarze, Indigene und Menschen of Color)-Teilnehmer*innen willkommen.

Mit Hilfe von Sofortbildkameras werden die Teilnehmer*innen ermutigt, zu experimentieren, greifbare Erinnerungen zu schaffen und ihre eigenen Geschichten und die ihrer Gemeinschaften zu erzählen. Die Sofortbildkamera (Polaroid oder Instax) ist ein nützliches und leicht zugängliches Werkzeug zum Experimentieren und Erstellen von Bildern, das sofort Ergebnisse liefert und zum spielerischen Umgang mit Bildern und Fotografie anregt.

Wir laden euch herzlich ein, für euch wichtige Gegenstände oder Requisiten mitzubringen, die während der Porträtsitzungen verwendet werden können. Ihr könnt gerne alleine teilnehmen oder auch als Gruppe kommen.

Der Workshop findet auf Englisch und Deutsch statt. Bitte meldet euch per E-Mail an post@galeriewedding.de an, da Platz und Material begrenzt sind.

Die Teilnehmer*innen können ihre eigenen Porträtfotos oder ein kleines selbst gestaltetes Zine mit nach Hause nehmen.

DeLovie Kwagala alias Papa De ist ein*e innovative*r, preisgekrönte*r, nicht-binäre, queere*r Fotograf*in und soziale*r Aktivist*in aus Kampala, Uganda. Papa De ist Autodidakt*in und lebt derzeit in Berlin, Deutschland. In deren* Arbeit erforscht dey Geschichten rund um Identität, Geschlecht, Zugehörigkeit und soziale Ungerechtigkeit. Dey hat mit dem TIME Magazine, Vogue, Dazed, The Guardian, The Washington Post, SAVVY Contemporary und vielen Publikationen und NGOs in Uganda und international zusammengearbeitet.

Im Text wird angelehnt an das Englische »they« im Deutschen »dey/deren/demm« als Pronomen für nicht-binäre Menschen verwendet.

Sunday, 29.06. from 3 to 5 pm 

Led by DeLovie Kwagala aka Papa De, this workshop invites you to explore (self-)portraiture and storytelling through photography. Together with the artist, we’ll learn about their relationship to photography, from self-portrait to family albums, and delve into the photographs on display in their exhibition KaKaKaTi Nno Munange exploring a playful and empowering relationship with the camera. This photography workshop is open to all ages and communities, and we particularly welcome queer and BIPOC participants. 

Using instant cameras, participants will be encouraged to experiment, to create tangible memories, sharing their own stories and those of their communities. The instant camera (the Polaroid or Instax) is a useful and accessible tool for experimenting with and creating images, delivering immediate results that encourage play and ease with image-making and photography.

We warmly invite you to bring along meaningful objects or props to be used during the portrait sessions. You are welcome to join by yourself or bring along your loved ones.

The workshop will be held in English and German. Please register by sending an email to post@galeriewedding.de as space and materials are limited. 

Participants will be able to take home their own portrait photos or a small self-made zine. 

DeLovie Kwagala aka Papa De is a trailblazing award winning non-binary queer photographer and social artivist from Kampala, Uganda. They are self taught and are currently based in Berlin, Germany. Their work explores narratives around identity, gender, belonging, and social injustices. They have worked with TIME Magazine, Vogue, Dazed, The Guardian, The Washington Post, SAVVY Contemporary and many publications and NGOs in Uganda and internationally.

21.06.2025 von 10 bis 12 Uhr

Panel #3 in der Galerie Wedding: »Erinnerungskultur im Afrikanischen Viertel«
Kiez Ausflug*: Gespräch & Ausstellungsbesuch
Ibou Diop (SEN/DE) im Gespräch mit Nicolas Premier (F) und Anna Yeboah (DE)

Panel #3 at Galerie Wedding: »Culture of remembrance in the African Quarter«
Neighbourhood excursion*: Talk & exhibition visit
Ibou Diop (SEN/DE) in conversation with Nicolas Premier (F) and Anna Yeboah (DE)

»Rage Is a Prayer ist ein Ausdruck gelebter Erinnerung – ein improvisiertes Ritual, in dem Klang, Atem und Bewegung zu Trägern von Geschichte, Erschütterung und Heilung werden. Es ist eine persönliche und zugleich kollektive Auseinandersetzung mit dem emotionalen Erbe der Schwarzen Diaspora – mit den Spuren von Leben, die durch Gewalt entwurzelt, geraubt und über Kontinente verstreut wurden, fern der Orte, die sie einst trugen. Es geht aber auch um die leisen, alltäglichen Formen von Ausgrenzung und dem fortdauernden Versuch, Spuren auszulöschen. Dabei geht es nicht nur um die Vergangenheit – sondern darum, wie diese Vergangenheit bis heute in uns wirkt. Es geht darum, ein inneres Feuer durch kalte Städte und fremde Straßen zu tragen. Es geht darum, unserer Seele Raum zu geben – inmitten von Ankunft, Verletzung und der Suche nach Heilung.

Im Dialog mit PURE bringt der*die multidisziplinäre Künstler*in Bláthin Klänge ein, die als Impulse, Fragen oder Zeichen wirken – jede löst eine unmittelbare, gefühlte Reaktion aus. Es entsteht ein freies Zusammenspiel, ein Hören und Antworten, getragen von gegenseitigem Spüren. Wut ist hier kein Spektakel – sie ist ein Heilmittel. Sie ist das, was von Geschichten bleibt, die über Meere, durch Zeiten und Sprachen getragen wurden. Sie ist der Klang des Widerstands. Sie ist ein Gebet – gesprochen in der Sprache des Feuers.«

– die Künstler*innen

Eintritt frei

13.06.2025, Doors 7 pm / Performance 7.30 pm

»Rage Is a Prayer is an act of embodied testimony, an improvised ritual where sound, breath, and movement become vessels for memory, for rupture, and for repair. It is a sacred confrontation with the emotional and psychic afterlife of the ancestral memory of the Black diaspora, echoes of lives displaced, stolen, and scattered across continents, far from the lands that once held them and with the quieter, more insidious violences of ongoing erasure. This is not only about history, it is about what history still does to us now. It is about carrying fire through cold cities and unwelcoming streets. It is about holding space for our spirits in a constant state of arrival, harm and healing.

In dialogue with PURE, multidisciplinary artist Bláthin offers sonic gestures which serve as prompts, provocations, or cues–each one invoking a visceral response, an improvisational call-and-response shaped by mutual attunement. Rage here is not a spectacle, it is a sacrament. It is the sacred residue of histories carried across oceans, across time zones, across languages. It is the sound of rupture and of refusal. It is prayer spoken in the mother tongue of fire.«

– the artists

Free admission

Von 24.05. bis 31.08.2025

Co-kuratiert von Ibou Coulibaly Diop und Julien Enzanza

Eröffnung am 23.05.2025 von 19 bis 22 Uhr.

Am 23. Mai 2025 eröffnet um 19 Uhr in der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst – die Ausstellung »Wege des Erinnerns.« Sie ist den Menschen und Initiativen gewidmet, deren jahrzehntelanges Engagement durch Kunst, Kultur, Wissenschaft und Vermittlung maßgeblich zur Transformation des Berliner Stadtraums beigetragen und den Blick auf Berlins koloniale Vergangenheit erweitert hat.

Die großformatige Fotoserie von Yero Adugna Eticha zeigt Persönlichkeiten, die eine plurale Erinnerungsarbeit in Berlin maßgeblich mitgestaltet und geprägt haben. Ergänzt wird die Ausstellung durch die Schaufensterinstallation »Erinnern. Entschuldigen. Entschädigen«. Sie setzt sich mit der Berliner Afrika-Konferenz von 1884/85 in der Reichskanzlei in der heutigen Wilhelmstraße 92 auseinander, die die Grundlage für die spätere Aufteilung Afrikas durch die europäischen Kolonialmächte bildete. Außerdem zu sehen sind filmische Arbeiten von Nicolas Premier und Siska, die im Auftrag des Erinnerungsortes Kolonialismus realisiert wurden und weitere Hintergrundinformationen zum Thema der Ausstellung vermitteln.Im Dialog mit „Wege des Erinnerns“ wird in der Galerie Wedding zugleich die Ausstellung »KaKaKaTi Nno Munange« mit neuen fotografischen Arbeiten von DeLovie Kwagala aka Papa De gezeigt und am selben Abend eröffnet.

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»Paths of Remembrance«

An exhibition by Yero Adugna Eticha, Nicolas Premier and Siska

From 24.05. to 31.08.2025

Co-curated by Ibou Coulibaly Diop and Julien Enzanza

Opening on 23.05.2025 from 7 to 10 pm.

On May 23, 2025 at 7 pm, the exhibition »Paths of Remembrance.« will open at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst. It is dedicated to the people and initiatives whose decades of commitment through art, culture, science and mediation have contributed significantly to the transformation of Berlin’s urban space and broadened the view of Berlin’s colonial past.

The large-format photo series by Yero Adugna Eticha shows personalities who have played a key role in shaping and influencing pluralistic remembrance work in Berlin. The exhibition is complemented by the window installation »Remember. Apologize. Compensate.« It deals with the Berlin Africa Conference of 1884/85 in the Reich Chancellery at today’s Wilhelmstraße 92, which formed the basis for the later division of Africa by the European colonial powers. Also on display are cinematic works by Nicolas Premier and Siska, which were commissioned by the Erinnerungsort Kolonialismus and provide further background information on the exhibition’s theme. In dialog with »Paths of Remembrance,« the exhibition »KaKaKaTi Nno Munange« with new photographic works by DeLovie Kwagala aka Papa De will also be shown at Galerie Wedding and opened on the same evening.

Eine Ausstellung von DeLovie Kwagala aka Papa De

Kuratiert von Malte Pieper

Ausstellungseröffnung am 23.5.2025 von 19 bis 22 Uhr.

Die Ausstellung »KaKaKaTi Nno Munange« zeigt neue fotografischen Arbeiten von DeLovie Kwagala aka Papa De. Kwagala nutzt die Kamera als Mittel zur Selbstermächtigung und Selbstbefragung. Die Bilder erinnern an ein Familienalbum und loten Bruchlinien zwischen den Generationen aus. Welche Erinnerungen tragen wir in uns, und wie erzählen wir unsere Geschichte neu?

Der Titel »KaKaKaTi Nno Munange«, eine Äußerung in Luganda, widersetzt sich der direkten Übersetzung. In der verbalen Konversation erzeugt sie eine Pause, einen Seufzer, gibt Raum zu Atem, den man nimt, bevor man lügt oder die Wahrheit sagt, den Atem, den man nimmt, bevor man etwas Schwieriges oder Intimes ausspricht. Kakakati bedeuet etwa »Jetzt« und munange »Freund*in« In einer neuen Serie von Selbstporträts, inszeniert im Kleid der eigenen Großmutter, erzählt Kwagala eine Geschichte von Erinnerung, Widerstand und Zugehörigkeit.

Die Ausstellung wird im Dialog mit der Gruppenausstellung »Wege des Erinnerns« gezeigt. Die gemeinsame Präsentation der Ausstellungen ist eine Kooperation zwischen dem Team Erinnerungsort Kolonialismus (Stiftung Stadtmuseum) und der Galerie Wedding — Raum für zeitgenössische Kunst (Fachbereich Kunst, Kultur und Geschichte im Bezirksamt Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur).

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»KaKaKaTi Nno Munange«

24.05 – 31.08.2025

An exhibition by DeLovie Kwagala aka Papa De

Curated by Malte Pieper

Exhibition opening on 23.5.2025 from 7 to 10 pm.

The exhibition »KaKaKaTi Nno Munange« shows new photographic works by DeLovie Kwagala aka Papa De. Kwagala uses the camera as a means of self-empowerment and self-questioning. The images are reminiscent of a family album and explore fault lines between generations. What memories do we carry within us and how do we retell our history?

The title »KaKaKaTi Nno Munange,« an utterance in Luganda, defies direct translation. In verbal conversation, it creates a pause, a sigh, gives space to the breath one takes before lying or telling the truth, the breath one takes before saying something difficult or intimate. Kakakati means »now« and munange means »friend.« In a new series of self-portraits, staged in their own grandmother’s dress, Kwagala tells a story of memory, resistance and belonging.

The exhibition will be shown in dialog with the group exhibition »Paths of Remembrance.« The joint presentation of the exhibitions is a cooperation between Team Erinnerungsort Kolonialismus (Stiftung Stadtmuseum) and Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst (Fachbereich Kunst, Kultur und Geschichte im Bezirksamt Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur).

Friday, 21.06.2024 from 5:30 to 6:30 pm Curatorial tour through the exhibition on the day of the summer solstice with Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

07.06. bis 24.08.2024

Eröffnung Donnerstag, 06.06.2024 von 18 bis 22 Uhr
19 Uhr Abschied von Solvej Helweg Ovesen, der langjährigen Leiterin & Willkommen des neuen künstlerischen Leitungsteams Malte Pieper und Maja Smoszna sowie der leitenden Kuratorin des Sachgebiets Gegenwartskunst, Eylem Sengezer
20-22 Uhr DJ-Set von Asidron

Eine Ausstellung mit Salwa Aleryani, Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk 

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2024, konzipiert von Solvej Helweg Ovesen

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Opening Three Suns

07.06. until 24.08.2024

Opening Tursday, 06.06.2024 from 6 to 10 pm
7pm Farewell to Solvej Helweg Ovesen, the long-time artistic director & Welcome to the new artistic direction team Malte Pieper and Maja Smoszna as well as the head curator of the department of contemporary art, Eylem Sengezer
8-10pm DJ-Set by Asidron

An exhibtion by Salwa Aleryani, Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk 

Curated by Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

As part of the exhibition program POLY 2024 at Galerie Wedding, created by Solvej Helweg Ovesen

Eine Ausstellung von Salwa Aleryani, Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

Eröffnung am Donnerstag, 06.06.2024 von 18 bis 22 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY, konzipiert von Solvej Helweg Ovesen

»Die drei Sonnen nahmen fast den gesamten Himmel ein, und als sie nach Westen drifteten, versank die Hälfte ihrer Formation unterhalb des Horizonts. Ein riesiger Fächer drehte sich unaufhörlich, gelegentlich schoss eine ihrer hellen Klingen über die Horizontlinie hoch, um der sterbenden Welt einen weiteren kurzen Sonnenaufgang und -untergang zu bescheren. Nach dem Sonnenuntergang glühte der Boden in einem gedämpften Rot, und der kurz darauf folgende Sonnenaufgang überflutete alles mit seinen gleißenden parallelen Strahlen.« Liu Cixin, The Three-Body Problem, 2014 

Die Sommerausstellung in der Galerie Wedding bringt drei Künstlerinnen zusammen, die sich mit dem Verdecken und Freilegen von Erinnerungen, Spuren und Geschichten beschäftigen. Ihre unterschiedlichen Praktiken stehen im Dialog mit der Architektur, in der sie sich befinden, sie bewegen sich in der Nähe der Science-Fiction und verhandeln ihre jeweilige Herkunft und ihre Solidarität zueinander. In der Ausstellung beziehen wir uns auf die Sonne bzw. Sonnen sowohl als Metapher als auch als konkreten Gegenstand und betrachten ihre Wirkung auf unser Leben auf nichtlineare, poetische und spekulative Art. Wiederherstellen, schützen, reflektieren, konfrontieren: die ausgestellten Werke von Salwa Aleryani, Maryna Makarenko und Anastasia Pilepchuk verstehen sich als Vorschläge für Transformationen, für neue Wege des Seins und des Zueinander-Stehens.

Außerdem wird in der Ausstellung das Archiv Touching Margins zugänglich gemacht, in dem Berliner Tanzschaffende in Interviews über ihre Arbeit mit Bewegung, Körper und erinnerter Geschichte berichten.

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Three Suns

An exhibition by Salwa Aleryani, Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk

Curated by Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

Opening Thursday, 06.06.2024 from 6 to 10 pm.

»The three suns took up almost the entire sky, and as they drifted toward the west, half of the formation sank below the horizon. The giant fan continued to spin, a bright blade occasionally shooting above the horizon to give the dying world another brief sunrise and sunset. After a sunset, the ground glowed dim red, and the sunrise a moment later flooded everything with its glaring, parallel rays.« Cixin Liu, The Three-Body Problem, 2014 

The summer exhibition at Galerie Wedding brings together three artists dealing with covering and uncovering memories, traces and histories. Their different practices are in conversation with the architecture they are situated in, sci-fi proximities alongside their backgrounds and shared solidarity. With the exhibition we use the sun(s) as both a metaphor and concrete matter, and look at its effect on our lives in non-linear, poetic and speculative variations. Recovering, protecting, reflecting, confronting – the exhibited works by Salwa Aleryani, Maryna Makarenko and Anastasia Pilepchuk propose transformations and ways of being and relating.

The exhibition also features the Touching Margins archive, in which Berlin dance makers talk about their work with movement, the body and remembered history in interviews.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

16.06.2022 zwischen 15 und 15.30 Uhr eine Tanz-Performance von Jule Flierl auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Faux-Pas ist eine Solo-Tanzintervention im öffentlichen Raum. Sie besteht aus Tanz und Gesang. Da ist ein Einhorn, das sich nicht sicher ist, wie dieser Tanz weitergehen soll. Das Einhorn trägt Steppschuhe, die es genauso benutzt, wie jedes Einhorn es tun würde.

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Faux Pas

16.06.2022 between 3 and 3.30 pm a dance performance by Jule Flierl on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Faux-Pas is a solo dance intervention embedded in public space. It consists of dance and vocal material. There is a unicorn that deals with the uncertainty of how to continue this dance. The unicorn wears tap shoes, which it uses just like any unicorn would.

16.06.2022 zwischen 15.45 und 16.15 Uhr eine Performance von Esther Siddiquie in der Galerie Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Die Performance ist das Ergebnis einer Recherche zu neuen Ansätzen einer somatischen Archivierungsarbeit. Der Körper wird in den Mittelpunkt gerückt und im Kontext eines Archivs sichtbar gemacht. Die Performance testet das Potenzial von Archiven, einen Körper in Bewegung zu bringen und stellt damit konventionelle Archivierungsmethoden in Frage. Grundlage der Performance ist das Dokumentarfilmarchiv ihres verstorbenen Vaters Shabbir Siddiquie.

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re | | mains

16.06.2022 between 3.45 and 4.15 pm a performance by Esther Siddiquie at Galerie Wedding

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

The performance is the outcome of a research that explores approaches of a somatic archival work. The body is centred and made visible within the context of the archive. The research thus questions conventional archiving methods and instead tests the potential of an archive to bring the body into movement. For the performance, the artist will be working with the documentary film archive of her deceased father Shabbir Siddiquie.

16.06.2022 zwischen 16.30 und 17.30 Uhr eine Performance von Juan Betancurth mit Romany Dear und Daniel Neumann auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Performanceimprovisation des eigens für POLY(e)MOTION aus Bogotá, Kolumbien, angereisten Künstlers Juan Betancurth mit Romany Dear & Daniel Neumann
Scores of Intimacy ist ein Performance-Konzept, das mit der Idee einer ›universellen Sprache‹ spielt, die durch abstrahierte Bilder entsteht und in Bewegungen und Klängen übertragen wird. Die Einladung besteht darin, ein Umfeld gemeinschaftlicher Intimität im öffentlichen Raum durch performative Improvisation zu schaffen und dabei neue Wege der Annäherung sowie des nonverbalen Dialogs zu erproben. 

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Scores of Intimacy

16.06.2022 between 4.30 and 5.30 pm a performance by Juan Betancurth with Romany Dear and Daniel Neumann on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Performance improvisation by the artist Juan Betancurth – who will be especially coming from Bogotá, Colombia, for the occasion – with Romany Dear & Daniel Neumann
Scores of Intimacy is a performance concept which plays with the idea of a ›universal language‹, created by abstracted visuals that are translated into movements and sounds. The invitation is to share an environment of communal intimacy in public space via a performative improvisation, exploring new ways of getting closer to each other, to enter a non verbal dialogue.

18 Uhr Flor de Pantano, Performance von Maque Pereyra – RVP

16.06.2022 zwischen 18 und 19 Uhr eine Tanzperformance von Maque Pereyra auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Diese körperbasierte Performance hat ihren Ursprung in einem langjährig entwickelten Performancekonzept der Künstlerin Maque Pereyra: Flor de Pantano beforscht die Überschneidung von Musikproduktion, Rappen und DJing als Erweiterung des performativen Körpers. In ihrer Verschränkung von Konzertdynamik, DJ-Sets und Publikumsinteraktion präsentiert die Performance verschiedene Aspekte von Pereyras künstlerischer Praxis.

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Flor de Pantano

16.06.2022 between 6 and 7 pm a dance performance by Maque Pereyra on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

This body-based performance stems from the idea the artist has been developing over the past few years, exploring the intersection of music production, rapping, and DJing as an extension of the performative body. As such, this performance incorporates elements of concert dynamics, DJ sets, and audience interaction, showcasing various aspects of Maque Pereyra’s artistic practice.

16.06.2022 zwischen 19.30 und 20.30 Uhr ein Konzert von Isasi Armengod auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Isasi Armengod ist eine künstlerische Zusammenarbeit von Luna Carlos Armengod und Isasi Isasi. Die musikalische Produktion zeichnet sich durch eine ständige Suche aus, die sich in einer Mischung aus urbanen Rhythmen, lateinamerikanischen Wurzeln und afrikanischem Geist manifestiert. Bei Isasi Armengod wird die künstlerische Praxis der bzw. des jeweils anderen über die disziplinären Grenzen von Musik und Bildhauerei hinaus erweitert und zu neuen Welten verschmolzen.

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Corrientes vitales II – El nido

16.06.2022 between 7.30 and 8.30 pm a concert by Isasi Armengod on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Isasi Armengod is an artistic collaboration between Luna Carlos Armengod & Isasi Isasi. Isasi Armengod’s musical production can be described as a continuous search: a mixture of urban rhythms, Latin American roots, and African spirit. The transdisciplinary expansion of their practices is an attempt to merge their respective musical and sculptural worlds, all the while re-assessing the boundaries of both.

16.06.2022 zwischen 19.30 und 20.30 Uhr ein Konzert von Isasi Armengod auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Isasi Armengod ist eine künstlerische Zusammenarbeit von Luna Carlos Armengod und Isasi Isasi. Die musikalische Produktion zeichnet sich durch eine ständige Suche aus, die sich in einer Mischung aus urbanen Rhythmen, lateinamerikanischen Wurzeln und afrikanischem Geist manifestiert. Bei Isasi Armengod wird die künstlerische Praxis der bzw. des jeweils anderen über die disziplinären Grenzen von Musik und Bildhauerei hinaus erweitert und zu neuen Welten verschmolzen.

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Corrientes vitales II – El nido

16.06.2022 between 7.30 and 8.30 pm a concert by Isasi Armengod on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Isasi Armengod is an artistic collaboration between Luna Carlos Armengod & Isasi Isasi. Isasi Armengod’s musical production can be described as a continuous search: a mixture of urban rhythms, Latin American roots, and African spirit. The transdisciplinary expansion of their practices is an attempt to merge their respective musical and sculptural worlds, all the while re-assessing the boundaries of both.

16.06.2022 zwischen 21 und 22 Uhr eine Drag Performance von The Darvish und Judy LaDivina auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Yalla Hafla ( dt. Lasst uns feiern! ) ist ein monatlich stattfindendes Fest der Musik und Kultur des Mittelmeerraums. Seit 2017 wird die Show von dem Drag-Phänomen Judy LaDivina und der Bauchtanzsensation The Darvish moderiert und produziert und hat sich seitdem zu einer der lautesten Demonstrationen für Liebe und Koexistenz mit einem sicheren Raum für queere Araber*innen und Jüd*innen entwickelt.

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Yalla Halfa

16.06.2022 between 9 and 10 pm a drag performance by The Darvish and Judy LaDivina on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Yalla Hafla ( let’s party ) is a monthly celebration of Mediterranean sounds and culture.
Hosted and produced by the drag phenomenon Judy LaDivina and the belly dance sensation The Darvish, the show premiered in 2017 and has been growing ever since to be one of the loudest demonstrations of love and coexistence, offering a safe space for queer Arabs and Jews.

17.06.2022 zwischen 14  und 15.30 Uhr ein Workshop von Skinship in der Galerie Wedding

Anmeldung via post@galeriewedding.de

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Wir bieten euch die Teilnahme an einem geleiteten Gruppenritual in der Galerie Wedding an, bei dem das menschliche Bedürfnis nach Berührung und Verbindung durch gemeinsame Co-Kreation lebendig wird. Wir erforschen, wie Zustimmung und Kommunikation mit Spiel, Intuition und Körpersprache in Einklang gebracht werden können. Wie finden wir heraus, was wir wollen? Wie fühlt es sich an, unsere Wünsche zu äußern? Wie fühlt es sich an, wenn unser Wunsch nach Verbindung erfüllt wird? Wie fühlt es sich an, ein Nein und ein Ja zu erhalten? Ihr seid alle eingeladen, so wie ihr seid, teilzunehmen. Wir sind nicht auf der Suche nach richtigen oder falschen Antworten, sondern wollen unsere kollektive Neugier und unser Wissen über das menschliche Bedürfnis nach Verbindung verbessern.

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MY BODY MY PLEASURE

17.06.2022 between 2 and 3.30 pm a workshop by Skinship at Galerie Wedding

Registration via post@galeriewedding.de

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

You are offered the participation in a guided group ritual inside Galerie Wedding where the human desire for touch and connection can come alive through collective co-creation. We will explore how consent and communication can be balanced with playfulness, intuition and body language. How do we find out what we want? How does it feel to voice our desires? How does it feel to be met in our wish for connection? How does it feel to receive a no and a yes? You are invited to join just as you are. We are not looking for right or wrong answers, but to improve our collective curiosity and knowledge of the human desire for connection. 

17.06.2022 zwischen 16.00 und 17.30 Uhr ein Workshop von Amelia Uzategui Bonilla und Joana Tischkau in der Galerie Wedding

Anmeldung via post@galeriewedding.de

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Dieser Workshop lädt zu einem Austausch über die Nuancen kultureller Aneignung, aus der Perspektive der künstlerischen Forschungsarbeit von Joana Tischkau und Amelia Uzategui Bonilla, ein. Die beiden Tänzerinnen und Performancekünstlerinnen werden gemeinsam eine Kombination aus körperlichen Erkundungen anleiten, die den Teilnehmenden dabei hilft, sich mit Fragen der kulturellen Aneignung auseinanderzusetzen. Anhand einer Fülle von Materialien, darunter Texte, historische und popkulturelle Beispiele, werden Diskussionen in kleinen Gruppen geführt. Mit dem Workshop möchten Tischkau und Uzategui die Teilnehmenden dazu anregen, Verhandlungsformen für kulturelles Material innerhalb der eigenen künstlerischen Praxis zu finden und sich spielerisch mit eigenem ›kulturellen Gepäck‹ auseinanderzusetzen.

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Is this Appropriate – Where does the homage end and the parody begin?

17.06.2022 between 4 and 5.30 pm a workshop by Amelia Uzategui Bonilla and Joana Tischkau at Galerie Wedding

Registration via post@galeriewedding.de

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

This workshop offers an exchange on the nuances of cultural appropriation, framed by Joana Tischkau’s and Amelia Uzategui Bonilla’s artistic work and research. The two dance artists and performance makers will lead a combination of physical explorations, inviting the participants to engage with questions around cultural appropriation. Drawing on a plethora of material, including text, historical and pop cultural examples, they will guide and assist small group discussions to investigate how to negotiate cultural material within one’s own artistic practice. The workshop aims at facilitating a playful discovery of one’s own cultural baggage.

17.06.2022 zwischen 17.30 und 21 Uhr ein Jam und House Dance Battle von House Szene Berlin und Gästen auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

JAM ACROSS & BATTLE ist eine Veranstaltung, die Jam und House Dance Battle kombiniert. Wir laden euch, die House-Heads, die Mover verschiedener Stile und vor allem alle Tanzbegeisterten, die dem Groove einfach nicht widerstehen können, ein, zu uns zu kommen und euch die Seele aus dem Leib zu tanzen!
Der House-Jam dient auch als Qualifikationsrunde für unser Battle – House 7 to Smoke. Ganz gleich, welches Niveau, welche Erfahrung oder welchen Stil ihr normalerweise ›von Haus aus‹ tanzt, ihr seid alle herzlich eingeladen, mit uns zu jammen. Wir wollen sehen, wie ihr den Dancefloor in Brand setzt!

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JAM ACROSS & BATTLE

17.06.2022 between 5.30 and 9 pm a jam with a house dance battle by House Szene Berlin and Guests on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

JAM ACROSS & BATTLE is an event combining a jam with a house dance battle.
We invite you, the house heads, the movers of different styles and most importantly, all dance lovers who simply can’t resist the groove to come and join us to dance your heart out!
The house jam will also serve as the qualifying round for our battle – House 7 to Smoke. No matter which level, experience or style you usually call your ›home‹, you are all welcome to come and jam with us. We want to see you set the dancefloor on fire!

17.06.2022 zwischen 21 und 22 Uhr eine Drag-Tanzperformance von Katana Six auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Die Performance beginnt mit Gesang, der in eine energiegeladene Drag-Tanzperformance übergeht. Katana Six ist ein visuelles Spektakel, die Kostüme selbst gemacht, das Make-up ein Kunstwerk für sich. Es ist die Besonderheit von queeren Performances, sich Fragen der Selbstbestimmung sowohl mit einer Anklage als auch mit einer Feier anzunähern. Die Erprobung der Identität, die heute in der queeren Clubkultur stattfindet, blickt auf eine lange Geschichte der Selbsterkundung zurück, welche für viele queere Menschen ein Symptom des Überlebenskampfes war – und bisweilen noch ist. Katana Six zeigt die Schönheit der queeren Identität, die durch ihr Drag-Alter Ego schillernd und stark zum Ausdruck kommt.

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KATANA SIX

17.06.2022 between 9 and 10 pm a drag dance performance by Katana Six on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

The performance consists of a combination of live singing, which then transitions into a high energy drag dance performance. Katana Six is a visual spectacle, the costumes selfmade and the makeup an artwork almost. Queer performance inherently approaches identity with both a reckoning and celebration. The exploration of identity that is experienced in queer club culture today comes from a long history of self exploration that was, and often still is, a symptom of the struggle for survival for queer individuals. Katana Six showcases the beauty of queer identity creation expressed with strength and flamboyance through her drag persona.

Eine Ausstellung von Thomias Radin

Kuratiert von Malte Pieper

Eröffnung am 15.06. von 18 bis 22 Uhr
mit DJ Set von Peeps und Coco Calypso

18 Uhr – Warm Up DJ Set von Peeps B2B Coco Calypso
19 Uhr – Begrüßung und Talk von Thomias Radin & Malte Pieper
20 Uhr – Eröffnungszeremonie von Thomias Radin
21 Uhr – DJ Set von Peeps B2B Coco Calypso

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

In der Ausstellung stellt Thomias Radin in der Galerie Wedding sein neu geschaffenes Wandgemälde „Der Mythos von Karukera und Cibuqueira” vor. Der Titel lehnt an die Eigennamen der beiden Hauptinseln von Guadeloupe an. Mit dem Wandgemälde knüpft Radin eine Geschichte rund um die Bedingung des Menschseins, die Kraft der Bewegung und die fortwährende Bedeutung von Mythen für unser Weltbild und wird das Werk im Rahmen einer Eröffnungszeremonie mittels Klang und Bewegung aktivieren. 

Zu kulinarischen Genüssen aus der Karibik und Westafrika legen die DJs Peeps und Coco Calypso auf und lassen den Abend ausklingen.

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POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira

An exhibition by Thomias Radin

Curated by Malte Pieper

Opening on 15.06. from 6 to 10 pm
with DJ set by Peeps and Coco Calypso

6 pm – Warm Up DJ Set by Peeps B2B Coco Calypso
7 pm – Welcome and Talk by Thomias Radin & Malte Pieper
8 pm – Opening ceremony by Thomias Radin
9 pm – DJ Set by Peeps B2B Coco Calypso

Thomias Radin premieres his newly created mural ›The Myth of Karukera and Cibuqueira‹, inspired by the two native names of the main islands of Guadeloupe. Radin weaves a story exploring the human condition, the power of movement, and the enduring relevance of myth in shaping our understanding of the world.

