Die Autorin Inana Othman wird musikalisch von Ahmad Ajouz begleitet und spricht im Anschluss mit dem*der Regisseur*in Thu Hoài Trần über ihre Lyrik und ihre neuesten Texte.

Zwischen den Zeilen lagern Stimmen. Unter der Haut ruhen Archive. In den Rissen der Erinnerung sammeln sich Bilder, Gerüche, Namen und Sprachen, die kein staatliches Gedächtnis bewahren kann. Begleitet von Oud-Klängen sowie Fragmenten aus Bild, Ton und Bewegung führt Inana Othman durch poetische Räume entlang der Spuren des Vermissten: den Blicken eines inhaftierten Vaters, den Liedern einer Großmutter, den Händen einer schweigenden Mutter, den Bruchlinien einer Exilsgeologie. Zwischen den Gefängnissen Syriens und den Asylheimen Deutschlands, zwischen mesopotamischen Mythen und kosmischen Vorstellungswelten erscheint Erinnerung als lebendige Kraft – eingeschrieben in Körper, Narben und Sprache. Es entsteht ein vielstimmiges Gegenarchiv aus Klang, Bild und Wort, in dem das Gedicht zur vorübergehenden Heimat wird und das Verschwundene weiteratmet

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Voices are stored between the lines. Archives rest beneath the skin. In the cracks of memory, images, smells, names and languages gather that no state memory can preserve. Accompanied by the sounds of the oud and fragments of image, sound and movement, Inana Othman leads us through poetic spaces along the traces of the missing person: the glances of an imprisoned father, the songs of a grandmother, the hands of a silent mother, the fault lines of an exile geology. Between the prisons of Syria and the asylum homes of Germany, between Mesopotamian myths and cosmic imaginative worlds, memory appears as a living force – inscribed in bodies, scars and language. A polyphonic counter-archive of sound, image and word is created, in which the poem becomes a temporary home and the disappeared continues to breathe.

In Nobody’s Service
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In Niemandes Diensten
Sa Serbisyo sa Walang Sinuman

Ein multidisziplinärer Ansatz zu Geschichtsschreibung, Arbeit, Liebe und Fürsorge in der zeitgenössischen Kunstpraxis

Mit einer Podiumsdiskussion, an der einige der Künstlerinnen, Autorinnen und Herausgeber*innen des Buches teilnehmen:
Philipp Lange, Lola Abrera, Sarnt Utamachote, Malte Pieper, Elena Malzew
Begleitet von einer Live-Zeichensession mit Natthapong Samakkaew.
Anschließend folgt die Food-Performance „SOMTAM REVISITED (ORCHESTRA)“ von Mon Sisu Satrawaha & pead.
Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

Die Publikation dokumentiert und vertieft die von Sarnt Utamachote in Zusammenarbeit mit dem Kollektiv un.thai.tled kuratierte Gruppenausstellung „IN NOBODY’S SERVICE“, die im Rahmen des POLY-Programms in der Galerie Wedding – Space for Contemporary Art in Berlin im Jahr 2024 stattfand. Durch differenzierte Forschung und Kontextualisierung der Werke der teilnehmenden Künstlerinnen schafft das Buch einen kritischen Raum zur Archivierung der Ausstellung und des Veranstaltungsprogramms als Teil diasporischer künstlerischer Praxis in Berlin und darüber hinaus. Es thematisiert historische Verflechtungen, transnationale Migrationsgeschichten und die Beziehungen zwischen den Künstlerinnen und den sie umgebenden Gemeinschaften. Beauftragte Autor*innen (Lola Abrera, Estelle Araya, Sorayut Aiemueayut, Rosa Castillo und Philipp Lange) tragen Essays bei, die mit und über die individuellen künstlerischen Positionen nachdenken.

Die Performerin Camila Paz Araya Fabio führt in ihrer eigens für die Ausstellung entwickelten Choreografie einen Dialog mit den biografisch aufgeladenen Skulpturen der Künstlerin Ahu Dural. Im Spannungsfeld von Serialität und Differenz bearbeitet Araya Fabio darin den Prozess der Adoleszenz zwischen Akkord und Identitätsfindung.