For the opening ceremony, Radin activates the work through sound and movement. A DJ set by Peeps and Coco Calypso invites you to dance and hang out throughout the evening while Caribbean and West African snacks will be served.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

16.06. bis 26.08.2023

Eine Ausstellung von Thomias Radin

Kuratiert von Malte Pieper

Eröffnung am 15.06. von 18 bis 22 Uhr
mit DJ Set von Peeps und Coco Calypso

19 Uhr Begrüßung und Gespräch mit Thomias Radin und Malte Pieper
20 Uhr Opening Ceremony mit Thomias Radin

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Im Sommer 2023 entfaltet sich Thomias Radins besondere Praxis der Verschmelzung von Tanz und Malerei in der Galerie Wedding als Wandbild, Bewegung und Szenografie für Performances. Seine farbintensive Malerei streckt sich als Installation durch den großen Galerieraum und bildet den Rahmen für das Tanz- und Performanceprogramm Movement Research ACROSS: POLY(e)MOTION. 

POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira erprobt Radin die schwer fassbare und doch fesselnde Natur eines Mythos, der von den indigenen Namen des heutigen Guadeloupe erzählt. Er erforscht die Fähigkeit des Mythos, die Wahrheit sowohl zu enthüllen als auch zu verbergen, so zeigen seinen Malereien oft verdrehte Körperhaltungen, Masken und abgewandte Gesichter. »Der Mythos von Karukera und Cibuqueira« behandelt die Bedingungen und Umstände des Menschseins, die Kraft der Bewegung und die fortdauernde Bedeutung von Erzählungen für unser Weltverständnis. Mythen faszinieren Radin als hochentwickeltes und ausgeklügeltes Kommunikationssystem. Für Radin ist der Mythos ein sich bewegendes und tanzendes Wissen, das sich wandelt, alt und modern zugleich ist. Die Ausstellung nimmt Bezug auf die vorkolonialen Bezeichnungen Karukera, »Insel der schönen Gewässer«, und Cibuqueira, »Insel der Gummibäume«, die präkolonialen Namen für die beiden Hauptinseln von Guadeloupe. Karukera und Cibuqueira sind in Radins Geschichte zwei gefallene Engel, die auf der Suche nach ihrer Vereinigung sind. Sie stehen für die transformative Kraft der Bewegung, die uns mit uns selbst, miteinander und mit der Welt um uns herum verbindet.

Radin, geboren in Guadeloupe, aufgewachsen in Frankreich und heute in Berlin lebend, lässt sich von der Kraft der Bewegung inspirieren, die Südamerika, die Karibik und Westafrika miteinander verbindet, um seine Bilder mit dynamischer Energie und Ausdruck zu erfüllen. Als Tänzer bewegt sich Radin zwischen Hip-Hop, Capoeira und Gwo Ka, der Musik- und Tanzkultur aus Guadeloupe. Angelehnt an die Technik des Sampling aus der Musik mischt Radin historische Referenzen, persönliche Erfahrungen und Popkultur. Das Wandgemälde verbindet dabei den Innenraum der Galerie mit den urbanen Außenräumen der Stadt, die Ausstellung verbindet Bühnenbild, Architektur, Malerei und Klang in einer Bewegung. Das Adjektiv »polychrom«, das aus dem Griechischen abgeleitet ist und »viele Farben« meint, bezieht sich auf eine Vielzahl von Farbtönen und Texturen, aber auch auf einen Poly-Rhythmus von Gesten, Techniken und Medien.

Nach seiner raumgreifenden Installation in der Galerie Wedding wird im Rahmen der Kooperation von Galerie Wedding mit dem KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst in der Ausstellung POLY. A Fluid Show, Radins Film »Rivals« in Konstellation mit der Malerei »The Annunciation: Tout‘ Moun doubout`, An nou ay !« im September seine Premiere haben.

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POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira

16.06. to 26.08.2023
An exhibition by Thomias Radin
Curated by Malte Pieper

Opening on 15.06., 6 to 10 pm
with DJ Set by Peeps and Coco Calypso

7 pm Greeting and talk with Thomias Radin and Malte Pieper
8 pm Opening Ceremony with Thomias Radin

In the framework of the exhibition programme POLY 2023-24 at Galerie Wedding in cooperation with KINDL – Centre for Contemporary Art.
Artistic director: Solvej Helweg Ovesen

In the summer of 2023, Thomias Radin’s distinctive practice of melding dance and painting unfolds at Galerie Wedding as a mural, movement and scenography for performances. His vivid and colourful work stretches through the large gallery space as an installation and forms the framework for the dance and performance programme Movement Research ACROSS: POLY(e)MOTION.

In POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira, Radin explores the elusive and captivating nature of a myth that talks about the indigenous names of today’s Guadeloupe. He delves into into the ability of myth to both reveal and conceal the truth, often showing twisted postures, masks and averted faces in his paintings. „The Myth of Karukera and Cibuqueira“ is an invitation to explore the human condition, the power of movement, and the enduring relevance of myth in shaping our understanding of the world. Myths fascinate Radin as a highly advanced and sophisticated communication system. For Radin, myth is a moving and dancing knowledge, morphing and travelling, ancient and modern at the same time. The exhibition refers to the pre-colonial names Karukera, „island of the beautiful waters“, and Cibuqueira, „island of the gum-trees“, the native names for the two main islands of Guadeloupe. In Radin’s story, Karukera and Cibuqueira are two fallen angels on a quest to be reunited. They represent the transformative power of movement, which connects us to ourselves, each other and to the world around us.

Born in Guadeloupe, raised in France and now living in Berlin, Radin draws inspiration from the power of movement that connects South America, the Caribbean and West Africa to infuse his images with dynamic energy and expression. As a dancer, Radin moves between Hip-Hop, Capoeira and Gwo Ka, the music and dance culture from Guadeloupe. Borrowing the technique of sampling from music, Radin mixes historical references, personal experiences and pop culture. The mural thereby unites the indoor gallery space to the outdoors, the exhibition combines stage design, architecture, painting and sound in one movement. The adjective „polychrome“, which is derived from the Greek and means „many colours“, refers to a multiplicity of shades and textures, but also to a poly-rhythm of gestures, techniques and media.

Following his spatial installation at Galerie Wedding, in the context of the cooperation between Galerie Wedding and KINDL – Centre for Contemporary Art, in the exhibition POLY. A Fluid Show, Radin’s film „Rivals“ will have its premiere in tandem with the painting „The Annunciation: Tout‘ Moun doubout`, An nou ay !“ in September.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

*English version below

Tanz, Performance und Musik mit Amelia Uzategui Bonilla & Joana Tischkau, Esther Siddiquie, Houseszene Berlin, Isasi Armengod, Juan Betancurth (mit Romany Dear & Daniel Neumann), Jule Flierl, Katana Six, Maque Pereyra, Peeps B2B Coco Calypso, Skinship, The Darvish & Judy LaDivina, Thomias Radin

15.06. bis 17.06.2023

Galerie Wedding & Rathausvorplatz Wedding

Kuratiert von Kathrin Pohlmann, Solvej Helweg Ovesen, Malte Pieper, Nitsan Margaliot.

Eröffnung am 15.06. um 18 Uhr mit DJ und dem karibischem & westafrikanischem Essen
DJ Set von Peeps B2B Coco Calypso ab 18 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

POLY(e)MOTION ist die zweite Ausgabe von Movement Research ACROSS, einem Musik- und Performance-Programm in der Galerie Wedding und auf dem anliegenden Rathausvorplatz im öffentlichen Raum, welches von XO Curatorial Projects, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann, in Zusammenarbeit mit den Kurator*innen Nitsan Margaliot und Malte Pieper entwickelt wurde. Der Künstler und Tänzer Thomias Radin, der die parallel stattfindende Ausstellung POLYCHROME – Der Mythos von Karukera und Cibuqueira in der Galerie Wedding kreiert, eröffnet mit seiner Performance den ersten Abend.

In POLY(e)MOTION verbinden wir Bewegungsforschung und Emotionen von allen Körpern und aus allen Ecken der Welt zu einem zeitgenössischen, interdisziplinären, lokalen Berliner Event. Kostenlos und offen für alle. Zeitgenössischer Tanz und partizipatorische Praktiken werden als kreative Raumgestaltung und soziales Bühnenbild im Herzen von Wedding eingesetzt. Body Positivity, ästhetische Qualität und Street Smartness werden im Mittelpunkt stehen.

POLY(e)MOTION ist ein polyzentrisches Nachbarschafts-Event mit einem Pop-Up Amphitheater. Für das dreitägige Festival werden wir den eigens für den Ort entworfenen und gebauten “Flexible Colour Circle” (dt. flexibler Farbenkreis) des Künstlers Viron Erol Vert, der bereits bei ACROSS 2022 zentraler Austragungsort der Performances war, erneut errichten.

Nach erfolgreicher Durchführung der ersten Ausgabe von Movement Research ACROSS mit 20 performativen Beiträgen im Juni 2022, folgt nun eine neue Reihe von Performances und Workshops lokaler und internationaler Künstler*innen an drei Tagen im Juni 2023. Die kommunale Galerie Wedding kehrt zurück in den Außenraum und verbündet sich erneut mit der internationalen freien Szene Berlins.

Die vielfältigen hybriden Formate des Festivals, konzipiert für den öffentlichen Raum, lockern die Körper mit Humor und bringen die Straße zum Vibrieren.

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Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Dance, performance and music with Amelia Uzategui Bonilla & Joana Tischkau, Esther Siddiquie, Houseszene Berlin, Isasi Armengod, Juan Betancurth (with Romany Dear & Daniel Neumann), Jule Flierl, Katana Six, Maque Pereyra, Peeps B2B Coco Calypso, Skinship, The Darvish & Judy LaDivina, Thomias Radin.

15.06. to 17.06.2023

Galerie Wedding & Town Hall Square (Rathausvorplatz) Wedding

Curated by Kathrin Pohlmann, Solvej Helweg Ovesen, Malte Pieper, Nitsan Margaliot.

Opening on 15.06. 6pm with DJ and Caribbean & West African food
DJ set by Peeps B2B Coco Calypso from 6 pm

As part of the exhibition programme POLY 2023-24 at Galerie Wedding.
Artistic direction: Solvej Helweg Ovesen

POLY(e)MOTION is the second edition of Movement Research ACROSS, a music and performance programme in public space at Galerie Wedding and the neighbouring Town Hall Square (Rathausvorplatz), developed and curated by XO Curatorial Projects, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann, in collaboration with curators Nitsan Margaliot and Malte Pieper. The artist and dancer Thomias Radin, who will be creating the accompanying exhibition POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira at Galerie Wedding, will open the first evening with his performance.

In POLY(e)MOTION we connect movement research and emotions of all bodies and from all corners of the world to a contemporary, interdisciplinary, local Berlin event. Free of charge and open to all. Contemporary dance and participatory practices are applied as creative space making and social stage setting in the heart of Wedding. Body positivity, aesthetic quality and street smartness will be the in the focus.

POLY(e)MOTION is a polycentric neighbourhood event with a pop-up amphitheatre. For the three-day festival, we will set up again the „Flexible Colour Circle“ by artist Viron Erol Vert, which already served as the central venue for the performances at ACROSS 2022.

After the successful first edition of Movement Research ACROSS with 20 performative contributions in June 2022, a new series of performances and workshops by local and international artists will follow over three days in June 2023. The municipal Galerie Wedding returns to the outdoor space and teams up again with Berlin’s international independent scene. 

The festival’s diverse hybrid formats, designed for public space, loosen bodies with humour and make the street vibrate.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, ifa-Galerie in Berlin, Institut für Auslandsbeziehungen und der Senatsverwaltung für Wirtschaft, Energie und Betriebe.

03.06. bis 30.07.2022

Ausstellung mit Werken von Viron Erol Vert, RA Walden, Jimmy Robert und temporären Interventionen von u.a. André Uerba und Angela Alves in der Galerie Wedding & auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

Für ACROSS hat der bildende Künstler Viron Erol Vert den “Flexible Colour Circle” geschaffen, eine öffentliche und bewohnbare Skulptur-Bühne auf dem Rathausvorplatz in Wedding. Sie dient als Movement Research Bereich für Performances und als Raum für Begegnungen mit und für die Weddinger Bevölkerung. Bei der Gestaltung dieser farbenfrohen Außenbühne ließ sich Vert von den Farbtafeln der Künstlerin Emily Noyes Vanderpoel (1842-1939) inspirieren, die sich mit der imaginären Wirkung von Farben beschäftigte, sowie von Johann Wolfgang von Goethes (1749-1832) Farbenlehre und Johannes Ittens (1888-1967) Farbrad und seinen Überlegungen zur Beeinflussung von Farbe auf Form. Die ACROSS-Ausstellung im Freien wird durch eine Ausstellung in den Räumen der Galerie Wedding ergänzt, in der Werke der Künstler RA Walden, Jimmy Robert und Intervention von u.a. André Uerba und Angela Alves gezeigt werden, die sich mit dem Moment der angehaltenen Bewegung auseinandersetzen

RA Walden kleidet die Galerie Wedding mit „A SCORE FOR REST(YIELDING)“, einem großformatigen Wandtext über die zufälligen Bewegungen von Staub, aus, der als verkörperte Science-Fiction präsentiert wird. Eine aus Aufnahmen außerirdischer Winde bestehende Klangkomposition ergänzt und erweitert den Text. Waldens Arbeit erforscht die Überschneidungen zwischen Krankheit, Behinderung, Bewegung und Technologie: Welche Verbindungen gibt es, welche Formen von Aktionen, Protest und Zukunftsvorstellungen sind möglich?

In seinem fotobasierten und architektonischen Kunstwerk „Untitled (Pilé VII)“ platziert Jimmy Robert die Fotografie eines ruhenden Tänzers in menschlicher Größe auf einem Sockel, seinen Rücken dem/der Betrachter*in zugewandt. Indem er die spezifischen Eigenschaften der in seiner Arbeit verwendeten Materialien hervorhebt, sowohl in der Ausstellung als auch im Aufführungsraum selbst, macht er sie zu Verbündeten im performativen Prozess und hebt die Trennung zwischen Objekt und Körper, Bild und Raum, Lebendigkeit und Stille auf.

Der Film von André Uerba „INVITING MOMENTS OF STILLNESS“ ist eine choreografisch-performative Erkundung der Berührung. Durch Verlangsamung und Konzentration auf den Körper erproben er und seine Mitstreiter*innen verschiedene Formen des Kennenlernens und der gegenseitigen Wahrnehmung als Mittel zur Entdeckung des Zusammenseins.

„REST“ ist eine Installation von Angela Alves im Movement Research Center der Galerie Wedding. Die Arbeit nähert sich dem Ruhen als einem Akt der Selbstfürsorge, der Hingabe und der Rebellion. Die Künstlerin lädt Menschen mit unterschiedlichem Hintergrund ein, sie im Bett zu besuchen und über ihre Beziehung zum Ruhen zu sprechen. Die Audioaufnahmen der Bettgespräche lassen Stimmen zu Wort kommen, die zu politischen Formulierungen werden, sobald sie die private Sphäre verlassen. Geschichten vom Kämpfen, Bewältigen, Widerstehen. Geschichten vom Feiern, Lieben, Schaffen. Die Installation ist bis zum 30. Juni zu sehen.

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Movement Research ACROSS Exhibition

03.06. – 30.07.2022

Exhibition with works by Viron Erol Vert, RA Walden, Jimmy Robert and temporary interventions by a.o. André Uerba and Angela Alves at Galerie Wedding & on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

Curated by Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

For the occasion of ACROSS, visual artist Viron Erol Vert created “Flexible Colour Circle”, a public and inhabitable stage, set in Wedding’s town hall square (Rathausvorplatz). It serves as a Movement Research area for performances and a space for encounters with and for the people of Wedding. When designing the outdoor colourful stage, Vert was inspired by artist Emily Noyes Vanderpoel’s (1842-1939) colour charts studying the imaginary effects of colour, Johann Wolfgang von Goethe‘ theory of colour as well as Johannes Itten’s (1888-1967) colour wheel and ideas of how colour influences shape. This outdoor part of ACROSS is complemented by an indoor exhibition at Galerie Wedding with works by RA Walden and Jimmy Robert with interventions a.o. by André Uerba and Angela Alves, exploring the moment of arrested or accidental movement .

RA Walden presents the work “a score for rest (yielding)” and thereby invests Galerie Wedding with a large-scale wall text on the accidental movements of dust, presented as embodied science fiction. The text is complemented by a new sound piece composed from field recordings of extra-terrestrial winds. Walden’s work explores the intersections between sickness, disability, movement, and technology: What are the connections, what forms of action, protest and imagined futures are possible? 

In this photo-based and architectural artwork, Jimmy Robert places a human-scale resting dancer photograph on a plinth, his back turned towards the audience. By emphasising the specific properties of the materials used in his work, in the exhibition as well as the performance space itself, he turns them into a partner within the performative process, extinguishing the divide between object and body, image and space, liveness and stillness.

„INVITING MOMENTS OF STILLNESS“ is a film by André Uerba, where the choreographic-performative exploration of touch, slow pace and togetherness are key themes. By slowing down and focussing on the body, he and his co-residents test different forms of becoming acquainted with, and sensing, one another as a means of uncovering togetherness.

„REST“ is an installation by Angela Alves at Movement Research Center at Galerie Wedding. It is an ongoing project about the practice of resting. The work approaches resting as an act of self-care, surrender and rebellion. It empowers those who spend a lot of time in bed to have their voices heard and to reveal perspectives on resting as a cultural and political technology. The artist invites people with different backgrounds to visit her in bed and talk about their relationship to rest. Audio recordings of the bed meetings present voices that become political wordings as soon as they leave the private sphere. Stories of struggling, coping, resisting. Stories of celebrating, loving, creating. The installation is on view until June 30.

02.06.2022 zwischen 17 und 22 Uhr eine Ausstellungseröffnung von Viron Erol Vert, RA Walden, Jimmy Robert und Interventionen von u.a. André Uerba und Angela Alves in der Galerie Wedding & auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Bewohnbare Bühne im Außenraum – Ausstellung im Innenraum

Für ACROSS hat der bildende Künstler Viron Erol Vert den „Flexible Colour Circle“ geschaffen, eine öffentliche und bewohnbare Skulptur-Bühne auf dem Rathausvorplatz in Wedding. Sie dient als Movement Research Bereich für Performances und als Raum für Begegnungen mit und für die Weddinger Bevölkerung. Bei der Gestaltung dieser farbenfrohen Außenbühne ließ sich Vert von den Farbtafeln der Künstlerin Emily Noyes Vanderpoel (1842-1939) inspirieren, die sich mit der imaginären Wirkung von Farben beschäftigte, sowie von Johann Wolfgang von Goethes (1749-1832) Farbenlehre und Johannes Ittens (1888-1967) Farbrad und seinen Überlegungen zur Beeinflussung von Farbe auf Form. Die ACROSS-Ausstellung im Freien wird durch eine Ausstellung in den Räumen der Galerie Wedding ergänzt, in der Werke der Künstler RA Walden, Jimmy Robert und Intervention von u.a. André Uerba und Angela Alves gezeigt werden, die sich mit dem Moment der angehaltenen Bewegung auseinandersetzen.

RA Walden wird die Galerie Wedding mit einem großformatigen Wandtext über die zufälligen Bewegungen von Staub auskleiden, der als verkörperte Science-Fiction präsentiert wird. Eine aus Aufnahmen außerirdischer Winde bestehende Klangkomposition ergänzt und erweitert den Text. Waldens Arbeit erforscht die Überschneidungen zwischen Krankheit, Behinderung, Bewegung und Technologie: Welche Verbindungen gibt es, welche Formen von Aktionen, Protest und Zukunftsvorstellungen sind möglich?

In seinem fotobasierten und architektonischen Kunstwerk platziert Jimmy Robert die Fotografie eines ruhenden Tänzers in menschlicher Größe auf einem Sockel, seinen Rücken dem/der Betrachter*in zugewandt. Indem er die spezifischen Eigenschaften der in seiner Arbeit verwendeten Materialien hervorhebt, sowohl in der Ausstellung als auch im Aufführungsraum selbst, macht er sie zu Verbündeten im performativen Prozess und hebt die Trennung zwischen Objekt und Körper, Bild und Raum, Lebendigkeit und Stille auf.

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Movement Research ACROSS

02.06.2022 between 5 and 10 pm an exhibition opening by Viron Erol Vert, RA Walden, Jimmy Robert and interventions by a.o. André Uerba and Angela Alves at Galerie Wedding & on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

Inhabitable Outdoor Stage and Indoor Exhibition

For the occasion of ACROSS, visual artist Viron Erol Vert created “Flexible Colour Circle”, a public and inhabitable stage, set in Wedding’s town hall square (Rathausvorplatz). It serves as a Movement Research area for performances and a space for encounters with and for the people of Wedding. When designing the outdoor colourful stage, Vert was inspired by artist Emily Noyes Vanderpoel’s (1842-1939) colour charts studying the imaginary effects of colour, Goethe‘ theory of colour as well as Johannes Itten’s (1888-1967) colour wheel and ideas of how colour influences shape. This outdoor part of ACROSS is complemented by an indoor exhibition at Galerie Wedding with works by RA Walden and Jimmy Robert with interventions a.o. by André Uerba and Angela Alves, exploring the moment of arrested or accidental movement .

RA Walden presents the work “a score for rest (yielding)” and thereby invests Galerie Wedding with a large-scale wall text on the accidental movements of dust, presented as embodied science fiction. The text is complemented by a new sound piece composed from field recordings of extra-terrestrial winds. Walden’s work explores the intersections between sickness, disability, movement, and technology: What are the connections, what forms of action, protest and imagined futures are possible?  

In this photo-based and architectural artwork, Jimmy Robert places a human-scale resting dancer photograph on a plinth, his back turned towards the audience. By emphasising the specific properties of the materials used in his work, in the exhibition as well as the performance space itself, he turns them into a partner within the performative process, extinguishing the divide between object and body, image and space, liveness and stillness.

02.06.2022 zwischen 17.30 und 18 Uhr & zwischen 19.30 und 20 Uhr eine Performance von Moran Sanderovich auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

In ANASTATICA übernehmen Wunden und Traumata die Funktion von Portalen, über welche menschliche Entwicklungen dank eines „fantastischen“ Potenzials neuer und anderer Körper jenseits des Normativen und Binären ablaufen.

ANASTATICA beschreibt ungewöhnliche Körper als übernatürlich, die aus ihrer Andersartigkeit Kraft schöpfen, und stellt gleichzeitig Fragen über den nie endenden „Opfer-Täter“-Kreislauf in Systemen patriarchaler Gewalt.

Konzept, Choreographie, Performance: Moran Sanderovich

Dramaturgie und Co-Choreographie: Lyllie Rouvière

Musik: Ludwig Wandinger

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ANASTATICA

02.06.2022 between 5.30 and 6 Uhr & between 7.30 and 8 pm a performance by Moran Sanderovich on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

In ANASTATICA wounds and traumas act as portals, enabling a human evolution that relies on the fantastic potential of „new“ and „other“ bodies and develops beyond the normative and binary.

ANASTATICA describes abnormal bodies as supernatural that draw power from their otherness, all the while asking questions about the never-ending cycle of victim and victimiser within systems of patriarchal violence.

Concept, choreography, performance: Moran Sanderovich

Dramaturgy and co-choreography: Lyllie Rouvière

Music: Ludwig Wandinger

02.06.2022 zwischen 18 und 18.30 Uhr & 03.06.2022 zwischen 16 und 16.20 Uhr eine Performance von Lois Alexander in der Galerie Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Inspiriert von dem, was die Wissenschaftlerin Tina Campt als „texturierte Identitäten“ bezeichnet, nutzt die Künstlerin Lois Alexander den verkörperten Charakter von Tanz und Performance, um ein Dazwischen, einen migratorischen Zustand aus verschiedenen Schwarzen feministischen Perspektiven zu artikulieren. Alexander wird in ihrer Performance vor allem Phänomene wässriger Körper und pluralistische Wahrnehmungen von Selbstsein, Verwandtschaft und Zusammensein untersuchen.

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02.06.2022 between 6 und 6.30 pm & 03.06.2022 between 4 und 4.20 pm a performance by Lois Alexander at Galerie Wedding

In the framework of Movement Research ACROSS

Inspired by what scholar Tina Campt describes as ‘textured identities’, artist Lois Alexander uses the embodied nature of dance and performance to articulate an in-between, a migratory state from various black feminist perspectives. Alexander will  especially explore phenomena of watery bodies and pluralistic perceptions of selfhood, kin-making and being together in her performance.

02.06.2022 zwischen 18.30 und 19.15 Uhr eine Lecture Performance von Anna Nowicka in der Galerie Wedding un auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

walk+talk ist eine Lecture-Performance-Reihe, die von dem österreichischen Choreografen und Tänzer Philipp Gehmacher initiiert wurde. Bei walks+talks werden Choreograph*innen eingeladen, ein Solo zu kreieren, in der Bewegung und Sprechen parallel laufen. Thema sind die Konzepte der Künstler*innen, das individuelle Verständnis ihres Körpers in Bewegung und die Geschichte ihrer Praxis.

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walk+talk

02.06.2022 between 6.30 and 7.15 pm a lecture performance by Anna Nowicka at Galerie Wedding and on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

walk+talk is a lecture performance series initiated by Austrian choreographer and dancer Philipp Gehmacher. During walks+talks choreographers are invited to create a solo work where moving and talking run in parallel. The topic is the artists’ concepts, the individual understanding of their body-in-motion and the history of their practice.

*English version below

Kreative Raumgestaltung durch Tanz, Open-Air-Performances und eine sozial-bewohnbare Bühne im Berliner Wedding. 

02.06.2022 bis 30.07.2022

Rathausvorplatz Wedding & Galerie Wedding

Mit Medhat Aldaabal, Lois Alexander, Angela Alves, Tatiana Echeverri Fernandez, Va-Bene Elikem Fiatsi, Jule Flierl, Carrie Hampel, Alexandra Hennig, Roni Katz, Justin F. Kennedy, Éva Mag/Krump Berlin, Tatjana Mahlke & Sonia Robak, Rachel Monosov, Namosh, Anna Nowicka, Jimmy Robert, Moran Sanderovich, Sloush+Zarrt, Colin Self, André Uerba, Viron Erol Vert, RA Walden.

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

Bewegung, Vielfalt, Festlichkeit, Transformation. Mit ACROSS fragen wir, wie wir als Nachbar*innen, als Menschen mit unterschiedlichen Biographien und als Menschen mit verletzlichen Körpern im öffentlichen Raum durch künstlerische Interventionen und Choreographien zusammenkommen können, über Krisen und die Grenzen von Communities hinweg. ACROSS ist eine sozial dynamische Veranstaltungsreihe mit mehr als 16 Performances, konzipiert von einem Team von Kurator*innen aus der Freien Szene Berlins, initiiert und realisiert von XO Curatorial Projects. 

Während unserer Recherchen in den letzten zwei Jahren des Lockdowns haben wir ein starkes Bedürfnis nach körperlichen und improvisierten spontanen Begegnungen und Treffen, neuen Erkundungen sowie Austausch und Interaktion festgestellt. Wie können künstlerische oder bewegungsorientierte Interventionen den öffentlichen Raum in Berlin Wedding zu einem Safer Space für alle Menschen machen?

ACROSS bringt internationale, in Berlin ansässige Tänzer*innen, Künstler*innen, Musiker*innen und ein vielfältiges Publikum in einem urbanen Umfeld zusammen, wobei der Schwerpunkt auf unkonventionellen Bewegungen liegt.

Bewohnbare Außenbühne und Innenausstellung

Im Rahmen von ACROSS schuf der bildende Künstler Viron Erol Vert den „Flexible Colour Circle“, eine öffentliche und bewohnbare Bühne auf dem Rathausvorplatz in Wedding. Sie dient als Movement Research Bereich für Performances und als Raum für Begegnungen mit und für die Weddinger Bevölkerung. Bei der Gestaltung der farbenfrohen Außenbühne ließ sich Vert von den Farbtafeln der Künstlerin Emily Noyes Vanderpoel (1842-1939) inspirieren, die sich mit der imaginären Wirkung von Farben beschäftigte, sowie von Goethes Farbenlehre und Johannes Ittens (1888-1967) Farbrad und den Ideen darüber, wie Farbe die Form beeinflusst. Dieser Teil der ACROSS-Ausstellung im Freien wird durch eine Ausstellung in den Räumen der Galerie Wedding ergänzt, in der Werke der Künstler RA Walden, Jimmy Robert und Intervention von u.a. André Uerba und Angela Alves gezeigt werden, die sich mit dem Moment der angehaltenen Bewegung befassen.

Durchgeführt von XO Curatorial Projects und der Galerie Wedding

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Movement Research ACROSS

Creative space making through dance, outdoor performance and a social inhabitable stage in Wedding, Berlin.

02.06. – 30.07. 2022

With Medhat Aldaabal, Lois Alexander, Angela Alves, Tatiana Echeverri Fernandez, Jule Flierl, Carrie Hampel, Alexandra Hennig, Roni Katz, Justin F. Kennedy, Éva Mag/Krump Berlin, Tatjana Mahlke & Sonia Robak, Rachel Monosov, Namosh, Anna Nowicka, Jimmy Robert, Moran Sanderovich, Sloush+Zarrt, Colin Self, André Uerba, Viron Erol Vert, RA Walden.

Curated by Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

Movement, Diversity, Festivity, Transformation. With ACROSS we ask how we as neighbours, as people with diverse biographies, human beings with vulnerable bodies, can come together in public space through artistic intervention, reaching across communities and crises. ACROSS is a socially dynamic series of events with more than 16 performances brought together by a team of curators from Berlin’s independent scene, initiated and realised by XO Curatorial Projects.

During our research in the last two years of lockdown, we identified a strong need for corporeal and immediate encounters and meetings, for exploration through exchange and interaction. How can multiple artistic interventions turn the public space in Berlin Wedding into a safer space for all people?

ACROSS brings together international Berlin-based dancers, artists, musicians and a diverse audience in an urban setting, with a focus on unconventional movement. 

Inhabitable Outdoor Stage and Indoor Exhibition

For the occasion of ACROSS, visual artist Viron Erol Vert created “Flexible Colour Circle”, a public and inhabitable stage, set in Wedding’s town hall square (Rathausvorplatz). It serves as a Movement Research area for performances and a space for encounters with and for the people of Wedding. When designing the outdoor colourful stage, Vert was inspired by artist Emily Noyes Vanderpoel’s (1842-1939) colour charts studying the imaginary effects of colour, Goethe‘ theory of colour as well as Johannes Itten’s (1888-1967) colour wheel and ideas of how colour influences shape. This outdoor part of ACROSS is complemented by an indoor exhibition at Galerie Wedding with works by RA Walden and Jimmy Robert with interventions a.o. by André Uerba and Angela Alves, exploring the moment of arrested movement.

Executed by XO Curatorial Projects and Galerie Wedding

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und der Senatsverwaltung für Wirtschaft, Energie und Betriebe.

03.06.2022 zwischen 17 und 20 Uhr & 04.06.2022 zwischen 16 und 19 Uhr eine Hiphop-Performance von Éva Mag & Krump Berlinauf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Gemeinsam mit den Krump-Tänzer*innen Mario Perez Amigo, Timothy SteelRage Kakeeto, MICKY KNOXX, Nicole Kufeld, Iman Gele, Joel Borgel und DJ Peter Holm entwickelt die Künstlerin Èva Mag eine Hip-Hop-Performance, die den Begriff „Plethora“ (griechisch: „Überfluss“) mit Hilfe von Lehm, Latex, Krump und Musik untersucht. Krumping ist ein Straßentanz, der sich durch ausdrucksstarke, übertriebene und hochenergetische Bewegungen auszeichnet. Er vermittelt rohe Emotionen auf eine kraftvolle, jedoch gewaltfreie Weise.

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PLETHORA

03.06.2022 between 5 and 8 pm & 04.06.2022 between 4 and 7 pm performance by Éva Mag & Krump Berlin on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

Together with Krump dancers Mario Perez Amigo, Timothy SteelRage Kakeeto, MICKY KNOXX, Nicole Kufeld, Iman Gele, Joel Borgel and DJ Peter Holm, artist Èva Mag engages in a durational hip hop performance investigating the term “plethora” (Greek: “excess”) with the help of clay, latex, krump and music. Krumping is a street dance characterised by expressive, exaggerated and highly energetic movement. It conveys raw emotions in a powerful, yet non-violent way.

03.06.2022 zwischen 20 und 20.45 Uhr eine Performance von Justin F. Kennedy, ILYCH & The Darvish auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

„Recap of an Alien Garden“ ist eine von dem Tänzer und Sänger Justin F. Kennedy konzipierte und choreographierte Science-Fiction-Oper, die einen Alien-Garten auf einem öffentlichen Platz in Berlin als einen Ort der Emanzipation darstellt. Unter Einbindung der Geschichte der Ska-Musik behandelt die Performance Themen der ‘AlienNation’ und Vertreibung. Die mitreißenden Ska-Basslines, überlagert von verfremdenden Texten und Riffs, laden zu einem „überschäumenden Skank“ ein. Das Stück wird von Kennedy, ILYCH und einem besonderen Gast aufgeführt.

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Recap of an Alien Garden

03.06.2022 between 8 and 8.45 pm performance by Justin F. Kennedy, ILYCH and Darvishon Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

Recap of an Alien Garden is a sci-fi opera conceived and choreographed by community dance and vocal artist, Justin F. Kennedy. Recap posits the Alien Garden at the public square in Berlin as a site for emancipation. The performance uses the history of Ska music to address the topics of AlienNation and displacement. The infectious Ska basslines, overlaid with alienating lyrics and riffs invite into an “effervescent skank”. The piece is performed by Kennedy, ILYCH, and a special guest.

04.06.2022 zwischen 19 und 19.40 Uhr eine Tanzperformance von Roni Katz in der Galerie Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Eine Choreografin lädt das Publikum ein, mit ihr gemeinsam aus der Vergangenheit und zu den politischen Realitäten der Gegenwart zu tanzen. Ihre Gefühle werden offengelegt und dabei ihre Inspiration, das ihr eigene Vermächtnis, aber auch die Unmöglichkeit, eine Erziehung und Ausbildung rückgängig zu machen, anerkannt. Die Verflechtung des Tanzes mit ihrem Körper und ihre Fähigkeit, sich davon zu lösen, begleiten sie auf ihrer Suche nach den Gründen, warum sie mit dem Tanzen begonnen hat und warum sie weitermacht.

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Slides, A Letter to Dance

04.06.2022 between 7 and 7.40 pm a dance performance by Roni Katz at Galerie Wedding

In the framework of Movement Research ACROSS

A choreographer invites the audience to join in dancing from the past and to the political realities of the present. While acknowledging inspiration and heritage, and the impossibility to undo education and training, her feelings are exposed. The entanglement of dance with her body and her ability to detach follow her during her search for the reasons why she began, and why she continues dancing.

04.06.2022 zwischen 20 und 21 Uhr ein Gespräch & eine Diskussion mit Alexandra Hennig und Nitsan Margaliot in der Galerie Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Alexandra Henning moderiert eine Diskussion mit Tänzer*innen und Performer*innen zusammen mit dem Choreograf, Tänzer und Kurator Nitsan Margaliot.

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04.06.2022 between 8 and 9 pm a talk & discussion with Alexandra Hennig and Nitsan Margaliot at Galerie Wedding

In the framework of Movement Research ACROSS

Alexandra Henning moderates a discussion with dancers and performers together with choreographer, dancer and curator Nitsan Margaliot.

05.06.2022 zwischen 13 – 15 Uhr Bewegungsworkshop PAUSE; zwischen 15:30-17 Uhr Traum-Workshop Unfolding Dreams mit Anna Nowicka

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

PAUSE ist ein Workshop. In jeder Pause liegt das Potenzial einer Erkundung des Akts des Anhaltens. Nowicka interessiert sich für Pausen als besondere Zustände des Seins im Tanz; Pausen als ruhiger, erweiterter Raum, um zu spüren, zu fühlen und zu reagieren. 

Max. 16 Teilnehmer*innen. Bitte hier anmelden.

Unfolding Dreams (Die Entfaltung von Träumen) ist eine Einladung, in die Träume der letzten Nächte einzutauchen und gemeinsam deren tiefere Bedeutungen zu entschlüsseln. Es handelt sich um einen zweistündigen Workshop, bei dem ein Traum ausgewählt und nach dem Dream Opening®-Verfahren von The School of Images „geöffnet“ wird.

Max. 12 Teilnehmer*innen. Bitte hier anmelden.

Alle sind eingeladen. Es sind keine Vorkenntnisse erforderlich. Beide Workshops finden in englischer Sprache statt.

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PAUSE & Unfolding Dreams

05.06.2022 between 1 – 3 pm Movement workshop PAUSE; between 3:30-5 pm dreams workshop Unfolding Dreams with Anna Nowicka

PAUSE is a workshop. Within every pause lies the potential of an exploration of the act of stopping. Nowicka is interested in pauses as particular states of being within dancing; pauses as a quiet, expanded space to sense, feel and respond.

Max. 16 participants. Please register here.

Unfolding dreams is an invitation to plunge into recent night dreams and to collectively unravel their deeper meanings. It is a two hour workshop where one dream will be chosen and „opened“, following the dream opening® procedure from The School of Images.

Max. 12 participants. Please register here. 

All are invited. No previous experience is required. Both workshops will be held in English.

10.06.2022 zwischen 15 – 17 Uhr partizipative Installation von Tatiana Echeverri Fernandez

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Die Künstlerin wird ein elektronisches Klangstück komponieren und einen großformatigen Teppich anfertigen, auf dem die Menschen sitzen oder liegen können, während sie der in-situ Klanglandschaft zuhören. Durch die Präsenz des Teppichs wird der öffentliche Raum privater, und umgekehrt werden wir, das Publikum, wenn wir in einen inneren Raum eintreten, langsam unsere Wahrnehmung des uns umgebenden äußeren Raums verändern.

Bitte hier anmelden.

Die Intervention findet in deutscher und englischer Sprache statt.

WICHTIG: Die Veranstaltung findet auf dem Rathausvorplatzplatz Wedding neben der Galerie Wedding statt.

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Deep (body) Movement (for restricted spaces)

10.06.2022 between 3 – 5 pm participatory installation by Tatiana Echeverri Fernandez

The artist will compose an electronic sound piece and create a large-scale carpet for people to sit or lie on while listening to the in-situ soundscape. The presence of the carpet will make the public realm more private, and inversely, as we, the audience enter into an inner space, we will slowly change how we perceive the outer space that surrounds us.

Please register here.

The intervention will take place in German and English.

IMPORTANT: The event will take place on the Town Hall Square Wedding next to Galerie Wedding.

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Seit mehreren Jahren präsentieren Sasha Waltz & Guests und Berlin Mondiale „Dabke Community Dancing“ mit Medhat Aldaabal und Adel Sabawi und laden nun erstmals zum Tanzen bei ACROSS ein. 

Der traditionelle Kreistanz ist im Nahen Osten und nun auch in Berlin beliebt. „Wenn ich sehe, dass die Menschen glücklich sind und lächeln, dann fühle ich mich als Teil dieses Landes und das Land als Teil von mir” (Medhat Aldaabal).

Bitte hier anmelden.

Keine Sprache.

WICHTIG: Die Veranstaltung findet auf dem Rathausvorplatzplatz Wedding neben der Galerie Wedding statt.

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Dabke Community Dancing

10.06.2022 between 5 – 6:15 Uhr dance workshop by Medhat Aldaabal

Within the framework of Movement Research ACROSS

For several years now Sasha Waltz & Guests and Berlin Mondiale have been presenting “Dabke Community Dancing” with Medhat Aldaabal and Adel Sabawi and will now for the first time invite participants to dance at ACROSS.

The traditional circle dance is popular in the Middle East and now also in Berlin. “When I see that people are happy and smiling, then I feel that I become part of this country and the country part of me” (Medhat Aldaabal)

Please register here.

No language.

IMPORTANT: The event will take place on the Town Hall Square Wedding next to Galerie Wedding.

XOIR ist ein von Colin Self geleiteter Gesangsworkshop, der sich auf alternative Formen des Gruppensingens konzentriert. Das Ziel von XOIR ist es, ein Umfeld zu schaffen, in dem die Teilnehmer*innen mit ihrer Stimme auf individueller und kollektiver Ebene in Kontakt treten können, und zwar auf der Grundlage somatischer Forschung und Experimente. XOIR steht allen offen, die ihre Stimme als Werkzeug zum Lernen oder zum Aufbau einer neuen Beziehung zum Singen und Zuhören erforschen möchten. 

Bitte hier anmelden.

WICHTIG: Die Veranstaltung findet auf dem Rathausvorplatz Wedding neben der Galerie Wedding statt.

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XOIR

10.06.2022 between 6:30 and 8:30 pm vocal workshop with Colin Selfon the Town Hall Square Wedding

XOIR is a vocal workshop led by Colin Self focused on alternative forms of group singing. Rooted in somatic research and experimentation, the goal of XOIR is to foster an environment for individuals to connect with their voice on an individual and collective level. XOIR is open to anyone interested in exploring their voice as a tool for learning or building a new relationship to singing and listening.

Please register here.

IMPORTANT: The event will take place on the Town Hall Square Wedding next to Galerie Wedding.

10.06.2022 zwischen 21 und 22 Uhr Konzert von Namosh auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

In seinem Konzert kombiniert Namosh Elektronik mit Vocals auf einer Basis von Funk-Rhythmen. Mit ausdrucksstarken Gesten, die denen eines Stummfilmschauspielers nicht unähnlich sind, nimmt eine Geschichte durch Bewegung und Klang Gestalt an. 

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Party Alone

10.06.2022 between 9 und 10 pm concert by Namosh on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

Namosh performs a combined electronic and vocal concert based on funk rhythms.  With expressive movements not unlike a silent film actor, a story takes shape through motion and sound. 

11.06.2022 zwischen 13:30 und 14 Uhr eine Tanzperformance von Medhat Aldaabal auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

 “Zufällig gab man mir meinen Namen

Zufällig gehörte ich einer Familie, die mir

Zufällig ihre Gesichts- und Charakterzüge vererbte

Und ihre Krankheiten auch

Ich spielte keine Rolle dabei, wer ich wurde.

Es war Zufall, dass ich ein Mann wurde

Ich hätte nicht existieren können.“

(Mahmoud Darwish: “Der Würfelspieler”)

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Dice

11.06.2022 between 1:30 und 2 pm dance performance by Medhat Aldaabal on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

“I was named by chance

and belonged to a family by chance,

and inherited its features, traits, and illnesses

 I played no role in who I became

It was by chance that I became a male

I could have not existed.”

(“The Dice Player“ by Mahmoud Darwish)

11.06.2022 zwischen 14.00 und 18.30 Uhr Streetdance & House Jam mit Tatjana Mahlke & Sonja Robak (House Szene Berlin) auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

JAM ACROSS vereint verschiedene Streetdance-Stile wie Breaking, Hip Hop, Popping, House und Waacking in einer einzigen Jam. Jeweils eine Stunde Funk, Hip Hop und House in ihrer schönsten Form. Der House Jam dient auch als Qualifikation für das anschließende Dance Battle – House 7 to Smoke. Egal welches Level, jede*r ist eingeladen zu jammen.

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11.06.2022 between 2 und 6.30 pm Streetdance & House Jam with Tatjana Mahlke & Sonja Robak (House Scene Berlin) on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

JAM ACROSS combines different street dance styles such as breaking, hip hop, popping, house and waacking into one single jam. One hour each of funk, hip hop and house music in their finest form. The House Jam also serves as a qualifier for the dance battle that follows – House 7 to Smoke. No matter what level, everyone is welcome to jam!

11.06.2022 tbc eine Tanzperformance von Jule Flierl auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Den Boden zu berühren heißt, die Erde zu massieren und mit den Fußsohlen zu sprechen. Faux-Pas ist ein Antimarsch, eine Erforschung der Rhetorik von Mustern und experimentellen Ankündigungen. Faux-Pas ist ein integraler Bestandteil der Studie des Künstlerin für die „Schule der Einstimmung und Taktlosigkeit“.

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Faux-Pas

11.06.2022 tbc a dance performance by Jule Flierl on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

To touch the ground is to massage the earth and to speak with the soles of one’s feet. Faux-Pas is an anti-march, a research into patterning rhetorics and experimental announcing. Faux-Pas is an integral part of the artist’s study for the “School of Attunement and Tactlessness”.

11.06.2022 zwischen 19 und 20 Uhr eine Tanzperformance von Rachel Monosov auf dem Rathausvorplatz Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

In »Landscape of Comfort« werden wir gemeinsam die Anpassung des menschlichen Körpers an Strukturen und Objekte untersuchen. Objekte, die angeblich Bewegungsfreiheit bieten, können hier Verwirrung und Frustration stiften, indem sie zu gewohnten, wenn auch unnatürlichen Verhaltensweisen einladen und zwingen. Die Performance hinterfragt, wie der endlose Wechsel zwischen Komfort und Unbehagen den Widerstand gegen Unterwerfung unter einer Machtstruktur verkörpert.

Die Performer*innen sind Tamar Grosz, Camilla Brogaard, Julia Shelkovskaia.

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LANDSCAPE OF COMFORT

11.06.2022 between 7 and 8 pm a dance performance by Rachel Monosov at the Town Hall Square Wedding

In the framework of Movement Research ACROSS

Within the »Landscape of Comfort« , we will collectively explore the human body’s adaptation to structures and objects. Objects that purportedly give freedom to movement, here may create confusion and frustration, inviting and imposing sets of habitual, if unnatural, behaviors. The performance questions how the endless shift between comfort to discomfort embodies resistance to surrendering to the power structure.

The performers are Tamar Grosz, Camilla Brogaard, Julia Shelkovskaia.

11.06.2022 zwischen 20:30 und 21:30 Uhr eine Tanzperformance von André Uerba in der Galerie Wedding und auf dem Rathausvorplatz Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Sieben Performer*innen spielen mit Konzepten der Zusammengehörigkeit und erkunden, wie sich die Begegnung zwischen ihnen, dem Publikum und auch den Zuschauer*innen untereinander manifestieren kann. Fire Starter #2 ist ein Forschungsraum, in dem das Publikum seine Rolle selbst bestimmen kann: es schaut zu, es bewegt sich oder es wechselt dynamisch die Position. Die Performer*innen selbst können zu Betreuer*innen werden, zu „Reiseführer*innen“, die die Erfahrung während des Stücks anleiten.

Uerbas Film INVITING MOMENTS OF STILLNESS, eine choreografisch-performative Erkundung der Berührung, wird in der Galerie Wedding gezeigt werden. Durch Verlangsamung und Konzentration auf den Körper erproben er und seine Mitstreiter*innen verschiedene Formen des Kennenlernens und der gegenseitigen Wahrnehmung als Mittel zur Entdeckung der Zusammenseins. 

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FIRE STARTER #2 & INVITING MOMENTS OF STILLNESS

11.06.2022 between 8:30 and 9:30 pm a dance performance by André Uerba at Galerie Wedding and on the Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

Within the framework of Movement Research ACROSS

Seven performers play with concepts of togetherness and explore how the encounter between the performers, the audience, and also the audience members amongst each other, can manifest. Fire Starter #2 is a space for research where the audience can decide on their role: they watch, they move or they dynamically change role. The performers themselves can at times turn into caretakers, “tour” guides that conduct the experience during the piece. Another work by Uerba is INVITING MOMENTS OF STILLNESS, a film presented in Galerie Wedding, touch, slowness and togetherness are key themes. In the film a choreographic-performative exploration of the practice of touch is presented. By slowing down and focussing on the body, he and his co-residents test different forms of becoming acquainted with, and sensing, one another as a means of uncovering togetherness. 

02.06.2022 zwischen 20 und 22 Uhr & 4.06.2022 zwischen 20 und 22 Uhr & 11.06.2022 zwischen 21.30 und 22 Uhr ein DJ Set von Sloush+Zarrt auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Sigourney Pilz (Berlin 1992) und Thomas Fornoff (Odenwald 1985) sind zwei in Berlin lebende Künstler*innen, welche seit 2011 unter verschiedenen Pseudonymen Solo, als Duo oder in Kollektiven arbeiten. Sie sind Soundkünstler*innen, Hosts einer regelmäßigen Show bei Cashmere Radio, Mitglieder bei Hooops, Kuratoren*innen, Veranstalter*innen und Multimedia-Künstler*innen.

Im Bereich Sound experimentieren sie neben DJ-Sets auch mit Formen von künstlerischer Recherche in den Naturwissenschaften und der Emotionswissenschaft. Fieldrecordings, Geräusche, Text und Musik dienen ihnen als Sprache, um die Zuhörer*innen einzuladen, verschiedene Perspektiven und Zustände einzunehmen. Einige Beispiele sind ein Pilzspaziergang, die Welt der Mikroben, Schlamm und ein performatives Hörspiel über die Welt der Tropfsteinhöhlen und Axolotl. Mit einem Hintergrund aus Film- und Theaterarbeit/Szenenbild/Design/Sozialer Kunst legen sie den Schwerpunkt in ihrer derzeitigen künstlerischen Arbeit vor allem auf Möglichkeiten, Räume zu schaffen, in denen sich Menschen gegenseitig sowie den sie umgebenden Ökosystemen begegnen können.

Die Planung ihrer Veranstaltungen, wie „Pechüler Beckenrand 2021“, beinhaltet Ansätze sozialer Kunst und Praktiken, um das Potenzial des kollektiven Lernens, Wahrnehmens und Austauschs zu erforschen.

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DJ-Set

02.06.2022 between 8 and 10 pm & 4.06.2022 between 8 and 10 pm & 11.06.2022 between 9.30 and 10 pm DJ Set by Sloush+Zarrt on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

Sigourney Pilz (Berlin 1992) and Thomas Fornoff (Odenwald 1985) are two Berlin-based artists who have been working solo, as a duo or in collectives under various pseudonyms since 2011. They are sound artists, hosts of a regular show on Cashmere Radio, members of Hooops, curators, organisers and multimedia artists.

In the field of sound, they experiment not only with DJ sets but also with forms of artistic research in the natural sciences and the science of emotions. Field recordings, sounds, text and music serve as a language to invite the listener to take on different perspectives and states. Some examples are a mushroom walk, the world of microbes, mud and a performative radio play about the world of stalactite caves and axolotls. With a background in film and theatre work/scenic design/social art, they focus in their current artistic work primarily on possibilities, spaces where people can encounter each other as well as the ecosystems that surround them.

The planning of their events, such as „Pechüler Beckenrand 2021“, incorporates social art approaches and practices, to explore the potential of collective learning, perception and exchange.

24.06. bis 21.07. 2021

Eine Skulptur von Ingrid Ogenstedt auf dem Rathausvorplatz kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms Existing Otherwise | Anders Existieren 2021-22 in der Galerie Wedding

Eröffnung | Opening am 24. Juni 2021 von 14 bis 19 Uhr auf dem Rathausvorplatz neben der Galerie Wedding

Auf Einladung der Galerie Wedding hat Ingrid Ogenstedt eine fast vier Meter hohe Skulptur für den Rathausvorplatz in Wedding entwickelt. Die Form erinnert an ein monumentales Tor oder Portal, überwachsen mit Gras. “Surplus” bedeutet Mehrertrag oder Überschuss. Die Arbeit untersucht, wie wir im 21. Jahrhundert wachsen können und ist Teil des Programms “Anders Existieren” in der Galerie Wedding. Das grüne Portal wird bis zum 21. Juli im öffentlichen Raum zu erleben sein.

Ogenstedt arbeitet mit großformatigen skulpturalen Projekten und Zeichnungen. Für ihre skulpturalen Arbeiten verwendet sie natürliche Materialien, um die Idee von Natur und Kultur als polare Gegensätze zu hinterfragen. Die Skulpturen werden oft vor Ort gebaut und existieren in einem zeitlich und räumlich begrenzten Zustand.

„Der Platz ist eine offene Fläche innerhalb der Stadt. Ein Raum, in dem Menschen interagieren können und auf dem Dinge passieren können. Der Rathausvorplatz ist umgeben von öffentlichen Gebäuden wie der Agentur für Arbeit (Jobcenter), der Stadtbibliothek und dem Bezirksamt. In den letzten Jahren der Covid-Beschränkungen war das Arbeitsamt ein wichtiger Ort und wir leben in einer Zeit, in der Menschen in systemrelevant und nicht systemrelevant eingeteilt werden. Überschuss ist das, was durch Anstrengung und gemeinsames Arbeiten erwirtschaftet wird, ein Zeichen von Reichtum und Wohlstand. Können wir wirklich über unsere gesellschaftliche Relevanz definiert werden?“, fragt Ingrid Ogenstedt.

Das Gras ist für Ogenstedt ein Zeichen für kultivierte Natur. Natur wird kultiviert, um den menschlichen Zwecken angepasst zu werden – der perfekte Rasen wird geschnitten. Ogenstedt befestigt das Gras auf der skulpturalen Form und gibt ihm Struktur. Mit der Zeit trennt sich das Werk von der Künstlerin und steht für sich selbst, um zu wachsen, zu atmen, zu verrotten oder zu zerfallen. Die Skulptur ist fortlaufend im Wandel.

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Surplus

24.06. bis 21.07. 2021

A sculpture by Ingrid Ogenstedt on Rathausvorplatz
curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of Existing Otherwise | Anders Existieren 2021-22 at Galerie Wedding

Opening on 24 June, 2021 between 2 and 7 pm on Rathausvorplatz next to Galerie Wedding

Ingrid Ogenstedt has developed an almost four-metre-high sculpture for the Rathausvorplatz in Wedding at the invitation of Galerie Wedding. The structure is reminiscent of a monumental gate or portal, overgrown with grass. The work „Surplus“ explores how we can grow in the 21st century and is part of the programme „Existing Otherwise“ at Galerie Wedding. The green portal will be on view in public space until 21 July.

Ogenstedt works with large scale sculptural projects and drawings. For her sculptural works she uses natural materials as a way of questioning the idea of nature and culture as polar opposites. The sculptures are often built on-site and then exist within a temporary setting and state.

„The square is an open glade within the city. A space for people to interact and where events can accrue. The square Rathausvorplatz is surrounded by public buildings such as the employment office, The cities library and the district office. During the past year of Covid restrictions, the employment office has been a vital place and we have been living in a time where people are divided into system-relevant and non-system-relevant. Surplus is what is generated through effort and working together, a sign of wealth and prosperity. Can we be defined through our social relevance?“, asks Ingrid Ogenstedt.

Ogenstedt considers grass a marker for cultivated nature. Nature is cultivated to suit our human purposes – the perfect grass is cut. Ogenstedt sews the grass to the form and gives it a structure. At some point, the work separates from the artist and stands on its own, to grow, to breathe, to rot or to decay. The transformation is ongoing and a movement in time.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, sowie dem Bezirkskulturfonds, Berlin-Mitte.

Re-Schooling Vortrag mit dem Künstler Ibrahim Mahama (Ghana) gefolgt von einem Gespräch mit Künstlerin Isabel Lewis im Rahmen des Ausstellungsprogramms
„Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses“

19. Juni 2021, 17 Uhr im Hinterhof bei Callie’s

Bitte melden Sie sich hier an: Re-Schooling mit Ibrahim Mahama

Der Vortrag ist Teil 2 einer doppelteiligen Vortragsreihe mit ihm online und vor Ort in Berlin.

Seit mehr als einem Jahrzehnt hat Mahama in seinen architektonischen Kunstwerken einen kritischen Blick auf die moderne, globalisierte Welt offengelegt. Nun gibt er sein Wissen in zwei Re-Schoolings weiter und gibt den Zuschauer*innen eine Idee davon, wie man anders und nachhaltig existieren kann.

Ibrahim Mahama, Künstler und Ko-Kurator von Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses spricht über seine aktuelle Arbeit für dieses Projekt und auch die Vienna Biennial for Change 2021 “PLANET LOVE. Climate Care in the Digital Age”, aber auch weiter Ausstellungen in Europa, darunter “Congoville” im Middelheim Museum und “Vanishing Points 2014-19” in der Reiter Gallery, Leipzig. Als Gründer wird er das Savannah Centre for Contemporary Art vorstellen, ein von Künstler*innen geführter Projektraum im Tamale, wo die abschließende Berlin-Tamale Ausstellung von „Existing Otherwise | Anders Existieren“ im Januar 2022 eröffnet. Mahama kommt ins Gespräch mit Isabel Lewis, Künstlerin und Ko-Kuratorin von Existing Otherwise und Gründerin The Institute for Embodied Creative Practises. Beide Künstler*innen werden über die von ihnen gegründeten Institutionen und ihre Praxis des Anders-Existierens sprechen. Die Veranstaltung wird moderiert von Solvej Helweg Ovesen.

Durch die Pandemie sind viele physische, räumliche und administrative Strukturen wie nie zuvor verfallen. Gebäude stehen leer, Produktions- und Transportkreisläufe sind nicht mehr nutzbar. Daher müssen wir uns als Menschen an neue Lebensbedingungen anpassen und anders existieren – auch materiell. Dies ist ein Moment der Veränderung. Ibrahim Mahama verarbeitet in seiner künstlerischen und kuratorischen Praxis z.B. Bauwerke, Baumaterialien sowie Technologie und Textilien um, die als Sinnbild für die erschöpften ökonomischen und ökologischen Kreisläufe gelten. In den beiden Vorträgen wird er die materiellen Spuren (Transportsäcke, Züge, Fischkisten, Flugzeuge usw.) dieser sich verändernden Zyklen präsentieren und erläutern, wie er diese in der von ihm in Tamale gegründeten Kunstinstitution The Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA) und Red Clay Studio umgenutzt hat.

Die Re-Schooling Lecture findet statt im Rahmen von „Existing Otherwise | Anders Existieren“ (XO), einem internationalen Projekt von XO Curatorial Projects (Solvej Helweg Ovesen, Kathrin Pohlmann) in Zusammenarbeit mit der kommunalen Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst, Berlin, ko-kuratiert von Isabel Lewis, Ibrahim Mahama und Solvej Helweg Ovesen (Initiatorin und Künstlerische Leitung XO). „Existing Otherwise | Anders Existieren“ wird realisiert in enger Partnerschaft mit The Institute for Creative Embodied Practices, Callie’s, Berlin und dem Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA), Tamale (Ghana). 

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Re-Schooling with the artist Ibrahim Mahama (Ghana) followed by a conversation with artist Isabel Lewis within the exhibition programme
„Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses“

19 June 2021, 5pm open air in the backyard of Callie’s

Please register here to attend the event: Re-Schooling with Ibrahim Mahama

The lecture is part 2 of a two-part lecture series online and onsite in Berlin.

For more than a decade, Mahama’s architectural artworks have revealed a critical view of the modern, globalised world. Now he shares his knowledge in two re-schoolings, giving viewers an idea of how to exist otherwise and sustainably.

Join us in Berlin on Saturday, 19 June at 5pm for the second re-schooling lecture with Ibrahim Mahama, artist and co-curator of Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses. In this lecture Mahama will speak about his current curatorial work for this project as well as for the Vienna Biennial for Change 2021 “PLANET LOVE. Climate Care in the Digital Age”, but also about his running exhibitions in Europe amongst others “Congoville” at Middelheim Museum and “Vanishing Points 2014-19” at Reiter Gallery, Leipzig. Finally, and very importantly he, as founder, will introduce Savannah Centre for Contemporary Art, an artist-run Art Centre in Tamale, where the final Berlin-Tamale exhibition „Existing Otherwise | Anders Existieren“ will take place, January 2022. In this part of the presentation artist and co-curator of Existing Otherwise, Isabel Lewis, founder of The Institute for Embodied Creative Practises, will join the conversation and both artists will speak about the institutions they founded and their agency of existing otherwise. The event is moderated by Solvej Helweg Ovesen.

Due to the pandemic, many physical, spatial and administrative structures have deteriorated like never before. Buildings are abandoned, production and transport circuits are no longer operational. Therefore, as humans, we have to adapt to new living conditions and exist otherwise – also in material terms. This is a moment of change. In his artistic and curatorial practice, Ibrahim Mahama reworks buildings, building materials as well as technology and textiles, which are symbols of exhausted economic and ecological cycles. In the two lectures, he will present the material traces (transport bags, trains, fish boxes, aeroplanes) of these changing cycles and explain how he has repurposed them in the art institution he founded in Tamale, The Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA) and Red Clay Studio.

The Re-Schooling lecture takes place in the frame of „Existing Otherwise | Anders Existieren“ (XO), an international art project of XO Curatorial Projects (Solvej Helweg Ovesen, Kathrin Pohlmann) in collaboration with the communal Galerie Wedding – Space for Contemporary Art, both in Berlin, co-curated by Isabel Lewis, Ibrahim Mahama and Solvej Helweg Ovesen (Initiator and Artistic Director of XO). „Existing Otherwise | Anders Existieren“ is realised in close partnership with The Institute for Creative Embodied Practices, Callie’s, Berlin, and the Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA), Tamale (Ghana). 

Bewegungsrecherche und Tanzperformance von der Choreografin Gloria Höckner zusammen mit elf Tänzer*innen und kuratiert von Solvej Helweg Ovesen auf dem Rathausvorplatz neben der Galerie Wedding.

Aufführungen
4.6. 18-21 Uhr, 5.6. 16-19 Uhr, 11.6. 18-21 Uhr, 12.6. 16-19 Uhr.

Auf dem Rathausvorplatz neben der Galerie Wedding wird an vier Tagen im Juni, 4.6. 18-21 Uhr, 5.6. 16-19 Uhr, 11.6. 18-21 Uhr, 12.6. 16-19 Uhr, eine Bewegungsrecherche und Tanzperformance von der Choreografin Gloria Höckner zusammen mit elf Tänzer*innen gezeigt, kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Mit dem Tanzprojekt Piazza Paradiso – Rave New World folgt die Choreografin Gloria Höckner einer Einladung der Galerie Wedding um auf dem Rathausvorplatz neben der Galerie ein Tanz Experiment zu präsentieren. Die in Berlin lebende und international arbeitende Choreografin Höckner, untersucht durch Tanz wie man heute Menschen z.B. aus unterschiedlichsten Tanz-Communities physisch neu zusammenbringen kann. Durch eine diverse, clubinspirierte Bewegungsforschung werden Wege des „Anders Existierens“ in der heutigen (post-) pandemischen Zeit gesucht.

In Zeiten der der Virtualisierung von zwischenmenschlichem Kontakt und des Verlustes von körperlichem Zusammensein lässt Piazza Paradiso: Rave New World Tanz als eine Form des Sozialen und des Kollektiven aufleben. Die Piazza Paradiso ist eine Art utopischer Ort, eine Sehnsucht, eine Suche nach neuen Beziehungsweisen und solidarischen Praktiken; Sie ist real und existiert in dem Raum, den die Tänzer*innen zwischen einander herstellen. In Anlehnung an die Praxis des Raves, die Orte des urbanen Raumes transformiert, wird der Rathausvorplatz in Wedding von den tanzenden Körpern zu einem Ort gemacht, an dem diverse Körper und Verkörperungen zelebriert werden. Über einige Stunden hinweg erschaffen elf Performer*innen aus unterschiedlichen Tanz-Communities (HipHop, Voguing, Folklore usw.) und Hintergründen ein performatives Setting, das der Dringlichkeit des Tanzens und des Kollektiven Raum gibt.

Hintergrund ist das neu eröffnete A Movement Research Center in der Galerie Wedding, eine Rauminstallation, gestaltet von Isabel Lewis, Künstlerin, Choreografin und Co-Kuratorin der Galerie Wedding 2021. A Movement Research Center ist ganzjährig 2021 für Besucher*innen geöffnet. Darin befindet sich ein Archiv, das sozialer und körperlicher Bewegungsrecherche gewidmet ist und von Lewis und Solvej Helweg Ovesen konzipiert wurde. Es wird u.a. auch ein Film zu Piazza Paradiso: Rave New World (Gloria Höckner & Co) gezeigt. Unter den vorhandenen Büchern sind aktuelle Titel zu Performance Studies, körperlicher sowie aktivistischer Bewegungsforschung, die vor Ort genutzt werden können.

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Piazza Paradiso: Rave New World

Movement Research and dance performance by choreographer Gloria Höckner in collaboration with eleven dancers, curated by Solvej Helweg Ovesen on Rathausvorplatz, next to Galerie Wedding.

Performances
4.6. 6 to 9pm, 5.6. 4 to 7pm, 11.6. 6 to 9pm, 12.6. 4 to 7pm

On the Rathausvorplatz next to Galerie Wedding, a movement research and dance performance by choreographer Gloria Höckner together with eleven dancers, curated by Solvej Helweg Ovesen, will be presented on four days in June, 4.6. 6-9pm, 5.6. 4-7pm, 11.6. 6-9pm, 12.6. 4-7pm.