Dauer 20 Minuten 

Adama ist Sängerin und Produzentin des Trios; noch im Gründungsjahr erschien ihre erste EP, auf der auch Valerie und Tara zu hören sind. Valerie studiert Viola an der Hochschule für Musik Franz Liszt in Weimar und arbeitete bereits mit internationalen Künstler*innen wie Aron Ottignon, Pamela Badjogo und Martin Kohlstedt zusammen. Auch Tara studiert dort und spielte u.a. mit Alibeta, Natalie Greffel und Juliane Gamboa; 2024 veröffentlichte sie ihre erste eigene Jazzplatte.

13.03.2026, 19:00 Uhr

Eintritt frei

Ahu Dural übersetzt in ihrer Lecture Performance Erinnerungen unterschiedlicher Intensität anekdotisch in neue räumliche Konstellationen und Narrative. Somit präsentiert sie bruchstückhafte Erlebnisse von Zeitzeuginnen eines Weddings der 1970er Jahre bis heute. Dabei destilliert sie Kurzinterviews und interpretiert Aussagen von Anwohnerinnen aus verschiedenen Generationen neu. Ehemalige »Weddingerinnen« (im Wedding sozialisierte oder im Wedding arbeitende Interviewpartnerinnen) erzeugen den Strang dieser Spiegelung und werden ergänzt durch ein persönliches Bildarchiv.

Die Performance beinhaltet einen kleinen Spaziergang von ca. 20 Minuten zur Malplaquetstraße.

Eröffnung 26.02.2026, 18 Uhr
Von 27.02.2026 bis 10.05.2026
Kuratiert von Eylem Sengezer

Galerie Wedding präsentiert im Frühjahr 2026 die Einzelausstellung »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« von Ahu Dural. Die Ausstellung nimmt eine Wohnung zum Ausgangspunkt einer künstlerischen Auseinandersetzung mit Familiengeschichte, Migration, Arbeit, weiblicher Solidarität und Aneignung. Montage erscheint hier nicht nur als manuelle Tätigkeit migrantischer Frauen, die in Produktionsstätten der Berliner Elektroindustrie im Akkord arbeiten, sondern auch als ästhetisches Verfahren und Prinzip: Die Skulpturen Durals bestehen aus Grundformen – häufig aus Holz oder industriellen Aluminiumleisten –, die mit Fotografien, Textilien oder Alltagsobjekten zusammengefügt und kombiniert werden. Montage wird zur Methode der Aneignung und zur Form des Denkens. Persönliche Erinnerung, fotografisches Detail und architektonische Referenz überlagern sich. Auch Farbe wird zu einem wichtigen Träger von Erinnerung und zum verbindenden Element zwischen Erzählung, Bild und Objekt. »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« ist eine Ausstellung über das Ankommen und das Arbeiten, über migrantische Lebenswelten, über industrielle Rhythmen und häusliche Lebensformen, über Erinnerung als fragmentarischen, montierten Prozess. 

In spring 2026, Galerie Wedding will present »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« (Malplaquetstraße 33 – Youth of a Female Assembly Worker), a solo exhibition by Ahu Dural. Taking an apartment as a starting point, the exhibition explores family history, migration, work, female solidarity and appropriation artistically. Here, assembly is not only presented as a manual activity carried out by migrant women employed on a piecework basis in Berlin’s electrical industry production facilities, but also as an aesthetic process and principle: Dural’s sculptures consist of basic forms – often made of wood or aluminium strips – which are assembled and combined with photographs, textiles or everyday objects. Assembly becomes a method of appropriation and a form of thinking. Personal memories, photographic details and architectural references overlap. Color also becomes an important vehicle for memory and a connecting element between narrative, image and object. »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« is an exhibition about arrival and work, migrant life worlds, industrial rhythms and domestic ways of life, and memory as a fragmented, assembled process.