With the dance project Piazza Paradiso – Rave New World choreographer Gloria Höckner presents a dance experiment invited by Galerie Wedding. The Berlin-based choreographer Höckner works internationally and explores through dance how people, e.g. from different dance communities, can be physically reconnected today. Through diverse, club-inspired movement research, ways of „existing otherwise“ are being searched for in today’s (post-) pandemic times. In times of virtualisation of interpersonal contact and loss of bodily togetherness, Piazza Paradiso: Rave New World revives dance as a form of the social and the collective. The Piazza Paradiso is a kind of utopian place, a longing, a search for new ways of relating and practices of solidarity; it is real and exists in the space that the dancers create between each other. Following the practice of rave, which transforms urban space, the dancing bodies will turn the Rathausvorplatz in Wedding into a place where diverse bodies and embodiments are celebrated. Over the course of a several hours, eleven performers from different dance communities (hip hop, voguing, folklore, etc.) and contexts create a performative setting that gives space to the urgency of dance and of collectivity.

The context of Piazza Paradiso: Rave New World is the newly opened A Movement Research Center at Galerie Wedding, a spatial installation designed by Isabel Lewis, artist, choreographer and co-curator at Galerie Wedding 2021. A Movement Research Center is accessible throughout the year 2021 in Galerie Wedding. It houses an archive dedicated to social and physical movement research, conceived by Lewis and Solvej Helweg Ovesen. It is a multifunctional space open to the public: a reading room, an archive, a meeting place, mediation and meditation space, as well as a backstage for performances in nearby public space. The book archive holds current titles on performance studies as well as activist movement research and can be read on site.

04.06. bis 31.07.2021 (verlängert)

Eine Ausstellung mit Arbeiten von Hannah Toticki Anbert kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Die Ausstellung ist von außen durch die Galeriefenster zu sehen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms Existing Otherwise | Anders Existieren – Für eine neue Politik der Sinne

Ausstellungsbeginn | Soft Opening am 4. Juni 2021

Die Ausstellung Work After Work von Hannah Toticki Anbert, kuratiert von Solvej Helweg Ovesen, eröffnet am 4. Juni 2021 in den großen Schaufenstern der Galerie Wedding. Die Künstlerin Hannah Toticki Anbert thematisiert die Verherrlichung von Effizienz, Produktivität und Wachstum in der gegenwärtigen Kultur. Insbesondere beschäftigt sie sich damit, inwiefern Körper nie von Arbeit und Technologie entkoppelt sind. In einem ständigen Strom von Informationen, Updates und Online-Verfügbarkeit verschwimmt die Grenze zwischen Arbeit und Nicht-Arbeit, ebenso wie die Grenze zwischen Körper und Technologie.

“Work After Work”, also “Arbeit nach der Arbeit” – oder “Arbeiten nach der Arbeit”, öffnet einen Raum für grundlegende Fragen:  Was tun wir nach der Arbeit? Gibt es überhaupt eine Zeit außerhalb der Arbeitszeit?

Hannah Toticki Anbert zeigt in den Fenstern der Galerie Wedding Kostüme und Accessoires, die diese (fehlenden) Grenzen widerspiegeln. Touchscreen Protection Rings sind Ringe in Silber und Gold, die für die Fingerkuppe des Zeigefingers und des Daumens bestimmt sind. Die Ringe blockieren dabei den kleinen Bereich des Körpers, der normalerweise über Touchscreens mit digitalen Geräten interagiert. Die Ringe fungieren sowohl als physisches Hindernis, als auch als Symbol der Präsenz. Smartphone Protection Glasses, eine Smartphone-Schutzbrille, stellt ebenfalls ein physisches Hindernis dar: Die Brille blockiert den Teil des Sichtfeldes, den wir für die Benutzung unseres Smartphones verwenden. Die ständige Möglichkeit, online zu sein, erfordert Disziplin, um für den Körper den notwendigen undisziplinierten Raum der Entkopplung vom Digitalen zu schaffen. In ihrer Serie der Sleep Uniforms kommentiert Anbert, wie wir unseren Körper disziplinieren, um zu arbeiten – und zwar in einem solchen Ausmaß, dass es vielleicht Disziplin erfordert, nicht zu arbeiten.

Die Ausstellung ist ein  direkter Kommentar zum Thema Anders Existieren der Galerie Wedding und der Realität des Weddinger Jobcenters am Rathausvorplatz. Anbert zeigt außerdem zwei Videos, in denen umgetextete Karaoke-Songs neoliberale Arbeitsbedingungen und die Gestalt heutiger Arbeitswelten humorvoll zur Schau stellen. Hannah Toticki Anbert ist grundsätzlich daran interessiert, wie Arbeit alltäglich die Zeit und Gemeinschaft strukturiert, und wie das Leuchten der Monitore in die Dunkelheit der Nacht dringt und auf diese Weise Tag- und Nachtrhythmen und Raum- und Zeitgefühl stört.

Longing for Common Closeness ist eine Bewegungsrecherche auf dem Rathausvorplatz zu den verinnerlichten Maßnahmen des Social Distancing. Kostüme der Performer*innen spielen haptisch mit dem Gebot, Abstand zu Mitmenschen zu halten. Passant*innen der Müllerstraße und des Rathausplatzes können diese Perfomance am Nachmittag des 4. Juni beobachten.

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Work After Work

An exhibition with works by Hannah Toticki Anbert
curated by Solvej Helweg Ovesen

The exhibition is on display in the gallery’s windows.

Within the framework of Existing Otherwise | Anders Existieren – For a New Politics of the Senses

On display from June 4, 2021

The exhibition Work After Work by Hannah Toticki Anbert, curated by Solvej Helweg Ovesen, opens on the 4th of June 2021 in the large windows of Galerie Wedding. Artist Hannah Toticki Anbert addresses the current cultures’ celebration of efficiency, productivity and growth. Especially, she focuses on how the body lacks possibilities of decoupling. In a constant stream of information, updates and online availability the limits between work and non-work, as well as the boundary between the body and technology, have become blurred.      

„Work After Work“ opens up a space for essential questions. The title alludes to two  of them: What do we do after work? Is there any time at all outside of working hours?

Hannah Toticki Anbert shows costumes and accessories in the windows of Galerie Wedding that reflect these (missing) boundaries. Touch Screen Protection Rings are rings in silver and gold designed to be placed on the fingertip of the index finger and the thumb. The rings hereby block the small part of the body that normally interacts with digital devices through touch screens. The rings function both as a physical obstacle, and as a symbol of presence. Smartphone Protection Glasses also insert a bodily obstacle: The glasses block out the part of the field of view, often occupied when using our smartphone. With the possibility of constantly  being online, it takes discipline to create the necessary undisciplined space of decoupling for the body. In her series of Sleep Uniforms  Anbert comments on how we discipline our body to work, to such a degree that it might take discipline not to work.

The exhibition forms a direct commentary on the theme of Existing Otherwise and the reality of the Job Center Berlin-Wedding at the Rathausvorplatz next to the gallery. The artist also shows two videos with rewritten karaoke song lyrics reflecting on neoliberal working conditions and uses humour to showcase the shape of today’s working worlds. Hannah Toticki Anbert is deeply interested in how work structures time and community in everyday life and society, and how the brightness of a screen replaces the darkness of the night. She is concerned with the rhythm of day and night destroyed by the glowing screen, and with the lost sense of space and time.

Nowadays, not only work but also the social distancing measures  overwhelm our nervous system. The movement research Longing for Common Closeness materialises the internalised measures of social distancing: The costumes of performers make the invisible distance visible, playing haptically with the commandment to keep a distance from fellow human beings. Passers-by on Müllerstraße and the Rathausplatz can witness the Performance on the afternoon of 4 June.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, sowie dem Bezirkskulturfonds, Berlin Mitte und dem Danish Arts Council.

Das Programm Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien. 

Re-Schooling Vortrag mit dem Künstler Ibrahim Mahama (Ghana) im Rahmen des Ausstellungsprogramms
„Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses“

20. Mai 2021, 19 Uhr online auf Zoom: Meeting beitreten

Meeting ID: 976 5526 0523
ID code: 163360

Veranstaltung auf englischer Sprache.

Am 20. Mai 2021 um 19 Uhr laden die Projektpartner des internationalen Ausstellungsprogramms „Anders Existieren“ – die Galerie Wedding, das Institute for Embodied Creative Practices, Callie’s, und XO Curatorial Projects – zu einem Online – Re-Schooling Vortrag mit Ko-Kurator Ibrahim Mahama ein. Der Vortrag ist Teil 1 einer doppelteiligen Vortragsreihe mit ihm online und vor Ort in Berlin.

“Ibrahim Mahama, treibt als Ko-Kurator unseres Ausstellungsprogramms »Anders Existieren – Für eine Neue Politik der Sinne« die Imagination des Lebens jenseits der destruktiven oder dysfunktionalen Linien der Moderne voran,” sagt die Künstlerische Leiterin des Projektes Solvej Helweg Ovesen.

Seit mehr als einem Jahrzehnt hat Mahama in seinen architektonischen Kunstwerken einen kritischen Blick auf die moderne, globalisierte Welt offengelegt. Nun gibt er sein Wissen in zwei Re-Schoolings weiter und gibt den Zuschauer:innen eine Idee davon, wie man anders und nachhaltig existieren kann.

Durch die Pandemie sind viele physische, räumliche und administrative Strukturen wie nie zuvor verfallen. Gebäude stehen leer, Produktions- und Transportkreisläufe sind nicht mehr nutzbar. Daher müssen wir uns als Menschen an neue Lebensbedingungen anpassen und anders existieren – auch materiell. Dies ist ein Moment der Veränderung. Ibrahim Mahama verarbeitet in seiner künstlerischen und kuratorischen Praxis z.B. Bauwerke, Baumaterialien sowie Technologie und Textilien um, die als Sinnbild für die erschöpften ökonomischen und ökologischen Kreisläufe gelten. In den beiden Vorträgen wird er die materiellen Spuren (Transportsäcke, Züge, Fischkisten, Flugzeuge usw.) dieser sich verändernden Zyklen präsentieren und erläutern, wie er diese in der von ihm in Tamale gegründeten Kunstinstitution The Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA) und Red Clay Studio umgenutzt hat.

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Re-Schooling with the artist Ibrahim Mahama (Ghana) within the exhibition programme
„Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses“

20 May 2021, 7pm online on Zoom: Join Meeting

Meeting ID: 976 5526 0523
ID code: 163360

On 20 May 2021 at 7pm, the project partners of the international exhibition programme „Existing Otherwise“ – Galerie Wedding, the Institute for Embodied Creative Practices, Callie’s, and XO Curatorial Projects – invite you to an online – re-schooling lecture with co-curator Ibrahim Mahama. The lecture is part 1 of a two-part lecture series online and onsite in Berlin.

„Ibrahim Mahama, as co-curator of our exhibition programme „Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses“ pushes the imagination of life beyond the destructive or dysfunctional lines of modernity,“ says the project’s Artistic Director Solvej Helweg Ovesen.
For more than a decade, Mahama’s architectural artworks have revealed a critical view of the modern, globalised world. Now he shares his knowledge in two re-schoolings, giving viewers an idea of how to exist otherwise and sustainably.

Due to the pandemic, many physical, spatial and administrative structures have deteriorated like never before. Buildings are abandoned, production and transport circuits are no longer operational. Therefore, as humans, we have to adapt to new living conditions and exist otherwise – also in material terms. This is a moment of change. In his artistic and curatorial practice, Ibrahim Mahama reworks buildings, building materials as well as technology and textiles, which are symbols of exhausted economic and ecological cycles. In the two lectures, he will present the material traces (transport bags, trains, fish boxes, aeroplanes) of these changing cycles and explain how he has repurposed them in the art institution he founded in Tamale, The Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA) and Red Clay Studio.

Movement Research | Testplatz Wedding
Einsendeschluss: 24. Mai 2021 (verlängerte Laufzeit)

Für das Open Call basierte Projekt Movement Research | Testplatz Wedding werden acht performative Projekte gesucht, die im August/September 2021 als Performance-Reihe auf dem Rathausvorplatz dem Weddinger Publikum präsentiert werden. Das Projekt ist interdisziplinär ausgerichtet und lädt Künstler*innen aus Berlin, die mit diversen körperbasierten und performativen Formaten arbeiten ein, sich mit dem Thema “Anders existieren im öffentlichen Raum” zu beschäftigen.

Movement-Research-Jury: Solvej Helweg Ovesen (Künstlerische Leitung Galerie Wedding), Isabel Lewis (Künstlerin, Choreografin, und Ko-Kuratorin Existing Otherwise), Övül Ö. Durmuşoğlu (Kuratorin, Professorin UDK, und Ko-Kuratorin Existing Otherwise), Malte Pieper (Kurator Open Call), Maja Smoszna (Kuratorin Open Call)

Aufführungen: 11.08. – 04.09.2021 

Zum Projekt: Durch das Social Distancing und neue Existenzbedingungen, haben sich unsere Wege im öffentlichen Raum geändert. Wie existieren wir anders? Und wie verhandeln wir Nähe und Distanz neu? Wie bewegen wir uns miteinander? Wie können wir den Raum wieder für uns gewinnen? Wie können wir uns heutzutage versammeln und neue intime Beziehungen aufbauen?

Galerie Wedding existiert 2021 auch anders. Als Institution öffnen wir uns in diesem Jahr auf den uns umgebenden öffentlichen Raum (Rathausvorplatz), auf neue Zuschauer*innengruppen und eine junge Generation von Künstler*innen. Dabei werden neue Formate des kollektiven Bewegens, erprobt. Das Programm untersucht eine neue Politik der Sinne und die Wege des ‘Anders Existierens’ im heutigen pandemischen Zeitalter. Die Galerie Wedding verändert sich dabei und wird zu einem Zentrum für Movement Research (engl: Bewegungsrecherche oder -forschung). 

Der Rathausvorplatz befindet sich direkt vor der Galerie Wedding. Er verbindet unterschiedliche Straßen: Die Müllerstraße und den Leopoldplatz im Norden sowie Genter Straße im Süden, wie auch wichtige Bezirksinstitutionen, etwa das alte Rathaus, das Job-Center und die Schiller-Bibliothek. Der Platz gilt als städtischer Treffpunkt von lokalen Communities, die ihn tagsüber und nachts zum Verweilen, Entspannen und Feiern unter freiem Himmel nutzen. Mehr Informationen zum Projekthintergrund findet ihr hier.

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Movement Research | Testplatz Wedding

For the Open Call-based project Movement Research | Testplatz Wedding we are in search of eight performative projects that will be presented to a Wedding audience on the Rathausvorplatz. The performances will be part of a performance series taking place in August/September 2021. The project is interdisciplinary and serves as an invitation to Berlin-based artists working with diverse body-based and performative formats to investigate the topic of „existing otherwise in public space“.

Movement Research Jury: Solvej Helweg Ovesen (Artistic Director Galerie Wedding), Isabel Lewis (artist, choreographer, and co-curator of “Existing Otherwise”), Övül Ö. Durmuşoğlu (curator, professor at the UDK, and co-curator of “Existing Otherwise”), Malte Pieper (curator of the Open Call), Maja Smoszna (curator of the Open Call).

We welcome submissions until May 24, 2021. Extended application period!

Performances will take place on: 11 Aug – 04 Sept 2021

About the project: Through social distancing and new conditions of existence, our options in public space have changed. How can we exist otherwise? And how can we renegotiate proximity and distance? How can we move with each other? How can we reclaim space for ourselves? How can we, in this day and age, gather and build new intimate relationships?

In 2021, Galerie Wedding will also be “existing otherwise”. As an institution we will this year be opening up the public space that surrounds us (the Rathausvorplatz) to new groups of viewers and a young generation of artists. We wish to experiment with new formats of collective movement. The program explores a new politics of the senses and ways to “existing otherwise” in today’s age of the pandemic. Galerie Wedding is hereby changing and transforming into a Movement Research Center.

The Rathausvorplatz is located directly in front of Galerie Wedding. It connects different streets: Müllerstraße and Leopoldplatz to the north and Genter Straße to the south. It also links important district institutions, such as the old town hall, the Job Centre and the Schiller Library. The square is considered an urban meeting point for local communities who use it during the day and at night to linger, relax and celebrate in the open air.

More information about the background of the project can be found here.

*English version below

Seit April 2021

Raumgestaltung und Archiv
entworfen von Isabel Lewis,
entwickelt mit Solvej Helweg Ovesen und dem Galerie Wedding-Team
im Rahmen des Ausstellungsprogramms
XO – Existing Otherwise | Anders Existieren (2021-2)

A Movement Research Center ist ganzjährig für Besucher*innen geöffnet sein. Der multifunktionale, öffentlich zugängliche Ort umfasst einen Leseraum mit Archiv, ist Treffpunkt und ein Raum für Vermittlung, Mediation und Meditation. Während der Performances im umliegenden öffentlichen Raum fungiert das Zentrum als Backstage. Unter den vorhandenen Büchern sind aktuelle Titel zu Performance Studies, körperlicher sowie aktivistischer Bewegungsforschung, die vor Ort genutzt werden können.

A Movement Research Center ist ein Ort, an dem verschiedene Disziplinen, Kenntnisse, Personen, Institutionen und Öffentlichkeiten zusammentreffen können, zur gemeinsamen Analyse und Reflexion der Architekturen von Affekt, Emotion und Erinnerung; von Behinderung und behindert werden, den urbanen Lebenswelten; unsichtbaren Subjekten und ungesehenen Räumen; migrantischer Erfahrung im städtischen Raum; der Überwachung von Körpern; der Geschichte und Zukunft von öffentlichen Versammlungen und Partys, und mehr. Zeitgenössische Kunst bietet in dieser Situation einen sozialen und diskursiven Spannungsraum, in dem neue sinnliche Erfahrungen und Allianzen geschaffen werden können.

A Movement Research Center ist Teil des Programms Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses in der Galerie Wedding.

In der Zusammenarbeit mit der Schiller-Bibliothek.

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A Movement
Research Center

Spatial design and archive
created by Isabel Lewis,
concept with Solvej Helweg Ovesen and Galerie Wedding Team
part of the exhibition programme
XO – Existing Otherwise | Anders Existieren (2021-2)

A Movement Research Center is a multifunctional space open to the public: a reading room, an archive, a meeting place, mediation and meditation space, as well as a backstage for performances in nearby public space. The book archive holds current titles on performance studies as well as activist movement research and can be read on site.

A Movement Research Center is a place where multiple disciplines, knowledges, persons, institutions, and publics can meet to analyze and reflect upon architectures of affect, emotion, and memory; disability and the urban sphere; invisible subjects and unseen spaces; the migrant experience in urban space; the policing of bodies; the history and future of public assembly and celebration, and more. Contemporary art in this situation offers a social and discursive space of potentiality where new sensorial experiences as well as alliances can be created.

A Movement Research Center is part of the programme Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses at Galerie Wedding.

In collaboration with the Schiller-Bibliothek.

Eine Ausstellung von Julian Irlinger kuratiert von Jan Tappe

11. Juni bis 25. Juli 2020

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und
Solvej Helweg Ovesen

Erweiterte Öffnungszeiten am 11., 12. und 13. Juni 2020 von 12 bis 21 Uhr

Ausstellungsführungen mit Julian Irlinger und Jan Tappe für max. 5 Personen finden am 13., 27. Juni und 25. Juli 2020 jeweils um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation mit Texten von Julian Irlinger, Kerstin Stakemeier und Jan Tappe

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die Präsentation wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit ausserhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

Die Ausstellung in der Galerie Wedding beleuchtet den Gegenstand der Schenkung anhand einer Installation aus Dokumenten und Fotografien eines Hauses in Schönebeck an der Elbe aus dem familiären Archiv des Künstlers. Die Präsentation ist durch die Corona Krise deutlich beeinflusst, da ein Teil der Ausstellungsräume der Galerie vorübergehend vom Sozialamt genutzt werden. Von allen Beteiligten wurde beschlossen die Räumlichkeiten zu teilen. Die Zwischennutzung des Sozialamts wird mindestens die Hälfte der Ausstellungsdauer bestehen, wodurch verdeutlicht wird dass auch der Kulturbetrieb sich in der Krise arrangieren muss. Eine Geste die auch zeigt welche öffentliche institutionelle Struktur der Galerie zugrunde liegt.

Eine inhaltliche Betonung, die das Projekt durch die Corona Krise erlebt hat, betrifft die Wahrnehmung nationaler Grenzen. Seit dem Fall der Mauer hat die Idee einer europäischen Gemeinschaft sich immer stärker in erhöhter Reisefreiheit niedergeschlagen, während neue EU Aussengrenzen entstanden sind. In der Krise erleben die Grenzen der Nationalstaaten eine Stärkung. Diese Rückbesinnung bedeutet eine Veränderung in der Geschichte der EU. Da Gift auf eine Schenkung an das Wende Museum in Los Angeles angelegt ist, betrifft die Pandemie auch die im Projekt angelegte Verbindung zu den USA, die momentan die Grenzen für Europa geschlossen haben.

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Gift

An Exhibition by Julian Irlinger curated by Jan Tappe

11th of June until 25th of July 2020

within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

Extended opening hours on 11th, 12th and 13th of June 2020 from 12 to 9pm

Exhibition tours with Julian Irlinger and Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on 13th, 27th of  June and 25th of July 2020 at 5 pm. RSVP to post@galeriewedding.de.
 
The exhibition is accompanied by a publication with texts by Julian Irlinger, Kerstin Stakemeier and Jan Tappe

Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity.
Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

The exhibition at Galerie Wedding explores the donation by means of an installation of documents and photographs of a house in Schönebeck an der Elbe from the artist’s own family archive. The presentation is markedly influenced by the Corona crisis, since a part of the gallery’s exhibition space is temporarily under use by the Sozialamt (the district’s office for social welfare)—all involved parties have decided to share the premises. The office’s temporary presence will last for at least half of the exhibition’s duration, illustrating the fact that the cultural sector must find ways to come to terms with the crisis as well. The split occupation also highlights the public-institutional structure of the gallery.

The Corona crisis underscores the content of the project as well, specifically the perception of national borders. Since the fall of the Berlin Wall, the idea of a European community has been personified through an increasing freedom of travel while new EU external borders have emerged. However, in a shift within the history of the European Union, the current crisis has in fact strengthened the borders of the nation-state. Since Gift is centred on a donation to the Wende Museum in Los Angeles, the pandemic also affects the project’s connection to the United States, which has currently closed its borders to Europe.

11. Juni bis 25. Juli 2020

Ausstellungsführung mit dem Künstler Julian Irlinger und Kurator Jan Tappe für max. 5 Personen findet am 25. Juli um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die Präsentation wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit außerhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

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An Exhibition by Julian Irlinger

11 June until 25 July 2020

Exhibition tours with the artist Julian Irlinger and curator Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on July 25, 2020 at 5 pm.

RSVP to post@galeriewedding.de.

Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity. Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

11. Juni bis 25. Juli 2020

Ausstellungsführung mit dem Künstler Julian Irlinger und Kurator Jan Tappe für max. 5 Personen findet am 13. Juni um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit außerhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

Weitere Termine:

27. Juni und 25. Juli

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An Exhibition by Julian Irlinger

11 June until 25 July 2020

Exhibition tours with the artist Julian Irlinger and curator Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on 13 June 2020 at 5 pm. RSVP to post@galeriewedding.de. Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity. Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

Further dates:

27 June and 25 July

11. Juni bis 25. Juli 2020

Ausstellungsführung mit dem Künstler Julian Irlinger und Kurator Jan Tappe für max. 5 Personen findet am 27. Juni um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die Präsentation wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit außerhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

Weitere Termine:

25. Juli

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An Exhibition by Julian Irlinger

11 June until 25 July 2020

Exhibition tours with the artist Julian Irlinger and curator Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on 27 June 2020 at 5 pm.

RSVP to post@galeriewedding.de.

Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity. Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

Further dates:

25 July

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen 

*please scroll down for English version*

Das Im-Kreis-Zusammenkommen sowie die kreisförmige Anordnung dienen seit jeher in diversen Praktiken und Kontexten als Methode und Hilfsmittel bei der Betrachtung vielschichtiger Zusammenhänge und der Lösung komplexer Probleme. Der Titel der Ausstellung Sitting Circles ist daher im doppelten Sinne zu verstehen: räumlich durch die Anordnungen der künstlerischen Arbeiten und die darin bestehenden Verbindungen von Materialien und Elementen sowie als Metapher und Konzept für soziale und kulturelle Interaktionen, Strukturen und Zirkulationen.

Das Jahresprogramm der Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity) ruft dazu auf, über neue Formen und Motivationen von Solidarität in der heutigen Zeit nachzudenken. Vor diesem Hintergrund kommen in der Gruppenausstellung Sitting Circles fünf künstlerische Positionen zusammen, die sich auf unterschiedliche Weise damit auseinandersetzen, wie unsere materielle Umwelt in engem Austausch mit sozialen, ökologischen, kulturellen und individuellen Prozessen steht.

Es kommen Themen und Praktiken auf, gewinnen und verlieren wieder an Aktualität, werden vergessen, um dann erneut im Bewusstsein aufzutauchen. Dinge werden für einen Zweck geschaffen, wiederverwendet oder in einen neuen Kontext gesetzt. Eine sich ständig verändernde und komplexe Umgebung fordert uns kontinuierlich heraus, auf sie zu reagieren und aktiv zu werden. Veränderungen bedingen Austausch.

In den Arbeiten von Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen und kate-hers RHEE werden Verbindungen geschaffen, die Alternativen bieten und neue Perspektiven eröffnen. Auf welche Weise können künstlerische Positionen, die mit Materialien und Gegenständen arbeiten, unsere Gedanken und Emotionen in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft reflektieren? Und wie kommen diese schließlich in den Räumen der Galerie Wedding zusammen?

Besonderen Dank für das Mentoring an Solvej Helweg Ovesen und Dr. Ute Müller-Tischler.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien. kate-hers RHEE in Kooperation mit der Heinrich-Böll-Stiftung.

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Sitting Circles

A group exhibition with Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen, kate-hers RHEE curated by Marie-Christin Lender

Within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen 

The act of coming together in a circle, as well as arranging objects in circles, has long served as a method for finding solutions to complex problems and as a tool for dealing with many-faceted contexts. Sitting Circles, the title of the exhibition, is to be understood ambiguously: it refers to the spatial arrangement of the artistic works and the existing relations of materials and elements within them, butit is also a metaphor and concept for social and cultural interactions, structures and circulations.

The yearly programme of Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity) explores the current need to reinvent new forms and motivations of solidarity. Against this backdrop, the group exhibition Sitting Circles brings together works by five artists that examine how objects and our material environment are in close interaction with social, ecological, cultural and individual processes. Topics and practices emerge, attain and lose currency, are forgotten and then reappear in consciousness. Things are created for a purpose, are reused or placed in a new context. An ever-changing and complex environment continually challenges us to respond to it and to become active. Changes require exchange.

The works by Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen and kate-hers RHEE draw connections that offer options for action and new perspectives. In which way could visual artistic practices, working with materials and objects, reflect our thoughts and emotions in the past, present and future? And how do they come together in the space of Galerie Wedding?

Special thanks for the mentoring to Solvej Helweg Ovesen and Dr. Ute Müller-Tischler.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen« and exhibition funds for communal galleries. kate-hers RHEE in cooperation with Heinrich-Böll-Stiftung.

3 Sessions à 20 Minuten um 14 Uhr, 14.30 Uhr und 15 Uhr.
Entgeltfrei, keine Anmeldung erforderlich.

Im Rahmen der Gruppenausstellung Sitting Circles mit Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen, kate-hers RHEE kuratiert von Marie-Christin Lender

Als Teil des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

*please scroll down for English version*

In Ergänzung zur Installation Daisy Chain*, in der Ada Van Hoorebeke die Herstellung von Naturfarben aus Granatapfelschalen zeigt, bietet die Batiksession Einblicke in den eigentlichen Prozess des Färbens von Stoffen (Dye-Station). In Vorbereitung arbeitete Van Hoorebeke mit einem lokalen Safthändler von einem Weddinger Wochenmarkt zusammen. Der frisch gepresste Granatapfelsaft wurde bei der Ausstellungseröffnung angeboten (Try-Station) und die aus Fruchtschalen bestehenden Abfälle werden seither in der Installation getrocknet (Dry-Station).

Die Künstlerin, die von Künstlerinnen und Handwerkerinnen in Indonesien und Gambia die Techniken des Batikten erlernte, gibt Einblicke in ihre Praxis. Wir sind eingeladen, an einem der Schritte ihrer »Produktionskette« teilzunehmen: Die Blumenmuster werden mit Wachs auf den Stoff aufgetragen und bleiben nach dem Färben der Textilien mit Granatapfelschalen erhalten.

Die Produkte dieser Sitzung werden zu einem späteren Zeitpunkt in die Installation eingefügt und in Gegensatz zu den industriell gefertigten, neu interpretierten Autoteilen und Materialien gesetzt.

*Ursprünglich bezieht sich »Daisy Chain« auf Schmuck, der aus Margeriten hergestellt wird, die durch eine wiederholte handwerkliche Tätigkeit mit ihren Stielen verbunden sind. »Daisy Chain« kann sich auch auf ein textiles Muster und auf verschiedene Arten von Ketten in der Elektrotechnik, Kletterausrüstung und im Gruppensex beziehen.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien. kate-hers RHEE in Kooperation mit der Heinrich-Böll-Stiftung.

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»How to Make a Daisy Chain« – Batik Session with Ada Van Hoorebeke

29.06.2019 from 2 – 4 pm

3 sessions each 20 minutes starting at 2pm, 2.30pm and 3pm.
No fees and no registration required.

Within the frame of the  group exhibition Sitting Circles with Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen, kate-hers RHEE curated by Marie-Christin Lender

Part of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

In addition to the installation Daisy Chain*, in which Ada Van Hoorebeke reveals the production of natural dyes from pomegranate peel, the batik session offers insight into the actual process of dyeing fabrics (dye station). In preparation, Van Hoorebeke collaborated with the local juice vendors of a weekly market in Berlin-Wedding. Their freshly pressed pomegranate juice was offered at the exhibition opening (try station) and the waste consisting of fruit peels have been dried since then (dry station).

The artist, who has learned batik techniques from artists and artisans in Indonesia and Gambia, gives us an insight into her own work and lets us participate within it. The viewer is invited to take part in one step of a staged »production chain«. Flower patterns will be painted with wax, leaving its inverted pattern after dyeing the textiles with pomegranate peels.

The products of this session will be placed into the installation at a later date and be put in contrast to the reinterpreted industrially manufactured car parts and materials.

*Originally »Daisy Chain« refers to organic jewellery made from freshly picked daisies connected with their stems through a repetitive handicraft activity. »Daisy Chain« can also refer to a textile pattern, and to different types of chains in electronic engineering, climbing equipment and in group sex.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen« and exhibition funds for communal galleries. kate-hers RHEE in cooperation with Heinrich-Böll-Stiftung.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen 

Eröffnung am 13.06.2019 von 19 bis 22 Uhr

Begrüßung von Solvej Helweg Ovesen (Künstlerische Leitung Galerie Wedding) und Einführung von Marie-Christin Lender (Kuratorin »Sitting Circles«) und Granatapfel-Station von Ada Van Hoorebeke

*please scroll down for English version*

Das Im-Kreis-Zusammenkommen sowie die kreisförmige Anordnung dienen seit jeher in diversen Praktiken und Kontexten als Methode und Hilfsmittel bei der Betrachtung vielschichtiger Zusammenhänge und der Lösung komplexer Probleme. Der Titel der Ausstellung Sitting Circles ist daher im doppelten Sinne zu verstehen: räumlich durch die Anordnungen der künstlerischen Arbeiten und die darin bestehenden Verbindungen von Materialien und Elementen sowie als Metapher und Konzept für soziale und kulturelle Interaktionen, Strukturen und Zirkulationen.

Das Jahresprogramm der Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity) ruft dazu auf, über neue Formen und Motivationen von Solidarität in der heutigen Zeit nachzudenken. Vor diesem Hintergrund kommen in der Gruppenausstellung Sitting Circles fünf künstlerische Positionen zusammen, die sich auf unterschiedliche Weise damit auseinandersetzen, wie unsere materielle Umwelt in engem Austausch mit sozialen, ökologischen, kulturellen und individuellen Prozessen steht.

Es kommen Themen und Praktiken auf, gewinnen und verlieren wieder an Aktualität, werden vergessen, um dann erneut im Bewusstsein aufzutauchen. Dinge werden für einen Zweck geschaffen, wiederverwendet oder in einen neuen Kontext gesetzt. Eine sich ständig verändernde und komplexe Umgebung fordert uns kontinuierlich heraus, auf sie zu reagieren und aktiv zu werden. Veränderungen bedingen Austausch.

In den Arbeiten von Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen und kate-hers RHEE werden Verbindungen geschaffen, die Alternativen bieten und neue Perspektiven eröffnen. Auf welche Weise können künstlerische Positionen, die mit Materialien und Gegenständen arbeiten, unsere Gedanken und Emotionen in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft reflektieren? Und wie kommen diese schließlich in den Räumen der Galerie Wedding zusammen?