Kuratorische Assistenz: Philipp Hennch, Kaya Peters

Die APO-Enquete lädt zu einem Nachmittag mit Essen & Austausch ein. Die Veranstaltung markiert zugleich das Ende der Ausstellung „Emergent Archives“ und den Beginn eines Community-Raums in der Galerie Wedding. In gemütlicher Atmosphäre kommen Menschen verschiedener Generationen zusammen, um über eigene Geschichten, Solidarität und ein gerechteres Berlin für alle ins Gespräch zu kommen. Gerne ältere oder jüngere Nachbar*innen, Freund*innen und Familie mitbringen! Beiträge für das gemeinsame Buffet sind willkommen.

Hinter diesem Buch steht eine langfristige Zusammenarbeit unseres Netzwerks von Frauen unterschiedlicher Herkunft, Generationen und Perspektiven. Was uns verbindet, ist der Einsatz für Empörung, Utopien und die Freude, miteinander zu lernen und zu wachsen. Jede von uns war Erzählerin, Autorin und Illustratorin: Eine Person erzählt eine wahre Begebenheit aus ihrem Leben, eine zweite schreibt sie in ihrer eigenen Form weiter – als Brief, Gedicht oder Erzählung – und eine dritte verwandelt sie in ein Bild. Aus diesem Spiel der „Dreiecksgeschichten“ entsteht dieses besondere Buch für Mädchen und junge Frauen. Wenn du fragst: „Wessen Geschichte ist das?“, antworten wir: „Meine, unsere – und jetzt auch deine.“ Auch du kannst deine eigene Geschichte schreiben und illustrieren. Wir laden euch ein, zu entdecken, wie aus einem einzelnen Erlebnis eine gemeinsame Geschichte entstehen kann. Wir haben 12 Exemplare dieses besonderen Buchs, das wir am Tag der Veranstaltung gerne an Mädchen und junge Frauen verschenken möchten.

Mädchen machen Druck Projekt ist Teil des Netzwerks Frauen Machen Druck. Dabei arbeiteten wir mit jungen Menschen, vor allem mit Migrantinnen, zusammen. Wir organisierten Workshops, hörten einander zu, teilten Erfahrungen und gaben das Gelernte weiter. Dieses Buch ist ein Teil davon: Es soll Mut machen, Hoffnung geben und Resilienz zeigen. Es ist ein Zeichen dafür, dass niemand allein ist, dass unsere Stimmen zählen und dass wir gemeinsam Antworten finden können.

Frauen machen Druck  ist eine offene Druckwerkstatt für Menschen, die sich als Frauen in Berlin identifizieren. Frauen beteiligen sich aktiv an der Co-Verwaltung und Co-Organisierung. Die Teilnehmerinnen kommen aus unterschiedlichen sprachlichen Hintergründen, sozialen Schichten und Altersgruppen und haben verschiedene nationale und migrantische Biografien. Es ist ein Netzwerk von mehr als 100 Frauen. Frauen machen Druck hatte bereits zwei Ausstellungen im Käthe-Kollwitz-Museum und bei Savvy Contemporary in Berlin. Ihre jüngste Ausstellung, Frauen porträtieren Frauen, wurde in Berlin, Oaxaca, Kairo und Gent gezeigt.

Get Together bei Punsch und Waffeln in der Galerie Wedding

Ein Raum zum Aufwärmen, Zuhören und das Teilen von Geschichten.

Bei dampfendem Punsch und selbstgebackenen Waffeln nähern wir uns gemeinsam Fragen rund um das Thema Erinnerungen.

In ungezwungener Atmosphäre stellen wir Fragen an die großen und kleinen Geschichten unserer Zeit, welche Erinnerungen diese formulieren und wo wir unsere eigenen Geschichten darin wiederfinden.

Kann der Duft von Puderzucker und Zimt uns dabei helfen eine Auszeit zu nehmen, um uns Fragen und Themen zu stellen, die im Alltag häufig untergehen oder verdrängt werden?

Stoffservietten mit Fragen werden zu Moderator*innen und gleichzeitig zum Archiv – Erinnerungen, Geschichten und Ideen dürfen in Form von Notizen und Skizzen auf ihnen festgehalten.

27.11, 17:00 – 19:30 Uhr

Die APO-Enquete ist eine Plattform für Auseinandersetzung und Veränderung. Hier kommen Menschen zusammen, um Lösungen zu entwickeln, neue Perspektiven einzubringen und eine Stadt zu gestalten, die wirklich allen gehört und nicht nur für Wenige gestaltet wird. Unter der Leitfrage „Wie wollen wir gemeinsam in Berlin leben?“ beschäftigen wir uns mit den drängenden Fragen unserer Zeit.

Auf dem Leopoldplatz entwickelt die APO Enquete Berlin an zwei Tagen eine Intervention im öffentlichen Raum, das „APO Enquete Pop-up“, die sich mit der Leitfrage nach dem gemeinsamen Leben in einer diversen Stadtgesellschaft beschäftigen soll und Passant*innen und Nutzer*innen des Platzes dazu einlädt, diese Frage mitzuverhandeln. Darüber hinaus wird die Vernetzung der APO Enquete mit Initiativen und Gruppen rund um die Nachbar*innenschaft angestrebt, um die Themen des Kiezes in den Vordergrund zu stellen.

Die Veranstaltung wird aus Geldern des Berliner Sicherheitsgipfels für die Maßnahme kulturelle Belebung des Leopoldplatzes finanziert.

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The APO Enquete is a platform for debate and change. It is a place where people come together to develop solutions, contribute new perspectives and shape a city that truly belongs to everyone, not just a select few. Under the guiding question ‘How do we want to live together in Berlin?’, we address the pressing issues of our time. Over two days at Leopoldplatz, the APO Enquete Berlin is developing an intervention in public space, the ‘APO Enquete Pop-up’, which will address the key question of living together in a diverse urban society and invite passers-by and users of the square to join in the discussion. In addition, the APO Enquete aims to network with neighbourhood initiatives and groups in order to bring the issues of the neighbourhood to the fore.

Die Galerie Wedding lädt herzlich ein zum Booklaunch der Publikation »I Am Drawing to Resist Powerlessness« von Noor us Sabah Saeed ein. Diese Publikation basiert auf einer Zeichenperformance der Künstlerin, die am 6. August 2025 im Foyer des Rathaus Wedding stattgefunden hat.

Sie zeichnete die Räumlichkeiten des Rathaus Wedding und widmete sich hierdurch der Architektur und deren ideologischen Hintergründen. Kombiniert mit der choreographierten Präsenz des Publikums kreierte diese Kunstpraxis eine Intervention in die Institution des Rathauses im Spannungsfeld von Prozessen der Entfremdung und Emanzipation.

In ihren bisherigen Performances behandelte Saeed Themen wie Verlust, Ausschluss, sowie Macht- und Abhängigkeitsstrukturen. Dabei fungiert ihre Zeichenpraxis als widerspenstiger Akt, durch den sie sich Orte und Beziehungsweisen emanzipativ aneignet.

6.8.2025 von 16 – 19 Uhr

»I Am Drawing to Resist Powerlessness« von Noor us Sabah Saeed ist eine Zeichenperformance, die innerhalb des Foyers des Rathaus Wedding stattfindet. In ihren bisherigen Performances behandelt Noor us Sabah Saeed Themen wie Verlust, Ausschluss, sowie Macht- und Abhängigkeitsstrukturen. Dabei stellt Saeeds Zeichenpraxis ein widerspenstiger Akt dar, durch den sie sich Orte und Beziehungen emanzipativ aneignet.

Saeed zeichnet die Räumlichkeiten des Rathaus Wedding und widmet sich hierdurch der Architektur und deren ideologischen Hintergründen. Kombiniert mit den schriftlichen Aufzeichnungen von Sabah Saeeds Empfindungen und ihren Beobachtungen kreiert diese Kunstpraxis eine Form des Widerstands gegen Entfremdungsprozessen die auf materialistischer und psychologischer Ebene in den Institutionen wirken, von denen wir abhängig sind.