Begleitveranstaltungen
29.06.2019 von 14 bis 16 Uhr »How to Make a Daisy Chain« Batik-Session mit Ada Van Hoorebeke

16.07.2019 um 18 Uhr Rundgang mit Kuratorin Marie-Christin Lender

01.08.2019 um 19 Uhr Künstlerinnnengespräch mit Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler und Cosima zu Knyphausen

Workshops für Schulklassen mit Barbara Campaner in Kooperation mit Jugend im Museum e. V. Termine auf Anfrage

Besonderen Dank für das Mentoring an Solvej Helweg Ovesen und Dr. Ute Müller-Tischler.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien. kate-hers RHEE in Kooperation mit der Heinrich-Böll-Stiftung.

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Sitting Circles

A group exhibition with Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen, kate-hers RHEE curated by Marie-Christin Lender

Within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen 

Opening on 13.06.2019 from 7pm until 10pm

Reception by Solvej Helweg Ovesen (artistic director, Galerie Wedding) and introduction by Marie-Christin Lender (curator »Sitting Circles«) and pomegranate-station by Ada Van Hoorebeke

The act of coming together in a circle, as well as arranging objects in circles, has long served as a method for finding solutions to complex problems and as a tool for dealing with many-faceted contexts. Sitting Circles, the title of the exhibition, is to be understood ambiguously: it refers to the spatial arrangement of the artistic works and the existing relations of materials and elements within them, butit is also a metaphor and concept for social and cultural interactions, structures and circulations.

The yearly programme of Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity) explores the current need to reinvent new forms and motivations of solidarity. Against this backdrop, the group exhibition Sitting Circles brings together works by five artists that examine how objects and our material environment are in close interaction with social, ecological, cultural and individual processes. Topics and practices emerge, attain and lose currency, are forgotten and then reappear in consciousness. Things are created for a purpose, are reused or placed in a new context. An ever-changing and complex environment continually challenges us to respond to it and to become active. Changes require exchange.

The works by Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen and kate-hers RHEE draw connections that offer options for action and new perspectives. In which way could visual artistic practices, working with materials and objects, reflect our thoughts and emotions in the past, present and future? And how do they come together in the space of Galerie Wedding?

Further events
29.06.2019 from 2pm to 4pm »How to Make a Daisy Chain« batik session with Ada Van Hoorebeke

16.07.2019 at 6pm tour through the exhibition with curator Marie-Christin Lender

01.08.2019 at 7pm artist talk with Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler and Cosima zu Knyphausen

Workshops for schools with Barbara Campaner in cooperation with Jugend im Museum e. V. on request

Special thanks for the mentoring to Solvej Helweg Ovesen and Dr. Ute Müller-Tischler.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen« and exhibition funds for communal galleries. kate-hers RHEE in cooperation with Heinrich-Böll-Stiftung.

Eine zweiteilige Ausstellung von Sissel Tolaas kuratiert von Solvej Helweg Ovesen, Galerie Wedding, in Kooperation mit Christina Landbrecht, Schering Stiftung

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen in der Galerie Wedding

Eröffnung am 18.04.2019 von 19 bis 22 Uhr
Begrüßung von Sabine Weißler (Bezirksstadträtin für Weiterbildung, Kultur, Umwelt, Natur, Straßen und Grünflächen, Bezirksamt Mitte von Berlin) und Einführung von Stein Iversen (Gesandter der Norwegischen Botschaft) und Solvej Helweg Ovesen (Kuratorin)

19.04. – 01.06.2019

*please scroll down for English version*

Eine Ausstellung jenseits des Sehens und für die Nase: In der Galerie Wedding erzählt Sissel Tolaas die unsichtbaren, olfaktorischen Geschichten der lebendigen und sich ständig im Wandel befindende Müllerstraße in Berlin Wedding. Die präsentierte Geruchslandschaft geht über das Hier und Jetzt hinaus und lädt die Besucher*innen ein, in die verschiedenen Geruchsstrukturen und -schichten die vergangenen, gegenwärtigen und zukünftigen molekularen Informationen einzutauchen. Die Düfte werden von 22 Ventilatoren in den Raum gewirbelt, die durch Wind von der Müllerstraße in Echtzeit aktiviert werden. Die erfassten Geruchs- und Windstandorte verweisen auf die Positionen der 22 Windmühlen, die von 1809 an die Müllerstraße säumten und im 18. und 19. Jahrhundert betrieben wurden. Sie gaben der heutigen Hauptverkehrsachse ihren Namen gaben.

Bislang hat Tolaas 52 Geruchsprofile von internationalen Metropolen erstellt und erforscht darüber hinaus die Geruchslandschaften von Küsten, Ozeanen und ausgestorbenen Pflanzenarten. Für die Ausstellung 22 ermittelte Tolaas den Duft der Berliner Müllerstraße, wo sich im Zuge der Industrialisierung größere Unternehmen, wie der Pharmakonzern Schering AG niederließen. Zuvor hatte sich eine linke Arbeiterschaft angesiedelt, die den Bezirk neben seiner kulturellen Vielfalt bis heute prägt. Die in Berlin Wedding lebende Autorin Lauren van Vuuren hat die Erforschung der Müllerstraße aus einer sprachlichen Perspektive begleitet, die in Form von Doku-Fiktion-Texten ebenfalls in der Ausstellung zu finden sind. Darüber hinaus unterstützt das »Smell Coding Lexicon Nasalo 1997_2050« die Besucher*innen, eine Sprache für Gerüche zu finden.

22 ist in Kooperation mit der Schering Stiftung entstanden, wo der zweite Teil der Ausstellung am 10.04.2019 eröffnete. Während die Galerie Wedding den Fokus auf die künstlerische Arbeit mit Düften legt, richtet die Schering Stiftung ihre Aufmerksamkeit auf Tolaas als Chemikerin und eine Installation mit Objekten aus Scherings historischem Chemielabor bietet dort einen Einblick in ihre wissenschaftliche Arbeit. Sowohl dampfende als auch leise Glaskolben laden die Besucher*innen zum intensiven Riechen einzelner Kerngeruchsmoleküle ein, die ebenfalls von Geruchsaufnahmen aus der Müllerstraße stammen.

27.04.2019 um 14.30 Uhr »2 x 22« – Kuratorische Führung mit Solvej Helweg Ovesen und Christina Landbrecht, beginnend in der Galerie Wedding mit einer Fortführung ab 15.30 Uhr in der Schering Stiftung, Unter den Linden 32, 10117 Berlin (die Veranstaltung findet in Deutsch statt)

02.05.2019 um 19 Uhr Isabel Lewis im Gespräch mit Solvej Helweg Ovesen (die Veranstaltung findet in Englisch statt)

21.05.2019 um 18 Uhr kuratorischer Rundgang mit Kuratorin Solvej Helweg Ovesen und »22« Autorin Lauren van Vuuren und um 19 Uhr Gespräch zwischen Sissel Tolaas und Solvej Helweg Ovesen (die Veranstaltung findet in Englisch statt)

29.05.2019 um 19 Uhr Book Launch von POW & UP – Galerie Wedding, Berlin

Workshops für Schulklassen mit Barbara Campaner in Kooperation mit Jugend im Museum e. V. Termine auf Anfrage

Die Künstlerin dankt Richard Forster, Jan Römer, Rene Spierling, Fritz Strempel, Mickaël Wiesengrün und Clemens Klein. Darüber hinaus geht ein Dank an Alexander Egger und Andreas Lueder von AEQ-WEB.

Mit freundlicher Unterstützung von NORLA, Norwegian Literature Abroad, der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und dem IFF (International Flavours and Fragrances Inc.).

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22

A two-part exhibition by Sissel Tolaas curated by Solvej Helweg Ovesen, Galerie Wedding, in cooperation with Christina Landbrecht, Schering Stiftung

Within the frame of the programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen at Galerie Wedding

Opening 18.04.2019 at 7pm until 10pm
Reception by Sabine Weißler (District Councilor of the Department of Further Education, Culture, Environment, Nature, Streets and Green Areas, District Office Berlin Mitte) and Introduction by Stein Iversen (Minister Councilor, Norwegian Embassy) and Solvej Helweg Ovesen (Curator, Galerie Wedding)

19.04. – 01.06.2019

An exhibition beyond looking and for the nose: At Galerie Wedding, Sissel Tolaas communicates the invisible, olfactory stories and realities of the vivid and constantly evolving Müllerstraße in Berlin’s district Wedding. The presented smell- and landscape of the main street goes beyond the here and now and invites the visitors to immerse themselves in the various smells structures and layers of the past, present and future molecular information. The smells are blown into the space by 22 ventilators, which are activated by wind from Müllerstraße in real-time. The recorded smell and wind sites refer to the locations of the 22 windmills that were grinding grains there in the 18th and 19th century and lined Müllerstraße from 1809 onwards. They gave the street – today a central artery of the city – its name.

So far Tolaas has created 52 olfactory profiles of international metropolises and is also researching the olfactory landscapes of coastlines, oceans, and extinct plant species. For the exhibition 22, she has investigated the scents of Müllerstraße, where in the course of industrialization, larger companies such as the pharmaceutical group Schering AG, began to establish themselves. Earlier, a left-wing working class had settled there and continues to shape the district, which is very culturally diverse today. The Wedding-based author Lauren van Vuuren accompanied the exploration of Müllerstraße from a linguistic perspective. Her docu-fiction texts can also be found in the exhibition. Furthermore, the »Smell Coding Lexicon Nasalo 1997_2050« supports the visitors to find language for smells.

22 was created in cooperation with the Schering Stiftung, where the second part of the exhibition opened on April 10th, 2019. While Galerie Wedding focuses on Tolaas‘ artistic olfactory work, the Schering Stiftung highlights her as a chemist and objects from Scherings‘ historical chemistry laboratory provide an insight into her scientific work. Both, steaming and silent glass bulbs, invite the audience to intense smelling of individual core smell molecules also from smell recordings in Müllerstraße.

27.04.2019 at 2.30pm »2 x 22« – curatorial tour with Solvej Helweg Ovesen and Christina Landbrecht, starting at Galerie Wedding and continuing at 3.30pm at Schering Stiftung, Unter den Linden 32, 10117 Berlin (the event will be in German)

02.05.2019 at 7pm Isabel Lewis in conversation with Solvej Helweg Ovesen (the event will be in English)

21.05.2019 at 6pm curatorial tour with Solvej Helweg Ovesen and »22« author Lauren van Vuuren followed by a conversation between Sissel Tolaas and Solvej Helweg Ovesen at 7pm (the event will be in English)

29.05.2019 at 7pm book launch of POW & UP – Galerie Wedding, Berlin

Workshops for schools with Barbara Campaner in cooperation with Jugend im Museum e. V.

The artist thanks Richard Forster, Jan Römer, Rene Spierling, Fritz Strempel, Mickaël Wiesengrün and Clemens Klein. Furthermore, thanks to Alexander Egger and Andreas Lueder from AEQ-WEB.

With the kind support of NORLA, Norwegian Literature Abroad, the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen«, and by IFF (International Flavours and Fragrances Inc.).

Eine Gruppenausstellung mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting und Marco Bruzzone kuratiert von Nadia Pilchowski im Rahmen des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 7. Juni 2018 von 19 bis 22 Uhr mit einer Begrüßung von Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und Kuratorin Nadia Pilchowski

Text von Nadia Pilchowski
Leben im Besonderen

Was ist es, das dem Leben einen Sinn zu geben scheint? Was verspricht heutzutage sozialen Erfolg auf dem Markt der schier unendlichen Möglichkeiten? Und wie gelingt die Selbstinszenierung in einer Zeit, in der das Besondere der Standard ist? Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

In Bezug auf den übermodernen Lifestyle, wie er in den neunziger Jahren von Marc Augé definiert wurde, werden Fragen nach der individuellen Sinnproduktion als Resultat des Zerfließens kollektiver Orientierungsmarken aufgeworfen. Das Streben nach Einzigartigkeit als Ausdruck der individuellen Persönlichkeit findet sich aber vor allem auch bei dem Soziologen Andreas Reckwitz, der von einer »Kuration des eigenen Lebens« spricht und von dem die These stammt, dass sich unsere heutige Gesellschaft als Ansammlung von Singularitäten begreifen lässt. »Eigenkomplexität« entstehe durch eine Komposition zunächst äußerlicher Lebensbereiche, die wiederum den oder die Erlebende*n besonders machten. Michaela Ott wählte dafür die Bezeichnung des »Dividuums«, wobei gerade ihr Begriff das Augenmerk auf das Spannungsverhältnis zwischen Privileg und Fremdbestimmung legt.

Wie sich diese gestaltet, verdeutlicht ein Blick in die sozialen Medien: Die Inszenierung des Selbst durch das Zu-eigen-Machen von Attributen, die assoziiert werden mit bestimmten Mode- und Sporttrends, Musik und Kunstausstellungen, der Wahl von Speisen und Orten, an die man mit einem auserwählten Kreis an Freund*innen oder Bekannten geht. Der bewussten Entscheidung und Wahl wird eine intensive Auseinandersetzung und Wissensaneignung zugrunde gelegt, bei der es um das Verstehen und Nicht-Verstehen kultureller Codes geht. Doch was davon entspricht wirklich der eigenen Persönlichkeit und was ist letztendlich fremdbestimmt durch die Orientierung am vorgegebenen sozialen Rahmen?

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht. Dass all diese Phänomene nicht nur auf die Sphäre des Individuellen begrenzt sind, zeigt der Ort der Ausstellung, die Galerie Wedding, selbst, der in seiner alltäglichen Identitäts- und Standortpolitik durchaus ähnlichen Herausforderungen unterworfen ist.

Begleitveranstaltungen

Performance Yuan Fang 遠方 von Liping Ting am 24.06.2018 von 16 bis 17.30 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Nadia Pilchowski am 28.06.2018 von 17 bis 18 Uhr

Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag,  24.06., 08. und 15.07.2018

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

Mit freundlicher Unterstützung Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien

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I Am Large, I Contain Multitudes
8th June – 15th Juli 2018

A group exhibition with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone curated by Nadia Pilchowski within the frame of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Opening 7th June 2018 from 7pm until 10pm with Dr. Ute Müller-Tischler, head of Galerie Wedding and curator Nadia Pilchowski

Text by Nadia Pilchowski
Living in Particularity

What is it that seems to give meaning to life? What is it that promises social success today on the market of endless possibilities? And how does self-staging work when specialness is the standard? The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

With regard to the super-modern lifestyle as defined by anthropologist Marc Augé in the 1990s, questions are raised concerning the individualised mode of producing meaning that has resulted from a dissolution of reference points for collective identification. A striving for uniqueness as the expression of individuality has been more recently addressed in the writings of sociologist Andreas Reckwitz, who speaks of the »curation of one’s own life« and has introduced a concept that considers our contemporary society as an accumulation of singularities. »Self-complexity« arises from a sort of composition of external areas of life, which, in turn, render the experiencing subject special. In describing this, Michaela Ott has coined the term »dividual«, which focuses on the complex tensions between the notions of privilege and heteronomy.

How this all plays out is revealed by taking a look at social media: the staging of the self takes place through the appropriation of attributes associated with certain trends in fashion, sports, music and art exhibitions, choices of food and places visited with a selected group of others. Conscious choice-making is based on careful examination and an acquisition of knowledge that involves either understanding or not understanding cultural codes. But which aspects finally correspond to one’s own personality, and which are in fact guided by the search for orientation within a given social framework?

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically. The fact that these phenomena are not limited to the sphere of the individual is demonstrated by Galerie Wedding itself, as the exhibition space is subject to similar challenges regarding its own everyday identity and locational politics.

Further events
Performance Yuan Fang 遠方 by Liping Ting on 24th June 2018 from 4pm to 5.30pm

Tour through the exhibition with curator Nadia Pilchowski on 28th June 2018 from 5pm until 6pm

Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian T M Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

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Photo: Donna Huanca, MELTY AVARI, 2016, Courtesy Peres Projects, Berlin. Photographer: Matthias Kolb

Eine Gruppenausstellung mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting und Marco Bruzzone kuratiert von Nadia Pilchowski im Rahmen des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung          

8. Juni – 15. Juli 2018

Text von Nadia Pilchowski
Leben im Besonderen

Was ist es, das dem Leben einen Sinn zu geben scheint? Was verspricht heutzutage sozialen Erfolg auf dem Markt der schier unendlichen Möglichkeiten? Und wie gelingt die Selbstinszenierung in einer Zeit, in der das Besondere der Standard ist? Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

In Bezug auf den übermodernen Lifestyle, wie er in den neunziger Jahren von Marc Augé definiert wurde, werden Fragen nach der individuellen Sinnproduktion als Resultat des Zerfließens kollektiver Orientierungsmarken aufgeworfen. Das Streben nach Einzigartigkeit als Ausdruck der individuellen Persönlichkeit findet sich aber vor allem auch bei dem Soziologen Andreas Reckwitz, der von einer »Kuration des eigenen Lebens« spricht und von dem die These stammt, dass sich unsere heutige Gesellschaft als Ansammlung von Singularitäten begreifen lässt. »Eigenkomplexität« entstehe durch eine Komposition zunächst äußerlicher Lebensbereiche, die wiederum den oder die Erlebende*n besonders machten. Michaela Ott wählte dafür die Bezeichnung des »Dividuums«, wobei gerade ihr Begriff das Augenmerk auf das Spannungsverhältnis zwischen Privileg und Fremdbestimmung legt.

Wie sich diese gestaltet, verdeutlicht ein Blick in die sozialen Medien: Die Inszenierung des Selbst durch das Zu-eigen-Machen von Attributen, die assoziiert werden mit bestimmten Mode- und Sporttrends, Musik und Kunstausstellungen, der Wahl von Speisen und Orten, an die man mit einem auserwählten Kreis an Freund*innen oder Bekannten geht. Der bewussten Entscheidung und Wahl wird eine intensive Auseinandersetzung und Wissensaneignung zugrunde gelegt, bei der es um das Verstehen und Nicht-Verstehen kultureller Codes geht. Doch was davon entspricht wirklich der eigenen Persönlichkeit und was ist letztendlich fremdbestimmt durch die Orientierung am vorgegebenen sozialen Rahmen?

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht. Dass all diese Phänomene nicht nur auf die Sphäre des Individuellen begrenzt sind, zeigt der Ort der Ausstellung, die Galerie Wedding, selbst, der in seiner alltäglichen Identitäts- und Standortpolitik durchaus ähnlichen Herausforderungen unterworfen ist.

Begleitveranstaltungen

Performance Yuan Fang 遠方 von Liping Ting am 24.06.2018 von 16 bis 17.30 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Nadia Pilchowski am 28.06.2018 von 17 bis 18 Uhr

Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian TM Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag,  24.06., 08. und 15.07.2018

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

Mit freundlicher Unterstützung Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien

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I Am Large, I Contain Multitudes
Opening 7th June 2018 from 7pm until 10pm

A group exhibition with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone  curated by Nadia Pilchowski within the frame of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

8th June – 15th Juli 2018

Text by Nadia Pilchowski
EN_Living in Particularity

What is it that seems to give meaning to life? What is it that promises social success today on the market of endless possibilities? And how does self-staging work when specialness is the standard? The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

With regard to the super-modern lifestyle as defined by anthropologist Marc Augé in the 1990s, questions are raised concerning the individualised mode of producing meaning that has resulted from a dissolution of reference points for collective identification. A striving for uniqueness as the expression of individuality has been more recently addressed in the writings of sociologist Andreas Reckwitz, who speaks of the »curation of one’s own life« and has introduced a concept that considers our contemporary society as an accumulation of singularities. »Self-complexity« arises from a sort of composition of external areas of life, which, in turn, render the experiencing subject special. In describing this, Michaela Ott has coined the term »dividual«, which focuses on the complex tensions between the notions of privilege and heteronomy.

How this all plays out is revealed by taking a look at social media: the staging of the self takes place through the appropriation of attributes associated with certain trends in fashion, sports, music and art exhibitions, choices of food and places visited with a selected group of others. Conscious choice-making is based on careful examination and an acquisition of knowledge that involves either understanding or not understanding cultural codes. But which aspects finally correspond to one’s own personality, and which are in fact guided by the search for orientation within a given social framework?

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically. The fact that these phenomena are not limited to the sphere of the individual is demonstrated by Galerie Wedding itself, as the exhibition space is subject to similar challenges regarding its own everyday identity and locational politics.

Further events
Performance Yuan Fang 遠方 by Liping Ting on 24th June 2018 from 4pm to 5.30pm

Tour through the exhibition with curator Nadia Pilchowski on 28.06.2017 from 5pm until 6pm

Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian TM Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

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Photo: FORT, »The Shining«, 2013, 08:57 Min. looped Video HD / Sound.

24. Juni 2018 von 16 bis 17.30 Uhr

Eine Performance von Liping Ting im Rahmen der Gruppenausstellung I Am Large, I Contain Multitudes mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Liping Ting, Hanne Lippard, Lauryn Youden und Marco Bruzzone, kuratiert von Nadia Pilchowski

Im Kontext des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

In Liping Tings entschleunigten Performances entsteht das Gefühl, einem schamanischen Ritual beizuwohnen. Sie selbst steht dabei im Zentrum und ist mit ihrer eigenen Ikonografie – zu der die immer wieder auftauchenden Attribute Stein und Feder gehören – das spirituelle Medium, das aus dem Publikum aktiv partizipierende Teilnehmer*innen macht. Dies geschieht mittels dialogischer Sinneserfahrungen – ausgelöst etwa durch Berührungen oder synchrone Atempraktiken –, wodurch eine basale körperliche Intersubjektivität entsteht. Die Künstlerin, die in Taipeh Philosophie und in Paris Theaterwissenschaften studierte, bindet die Fragen über ein »Selbst ohne das Selbst« über ein »Lösen des Egos« an eine intensive Erfahrung der Sinne. Ting formuliert aus ihrer eigenen Leiblichkeit heraus eine Beziehung zum Umfeld der Zuschauer*innen. Ihre Bewegungen enthalten Elemente aus der chinesischen Tanztradition, sind mal ekstatisch, mal minimal und gerade in den Momenten, in denen sie einen Ast eindrucksvoll auf dem Kopf balanciert, erahnt man, wie viel Disziplin ihre Synthese von Körper und Geist abverlangt: Ting meditiert sieben Stunden, bevor sie eine Stunde performt – sie muss ganz bei sich sein, bevor sie sich öffnen kann.

Die Performance Yuan Fang 遠方 (Dt. Weit entfernt) findet in der Galerie und vor ihren Fenstern auf dem Rathausvorplatz statt.

Weitere Begleitveranstaltungen

Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Nadia Pilchowski am 28.06.2018 von 17 bis 18 Uhr
Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag, 24.06., 08. und 15.07.2018

Weitere Informationen zur Ausstellung und zum Programm finden sie unter www.galeriewedding.de

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien.

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Yuan Fang 遠方

A performance by Liping Ting within the frame of the group exhibition I Am Large, I Contain Multitudes with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone curated by Nadia Pilchowski

In the context of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Liping Ting’s decelerated performances convey the impression that one is witnessing a shamanistic ritual. She herself constitutes the focal point of her work, and, employing self-styled iconography (among which the stone and feather are consistently recurring motifs), she adopts the role of a spiritual medium, who enables the beholders to become active participants. The process of dialogical sensory perception that ensues, either through touch or synchronised breathing, gives rise to a basal, physical inter-subjectivity. The artist, who studied Philosophy in Taipei and Theatre in Paris, adeptly correlates the questions of ‘Self without the Self’ and ‘Unlocking the Ego’ in an intensely sensual experience. In Ting’s work, identity is, to be sure, experienced through the physical form. Ting formulates, through her own physicality, a relationship to the surroundings of the observer. Her movements incorporate elements of traditional Chinese dance and are as ecstatic at times as they are minimal at others. Yet in certain moments, such as those in which she impressively balances the branch of a tree upon her head, one begins to intuit how much discipline her synthesis of body and spirit in fact demands.

The performance Yuan Fang 遠方 (Engl. distant) takes place at the gallery and in front of the window front at Rathausvorplatz.

Further events

Tour through the exhibition with curator Nadia Pilchowski on 28.06.2017 from 5pm until 6pm
Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian TM Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

Photo by the team of festival GUYU China Xian

Eine Führung mit Kuratorin Nadia Pilchowski durch die Gruppenausstellung I Am Large, I Contain Multitudes mit Arbeiten von Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Liping Ting, Hanne Lippard, Lauryn Youden und Marco Bruzzone

Im Kontext des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht.

Weitere Begleitveranstaltungen
Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag, 24.06., 08. und 15.07.2018

Weitere Informationen zur Ausstellung und zum Programm finden sie unter www.galeriewedding.de

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien.

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28th June 2018, 5pm till 7pm

A tour with curator Nadia Pilchowski through the group exhibition I Am Large, I Contain Multitudes with works by Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone

In the context of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically.

Further events
Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian TM Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

Berlin-Wedding
Ein Stadtteil – 16 fotografische Positionen
17.06.2017 bis 30.06.2017

Eine Gruppenausstellung der Agentur Ostkreuz und anderen Fotograf*innen , initiiert vom Büro Redaktion & Gestaltung in der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst

Mit Arbeiten von Dorothee Deiss, Espen Eichhöfer, Annette Hauschild, Heinrich Holtgreve, Tobias Kruse, Hendrik Lietmann, Julius Matuschik, Dawin Meckel, Thomas Meyer, Andreas Muhs, Frank Schirrmeister, Jordis Antonia Schlösser, Ina Schoenenburg, Linn Schröder, Heinrich Völkel und Maurice Weiss.

Kuratiert von Ina Schoenenburg, Linn Schröder und Axel Völcker

++For English version please scroll down++

ab 22 Uhr
Aftershow Party in der Bar MARS
Gerichtstraße 35, 13347 Berlin
auf dem Gelände des Silent Green Kulturquartiers (ehem. Krematorium Wedding) (10 Minuten Fußweg von der Galerie)
www.mars-berlin.net

Das Buch
Nach ihren Magazinen haben die Macher von »Der Wedding« nun ein Fotobuch realisiert. Gewonnen haben Sie dafür 16 Fotografen der Agentur Ostkreuz und weitere Fotografen, die ein Jahr lang durch den Stadtteil zogen, um in Kneipen, Wohnzimmern, Moscheen, Ateliers oder im Jobcenter zu fotografieren. Der Wedding – wie er noch nie gezeigt wurde.

Infos zum Buch
Berlin-Wedding – Das Fotobuch
Erstveröffentlichung: 30.06.2017
Erscheint im Handel: ab dem 01.07.2017
Herausgeber: Magazin »Der Wedding«
Verlag: Kerber Verlag
Format: 24cm x 30cm, Hardcover, 236 Seiten
www.derwedding.de

Sozialer Brennpunkt, Hipster-Viertel, Melting Pot, Altes Westberlin – der Wedding ist ein Abbild der Welt, aber in Miniatur. Menschen unterschiedlichster sozialer und kultureller Milieus treffen hier aufeinander. Sie alle geben dem Stadtteil seinen eigentümlichen Charakter und machen ihn zu einem Ort gelebter Vielfalt und Gegensätze. Und dabei heißt es doch immer, dass das Zusammenleben von Menschen unterschiedlicher Herkunft, Milieus und Religionen hierzulande erst noch erprobt werden muss. In Wedding findet all das längst statt, und so lassen sich am Beispiel des Stadtteils im Nordwesten von Berlin die großen gesellschaftlichen Themen Deutschlands und Europas erörtern. Etwa um Migration und Integration, Gentrifizierung bzw. den Wettbewerb um Wohnraum, um den demografischen Wandel und das wachsende Arm-Reich-Gefälle – also um die Kernfrage, wie wir in Zukunft miteinander leben wollen.

Von diesen Phänomenen, Menschen und Räumen erzählen die Arbeiten aus 16 Fotoserien, die in Zusammenarbeit mit der Journalistin Julia Boek und dem Art Director Axel Völcker vom Büro Redaktion & Gestaltung und der international renommierten Fotografenagentur Ostkreuz und anderen Fotografen im letzten Jahr entstanden sind.

Realisierten Julia Boek und Axel Völcker in der Vergangenheit erfolgreich das deutschlandweit einzige Magazin für Alltagskultur »Der Wedding«,das sich mit den Geschichten und Sensationen des Großstadtalltags beschäftigt, nähern sie sich dem Stadtteil nun erstmalig auf eine rein fotografische Erzählweise an. Fotografisch wie publizistisch treten sie damit in die Tradition eines der bedeutendsten Fotokünstler der Nachkriegszeit, so fotografierte Michael Schmidt im Auftrag des Bezirksamtes Wedding von 1976 bis 1978 seine mittlerweile berühmten Straßenansichten und Porträts in Wedding. Der aktuelle 200 Seiten starke Bildband »Berlin-Wedding – Das Fotobuch« erscheint zur Finissage der Ausstellung.

Gewonnen haben Boek und Völcker 16 Fotografen*innen, die der in Weißensee ansässigen Ostkreuz – Agentur der Fotografen nahestehen. Einige von ihnen sind dort Mitgesellschafter, andere lassen sich mit ihren Arbeiten durch die Agentur vertreten. 1990 von sieben Ostberliner*innen darunter Sibylle Bergemann, Ute und Werner Mahler und Harald Hauswald gegründet, ist Ostkreuz heute die erfolgreichste von Fotograf*innen geführte Agentur in Deutschland. Ihre Mitglieder begreifen sich als Autorenfotograf*innen. Trotz unterschiedlicher Arbeitsweisen eint sie eine soziale Verantwortung, wonach der Mensch und das Menschliche im Mittelpunkt ihrer Fotografie stehen. Heute zählt die Ostkreuz Agentur 22 Fotograf*innen, unter den jüngeren befinden sich jene, die eine Ausbildung an der seit 2005 bestehenden Ostkreuzschule absolviert haben.

Die Fotografien der Ausstellung sind fein beobachtete, zeitlose wie sozialkritische Reportagen, Essays und Porträts, die sich multiperspektivisch mit den unterschiedlichen Aspekten des Weddings beschäftigen. So etwa die schwarz-weiß-fotografierten Kneipenszenen der Serie »Last Days of Disco«, für die sich Annette Hauschild in die proletarischen Wohnzimmer des legendären ehemaligen Arbeiterviertels begab. Im Café Morena und im Kugelblitz schloss sie Bekanntschaft mit Stammgästen, die das Selbstbewusstsein einer vergangenen Arbeiterkultur noch immer vor sich hertragen. Dass auch ihr Refugium vom Schwund betroffen ist, wissen sie. Annette Hauschilds Arbeit dokumentiert diesen Veränderungsprozess, an dem auch Künstler*innen maßgeblich beteiligt sind.

Denn, dass das Leben hier im Vergleich zu anderen Stadtteilen wie Kreuzberg oder Prenzlauer Berg noch immer wenig kostest, wissen auch sie zu schätzen. Erstaunt über die hohe Atelierdichte in Wedding, beschloss Thomas Meyer einige von ihnen zu porträtieren: darunter den Performancekünstler Johan Lorbeer, die Malerin Tanja Rochelmeyer oder den Holzbildhauer Peter Rintsch. War es für Meyer besonders herausfordernd, sich auf die unterschiedlichen Orte, die Charaktere der Künstler und deren Kunst einzulassen und trotzdem seine eigene Bildsprache durchzuhalten, lesen sich seine Porträts wie ein spannender Balanceakt zwischen Künstler, Raum und Fotograf.