Das Rathaus Wedding stellte schon vor dessen Grundsteinlegung eine Besonderheit in der Berliner Verwaltung dar. Das Gebäude, im Gegensatz zu anderen Rathäusern in Berlin, wurde speziell in Folge des Groß-Berlin-Gesetzes von 1920 geplant und sollte dem damals neuen Bezirk Wedding ein eigenes Verwaltungsgebäude geben. Diese damit einhergehende neue, bürger*innennahe Ebene zwischen Senat und Zivilgesellschaft sollte in der Architektur aufgegriffen werden. Im Stil der neuen Sachlichkeit gebaut wurde auch in Abgrenzung zu den anderen Rathäusern auf einen repräsentativen Turm verzichtet. Seitdem ist das Rathaus Wedding Anlaufpunkt für Menschen aus Berlin mit unterschiedlichsten Anliegen.

Noor us Sabah Saeed aktualisiert in ihrer Kunstpraxis die Perspektive auf die Institution Rathaus und hinterfragt hierbei Anspruch und Wirklichkeit. Das Ziel ist es, das Rathaus Wedding durch den Akt des Zeichnens zu analysieren. Hierbei verfolgt sie ihrem aktuellen Forschungsinteresse der Institutional Analysis, insbesondere, wie Institutionen gesellschaftliche Neigungen erben, die ihrerseits ihre Funktionsweise prägen. Diese Neigungen und Vorurteile führen oft zur Entfremdung der Menschen, denen die Institutionen eigentlich dienen sollen. Mit ihren ortsspezifischen Zeichnungsperformances erforscht sie das Potenzial der Zeichnung in öffentlichen Räumen und Institutionen. Im Mittelpunkt der Arbeit stehen die Fragen: Wie kann die Zeichenpraxis als eine Form des Widerstands dienen? Wie kann man in diesen Institutionen wieder handelndes Subjekt werden?

Die Performance wird von Philipp Hennch als Teil des Projektes »Transversalities« kuratiert. Teil des Projektes ist eine Publikation die in Zusammenarbeit mit Erin Honeycutt (Cutt Press) im Herbst dieses Jahres veröffentlicht wird.

»I Am Drawing to Resist Powerlessness« by Noor us Sabah Saeed is a drawing performance that takes place in the foyer of Rathaus Wedding. In her previous performances, Noor us Sabah Saeed dealt with themes such as loss, exclusion, as well as power and dependency structures. Saeeds drawing practice is an unruly act through which she emancipatively appropriates places and relationships.

Saeed draws the spaces of the Rathaus Wedding and thereby devotes herself to the architecture and its ideological background. Combined with the written records of Sabahs observations and sensations, this art practice creates a form of resistance against processes of alienation that operate on materialistic and psychological levels in institutions we depend on.

Even before its foundation stone was laid, Rathaus Wedding was a special feature of Berlin’s administration. The building, unlike other town halls in Berlin, was planned specifically as a result of the Greater Berlin Act of 1920 and was thus intended to give the then new district of Wedding its own administrative building. This new, citizen-oriented level between the Senate and civil society was to be reflected in the architecture. It was built in the New Objectivity style and, in contrast to the other town halls, a representative tower was dispensed with. Since then, Wedding Town Hall has been a focal point for people from Berlin with a wide variety of concerns.

In her art practice, Noor us Sabah Saeed updates the perspective on the institution of the town hall, questioning aspirations and reality. The aim is to analyze the Rathaus Wedding through the act of drawing. In doing so, she pursues her current research interest in institutional analysis, in particular how institutions inherit social biases that in turn shape the way they function. These biases and prejudices often lead to the alienation of the people the institutions are supposed to serve. With her site-specific drawing performances, she explores the potential of drawing in public spaces and institutions. The work focuses on the questions: How can drawing serve as a form of resistance? How can one become an active subject again in these institutions?

The performance is curated by Philipp Hennch as part of the project »Transversalities«. Part of the project is a publication that will be released in collaboration with Erin Honeycutt (Cutt Press) this fall.

»Rage Is a Prayer ist ein Ausdruck gelebter Erinnerung – ein improvisiertes Ritual, in dem Klang, Atem und Bewegung zu Trägern von Geschichte, Erschütterung und Heilung werden. Es ist eine persönliche und zugleich kollektive Auseinandersetzung mit dem emotionalen Erbe der Schwarzen Diaspora – mit den Spuren von Leben, die durch Gewalt entwurzelt, geraubt und über Kontinente verstreut wurden, fern der Orte, die sie einst trugen. Es geht aber auch um die leisen, alltäglichen Formen von Ausgrenzung und dem fortdauernden Versuch, Spuren auszulöschen. Dabei geht es nicht nur um die Vergangenheit – sondern darum, wie diese Vergangenheit bis heute in uns wirkt. Es geht darum, ein inneres Feuer durch kalte Städte und fremde Straßen zu tragen. Es geht darum, unserer Seele Raum zu geben – inmitten von Ankunft, Verletzung und der Suche nach Heilung.