Auf der Suche nach einem Ort, an dem über Integration nicht nur geredet wird sondern sie auch stattfindet, ging Dorothee Deiss in eine Kinderarztpraxis. In einem Wartezimmer baute sie ein kleines Studio auf und fotografierte für die Serie »Weddings Kinder« Familien und Kinder unterschiedlichster Herkunft und Milieus Gelebte Vielfalt, die auch Espen Eichhöfer in seiner Serie »Black Wedding« im Blick hatte. Mit über 5.000 Einwohnern ist die afrikanische Community Weddings berlinweit die größte, wobei die meisten der hier lebenden Afrikaner aus Ägypten, Kamerun und Nigeria stammen. Eichhöfer begleitete sie zum Sonntagsgebet in die Evangelische Freikirchliche Gemeinde und auf einen Hinterhof für Autoexport, wo eine Gruppe Kameruner Pkws, vollgepackt mit Stereoanlagen, Kühlschränken und Baumaterialien, nach Afrika verschifft. Ein Glückversprechen dieser Tage konservierte Andreas Muhs. Er fotografierte Spielhallen in Wedding, die hier in beträchtlicher Zahl an S-Bahnhöfen, zwischen Gemüseläden, neben Handyshops und Nagelstudios liegen. Seine frontal- und bei diffusem Licht fotografierte Serie »Las Wedding« reiht die Schaufenster großer Kasinoketten neben kleine Spielotheken mit individuell beklebten Scheiben. Heinrich Völkel hingegen suchte für seine Fotografie seltene Momente der Ruhe. Er fotografierte nachts wenn keine Menschen anzutreffen sind, keine Autos, Lieferwagen und Busse fahren. Mit seinen Langzeitbelichtungen und in strengem Schwarzweiß legte Völkel das frei, was den Stadtteil in seiner baulichen Wirklichkeit ausmacht: eine Architektur des Wohnens und Arbeitens, Jugendstil neben Nachkriegsmoderne, Ensemble neben Solitär, viel Geschichte und auch ein wenig Zukunft. Alles zusammen ein buntes Konglomerat verschiedener Lebensstile. So wie die 16 fotografischen Positionen der Ausstellung: Präsentiert jede einzelne eine überraschende und dabei alltägliche Facette des Weddings, so entwerfen alle zusammen das Bild gelebter, gesellschaftlicher Diversität.

Text: Julia Boek

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds und der Ausstellungsvergütung für Kommunale Galerien.

Launch of the book »Berlin-Wedding – Das Fotobuch«
on Friday, 30.06.2017 at 6 p.m.

Within the frame of the finissage of the exhibition

Berlin-Wedding
One district– 16 photographic positions
From 17.06.2017 until 30.06.2017

A Group Exhibition by Agentur Ostkreuz and other photographers, initiated by the Office Redaktion & Gestaltung at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst

With works by Dorothee Deiss, Espen Eichhöfer, Annette Hauschild, Heinrich Holtgreve, Tobias Kruse, Hendrik Lietmann, Julius Matuschik, Dawin Meckel, Thomas Meyer, Andreas Muhs, Frank Schirrmeister, Jordis Antonia Schlösser, Ina Schoenenburg, Linn Schröder, Heinrich Völkel and Maurice Weiss.

Curated by Ina Schoenenburg, Linn Schröder und Axel Völcker

from 10 pm:
Aftershow Party at the bar MARS
on the grounds of Silent Green Kulturquartier (10 minutes walk from the gallery)
Gerichtstraße 35, 13347 Berlin
www.mars-berlin.net

The book:
In the past, Julia Boek and Axel Völcker successfully realized »Der Wedding«, the only Germany-wide magazine for everyday culture which presented stories and sensations of everyday city life. They now approach the district for the first time in a purely photographic narrative. Photographically and journalistically, they enter a tradition set by of one of the most significant post-war photographic artists, one in which Michael Schmidt photographed his now famous street views and portraits in Wedding on behalf of the district office of Wedding between 1976 and 1978.

Berlin-Wedding – Das Fotobuch
First release: 30.06.2017
In store: ab dem 01.07.2017
Editor: Magazine »Der Wedding«
Publisher: Kerber Verlag
Format: 24cm x 30cm, Hardcover, 236 pages
www.derwedding.de

Social hotspot, hipster quarter, melting pot, old West Berlin – Wedding is a portrayal of the world, only in miniature. People from an array of social and cultural backgrounds coexist here. They all lend the district its unique character, making it a place of diversity and contrast, yet we still hear that Germany is only recently becoming a country in which people from different places, milieus and religions exist side-by-side. But this has long existed in Wedding, and Berlin’s north-west district exemplifies how these major social issues have come to be considered: Migration, integration, gentrification; or rather: competition for housing, demographic shifts and the growing disparity between rich and poor. It raises key questions regarding how we imagine ourselves to coexist in the future. We learn about these phenomena, people and spaces in the works from 16 photo series created over the past year in cooperation with journalist Julia Boek and art director Axel Völcker from Büro Redaktion & Gestaltung, the internationally renowned photography agency Ostkreuz, as well as other photographers.

In the past, Julia Boek and Axel Völcker successfully realized »Der Wedding«, the only Germany-wide magazine for everyday culture which presented stories and sensations of everyday city life. They now approach the district for the first time in a purely photographic narrative. Photographically and journalistically, they enter a tradition set by of one of the most significant post-war photographic artists, one in which Michael Schmidt photographed his now famous street views and portraits in Wedding on behalf of the district office of Wedding between 1976 and 1978. The current 200-page book »Berlin-Wedding – Das Fotobuch« will appear at the finissage of the exhibition.

Boek and Völcker have acquired 16 photographers, all of whom are closely related to the Ostkreuz Agency of Photographers, based in Berlin – Weissensee. Some are co-owners, while others are represented by the agency. Founded in 1990 by seven East Berliners, including Sibylle Bergemann, Ute and Werner Mahler and Harald Hauswald, Ostkreuz is the most successful photography agency in Germany to date. Its members see themselves as author photographers. Despite their varying working methods, one social responsibility unites them, one that places humankind and humanity at the center of their photography. Today, Ostkreuz Agency represents 22 photographers, the younger members are among those to have been educated at the Ostkreuzschule, founded in 2005.

The photographs featured in the exhibition are acutely observed, timeless and social-critical reportages, essays and portraits which deal with the various aspects of Wedding in a multi-perspectival manner. For example, the black and white-shot pub scenes in the series »Last Days of Disco«, for which Annette Hauschild visited proletarian living rooms of the legendary former working-class district. In the Café Morena and in the »Kugelblitz«, she acquainted herself with regulars who still bear the self-awareness of a past working culture and are also aware that their refuges are disappearing. Annette Hauschild’s works document this process of change in which artists, too, are considerably engaged.

That living costs are low compared to other parts of the city, such as Kreuzberg or Prenzlauer Berg, is something they too appreciate. Amazed at the high concentration of ateliers in Wedding, Thomas Meyer decided to portray some of them and their inhabitants: these include performance artist Johan Lorbeer, painter Tanja Rochelmeyer or wood sculptor Peter Rintsch. While it was particularly challenging for Meyer to engage with the different places, the artist’s characters and their art, while still maintaining his own visual vocabulary, his portraits strike an exciting balancing act between artist, space and photographer.

In search of a place where integration is not only discussed but also achieved, Dorothee Deiss enters a pediatrician’s surgery. In her series »Wedding’s Children«, she builds a small studio in a waiting room and photographs families and children from different origins and milieus. Living diversity that Espen Eichhöfer also had in mind in his series »Black Wedding«. With over 5,000 inhabitants, the African community of Wedding is the largest in Berlin, with most Africans living here originating from Egypt, Cameroon and Nigeria. Eichhöfer accompanied these people to the Evangelical Free Church Congregation for Sunday Prayer, and to a backyard for car exports, where Cameroonian cars packed with stereo systems, refrigerators and building materials ship to Africa.

Andreas Muhs preserves a promise of good fortune of these days. He photographed gambling halls in Wedding, abundantly situated here at train stations, among grocery stores, phone stores and nail salons. His »Las Wedding« series, photographed in frontal and diffuse light, lines the windows of casino chains alongside small gambling halls with their individually laminated windows. In contrast to this, Heinrich Völkel seeks rare moments of silence for his photography. He shoots at night when people are scarce – and with no cars, trucks and busses in sight. With his long-exposures shot strictly in black and white, Völkel exposes that which represents the district’s structural reality: Architecture of the living and working, art nouveau juxtaposed with post-war modernism, ensemble alongside solitaire, a long history and a bit of the future. All in all, a colourful conglomeration of diverse lifestyles. As with the 16 photographic positions of the exhibition, each individual presents a surprising, yet everyday facet of Wedding which all together depicts an image of lived, social diversity.

With kind support of the Senate Administration for Culture and Europe, the Exhibition Fund and the Exhibition Remuneration for Municipal Galleries. For the friendly support of Citizen Art Days thanks to the Goethe Institute.

Eine Gruppenausstellung der Agentur Ostkreuz und anderer Fotograf*innen, initiiert vom Büro Redaktion & Gestaltung in der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst

Mit Arbeiten von Dorothee Deiss, Espen Eichhöfer, Annette Hauschild, Heinrich Holtgreve, Tobias Kruse, Hendrik Lietmann, Julius Matuschik, Dawin Meckel, Thomas Meyer, Andreas Muhs, Frank Schirrmeister, Jordis Antonia Schlösser, Ina Schoenenburg, Linn Schröder, Heinrich Völkel und Maurice Weiss.

Kuratiert von Ina Schoenenburg, Linn Schröder und Axel Völcker

Ausstellung vom 17.06.2017 bis 30.06.2017
Eröffnung am Freitag, den 16.06.2017 um 19 Uhr

Begleitprogramm: Symposium zu den Citizen Art Days »Initialzündung: Community Building durch Kunst«, kuratiert von Oscar Ardila, Stefan Krüskemper und Kerstin Polzin am Samstag, den 17.06.2017, um 14 Uhr
Finissage mit Buchveröffentlichung von »Berlin-Wedding – Das Fotobuch« am Freitag, den 30.06.2017 um 18 Uhr

**For English Version please scroll down**

Sozialer Brennpunkt, Hipster-Viertel, Melting Pot, Altes Westberlin – der Wedding ist ein Abbild der Welt, aber in Miniatur. Menschen unterschiedlichster sozialer und kultureller Milieus treffen hier aufeinander. Sie alle geben dem Stadtteil seinen eigentümlichen Charakter und machen ihn zu einem Ort gelebter Vielfalt und Gegensätze. Und dabei heißt es doch immer, dass das Zusammenleben von Menschen unterschiedlicher Herkunft, Milieus und Religionen hierzulande erst noch erprobt werden muss. In Wedding findet all das längst statt, und so lassen sich am Beispiel des Stadtteils im Nordwesten von Berlin die großen gesellschaftlichen Themen Deutschlands und Europas erörtern. Etwa um Migration und Integration, Gentrifizierung bzw. den Wettbewerb um Wohnraum, um den demografischen Wandel und das wachsende Arm-Reich-Gefälle – also um die Kernfrage, wie wir in Zukunft miteinander leben wollen.

Von diesen Phänomenen, Menschen und Räumen erzählen die Arbeiten aus 16 Fotoserien, die in Zusammenarbeit mit der Journalistin Julia Boek und dem Art Director Axel Völcker vom Büro Redaktion & Gestaltung und der international renommierten Fotografenagentur Ostkreuz und anderen Fotografen im letzten Jahr entstanden sind.

Realisierten Julia Boek und Axel Völcker in der Vergangenheit erfolgreich das deutschlandweit einzige Magazin für Alltagskultur »Der Wedding«,das sich mit den Geschichten und Sensationen des Großstadtalltags beschäftigt, nähern sie sich dem Stadtteil nun erstmalig auf eine rein fotografische Erzählweise an. Fotografisch wie publizistisch treten sie damit in die Tradition eines der bedeutendsten Fotokünstler der Nachkriegszeit, so fotografierte Michael Schmidt im Auftrag des Bezirksamtes Wedding von 1976 bis 1978 seine mittlerweile berühmten Straßenansichten und Porträts in Wedding. Der aktuelle 200 Seiten starke Bildband »Berlin-Wedding – Das Fotobuch« erscheint zur Finissage der Ausstellung.

Gewonnen haben Boek und Völcker 16 Fotografen*innen, die der in Weißensee ansässigen Ostkreuz – Agentur der Fotografen nahestehen. Einige von ihnen sind dort Mitgesellschafter, andere lassen sich mit ihren Arbeiten durch die Agentur vertreten. 1990 von sieben Ostberliner*innen darunter Sibylle Bergemann, Ute und Werner Mahler und Harald Hauswald gegründet, ist Ostkreuz heute die erfolgreichste von Fotograf*innen geführte Agentur in Deutschland. Ihre Mitglieder begreifen sich als Autorenfotograf*innen. Trotz unterschiedlicher Arbeitsweisen eint sie eine soziale Verantwortung, wonach der Mensch und das Menschliche im Mittelpunkt ihrer Fotografie stehen. Heute zählt die Ostkreuz Agentur 22 Fotograf*innen, unter den jüngeren befinden sich jene, die eine Ausbildung an der seit 2005 bestehenden Ostkreuzschule absolviert haben.

Die Fotografien der Ausstellung sind fein beobachtete, zeitlose wie sozialkritische Reportagen, Essays und Porträts, die sich multiperspektivisch mit den unterschiedlichen Aspekten des Weddings beschäftigen. So etwa die schwarz-weiß-fotografierten Kneipenszenen der Serie »Last Days of Disco«, für die sich Annette Hauschild in die proletarischen Wohnzimmer des legendären ehemaligen Arbeiterviertels begab. Im Café Morena und im Kugelblitz schloss sie Bekanntschaft mit Stammgästen, die das Selbstbewusstsein einer vergangenen Arbeiterkultur noch immer vor sich hertragen. Dass auch ihr Refugium vom Schwund betroffen ist, wissen sie. Annette Hauschilds Arbeit dokumentiert diesen Veränderungsprozess, an dem auch Künstler*innen maßgeblich beteiligt sind.

Denn, dass das Leben hier im Vergleich zu anderen Stadtteilen wie Kreuzberg oder Prenzlauer Berg noch immer wenig kostest, wissen auch sie zu schätzen. Erstaunt über die hohe Atelierdichte in Wedding, beschloss Thomas Meyer einige von ihnen zu porträtieren: darunter den Performancekünstler Johan Lorbeer, die Malerin Tanja Rochelmeyer oder den Holzbildhauer Peter Rintsch. War es für Meyer besonders herausfordernd, sich auf die unterschiedlichen Orte, die Charaktere der Künstler und deren Kunst einzulassen und trotzdem seine eigene Bildsprache durchzuhalten, lesen sich seine Porträts wie ein spannender Balanceakt zwischen Künstler, Raum und Fotograf.

Auf der Suche nach einem Ort, an dem über Integration nicht nur geredet wird sondern sie auch stattfindet, ging Dorothee Deiss in eine Kinderarztpraxis. In einem Wartezimmer baute sie ein kleines Studio auf und fotografierte für die Serie »Weddings Kinder« Familien und Kinder unterschiedlichster Herkunft und Milieus Gelebte Vielfalt, die auch Espen Eichhöfer in seiner Serie »Black Wedding« im Blick hatte. Mit über 5.000 Einwohnern ist die afrikanische Community Weddings berlinweit die größte, wobei die meisten der hier lebenden Afrikaner aus Ägypten, Kamerun und Nigeria stammen. Eichhöfer begleitete sie zum Sonntagsgebet in die Evangelische Freikirchliche Gemeinde und auf einen Hinterhof für Autoexport, wo eine Gruppe Kameruner Pkws, vollgepackt mit Stereoanlagen, Kühlschränken und Baumaterialien, nach Afrika verschifft. Ein Glückversprechen dieser Tage konservierte Andreas Muhs. Er fotografierte Spielhallen in Wedding, die hier in beträchtlicher Zahl an S-Bahnhöfen, zwischen Gemüseläden, neben Handyshops und Nagelstudios liegen. Seine frontal- und bei diffusem Licht fotografierte Serie »Las Wedding« reiht die Schaufenster großer Kasinoketten neben kleine Spielotheken mit individuell beklebten Scheiben. Heinrich Völkel hingegen suchte für seine Fotografie seltene Momente der Ruhe. Er fotografierte nachts wenn keine Menschen anzutreffen sind, keine Autos, Lieferwagen und Busse fahren. Mit seinen Langzeitbelichtungen und in strengem Schwarzweiß legte Völkel das frei, was den Stadtteil in seiner baulichen Wirklichkeit ausmacht: eine Architektur des Wohnens und Arbeitens, Jugendstil neben Nachkriegsmoderne, Ensemble neben Solitär, viel Geschichte und auch ein wenig Zukunft. Alles zusammen ein buntes Konglomerat verschiedener Lebensstile. So wie die 16 fotografischen Positionen der Ausstellung: Präsentiert jede einzelne eine überraschende und dabei alltägliche Facette des Weddings, so entwerfen alle zusammen das Bild gelebter, gesellschaftlicher Diversität.

Text: Julia Boek

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds und der Ausstellungsvergütung für Kommunale Galerien. Für die Förderung von Citizen Art Days Dank an das Goethe-Institut.

Berlin-Wedding
One district– 16 photographic positions

A Group Exhibition by Agentur Ostkreuz and other photographers, initiated by the Office Redaktion & Gestaltung at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst

With works by Dorothee Deiss, Espen Eichhöfer, Annette Hauschild, Heinrich Holtgreve, Tobias Kruse, Hendrik Lietmann, Julius Matuschik, Dawin Meckel, Thomas Meyer, Andreas Muhs, Frank Schirrmeister, Jordis Antonia Schlösser, Ina Schoenenburg, Linn Schröder, Heinrich Völkel and Maurice Weiss.

Curated by Ina Schoenenburg, Linn Schröder und Axel Völcker

Exhibition from 17.06.2017 until 30.06.2017
Opening on Friday, 16.06.2017 at 7.p.m.

Accompanying events: Symposium by Citizen Art Days »Initialzündung: Community Building durch Kunst«, curated by the artists Oscar Ardila, Stefan Krüskemper and Kerstin Polzin on Saturday, 17.06.2017 at 2 p.m.
Finissage with the launch of the book »Berlin-Wedding – Das Fotobuch« on Friday, 30.06.2017 at 6 p.m.

Social hotspot, hipster quarter, melting pot, old West Berlin – Wedding is a portrayal of the world, only in miniature. People from an array of social and cultural backgrounds coexist here. They all lend the district its unique character, making it a place of diversity and contrast, yet we still hear that Germany is only recently becoming a country in which people from different places, milieus and religions exist side-by-side. But this has long existed in Wedding, and Berlin’s north-west district exemplifies how these major social issues have come to be considered: Migration, integration, gentrification; or rather: competition for housing, demographic shifts and the growing disparity between rich and poor. It raises key questions regarding how we imagine ourselves to coexist in the future. We learn about these phenomena, people and spaces in the works from 16 photo series created over the past year in cooperation with journalist Julia Boek and art director Axel Völcker from Büro Redaktion & Gestaltung, the internationally renowned photography agency Ostkreuz, as well as other photographers.

In the past, Julia Boek and Axel Völcker successfully realized »Der Wedding«, the only Germany-wide magazine for everyday culture which presented stories and sensations of everyday city life. They now approach the district for the first time in a purely photographic narrative. Photographically and journalistically, they enter a tradition set by of one of the most significant post-war photographic artists, one in which Michael Schmidt photographed his now famous street views and portraits in Wedding on behalf of the district office of Wedding between 1976 and 1978. The current 200-page book »Berlin-Wedding – Das Fotobuch« will appear at the finissage of the exhibition.

Boek and Völcker have acquired 16 photographers, all of whom are closely related to the Ostkreuz Agency of Photographers, based in Berlin – Weissensee. Some are co-owners, while others are represented by the agency. Founded in 1990 by seven East Berliners, including Sibylle Bergemann, Ute and Werner Mahler and Harald Hauswald, Ostkreuz is the most successful photography agency in Germany to date. Its members see themselves as author photographers. Despite their varying working methods, one social responsibility unites them, one that places humankind and humanity at the center of their photography. Today, Ostkreuz Agency represents 22 photographers, the younger members are among those to have been educated at the Ostkreuzschule, founded in 2005.

The photographs featured in the exhibition are acutely observed, timeless and social-critical reportages, essays and portraits which deal with the various aspects of Wedding in a multi-perspectival manner. For example, the black and white-shot pub scenes in the series »Last Days of Disco«, for which Annette Hauschild visited proletarian living rooms of the legendary former working-class district. In the Café Morena and in the »Kugelblitz«, she acquainted herself with regulars who still bear the self-awareness of a past working culture and are also aware that their refuges are disappearing. Annette Hauschild’s works document this process of change in which artists, too, are considerably engaged.

That living costs are low compared to other parts of the city, such as Kreuzberg or Prenzlauer Berg, is something they too appreciate. Amazed at the high concentration of ateliers in Wedding, Thomas Meyer decided to portray some of them and their inhabitants: these include performance artist Johan Lorbeer, painter Tanja Rochelmeyer or wood sculptor Peter Rintsch. While it was particularly challenging for Meyer to engage with the different places, the artist’s characters and their art, while still maintaining his own visual vocabulary, his portraits strike an exciting balancing act between artist, space and photographer.

In search of a place where integration is not only discussed but also achieved, Dorothee Deiss enters a pediatrician’s surgery. In her series »Wedding’s Children«, she builds a small studio in a waiting room and photographs families and children from different origins and milieus. Living diversity that Espen Eichhöfer also had in mind in his series »Black Wedding«. With over 5,000 inhabitants, the African community of Wedding is the largest in Berlin, with most Africans living here originating from Egypt, Cameroon and Nigeria. Eichhöfer accompanied these people to the Evangelical Free Church Congregation for Sunday Prayer, and to a backyard for car exports, where Cameroonian cars packed with stereo systems, refrigerators and building materials ship to Africa.

Andreas Muhs preserves a promise of good fortune of these days. He photographed gambling halls in Wedding, abundantly situated here at train stations, among grocery stores, phone stores and nail salons. His »Las Wedding« series, photographed in frontal and diffuse light, lines the windows of casino chains alongside small gambling halls with their individually laminated windows. In contrast to this, Heinrich Völkel seeks rare moments of silence for his photography. He shoots at night when people are scarce – and with no cars, trucks and busses in sight. With his long-exposures shot strictly in black and white, Völkel exposes that which represents the district’s structural reality: Architecture of the living and working, art nouveau juxtaposed with post-war modernism, ensemble alongside solitaire, a long history and a bit of the future. All in all, a colourful conglomeration of diverse lifestyles. As with the 16 photographic positions of the exhibition, each individual presents a surprising, yet everyday facet of Wedding which all together depicts an image of lived, social diversity.
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With kind support of the Senate Administration for Culture and Europe, the Exhibition Fund and the Exhibition Remuneration for Municipal Galleries. For the friendly support of Citizen Art Days thanks to the Goethe Institute.

Vom 17.06.2017 bis 30.06.2017

Eine Gruppenausstellung der Agentur Ostkreuz und anderen Fotograf*innen, initiiert vom Büro Redaktion & Gestaltung in der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst.

Ort: Galerie Wedding, Müllerstrasse 146 -147, 13353 Berlin
Teilnahme: Die 10. Klassen der ISS Schule am Schillerpark
Termine: 3 Stunden 9 -12 Uhr an folgenden Terminen: 21.06., 22.06. und 23.06.2017
Kosten: Die Veranstaltungen sind entgeltfrei
Kursleitung: Jane Hughes & Seamus O’Donnell

Die Gruppenausstellung der Agentur Ostkreuz und anderen Fotograf*innen zeigt 16 fotografische Positionen zum Berliner Stadtteil Wedding. Die verschiedene Positionen hatten Migration und Integration, Gentrifizierung bzw. den Wettbewerb um Wohnraum, den demografischen Wandel und das wachsende Arm-Reich-Gefälle als Kernfrage. Die Teilnehmer*innen des Kunstvermittlungsworkshops sind diesmal die Schüler*innen der 10. Klassen der ISS Schule am Schillerpark.  Sie treffen sich in der Galerie Wedding, um dort über die Ausstellung und die unterschiedlichen Fotoserien zu diskutieren. Was verraten uns die verschiedenenBilder? Welche Orte sind dargestellt? Wer ist fotografiert? Wie wird fotografiert? Die Teilnehmer*innen können dann aus einer der Fotoserien der Ausstellung, die ihnen gefällt, auswählen. Diese Position dient den Jugendlichen als ein ästhetischer Rahmen und als ein Ausgangspunkt, um eine eigene Fotografie einen Essay oder ein Klangporträt herzustellen und damit unterschiedliche Aspekte Weddings aus ihrer eigenen Perspektive sichtbar machen. Die Teilnehmer*innen haben so die Möglichkeit, ihre alltägliche Wahrnehmung Weddings mittels Fotografie und Klang zum Ausdruck zu bringen.
Klang ist ein wichtiges Element unseres täglichen Lebens. Das Sammeln von Klängen und Erstellen von Klangporträts mit den Jugendlichen fungiert in dem Workshop als ein Medium, um das fotografische Bild zu erweitern oder einen Kontrast zu ihm darzustellen.

Veranstalter: Jugend im Museum e.V. in Kooperation mit Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds und der Ausstellungsvergütung für Kommunale Galerien.

Within the context of the exhibition BARE LIVES by Mario Rizzi within the frame of UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung (28. April – 10. Juni 2017)

Please note the talk will be held in English / Das Gespräch wird in englischer Sprache stattfinden. Für den deutschsprachigen Einladungstext bitte nach unten scrollen.

During this artist talk and book presentation on the exhibition BARE LIVES by Mario Rizzi, we will be discussing hidden stories and consequences of the so-called ‘Arab Spring’ and how they entangled individual political lives and wider geopolitics of the region. What does it mean to be an activist woman and single mother, whose story has been written out of the official narrative of the Tunisian revolution? With reference to the exhibition and book BARE LIVES (2017), we will also discuss the role of women in conflict, as refugees, and as activists and artists more generally. How does one approach the histories and presences of the Yazidi women portrayed by Mario Rizzi? What role do women play in the organization of the everyday in states of exception and camps? How do we reflect our privileges to have a place to work, to live – an everyday? How does one depict the conflicting and unsustainable privileges of refugees in permanent camps vs. sedentary urban dwellers in a city like Berlin? In what ways do poetry and art relate to social change or to mobilising solidarity among the excluded, migrants, or exiled? We welcome you all to a discussion including artistic, anthropological, and activist perspectives from Syria, the Arab diaspora, and Germany. The panelists will be discussing the ongoing exhibition BARE LIVES but also draw on content from the newly released book by the same title, which accompanies the exhibition and contains contributions by Ramy Al Asheq, Charlotte Bank, Tania Canas, Hamid Dabashi, Pia Lauro, Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, Solvej Helweg Ovesen, and Jonas Tinius. The book is published in collaboration with Archive Books.

www.archivebooks.org

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BARE LIVES artist talk und Buchpräsentation mit Mario Rizzi, Solvej Helweg Ovesen, Charlotte Bank, Souad Abbas und Jonas Tinius am 1.6.2017 um 16:00 Uhr

Im Kontext der Ausstellung BARE LIVES von Mario Rizzi im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Bei dem Künstlergespräch und der Buchpräsentation zur Ausstellung BARE LIVES von Mario Rizzi diskutieren wir versteckte Geschichten und Konsequenzen des sogenannten Arabischen Frühlings. Wir sprechen darüber, wie dieser sich auf das Leben einzelner Personen sowie auf die breitere geopolitische Situation der Region ausgewirkt hat. Was heißt es, eine weibliche Aktivistin und alleinerziehende Mutter zu sein, deren Geschichte aus den offiziellen Narrativen der Tunesischen Revolution herausgeschrieben wurde? Mit Bezug auf die Ausstellung und das dazu erschienene Buch BARE LIVES (2017) werden wir ebenfalls die Rolle von Frauen in Konfliktsituationen, als Geflüchtete, als Aktivistinnen und Künstlerinnen diskutieren. Wie geht man mit den Geschichten und der Gegenwart von Yazidi Frauen um, die von Mario Rizzi portraitiert wurden? Welche Rolle spielen Frauen in der Organisation des Alltäglichen in Ausnahmezuständen und Lagern? Wie reflektieren wir unsere Privilegien, einen festen Ort zum Arbeiten, Leben – einen Alltag – zu haben? In welcher Beziehung stehen Kunst und Poesie zum sozialen Wandel oder zur Mobilisierung von Solidarität unter den Ausgegrenzten, den Migrant*innen, den im Exil Lebenden? Wir laden Sie alle herzlich zu einer Diskussion ein, in der künstlerische, anthropologische und aktivistische Perspektiven aus Syrien, der Arabischen Diaspora und Deutschland zu Wort kommen werden. Die eingeladenen Gäste werden die andauernde Ausstellung BARE LIVES besprechen, aber sich auch auf das neu herausgekommene Buch mit demselben Titel beziehen, welches in Kollaboration mit Archive Books zur Ausstellung erschienen ist und Beiträge enthält von Ramy Al Asheq, Charlotte Bank, Tania Canas, Hamid Dabashi, Pia Lauro, Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, Solvej Helweg Ovesen und Jonas Tinius.

www.archivebooks.org

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Ein Symposium in Kooperation mit dem Goethe-Institut Bogotá in der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische
Kunst am Samstag, den 17.06.2017, von 14:00 bis ca. 21:00 Uhr

Citizen Art Days wird kuratiert von den Künstler*innen Oscar Ardila, Stefan Krüskemper, Kerstin Polzin

Wie verändern die verschiedenen kulturellen Hintergründe, zum Beispiel in der Arbeit mit Geflüchteten, die von kreativen Arbeitsgruppen? Welche Gemeinsamkeiten bestehen und wie unterscheiden sich die Modelle der community building in einer informellen Siedlung Bogotás und im Weddinger Kiez?

Wie entsteht aus dem künstlerisch tätigen Miteinander von Bürger*innen, Akteur*innen und Künstler*innen Kunst und welche gesellschaftlichen Rückwirkungen lassen sich darauf beziehen?

Künstlerische Projektinitiativen, die sich im Themenfeld sozial engagierter und partizipativer Kunst bewegen, diskutieren die Frage, wie sich inhaltlich verbundene Gemeinschaften von Menschen durch die auslösenden Impulse der Kunst nachhaltig und qualitätsvoll gestalten lassen. Ob sich die Kunst mit ihren Ansprüchen an der Funktionalisierung ihrer selbst zerreibt oder ob neue Ansätze in der Gestaltung im sozialen Raum entstehen, wird in einem Erfahrungsaustausch aus der Praxis heraus untersucht.

Eng im Rahmen solcher Projektinitiativen verbunden ist der Bereich der kulturellen Bildung und der selbstorganisierten Wissensaneignung. Ein Schwerpunkt der Veranstaltung bildet die Sicht der kolumbianischen Projektinitiative »Casa Mayaelo«, die sich als Preisträger »Premio a agentes artísticos y culturales que trabajan la cultura ciudadana y democrática« in Berlin aufhält.

Die Citizen Art Days bieten in Berlin seit 2012, in einem verdichteten Zeitraum von 5 –10 Tagen, Workshops, Vorträge, Dialogformen, Aktionen und Performances, Diskussionen sowie Stadterkundungen. Erprobt werden neue Beteiligungsformen, welche die kreativen Potentiale von Bürger*innen, Stadtakteur*innen und Künstler*innen zur Formung des gemeinsamen Öffentlichen aktivieren. Mit dem Zwischenformat der market places werden spezielle Themen in kompakten Veranstaltungen beleuchtet.

Programm
14.00 – 14.15 Begrüßung
14.15 – 14.40 Impulsvortrag
14.40 – 14.45 Pause
14.45 – 15.30 Performatives Dialog-Format von Casa Mayaelo (Beschreibung folgt)
15.30 – 16.00 Kaffeepause mit Kuchen

16.00 – 18.00 Projektpräsentationen und Podiumsgespräch
Bi`bak /
Kunst im Kontext, UdK mit Kristina Leko /
Atelier Global mit Henrik Mayer (REINIGUNGSGESELLSCHAFT) / Casa Mayaelo mit Fernando Cuervo /
Citizen Art Days, CAD e.V.

Ab 18.30 Uhr Dj-Set von Paul Welch Guerra: Cumbia meets Hummus

www.citizenartdays.de
info@citizenartdays.de

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und des Goethe-Instituts.

An exhibition by Mario Rizzi within the frame of UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Save the date!
Opening 27. April, 7 p.m. Tour of the exhibition with Solvej Helweg Ovesen und Mario Rizzi

8 p.m. Arabic poetry reading with Syrian-born Palestinian poet Ramy Al Asheq (Editor in Chief of Abwab newspaper)
Afterwards DJ Set by KHMGNFF (Sub Saharan | Jazz | World Music)

The curatorial text by Solvej Helweg Ovesen for download: Giving shape to Life Society and Oneself….

(Für die deutsche Version bitte nach unten scrollen)

Within the frame of this year’s exhibition program UP (Unsustainable Privileges) the exhibition BARE LIVES focuses on the Arab uprisings and on how they have radically altered the geopolitics of the region.
However the Italian-born Berlin-based artist and filmmaker Mario Rizzi chooses a personal and privileged viewpoint: the role of the woman in the family and the changing Islamic society. Women have been taking part at the forefront of the region’s revolutions since the early days of the so-called Arab Spring. Rizzi’s works opt for the generally disregarded impact on the bare life of unknown people in this context.

Together with the films »Kauther« (2014)  and »Al Intithar« (Das Warten) (2013), the exhibition presents the series of photographic portraits »August 3rd« (2016) and the 80-image slideshow »Bare Lives« (2017). These images raise questions about the reception of refugees in western societies like Berlin and remind of our communal responsibilities towards those in need of a new normality and against media-instigated fears or spectacle. Rizzi’s intimate approach to the theme of bare life suggests that art can create social change through means of poetry and instate human values.

Mario Rizzi has often worked with individuals living on the edge of society, excluded by the law and from protection by the state. Over the last 25 years, he has developed a practice of interacting with internally displaced people, refugees, and activists living in places where the state of exception has become normality. He has spent many years working in refugee camps (Bosnia, Palestine, Jordan, Iraqi Kurdistan, the Netherlands, Italy, and Greece).

»Bare life« as a concept (conceived by Giorgio Agamben in his book »Homo Sacer« from 1995) refers to a body, a human being, who exists outside of politics and the law, outside protection, who can be killed by anyone without legal repercussions. »Bare life« is a life not politically defined as life outside any nation state. The term describes a form of existence, one that Rizzi attempts to approach and reflect about with his films and photographs.

In his photographic series »August 3rd« shot in a Yazidi camp for internally displaced people in Iraqi Kurdistan, the date »3/8/2014« is graffitied on many tents. On August 3rd 2014, Daesh, the Islamic State, started the genocide of the Yazidi minority in the town of Sinjar in Iraqi Kurdistan, with the massacre of men and ongoing enslavement and systematic abduction and abuse of women and children. Daesh justified the killing, occupation, kidnapping, the trading and mass rape of women and girls of the Yazidi minority because they are not Muslim. Rizzi’s intimate portraits of Yazidi women, with their straight looks into the camera, interrogate us, our silences, our hurried judgments, our preconceptions. While the massacre is still happening, other thousands of Yazidis live in camps in Iraqi Kurdistan and Jordan, but also in Greece and Germany.

The slideshow »Bare Lives« consists of 80 photographs shot in two different geographical areas and human conditions: the improvised camps which were unofficially forming throughout 2016 in Idomeni at the border between Greece and Macedonia, and the long-standing state-established camps for Yazidi IDP (internally displaced people) in Iraqi Kurdistan. All images depict a life of impermanence and uncertainty. But emotions are very different in the two camps. In Idomeni people seem hopeful and they look forward to a new chance in their life. They expect the border to open so that they can continue their way towards the wealthier European countries. The border never opened and, in the end, they were placed in different camps throughout Greece. In the Yazidi IDP camp in Iraqi Kurdistan people do not feel safe nor hopeful. People have lost everything, not only their homes and families, some of the women are still in the hands of Daesh.

Mario Rizzi’s 30-minute film »Al Intithar« (The Waiting), which is also presented in the exhibition, premiered at Berlinale Film Festival 2013. It was shot during the artist’s seven-week stay in Zaatari refugee camp in the Jordanian desert. The film, which presents itself as an excerpt, follows the life of a Syrian woman, Ekhlas, translating the tragic macrocosm of the Syrian war to the intimate microcosm of a relentless woman and her three children.

The film »Kauther«, is a long monologue, in a bare room, over the course of a few days. The protagonist is Kauther Ayari, the first activist to give a passionate voice to Tunis rioters, on Jan 8, 2011, precariously speaking from a window of the Trade Union’s central building. She incited her comrades to stand up for freedom, social justice and democratic change. With absolute openness and unconcealed intimacy, Kauther tells about herself and also addresses the build-up of 2011 and the conditions of being a woman in present day Arab society. The latter she has spent her life challenging.

Accompanying events:

Live Performance by Syrian Tarab-Ensemble MUSIQANA from Berlin on 29.04.2017, 5 p.m., at Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin), free of charge (donations welcome, please come early as the capacity of the room is limited)
Before the concert: tour of the Exhibition at Galerie Wedding at 3 p.m.

Artist talk and presentation of the book BARE LIVES with Mario Rizzi, Solvej Helweg Ovesen, Charlotte Bank  Ramy Al Asheq, Jonas Tinius and other participants on 01.06.2017, 5 p.m.

With friendly support by the Senate Department for Culture and Europe, by the Spartenübergreifende Förderung and the Exhibition Fund for Municipal Galleries

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BARE LIVES
28. April bis 10. Juni 2017

Eine Ausstellung von Mario Rizzi im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Save the Date!
Eröffnung am 27. April 19 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Solvej Helweg Ovesen und Mario Rizzi um 19 Uhr
Arabische Dichterlesung mit dem in Syrien geborenen palästinensischen Poeten Ramy Al Asheq um 20 Uhr 
DJ-Set von KHMGNFF (Sub Saharan | Jazz | World Music) anschließend

Der kuratorische Text von Solvej Helweg Ovesen steht hier als Pdf zum Download zur Verfügung:
Dem Leben der Gesellschaft und dem eigenen Ich eine Form geben…

Im Rahmen der Ausstellungsreihe UP (Unsustainable Privileges) setzt die Ausstellung BARE LIVES ihren Fokus auf die arabischen Aufstände und wie diese die Geopolitik dieser Region radikal verändert haben. Der in Italien geborene und in Berlin lebende Künstler und Filmemacher Mario Rizzi wählt einen persönlichen und individuellen Standpunkt: Er ruft die Rolle der Frauen innerhalb der Familie und einer sich wandelnden islamischen Gesellschaft ins Bewusstsein, sowie die Tatsache, dass Frauen in den frühen Tagen des sogenannten Arabischen Frühlings an der Spitze der Revolutionen standen.
Die Ausstellung präsentiert die Filme »Kauther« (2014) und »Al Intithar« (Das Warten) (2013) sowie die Fotoserie »August 3rd« (2016) und die aus 80 Bildern bestehende Slideshow »Bare Lives« (2017). Die Bilder werfen Fragen auf bezüglich der Wahrnehmung von geflüchteten Menschen in westlichen Gesellschaften und der damit zusammenhängenden medial gesteuerten Paranoia. Gleichzeitig erinnern sie an unsere gemeinsame Verantwortung gegenüber jenen Menschen, die nicht das Privileg besitzen, eigene Alltagsstrukturen zu haben.

Mario Rizzis Arbeiten zeigen, wie sich die Bedingungen in den Geflüchtetenlagern auf das »bare life«, das nackte Leben der Menschen, auswirken. Damit stellt er die Verbindung her zu Giorgio Agambens Konzept von »bare life« in dessen Buch »Homo sacer« (1995), welches sich auf ein menschliches Wesen bezieht, das abseits von Politik und Gesetz existiert. Eine Person genießt keinen Schutz und könnte von jedem ohne Konsequenzen getötet werden. Der Begriff beschreibt eine Art von Existenz, über die Mario Rizzi mit seinen Filmen und Fotografien reflekiert. Rizzis intime Herangehensweise an dieses Thema versucht mit Hilfe von Kunst als einem Mittel der Poesie und Menschlichkeit, einen sozialen Wandel herbeizuführen.

Rizzi hat bereits mit vielen Menschen zusammengearbeitet, die am Rande der Gesellschaft stehen und vom Schutz durch den Staat und das Gesetz ausgeschlossen sind. Während der letzten 25 Jahre interagierte er mit internen Vertriebenen sowie Geflüchteten und Aktivist*innen, die in Orten leben, in denen der Ausnahmezustand zur Normalität geworden ist. Er hat mehrere Jahre in Geflüchtetencamps in Bosnien, Palästina, Jordanien, Irak, in Kurdistan, Finnland, den Niederlanden, Italien und Griechenland verbracht und dort gearbeitet. Die acht Bilder aus der Fotoserie »August 3rd« porträtieren jesidische Frauen in einem Camp in der Autonomen Region Kurdistan in Irak. Der Titel der Fotoreihe geht auf den 3. August 2014 zurück, an dem der Islamische Staat in Sinjar, Irak, mit dem Massenmord der Jesiden-Minderheit begann, gefolgt von Versklavung und systematischem Missbrauch von Frauen und Kindern. Der Islamische Staat rechtfertigte die Taten damit, dass die Jesiden-Minderheit nicht muslimisch ist.

Die Slideshow »Bare Lives« zeigt in 80 Fotografien das »camp life« in mehreren Geflüchtetenlagern. Bilder zum einen aus den improvisierten Camps, die 2016 inoffiziell in Idomeni, an der Grenze zwischen Griechenland und Mazedonien, errichtet wurden, und in denen Menschen unter prekären Bedingungen leben. Zum anderen aus den Camps, die offiziell vom Staat für intern vertriebene Menschen eingerichtet wurden. Gemeinsam ist den porträtierten Menschen die Hoffnung darauf, dass die Grenze bald geöffnet wird und sie ihre Reise in wohlhabendere europäische Länder, nach Deutschland oder Schweden, fortsetzen können. Um dann nicht weiter zu kommen als in über ganz Griechenland verteilte offizielle Camps.

Mario Rizzis 30-minütiger Film »Al Intithar« (Das Warten), der im Februar 2013 erstmals im Wettbewerb der Berliner Filmfestspiele gezeigt wurde, wurde während seines siebenwöchigen Aufenthalts im syrischen Geflüchtetenlager Zaatari in der jordanischen Wüste aufgenommen. Rizzi dokumentiert darin aus der Perspektive einer syrischen Frau namens Ekhlas und ihrer Familie die Schaffung einer Alltagsstruktur in dem – für inzwischen Hunderttausende von Geflüchteten – anhaltenden Warte- und Ausnahmezustand.

Neben »Al Intithar« wird Rizzis in Tunesien gedrehter Film »Kauther« gezeigt, der die Geschichte von Kauther Ayari erzählt, der ersten – heute fast vergessenen– Aktivistin, die 2011 in Tunis am zentralen Muhammad-Ali-Platz die Stimme erhob und den damaligen Präsidenten Ben Ali anklagte, der sechs Tage später angesichts der öffentlichen Proteste sein Amt abgab und das Land verließ.

Begleitveranstaltungen:

Am Samstag, den 29. April Live-Performance der syrischen Tarab-Band MUSIQANA aus Berlin um 17 Uhr im Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin), Eintritt frei, Spenden willkommen
Für Konzertteilnehmer*innen vorher Rundgang durch die Ausstellung um 15 Uhr in der Galerie Wedding

Donnerstag, den 1. Juni, 17 Uhr Künstlergespräch und Präsentation des Buches BARE LIVES mit Mario Rizzi und Solvej Helweg Ovesen, Charlotte Bank, Ramy Al Asheq, Jonas Tinius und weiteren Gesprächsteilnehmer*innen

Die diesjährige Ausstellungsreihe UP – Unsustainable Privileges 2017 in der Galerie Wedding widmet sich mit vier Einzelausstellungen und einem Performance- und Diskussionsprogramm weiter dem Thema Migration, aber auch den Möglichkeiten, wie unsere Privilegien in Nordeuropa anders zu verteilen wären. Den Anfang machte der deutsch-türkische Künstler Viron Erol Vert, dessen Anordnung aus zwölf Betten die Galerie in eine Art Schlaflabor transformierte – in einen geschützten, demokratischen Raum zum träumen. Nach Mario Rizzi wird die Ausstellungsreihe mit einer Ausstellung von Künstlerin Surya Gied fortgesetzt, die sich den Narrationen der »privilegierten Medien« widmet, die bei Zuschauenden im Westen eine immer größer werdende Distanz zu den derzeitigen Weltgeschehnissen schaffen und besonders die Situationen von Geflüchteten verallgemeinern. In der vierten Einzelausstellung des Programms wird sich die aus Mexiko stammende Künstlerin Mariana Castillo Deball mit der brisanten Frage auseinandersetzen, wer in der museologischen Forschung das Privileg des Zugangs zu archäologischen Objekten besitzt.

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Eine Gruppenausstellung der Agentur Ostkreuz und anderen Fotograf*innen, initiiert vom Büro Redaktion & Gestaltung in der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst

Mit Arbeiten von Dorothee Deiss, Espen Eichhöfer, Annette Hauschild, Heinrich Holtgreve, Tobias Kruse, Hendrik Lietmann, Julius Matuschik, Dawin Meckel, Thomas Meyer, Andreas Muhs, Frank Schirrmeister, Jordis Antonia Schlösser, Ina Schoenenburg, Linn Schröder, Heinrich Völkel und Maurice Weiss.

Kuratiert von Ina Schoenenburg, Linn Schröder und Axel Völcker

Ausstellung vom 17.06.2017 bis 30.06.2017
Eröffnung am Freitag, den 16.06.2017 um 19 Uhr

**for English Version please scroll down**

Sozialer Brennpunkt, Hipster-Viertel, Melting Pot, Altes Westberlin – der Wedding ist ein Abbild der Welt, aber in Miniatur. Menschen unterschiedlichster sozialer und kultureller Milieus treffen hier aufeinander. Sie alle geben dem Stadtteil seinen eigentümlichen Charakter und machen ihn zu einem Ort gelebter Vielfalt und Gegensätze. Und dabei heißt es doch immer, dass das Zusammenleben von Menschen unterschiedlicher Herkunft, Milieus und Religionen hierzulande erst noch erprobt werden muss. In Wedding findet all das längst statt, und so lassen sich am Beispiel des Stadtteils im Nordwesten von Berlin die großen gesellschaftlichen Themen Deutschlands und Europas erörtern. Etwa um Migration und Integration, Gentrifizierung bzw. den Wettbewerb um Wohnraum, um den demografischen Wandel und das wachsende Arm-Reich-Gefälle – also um die Kernfrage, wie wir in Zukunft miteinander leben wollen.

Von diesen Phänomenen, Menschen und Räumen erzählen die Arbeiten aus 16 Fotoserien, die in Zusammenarbeit mit der Journalistin Julia Boek und dem Art Director Axel Völcker vom Büro Redaktion & Gestaltung und der international renommierten Fotografenagentur Ostkreuz und anderen Fotografen im letzten Jahr entstanden sind.

Realisierten Julia Boek und Axel Völcker in der Vergangenheit erfolgreich das deutschlandweit einzige Magazin für Alltagskultur »Der Wedding«,das sich mit den Geschichten und Sensationen des Großstadtalltags beschäftigt, nähern sie sich dem Stadtteil nun erstmalig auf eine rein fotografische Erzählweise an. Fotografisch wie publizistisch treten sie damit in die Tradition eines der bedeutendsten Fotokünstler der Nachkriegszeit, so fotografierte Michael Schmidt im Auftrag des Bezirksamtes Wedding von 1976 bis 1978 seine mittlerweile berühmten Straßenansichten und Porträts in Wedding. Der aktuelle 200 Seiten starke Bildband »Berlin-Wedding – Das Fotobuch« erscheint zur Finissage der Ausstellung.

Gewonnen haben Boek und Völcker 16 Fotografen*innen, die der in Weißensee ansässigen Ostkreuz – Agentur der Fotografen nahestehen. Einige von ihnen sind dort Mitgesellschafter, andere lassen sich mit ihren Arbeiten durch die Agentur vertreten. 1990 von sieben Ostberliner*innen darunter Sibylle Bergemann, Ute und Werner Mahler und Harald Hauswald gegründet, ist Ostkreuz heute die erfolgreichste von Fotograf*innen geführte Agentur in Deutschland. Ihre Mitglieder begreifen sich als Autorenfotograf*innen. Trotz unterschiedlicher Arbeitsweisen eint sie eine soziale Verantwortung, wonach der Mensch und das Menschliche im Mittelpunkt ihrer Fotografie stehen. Heute zählt die Ostkreuz Agentur 22 Fotograf*innen, unter den jüngeren befinden sich jene, die eine Ausbildung an der seit 2005 bestehenden Ostkreuzschule absolviert haben.

Die Fotografien der Ausstellung sind fein beobachtete, zeitlose wie sozialkritische Reportagen, Essays und Porträts, die sich multiperspektivisch mit den unterschiedlichen Aspekten des Weddings beschäftigen. So etwa die schwarz-weiß-fotografierten Kneipenszenen der Serie »Last Days of Disco«, für die sich Annette Hauschild in die proletarischen Wohnzimmer des legendären ehemaligen Arbeiterviertels begab. Im Café Morena und im Kugelblitz schloss sie Bekanntschaft mit Stammgästen, die das Selbstbewusstsein einer vergangenen Arbeiterkultur noch immer vor sich hertragen. Dass auch ihr Refugium vom Schwund betroffen ist, wissen sie. Annette Hauschilds Arbeit dokumentiert diesen Veränderungsprozess, an dem auch Künstler*innen maßgeblich beteiligt sind.

Denn, dass das Leben hier im Vergleich zu anderen Stadtteilen wie Kreuzberg oder Prenzlauer Berg noch immer wenig kostest, wissen auch sie zu schätzen. Erstaunt über die hohe Atelierdichte in Wedding, beschloss Thomas Meyer einige von ihnen zu porträtieren: darunter den Performancekünstler Johan Lorbeer, die Malerin Tanja Rochelmeyer oder den Holzbildhauer Peter Rintsch. War es für Meyer besonders herausfordernd, sich auf die unterschiedlichen Orte, die Charaktere der Künstler und deren Kunst einzulassen und trotzdem seine eigene Bildsprache durchzuhalten, lesen sich seine Porträts wie ein spannender Balanceakt zwischen Künstler, Raum und Fotograf.

Auf der Suche nach einem Ort, an dem über Integration nicht nur geredet wird sondern sie auch stattfindet, ging Dorothee Deiss in eine Kinderarztpraxis. In einem Wartezimmer baute sie ein kleines Studio auf und fotografierte für die Serie »Weddings Kinder« Familien und Kinder unterschiedlichster Herkunft und Milieus Gelebte Vielfalt, die auch Espen Eichhöfer in seiner Serie »Black Wedding« im Blick hatte. Mit über 5.000 Einwohnern ist die afrikanische Community Weddings berlinweit die größte, wobei die meisten der hier lebenden Afrikaner aus Ägypten, Kamerun und Nigeria stammen. Eichhöfer begleitete sie zum Sonntagsgebet in die Evangelische Freikirchliche Gemeinde und auf einen Hinterhof für Autoexport, wo eine Gruppe Kameruner Pkws, vollgepackt mit Stereoanlagen, Kühlschränken und Baumaterialien, nach Afrika verschifft. Ein Glückversprechen dieser Tage konservierte Andreas Muhs. Er fotografierte Spielhallen in Wedding, die hier in beträchtlicher Zahl an S-Bahnhöfen, zwischen Gemüseläden, neben Handyshops und Nagelstudios liegen. Seine frontal- und bei diffusem Licht fotografierte Serie »Las Wedding« reiht die Schaufenster großer Kasinoketten neben kleine Spielotheken mit individuell beklebten Scheiben. Heinrich Völkel hingegen suchte für seine Fotografie seltene Momente der Ruhe. Er fotografierte nachts wenn keine Menschen anzutreffen sind, keine Autos, Lieferwagen und Busse fahren. Mit seinen Langzeitbelichtungen und in strengem Schwarzweiß legte Völkel das frei, was den Stadtteil in seiner baulichen Wirklichkeit ausmacht: eine Architektur des Wohnens und Arbeitens, Jugendstil neben Nachkriegsmoderne, Ensemble neben Solitär, viel Geschichte und auch ein wenig Zukunft. Alles zusammen ein buntes Konglomerat verschiedener Lebensstile. So wie die 16 fotografischen Positionen der Ausstellung: Präsentiert jede einzelne eine überraschende und dabei alltägliche Facette des Weddings, so entwerfen alle zusammen das Bild gelebter, gesellschaftlicher Diversität.

Text: Julia Boek

Begleitprogramm: Symposium zu den Citizen Art Days »Initialzündung: Community Building durch Kunst«, kuratiert von Oscar Ardila, Stefan Krüskemper und Kerstin Polzin am Samstag, den 17.06.2017, um 14 Uhr
Finissage mit Buchveröffentlichung von »Berlin-Wedding – Das Fotobuch« am Freitag, den 30.06.2017 um 18 Uhr

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds und der Ausstellungsvergütung für Kommunale Galerien.

Berlin-Wedding
One district– 16 photographic positions

A Group Exhibition by Agentur Ostkreuz and other photographers, initiated by the Office Redaktion & Gestaltung at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst

With works by Dorothee Deiss, Espen Eichhöfer, Annette Hauschild, Heinrich Holtgreve, Tobias Kruse, Hendrik Lietmann, Julius Matuschik, Dawin Meckel, Thomas Meyer, Andreas Muhs, Frank Schirrmeister, Jordis Antonia Schlösser, Ina Schoenenburg, Linn Schröder, Heinrich Völkel and Maurice Weiss.

Curated by Ina Schoenenburg, Linn Schröder und Axel Völcker

Exhibition from 17.06.2017 until 30.06.2017
Opening on Friday, 16.06.2017 at 7.p.m.
Social hotspot, hipster quarter, melting pot, old West Berlin – Wedding is a portrayal of the world, only in miniature. People from an array of social and cultural backgrounds coexist here. They all lend the district its unique character, making it a place of diversity and contrast, yet we still hear that Germany is only recently becoming a country in which people from different places, milieus and religions exist side-by-side. But this has long existed in Wedding, and Berlin’s north-west district exemplifies how these major social issues have come to be considered: Migration, integration, gentrification; or rather: competition for housing, demographic shifts and the growing disparity between rich and poor. It raises key questions regarding how we imagine ourselves to coexist in the future. We learn about these phenomena, people and spaces in the works from 16 photo series created over the past year in cooperation with journalist Julia Boek and art director Axel Völcker from Büro Redaktion & Gestaltung, the internationally renowned photography agency Ostkreuz, as well as other photographers.

In the past, Julia Boek and Axel Völcker successfully realized »Der Wedding«, the only Germany-wide magazine for everyday culture which presented stories and sensations of everyday city life. They now approach the district for the first time in a purely photographic narrative. Photographically and journalistically, they enter a tradition set by of one of the most significant post-war photographic artists, one in which Michael Schmidt photographed his now famous street views and portraits in Wedding on behalf of the district office of Wedding between 1976 and 1978. The current 200-page book »Berlin-Wedding – Das Fotobuch« will appear at the finissage of the exhibition.

Boek and Völcker have acquired 16 photographers, all of whom are closely related to the Ostkreuz Agency of Photographers, based in Berlin – Weissensee. Some are co-owners, while others are represented by the agency. Founded in 1990 by seven East Berliners, including Sibylle Bergemann, Ute and Werner Mahler and Harald Hauswald, Ostkreuz is the most successful photography agency in Germany to date. Its members see themselves as author photographers. Despite their varying working methods, one social responsibility unites them, one that places humankind and humanity at the center of their photography. Today, Ostkreuz Agency represents 22 photographers, the younger members are among those to have been educated at the Ostkreuzschule, founded in 2005.

The photographs featured in the exhibition are acutely observed, timeless and social-critical reportages, essays and portraits which deal with the various aspects of Wedding in a multi-perspectival manner. For example, the black and white-shot pub scenes in the series »Last Days of Disco«, for which Annette Hauschild visited proletarian living rooms of the legendary former working-class district. In the Café Morena and in the »Kugelblitz«, she acquainted herself with regulars who still bear the self-awareness of a past working culture and are also aware that their refuges are disappearing. Annette Hauschild’s works document this process of change in which artists, too, are considerably engaged.

That living costs are low compared to other parts of the city, such as Kreuzberg or Prenzlauer Berg, is something they too appreciate. Amazed at the high concentration of ateliers in Wedding, Thomas Meyer decided to portray some of them and their inhabitants: these include performance artist Johan Lorbeer, painter Tanja Rochelmeyer or wood sculptor Peter Rintsch. While it was particularly challenging for Meyer to engage with the different places, the artist’s characters and their art, while still maintaining his own visual vocabulary, his portraits strike an exciting balancing act between artist, space and photographer.

In search of a place where integration is not only discussed but also achieved, Dorothee Deiss enters a pediatrician’s surgery. In her series »Wedding’s Children«, she builds a small studio in a waiting room and photographs families and children from different origins and milieus. Living diversity that Espen Eichhöfer also had in mind in his series »Black Wedding«. With over 5,000 inhabitants, the African community of Wedding is the largest in Berlin, with most Africans living here originating from Egypt, Cameroon and Nigeria. Eichhöfer accompanied these people to the Evangelical Free Church Congregation for Sunday Prayer, and to a backyard for car exports, where Cameroonian cars packed with stereo systems, refrigerators and building materials ship to Africa.

Andreas Muhs preserves a promise of good fortune of these days. He photographed gambling halls in Wedding, abundantly situated here at train stations, among grocery stores, phone stores and nail salons. His »Las Wedding« series, photographed in frontal and diffuse light, lines the windows of casino chains alongside small gambling halls with their individually laminated windows. In contrast to this, Heinrich Völkel seeks rare moments of silence for his photography. He shoots at night when people are scarce – and with no cars, trucks and busses in sight. With his long-exposures shot strictly in black and white, Völkel exposes that which represents the district’s structural reality: Architecture of the living and working, art nouveau juxtaposed with post-war modernism, ensemble alongside solitaire, a long history and a bit of the future. All in all, a colourful conglomeration of diverse lifestyles. As with the 16 photographic positions of the exhibition, each individual presents a surprising, yet everyday facet of Wedding which all together depicts an image of lived, social diversity.
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With kind support of the Senate Administration for Culture and Europe, the Exhibition Fund and the Exhibition Remuneration for Municipal Galleries. For the friendly support of Citizen Art Days thanks to the Goethe Institute.

Eine Ausstellung von Mario Rizzi im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

An exhibition by Mario Rizzi within the frame of UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Save the date!
Opening 27. April, 7 p.m.
Tour of the exhibition with Solvej Helweg Ovesen und Mario Rizzi at 7 p.m.
Arabic poetry reading with Syrian-born Palestinian poet Ramy Al Asheq at 8 p.m. 
DJ Set by KHMGNFF (Sub-Saharan | Jazz | World Music) afterwards

Accompanying events:

Live Performance by Syrian Tarab-Ensemble MUSIQANA from Berlin on 29.04.2017, 5 p.m., at Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin), free of charge (donations welcome, please come early, the capacity of the room is limited)
Before the concert: tour of the Exhibition at Galerie Wedding at 3 p.m.

Artist talk and presentation of the book BARE LIVES with Mario Rizzi, Solvej Helweg Ovesen, Charlotte Bank, Ramy Al Asheq, Jonas Tinius and other participants on 01.06.2017, 5 p.m.

The curatorial text by Solvej Helweg Ovesen for download: Giving shape to Life Society and Oneself….

(Für die deutsche Version bitte nach unten scrollen)

Within the frame of this year’s exhibition program UP (Unsustainable Privileges) the exhibition BARE LIVES focuses on the Arab uprisings and on how they have radically altered the geopolitics of the region.
However the Italian-born Berlin-based artist and filmmaker Mario Rizzi chooses a personal and privileged viewpoint: the role of the woman in the family and the changing Islamic society. Women have been taking part at the forefront of the region’s revolutions since the early days of the so-called Arab Spring. Rizzi’s works opt for the generally disregarded impact on the bare life of unknown people in this context.

Together with the films »Kauther« (2014)  and »Al Intithar« (Das Warten) (2013), the exhibition presents the series of photographic portraits »August 3rd« (2016) and the 80-image slideshow »Bare Lives« (2017). These images raise questions about the reception of refugees in western societies like Berlin and remind of our communal responsibilities towards those in need of a new normality and against media-instigated fears or spectacle. Rizzi’s intimate approach to the theme of bare life suggests that art can create social change through means of poetry and instate human values.

Mario Rizzi has often worked with individuals living on the edge of society, excluded by the law and from protection by the state. Over the last 25 years, he has developed a practice of interacting with internally displaced people, refugees, and activists living in places where the state of exception has become normality. He has spent many years working in refugee camps (Bosnia, Palestine, Jordan, Iraqi Kurdistan, the Netherlands, Italy, and Greece).

»Bare life« as a concept (conceived by Giorgio Agamben in his book »Homo Sacer« from 1995) refers to a body, a human being, who exists outside of politics and the law, outside protection, who can be killed by anyone without legal repercussions. »Bare life« is a life not politically defined as life outside any nation state. The term describes a form of existence, one that Rizzi attempts to approach and reflect about with his films and photographs.

In his photographic series »August 3rd« shot in a Yazidi camp for internally displaced people in Iraqi Kurdistan, the date »3/8/2014« is graffitied on many tents. On August 3rd 2014, Daesh, the Islamic State, started the genocide of the Yazidi minority in the town of Sinjar in Iraqi Kurdistan, with the massacre of men and ongoing enslavement and systematic abduction and abuse of women and children. Daesh justified the killing, occupation, kidnapping, the trading and mass rape of women and girls of the Yazidi minority because they are not Muslim. Rizzi’s intimate portraits of Yazidi women, with their straight looks into the camera, interrogate us, our silences, our hurried judgments, our preconceptions. While the massacre is still happening, other thousands of Yazidis live in camps in Iraqi Kurdistan and Jordan, but also in Greece and Germany.

The slideshow »Bare Lives« consists of 80 photographs shot in two different geographical areas and human conditions: the improvised camps which were unofficially forming throughout 2016 in Idomeni at the border between Greece and Macedonia, and the long-standing state-established camps for Yazidi IDP (internally displaced people) in Iraqi Kurdistan. All images depict a life of impermanence and uncertainty. But emotions are very different in the two camps. In Idomeni people seem hopeful and they look forward to a new chance in their life. They expect the border to open so that they can continue their way towards the wealthier European countries. The border never opened and, in the end, they were placed in different camps throughout Greece. In the Yazidi IDP camp in Iraqi Kurdistan people do not feel safe nor hopeful. People have lost everything, not only their homes and families, some of the women are still in the hands of Daesh.

Mario Rizzi’s 30-minute film »Al Intithar« (The Waiting), which is also presented in the exhibition, premiered at Berlinale Film Festival 2013. It was shot during the artist’s seven-week stay in Zaatari refugee camp in the Jordanian desert. The film, which presents itself as an excerpt, follows the life of a Syrian woman, Ekhlas, translating the tragic macrocosm of the Syrian war to the intimate microcosm of a relentless woman and her three children.

The film »Kauther«, is a long monologue, in a bare room, over the course of a few days. The protagonist is Kauther Ayari, the first activist to give a passionate voice to Tunis rioters, on Jan 8, 2011, precariously speaking from a window of the Trade Union’s central building. She incited her comrades to stand up for freedom, social justice and democratic change. With absolute openness and unconcealed intimacy, Kauther tells about herself and also addresses the build-up of 2011 and the conditions of being a woman in present day Arab society. The latter she has spent her life challenging.

With friendly support by the Senate Department for Culture and Europe, by the Spartenübergreifende Förderung and the Exhibition Fund for Municipal Galleries

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BARE LIVES
28. April bis 10. Juni 2017

Eine Ausstellung von Mario Rizzi im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Save the Date!
Eröffnung am 27. April 19 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Solvej Helweg Ovesen und Mario Rizzi um 19 Uhr
Arabische Dichterlesung mit dem in Syrien geborenen palästinensischen Poeten Ramy Al Asheq um 20 Uhr 
DJ-Set von KHMGNFF (Sub Saharan | Jazz | World Music) anschließend

Begleitveranstaltungen:
Am Samstag, den 29. April Live-Performance der syrischen Tarab-Band MUSIQANA aus Berlin um 17 Uhr im Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin), Eintritt frei (Spenden willkommen, wir bitten um frühes Kommen wegen begrenzter Raumkapazität)
Für Konzertteilnehmer*innen vorher Rundgang durch die Ausstellung um 15 Uhr in der Galerie Wedding

Donnerstag, den 1. Juni, 17 Uhr Künstlergespräch und Präsentation des Buches BARE LIVES mit Mario Rizzi und Solvej Helweg Ovesen, Charlotte Bank, Ramy Al Asheq, Jonas Tinius  und weiteren Gesprächsteilnehmer*innen

Der kuratorische Text von Solvej Helweg Ovesen steht hier als Pdf zum Download zur Verfügung:
Dem Leben der Gesellschaft und dem eigenen Ich eine Form geben…

Im Rahmen der Ausstellungsreihe UP (Unsustainable Privileges) setzt die Ausstellung BARE LIVES ihren Fokus auf die arabischen Aufstände und wie diese die Geopolitik dieser Region radikal verändert haben. Der in Italien geborene und in Berlin lebende Künstler und Filmemacher Mario Rizzi wählt einen persönlichen und individuellen Standpunkt: Er ruft die Rolle der Frauen innerhalb der Familie und einer sich wandelnden islamischen Gesellschaft ins Bewusstsein, sowie die Tatsache, dass Frauen in den frühen Tagen des sogenannten Arabischen Frühlings an der Spitze der Revolutionen standen.
Die Ausstellung präsentiert die Filme »Kauther« (2014) und »Al Intithar« (Das Warten) (2013) sowie die Fotoserie »August 3rd« (2016) und die aus 80 Bildern bestehende Slideshow »Bare Lives« (2017). Die Bilder werfen Fragen auf bezüglich der Wahrnehmung von geflüchteten Menschen in westlichen Gesellschaften und der damit zusammenhängenden medial gesteuerten Paranoia. Gleichzeitig erinnern sie an unsere gemeinsame Verantwortung gegenüber jenen Menschen, die nicht das Privileg besitzen, eigene Alltagsstrukturen zu haben.

Mario Rizzis Arbeiten zeigen, wie sich die Bedingungen in den Geflüchtetenlagern auf das »bare life«, das nackte Leben der Menschen, auswirken. Damit stellt er die Verbindung her zu Giorgio Agambens Konzept von »bare life« in dessen Buch »Homo sacer« (1995), welches sich auf ein menschliches Wesen bezieht, das abseits von Politik und Gesetz existiert. Eine Person genießt keinen Schutz und könnte von jedem ohne Konsequenzen getötet werden. Der Begriff beschreibt eine Art von Existenz, über die Mario Rizzi mit seinen Filmen und Fotografien reflekiert. Rizzis intime Herangehensweise an dieses Thema versucht mit Hilfe von Kunst als einem Mittel der Poesie und Menschlichkeit, einen sozialen Wandel herbeizuführen.

Rizzi hat bereits mit vielen Menschen zusammengearbeitet, die am Rande der Gesellschaft stehen und vom Schutz durch den Staat und das Gesetz ausgeschlossen sind. Während der letzten 25 Jahre interagierte er mit internen Vertriebenen sowie Geflüchteten und Aktivist*innen, die in Orten leben, in denen der Ausnahmezustand zur Normalität geworden ist. Er hat mehrere Jahre in Geflüchtetencamps in Bosnien, Palästina, Jordanien, Irak, in Kurdistan, Finnland, den Niederlanden, Italien und Griechenland verbracht und dort gearbeitet. Die acht Bilder aus der Fotoserie »August 3rd« porträtieren jesidische Frauen in einem Camp in der Autonomen Region Kurdistan in Irak. Der Titel der Fotoreihe geht auf den 3. August 2014 zurück, an dem der Islamische Staat in Sinjar, Irak, mit dem Massenmord der Jesiden-Minderheit begann, gefolgt von Versklavung und systematischem Missbrauch von Frauen und Kindern. Der Islamische Staat rechtfertigte die Taten damit, dass die Jesiden-Minderheit nicht muslimisch ist.

Die Slideshow »Bare Lives« zeigt in 80 Fotografien das »camp life« in mehreren Geflüchtetenlagern. Bilder zum einen aus den improvisierten Camps, die 2016 inoffiziell in Idomeni, an der Grenze zwischen Griechenland und Mazedonien, errichtet wurden, und in denen Menschen unter prekären Bedingungen leben. Zum anderen aus den Camps, die offiziell vom Staat für intern vertriebene Menschen eingerichtet wurden. Gemeinsam ist den porträtierten Menschen die Hoffnung darauf, dass die Grenze bald geöffnet wird und sie ihre Reise in wohlhabendere europäische Länder, nach Deutschland oder Schweden, fortsetzen können. Um dann nicht weiter zu kommen als in über ganz Griechenland verteilte offizielle Camps.

Mario Rizzis 30-minütiger Film »Al Intithar« (Das Warten), der im Februar 2013 erstmals im Wettbewerb der Berliner Filmfestspiele gezeigt wurde, wurde während seines siebenwöchigen Aufenthalts im syrischen Geflüchtetenlager Zaatari in der jordanischen Wüste aufgenommen. Rizzi dokumentiert darin aus der Perspektive einer syrischen Frau namens Ekhlas und ihrer Familie die Schaffung einer Alltagsstruktur in dem – für inzwischen Hunderttausende von Geflüchteten – anhaltenden Warte- und Ausnahmezustand.

Neben »Al Intithar« wird Rizzis in Tunesien gedrehter Film »Kauther« gezeigt, der die Geschichte von Kauther Ayari erzählt, der ersten – heute fast vergessenen– Aktivistin, die 2011 in Tunis am zentralen Muhammad-Ali-Platz die Stimme erhob und den damaligen Präsidenten Ben Ali anklagte, der sechs Tage später angesichts der öffentlichen Proteste sein Amt abgab und das Land verließ.

Die diesjährige Ausstellungsreihe UP – Unsustainable Privileges 2017 in der Galerie Wedding widmet sich mit vier Einzelausstellungen und einem Performance- und Diskussionsprogramm weiter dem Thema Migration, aber auch den Möglichkeiten, wie unsere Privilegien in Nordeuropa anders zu verteilen wären. Den Anfang machte der deutsch-türkische Künstler Viron Erol Vert, dessen Anordnung aus zwölf Betten die Galerie in eine Art Schlaflabor transformierte – in einen geschützten, demokratischen Raum zum träumen. Nach Mario Rizzi wird die Ausstellungsreihe mit einer Ausstellung von Künstlerin Surya Gied fortgesetzt, die sich den Narrationen der »privilegierten Medien« widmet, die bei Zuschauenden im Westen eine immer größer werdende Distanz zu den derzeitigen Weltgeschehnissen schaffen und besonders die Situationen von Geflüchteten verallgemeinern. In der vierten Einzelausstellung des Programms wird sich die aus Mexiko stammende Künstlerin Mariana Castillo Deball mit der brisanten Frage auseinandersetzen, wer in der museologischen Forschung das Privileg des Zugangs zu archäologischen Objekten besitzt.

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Eine Ausstellung von Ahmet Öğüt im Rahmen von Post-Otherness-Wedding (POW) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Begrüßung & Worte zur Ausstellung
Sabine Weißler, Bezirksstadträtin für Weiterbildung, Kultur, Umwelt und Naturschutz
Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur

ab 20 Uhr Musik aus der Plattensammlung von realtalktalk (Alexander Peikert http://alexundantje.de/)

ab 23 Uhr DJ Set von Barbara Klein (https://www.facebook.com/photovideo.b.klein/)

»Invisible Cinema« im digitalen Zeitalter – eine Installation von Hannah Sioda

Kuratiert im Rahmen von POW Post-Otherness-Wedding von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

In seinen zehn Jahren als praktizierender Künstler war Öğüt selbst eine Art nomadischer Künstler, ohne ein festes oder physisches Studio. Sein Studio war der konzeptuelle Ort des Geistigen, den er mit sich von Istanbul nach Helsinki, Amsterdam und Berlin bringen konnte. Durch die Inszenierung des »LOFT«-Geistes wird Öğüt die Galerie in sein Arbeitsstudio verwandeln. Studio Öğüt ist ein Ort zum gemeinsamen Nutzen, Arbeiten, Lernen, Aufbewahren, Zeitverbringen, Zusammenkommen, Denken, Treffen, Kochen, Feiern, Produzieren und Präsentieren. Dabei wird Öğüt nicht nur die Bedeutung des Studios als Bezugspunkt und Grundlage radikal infrage stellen, sondern auch den kreativen Prozess des Künstlers hinterfragen. (Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung)

Der in Diyarbakir geborene Ahmet Öğüt vertrat 2009 die Türkei auf der Biennale in Venedig. Er arbeitet mit den Mitteln Humor, Ironie und Übertreibung – oft jenseits des Absurden. So gelingt es ihm, die Gleichschaltung unseres kollektiven Gedächtnisses sichtbar zu machen. Er erarbeitet eine eigene Version der Geschichte, in der die kleinen und vielfältigen Geschichten den Vorrang bekommen. Sein Blick auf die Moderne speist sich aus Literatur, Film und Philosophie und äußert sich in Zeichnung, Video, Fotografie und Installation.

Begleitende Veranstaltungen
ab 15.06.2016 »Invisible Cinema« im digitalen Zeitalter – eine Installation von Hannah Sioda
21.06.2016 von 12 bis 14.30 Uhr Der Künstler Ahmet Öğüt und die Kuratorin Solvej Helweg Ovesen sind anwesend und offen für Fragen und Gespräche.
21.06.2016 um 19 Uhr Le Brothers (Le Ngoc Thanh & Le Duc Hai) – Europa-Tour Of(f) Myth Performance Programme: Talk & Screening eingeladen von Savvy Contemporary Gallery Berlin e.V. kuratiert von Nathalie Mba Bikoro.

Weitere Veranstaltungen mit verschiedenen Akteur_innen werden auf unserer Web- und Facebookseite angekündigt werden. Geplante Veranstaltungen sind (tba) unter anderen mit dem Kreuzberger Nasenflötenorchester, The Curves – Women Motorcycle Club Berlin, Yoga mit Kindern und vielen mehr.

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
Studio Öğüt_ deutsch
Studio Öğüt_english

Biografie/ Biography
Ahmet Öğüt

Webseite/ Website
www.ahmetogut.com

Presseartikel/ Press Reviews
»Ahmet Ögüt im Ganzen« (Zitty vom 07.Juli 2016)

LE BROTHERS (Le Ngoc Thanh & Le Duc Hai)

Geboren 1975, Bình Trị Thiên, Vietnam, leben und arbeiten in Hue City, Vietnam

Le Brothers are twin brothers who are forging a truly remarkable art career. Their unique approach to history, identity and the interpretation of the past in the present produces works that accelerate our understanding of unforgettable events which are presented as refined and dignified accounts that invite the viewer’s reflection, realization and a deeper respect for culture and custom.

Their practice explores an aesthetic where their art can for example, examine, dissect and question the post-war consciousness of North and South Vietnam.

www.newspacearts.com

Le Brothers (b. 1975, Bình Trị Thiên, Vietnam) are twin brothers whose work dissect and question the post-war consciousness of North and South Vietnam. The »Other Side Project« solo videos in HDLU museum, Zacrep – Croatia (2015). »Secret Archipelago« in  Palais de Tokyo, Paris (2015). Do Disturb Contemporary arts festival in Palais De Tokyo, Paris (2015). »Budi Daya« video art  »Into The Sea« in Malay Heritage – Singapore. »Red project« 2014 and »The glimmer that we see / Vietnam« in Taipei, Taiwan 2014. Selected for Singapore Biennale 2013, selected projects include »The Bridge II«, performance at DMZ Gang Hwa, Korea (2012), »Before ‘86«, Cheongju Complex Cultural Center, Korea (2012) and »Communicate with me«, Saigon Open City, Vietnam (2006), »Window to Asian« Vietnam (2001).

The Invisible Cinema was a theatre built in 1970 by Peter Kubelka in the Anthology Film Archives in New York. It was based upon the notion that, like the other machines a film is dependent on (cameras, developers, printers, editing machines, and projectors), the room in which one sees a film, should also be a machine designed for film viewing.

»A machine that permits an experience of the filmic image and sound, without distractions, where the viewer should not have any sense of the presence of walls or the seize of the auditorium. He should only have the white screen isolated in darkness as his guide to scale distance. All the other elements of the cinema are black: the rugs, the seats, the walls the ceiling. Seat hoods and the elevation of the rows protect one’s view of the screen from interception by the heads of viewers in front. Blinders eliminate the possibility of distractions from the side. We call it The Invisible Cinema.»(Anthology Film Archives in The Filmmakers Newsletter, 1971)

Workers taking over the Factory is a film about the installation of 8mm film activated through a sewing-machine by Ahmet Ogut in collaboration with Ozgur Kazova: Workers Self-managed Textile Cooperative, and commissioned by the 13th Biennale de Lyon.

Screened in this reproduction of the Invisible Cinema, the film enables a dialogue with the space it is hosted in – a dialogue reflecting our own viewing position within and outside of the black room.  This is a sometimes contradictory exchange between Lumières Film Sortie de l’usine, a sewing-machine that activates celluloid, a film documenting the installation itself and it’s projection inside this gallery-room transformed into a viewing-machine.

– Text by Hannah Sioda –

Further Reading:

Manifesto of the Anthology Film Archive:

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DJ Workshop für Jugendliche mit der Berliner DJ Silva Rymd (://about blank)
Voranmeldung bis 02.06.2016 an post@galeriewedding.de
max. Teilnehmer*innenzahl: 8

Dauer ca. 3 bis 4 Stunden

Zu Beginn des Workshops wird gemeinsam die Technik installiert und die komplette Musikanlage erklärt. Dabei werden die Funktionen der einzelnen Geräte benannt und der Lauf des Tonsignals vom Speichermedium, ob Vinyl oder mp3, bis zum Lautsprecher verfolgt. Im gemeinsamen Gespräch werden Vorlieben und Interessen aller Teilnehmer*innen für bestimmte Musikrichtungen herausgefunden.

Silva Rymd zeigt den Umgang mit Vinyl (Schallplatten) und Vinylmixing in Bezug auf Techno und Hip Hop. Gemeinsam wird schließlich das mixen – sogenanntes „beat matching“ eingeübt.

Ziel des Workshops ist, das sich alle Interessierten nicht nur trauen die Technik anzufassen, sondern auch sie zu bedienen, um Spaß am Medium zu bekommen. Sie sollen die Erfahrung machen, selbst gestalterisch aktiv zu werden. Falls vorhanden sollen die Jugendlichen Vinyl mitbringen. Es stehen jedoch auch 20 Übungsplatten zur Verfügung.

Wenn Silva Rymd nicht gerade Platten im ://about blank auflegt, ist sie als DJ im Berghain in Berlin, im Harry Klein in München, im Vicious Club in Rom oder im Conne Island in Leipzig anzutreffen. Sie studierte Kulturwissenschaft und schreibt zurzeit ihre Doktorarbeit.

 Soundcloud
soundcloud.com/silva-rymd

31.05. 2016 und 01.06.2016 von 14 bis 18 Uhr

Voranmeldung bis 24.05.2016 an post@galeriewedding.de
max. Teilnehmer*innenzahl: 15

»Berlin ist groß. Hier kann man leicht verloren gehen, ohne Stadtplan oder GPS. Außer man geht jeden Tag den gleichen Weg. Da ist der Späti, da die Bushaltestelle. An Poco Domäne abkürzen über den Parkplatz, vorbei am afrikanischen Lebensmittelladen, links den besten Döner der Stadt passieren und dann in die U-Bahn. An der Zielstation hoffen, den einen, besten, Ausgang nach oben zu nehmen. Doch auf der falschen Seite zu landen (Karstadt) und dann über die Ampel, am Wochenmarkt vorbei (Ah, es ist Dienstag!) bis zum Nähmaschinenladen an der Ecke. Da einen guten Moment abpassen und über die doppelspurige Straße. Schließlich am Ziel: Galerie Wedding.
Was von dieser Reise zurück bleibt sind nicht nur Einzelhandelsgeschäfte sondern auch Gerüche, aufgeschnappte Gespräche, ausgetauschte Blicke, blitzende Reflektionen in Schaufensterscheiben, Müll, der tatenlos rumsteht, vergessener Hundekot, der erste Krokus des Jahres und mehr. Wie sieht eine Karte aus, die genau das dokumentiert? Wir finden es zusammen raus!
Am ersten Tag unternehmen wir einen Abenteuerspaziergang rund um die Galerie Wedding. Angeleitet vom Zufall, nehmen wir das auf, was uns passiert. Wir riechen, hören und fühlen, machen Fotos, Tonaufnahmen, Notizen, sprechen Leute an, finden etwas, oder auch nicht. Zurück im Atelier wird erstmal ausgeruht, mit Schorle und Keksen. Dann wird gezeichnet, gemalt und aufgeklebt, was von diesem Spaziergang noch in Kopf und Gliedern ist. Wer erinnert sich an was?
Am zweiten Tag geht‘s an die Wand und um die Frage, wie bin ich nur hier hingekommen. Mit den am Vortag geschärften Sinnen könnt ihr Euch nun frei austoben. Entstehen wird ein Wirrwarr aus Wegen, Erinnerungen, Gefühlen und Wünschen, was anders sein könnte.«
(Grit Hachmeister & Pauline Recke)

Grit Hachmeister
studierte Fotografie an der HGB Leipzig. Seit 2003 Teil des Künstlerinnenkollektivs »VIP«, seit 2010 Teil des Magazins »DIE STREICHELWURST«, zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland (»Travestie für Fortgeschrittene«, GfzK Leipzig, 2015, »Redemption Jokes« nGBK, 2015, zahlreiche Preise und Stipendien, (u.a. Arbeitsstipendium Stiftung Kunstfonds Bonn, 2015), lebt und arbeitet in Berlin und Leipzig.

Pauline Recke
studierte Illustration an der HGB Leipzig. Seit 2012 Teil des Magazins »DIE STREICHELWURST« Neben ihrer Tätigkeit als freiberufliche Illustratorin und Grafikerin, gibt sie regelmäßig Kurse und Workshops für Trickfilm, Comic und Video – sowohl für Kinder und Jugendliche, als auch für Erwachsene. Sie lebt und arbeitet in Berlin.

Webseite/ Website
www.gritwirkriegendich.blogspot.com

(Zeichnung von Pauline Recke)

Ausstellung mit Arbeiten von Folke Köbberling, AHAOK, Studierenden der Beuth Hochschule für Technik sowie Teilnehmerinnen und Teilnehmern der KinderKunstWerkstatt, des Ateliers Farbklang und des Education-Programms der Galerie Wedding
Programm mit Beiträgen der bedingungslosen akademie (ba), der Kunstwerkstatt der Lebenshilfe Kreuzberg, Doc Schoko, Bazon Brock, Grit Hachmeister und Pauline Recke, Silva Rymd und Paz Ponce (berlinerpool e.V.)

Kuratiert von Katja Stoye-Cetin

26.05.2016
17 Uhr
Eröffnung

17 bis 20 Uhr
Drucken inklusiv mit der Kunstwerkstatt der Lebenshilfe Kreuzberg

20 Uhr
Livekonzert mit Doc Schoko

Programm

27.05. und 28.05.2016 von 14 bis 18 Uhr
How to perform deliberation #1
Eine inoffizielle Sprechstunde der bedingungslosen akademie

28.05.2016 um 19 Uhr
Biografiepflicht und Werkwille – Verzicht von Liebe und Leben zugunsten von Werk und Wirken
Vortrag von Bazon Brock

31.05. und 01.06.2016 von 14 bis 18 Uhr
Mapping the Wedding / Was am Ende übrig bleibt
Workshop mit den Künstlerinnen Pauline Recke und Grit Hachmeister

03.06.2016 von 14 Uhr bis ca. 18 Uhr
Vinyl-DJ-Workshop mit Silva Rymd
DJ-Workshop für Jugendliche mit der Berliner DJ Silva Rymd (://about blank)

04.06.2016 um 16 Uhr
www – Wunderbares Wörterbuch Wedding
Präsentation des Web-Archivs und Live-Performance. Ein Projekt unter künstlerischer Leitung von Paz Ponce mit den Künstlerinnen Aída Gómez, Ulrike Jensen, Zorka Wollny und Kindern der Albert-Gutzmann-Schule

»Der Titel des diesjährigen Wedding Campus »Alice in den Städten« ist dem Roadmovie des Regisseurs Wim Wenders aus dem Jahr 1974 entliehen. Es erzählt die Geschichte des an sich und seiner Arbeit verzweifelnden Journalisten Philip Winter und des neunjährigen Mädchens Alice, die sich unverhofft begegnen und auf der Suche nach dem Wohnort von Alices Großmutter kreuz und quer durch das Ruhrgebiet unterwegs sind.

Im Laufe der Geschichte gelingt es dem Erwachsenen, sich auf die Art des Suchens von Alice einzulassen, die sich zwar an den Geruch des Treppenhauses erinnert, aber weder die Adresse noch den Nachnamen der Großmutter weiß. Zusammen fahren sie durch die Straßen und halten Ausschau nach dem Haus, von dem Alice ein Foto hat. Dabei sieht der Zuschauer, wie die Menschen in Duisburg oder Gelsenkirchen gekleidet waren, wie die Häuser aussahen, wo man baden ging, wie ein Eiscafé aussah und welche Autos man fuhr. Letztendlich lernen die beiden Protagonisten die Wahrnehmung des anderen zu schätzen und zu respektieren, befreunden sich und finden gemeinsam das gesuchte Haus. Die filmischen Begegnungen zwischen dem Kind und dem Erwachsenen sind ein Ausgangspunkt für diese Ausstellung.

Die Darstellung der Sichtweisen auf städtischen Raum in Wim Wenders’ »Alice in den Städten« wird in der Ausstellung (auf andere Art und Weise) fortgesetzt. Momente der Begegnung machen auch das Leben in Berlin aus, und Begegnungen mit Kunst sind etwas zutiefst Individuelles und doch ein gesellschaftliches, gemeinsames Anliegen.

Während des Wedding Campus »Alice in den Städten« sind Kinder und Jugendliche eingeladen, mit den Künstlerinnen Grit Hachmeister und Pauline Recke durch den Wedding zu spazieren und ihre gesammelten Eindrücke künstlerisch an der Galeriewand auszudrücken. Daneben werden Arbeiten aus der KinderKunstWerkstatt und dem Atelier Farbklang gezeigt, die seit vielen Jahren Kindern einen Zugang zu Kunst vermitteln, Techniken lehren sowie Eigenständigkeit und soziales Miteinander anregen. Es findet ein DJ-Workshop mit der DJ Silva Rymd für Jugendliche statt, und ein Webarchiv mit dem Titel »www – Wunderbares Wörterbuch Wedding« wird unter der Leitung der Kuratorin Paz Ponce mit Kindern der Albert-Gutzmann-Schule erarbeitet.

Erwachsene Künstler*innen können sich von der bedingungslosen akademie in einer Sprechstunde zu ihrem Arbeitsalltag, ihrem Lebensentwurf, zur Planung weiterer Schritte ihrer künstlerischen Entwicklung und anderen selbstgewählten Themen beraten lassen. Dafür können sie sich bei Donata Rigg und Kathrin Pohlmann zu einem 30-minütigen Gespräch anmelden.

Für die Ausstellung »Alice in den Städten« wird die Galerie räumlich verändert. Zwei skulpturale Eingriffe sollen neue Räume im Raum schaffen und andere Benutzungen anregen. Auf der einen Seite schafft Folke Köbberling mit ihrer Arbeit »Event #4« eine lichtdurchlässige Raumteilung, die zum ruhigen Verweilen und Betrachten einlädt. Auf der anderen Seite entwickeln Studierende der Architektur an der benachbarten Beuth Hochschule für Technik eine Raumarchitektur zum Arbeiten, Klettern und Spielen für Kids. Dafür treffen sie sich mit Kindern der KinderKunstWerkstatt zur gemeinsamen Ideenentwicklung.

Die Besucher*innen sind eingeladen, sich ins Labyrinth der künstlerischen Arbeiten zwischen Underground (Doc Schoko), Über-Lebenskunst (Folke Köbberling) und Übergang zwischen den Welten (Beuth Hochschule) zu begeben. Sie können einen Vortrag des Denkers Bazon Brock über den Einfluss des Werkes auf das Leben von Künstler*innen hören, mit der Kunstwerkstatt der Lebenshilfe drucken und sich in die Geheimnisse des Plattenauflegens einweihen lassen.«

Katja Stoye-Cetin ist freischaffende Künstlerin,lebt und arbeitet in Berlin, Studium der Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, zur Zeit Studium am Institut für Kunst im Kontext der UDK Berlin.

Webseite/ Website
www.stoye-cetin.de

(Zeichnung von Pauline Recke)

am 06.07.2015 von 17.30 bis 21.00 Uhr

Anlässlich der aktuellen Ausstellung »JuKuMi – Junge Kunst Mitte« in der Galerie Wedding sowie der bevorstehenden Sommerferien widmet sich die Projektbar des Kulturnetzwerks WeddingMoabit Initiativen und Projekten (bevorzugt diesmal aus dem Wedding), in denen Kinder dazu eingeladen sind, sich selbst künstlerisch zu betätigen. Die Projektbar ist ein informelles Treffen, initiiert vom Kulturnetzwerk WeddingMoabit, bei dem sich Kulturakteure aus beiden Bezirken in gemütlicher Atmosphäre kennenlernen, austauschen und vernetzen können.
Im ersten Teil des Abends stellen sich die an der Ausstellung beteiligten Initiativen sowie weitere Kinderprojekte aus dem  Bereich der Bildenden Kunst vor. Im zweiten Teil des Abends beziehen wir dann auch Projekte anderer künstlerischer Disziplinen ein. Im Anschluss an die Projektvorstellungen besteht wie immer Gelegenheit zu informellen Gesprächen und zum Networking.

Moderiert wird die Projektbar von Stefan Höppe (Kulturnetzwerk Wedding Moabit).

Um 17.30 Uhr gibt das Kinderorchester des Kinderkunstateliers »Seepferdchen« zur Einstimmung ein kleines Konzert.

Die Projektvorstellung beginnt gegen 18 Uhr.
Ab 18 Uhr stellen sich folgende Projekte vor (u.a.):

TEIL 1: KinderKunst

Editha Wrase (Leiterin der KinderKunstWerkstatt))
Carola Tinius (Leiterin des Programms Kunst in Schulen und des Theateratelier)
Silke Fischbeck (Kinderkunstatelier »Seepferdchen«)
seepferdchen-berlin.de
Karin Fröhlich (das kleine atelier)
www.malen-und-zeichnen.de

Teil 2: KinderKultur

René Gruschinski (Klingendes Museum Berlin)
klingendes-museum-berlin.de
Elena Tikhomirova (Interkulturelles Jugend- und Familienzentrum SCHALASCH) schalasch.de
Thomas Sutter (ATZE Musiktheater)
atzeberlin.de

Die Projektbar ist eine Initiative des Kulturnetzwerks Wedding & Moabit und findet immer zu einem bestimmten Thema am ersten Montag im Monat an wechselnden Orten in Wedding und Moabit statt.

facebook.com
kultur.knwm.de

JuKuMi_Flyer

Die jungen Wilden
10.06. bis 18.06.2015
Eröffnung am 09.06.2015 von 16 bis 18 Uhr
Eine gemeinsame Ausstellung der KinderKunstWerkstatt und Atelier Farbklang

Kunst in Schulen
25.06. bis 09.07.2015
Eröffnung am 25.07. von 14 bis 18 Uhr
Eine Ausstellung des Programms Kunst in Schulen
kuratiert von Andrea Pichl

Meine Kindheit in Berlin um 2015
– Eine kleine Topographie der Erinnerung
12.07. 2015
von 16 bis 18 Uhr
Präsentation des durch den Projektkulturfonds des Bezirksamt Mitte geförderten Projektes unter der Leitung von Paz Ponce mit Künstlern aus dem Berlinerpool Netzwerk und Kindern aus dem Hort der Albert-Gutzmann-Schule.

»Zur JuKuMi gehören gut ausgestattete Kunstwerkstätten und das Programm Kunst in Schulen, mit dem schon zahlreiche
Partnerschaften und Projektkooperationen angestoßen wurden. In der kulturellen Bildungslandschaft der Berliner Bezirke macht
die JuKuMi mit aufgeschlossenen Ideen und ausgewählten Fachkompetenzen ihres Künstlerkollegiums auf sich aufmerksam.«

Dr. Ute Müller-Tischler
Fachbereichsleiterin Kunst & Kultur

Performance von Herma Auguste Wittstock

In Anlehnung an Marina Abramovics berühmte Performance »THE ARTIST IS PRESENT – THE HARDEST THING TO DO IS CLOSE TO NOTHING« wird die Künstlerin und ehemalige Meisterschülerin von Marina Abramovic Herma Auguste Wittstock eine dreistündige Performance in der Galerie Wedding aufführen.

Ihre Arbeiten basieren auf Performance-Kunst, zumeist Live-Performances oder Living-Installations, aber auch Video- und Film-Performances und performative Malerei. Wittstock stellte unter anderem schon bei der Biennale in Helsinki,  dem National Museum Reina Sofía in Madrid, dem Le Générateur in Paris, dem Theatre Works in Singapore, der Biennale di Venezia, dem Ex Teresa Arte Actual in México, dem X-Space in Toronto, dem Van Gogh Museum in Amsterdam, dem PAC Milan, dem P.S.1 in New York, dem Fridericianum in Kassel, den Kunst-Werken in Berlin und dem Irish Museum of Modern Art in Dublin aus.
Wittstock sagt über ihre Kunst, dass Menschen, Dinge und Räume ihre eigene Logik haben. Jede Situation kann eine Performance sein, so wie Wittstock selbst eine Performance ist. Alles kann Kunst sein oder zu Kunst werden. Wittstock versucht das Alltagsleben zu vereinfachen und es in einen neuen Kontext zu stellen. Sie spielt mit dem Zusammenhang zwischen Zeit und Konzentration, Grenzen des Publikums und ihren eigenen mentalen und physischen Grenzen, Energie und neuen Wegen, Stärke und Schmerz. Der Ort an dem ihre Kunst stattfindet ist von großer Bedeutung und wird oft mit in ihre Arbeit einbezogen.

Herma Auguste Wittstock ist 1977 in Peine, Niedersachsen geboren. Heute lebt sie in Berlin und arbeitet weltweit.

Webseite der Künstlerin
www.hermaauguste.de

Referring to the famous piece of Marina Abramovic »THE ARTIST IS PRESENT – THE HARDEST THING TO DO IS CLOSE TO NOTHING« the artist and former student of Marina Abramovic Herma Auguste Wittstock presents a three hours performance at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst.

Wittstock’s works are based on performance art, mostly live performances or living installations, but as well she works at video- and film performances and performative paintings. Wittstock has exhibited at  Biennale Helsinki, National Museum Reina Sofía Madrid, Le Générateur Paris, Theatre Works Singapore, Biennale di Venezia, Ex Teresa Arte Actual México, X-Space Toronto, Van Gogh Museum Amsterdam, PAC Milan, P.S.1 New York, Fridericianum Kassel, Kunst-Werke Berlin and Irish Museum of Modern Art Dublin.
About her art Wittstock says that people, things and spaces have an inner logic. Every situation can be a performance, as well as she is a performance herself. Everything may be art or can become art. Wittstock tries to simplify everyday life and puts it into a new context. She’s playing with the context between time and concentration. She explores the audience’s and her own limits – between strength and pain. For Wittstock it is important to use the energy of her performance and to pass these energy to the audience. The space her piece is taking place is often as an important part of the performance included in her works.
Herma Auguste Wittstock was born 1977 in Peine, Niedersachsen, Germany. She lives in Berlin and works in the whole world.

website of the artist
www.hermaauguste.de

Eröffnung 09.06.2015
16 bis 19 Uhr

Eine gemeinsame Ausstellung von KinderKunstWerkstatt und Atelier Farbklang mit einer Wandinstallation (Malereien 2010 – 2015) von Fabian Mettin

Begrüßung
Sabine Weißler, Bezirksstadträtin für Weiterbildung, Kultur, Umwelt und Naturschutz
Einleitende Worte
Editha Wrase, Leiterin der KinderKunstWerkstatt
Ulrike Stöhring, Leiterin des Atelier Farbklang

Tombola & Versteigerung
Bei der etwas anderen Spendenaktion gibt es (kleinere und größere) junge wilde Kunstwerke zu gewinnen oder zu ersteigern. Die Einnahmen fließen in Materialanschaffungen für die Kinder-
KunstWerkstatt und beteiligten Kitas.

Begleitende Workshops
jeweils von 10 bis 11 Uhr
10.06.2015 Bauen abstrakter Objekte mit Editha Wrase und Andrzej Gurgul
12.06.2015 Pop Art – Malaktion mit Editha Wrase und Andrzej Gurgul
16.06.2015 Malaktion auf großer Fläche (Bewegung) mit Beate Schmitt
Anmeldung für Kitagruppen mit Vorschulkindern sind bei Editha Wrase unter (030) 9018 33482 möglich. Max. Teilnehmerzahl: 12

Finissage
18.06.2015 von 17 bis 19 Uhr

Beteiligte Kitas und KünstlerInnen
Kitas Kitas Pinocchio, Schönwalder Straße, Neue Hochstraße, Ruheplatzstraße, Villa Römer und Ghislan e. V.
KünstlerInnen Andrzej Gurgul, Beate Schmitt und Fabian Mettin

Kontakt
KinderKunstWerkstatt
Leitung: Editha Wrase
Schönwalder Straße 19, 13347 Berlin
F (030) 9018 33482

Atelier Farbklang
Leitung: Ulrike Stöhring
Auguststr. 21, 10117 Berlin
F (030) 9018 2888 4431

Website der Künstlerin Beate Schmitt:
http://www.beateschmitt.de/