Im Dialog mit PURE bringt der*die multidisziplinäre Künstler*in Bláthin Klänge ein, die als Impulse, Fragen oder Zeichen wirken – jede löst eine unmittelbare, gefühlte Reaktion aus. Es entsteht ein freies Zusammenspiel, ein Hören und Antworten, getragen von gegenseitigem Spüren. Wut ist hier kein Spektakel – sie ist ein Heilmittel. Sie ist das, was von Geschichten bleibt, die über Meere, durch Zeiten und Sprachen getragen wurden. Sie ist der Klang des Widerstands. Sie ist ein Gebet – gesprochen in der Sprache des Feuers.«

– die Künstler*innen

Eintritt frei

13.06.2025, Doors 7 pm / Performance 7.30 pm

»Rage Is a Prayer is an act of embodied testimony, an improvised ritual where sound, breath, and movement become vessels for memory, for rupture, and for repair. It is a sacred confrontation with the emotional and psychic afterlife of the ancestral memory of the Black diaspora, echoes of lives displaced, stolen, and scattered across continents, far from the lands that once held them and with the quieter, more insidious violences of ongoing erasure. This is not only about history, it is about what history still does to us now. It is about carrying fire through cold cities and unwelcoming streets. It is about holding space for our spirits in a constant state of arrival, harm and healing.

In dialogue with PURE, multidisciplinary artist Bláthin offers sonic gestures which serve as prompts, provocations, or cues–each one invoking a visceral response, an improvisational call-and-response shaped by mutual attunement. Rage here is not a spectacle, it is a sacrament. It is the sacred residue of histories carried across oceans, across time zones, across languages. It is the sound of rupture and of refusal. It is prayer spoken in the mother tongue of fire.«

– the artists

Free admission

Performance von Adam Man

In »Wo alle sind« werden die Ausstellung und die Umgebung selbst zur künstlerischen „Site“: Vier Wochen lang ist Adam Man jeden Tag um 15 Uhr für eine Stunde in der Galerie Wedding und beschreibt das, was er sieht, die Bewegungen, die Veränderungen, die Kontinuität eines Ortes. Er lässt sich auf den Ausstellungsraum und seine Umgebung so ein wie auf die Landschaften, in und mit denen er arbeitet. Im Unterschied zu diesen meist abgelegenen und einsamen Gegenden, ist die Galerie mit ihren großen Fenstern auf die geradezu archetypischen urbanen Dimensionen – Straße und Platz, Vorübergehen und Versammeln – ein Ort, wo alle sind. Menschen, Tiere, Fahrzeuge, Asphalt und Bäume, Job-Center neben Bibliothek, Wohnhäuser, Läden, Cafés, über ihnen der Himmel. Was passiert, wenn man dem, was alltäglich geschieht, länger zuschaut? Wenn man versucht, es zu beschreiben, festzuhalten, zu erfassen, sich vom Vorübergehenden berühren und einnehmen zu lassen? Womit und mit wem sind wir – meistens unbemerkt, unbeachtet – da? 

In der Zeit von 15 bis 16 Uhr sind die Besucher*innen eingeladen, mit Adam Man zusammen die Umgebung zu betrachten. Sie können neben ihm Platz nehmen, mit ihm nach draußen schauen, die Aufzeichnungen der vergangenen Tage lesen. Nicht sprechen ist ebenso willkommen wie ein Gespräch, das sich auf das bezieht, was man draußen wahrnimmt.

Die Beschreibungen eines jeden Tages bleiben im Galerieraum und wachsen über die Dauer der vier Wochen an. Fotografien des Platzes begleiten den Prozess und füllen sukzessive die Fensterfront.

In “Where all are”, the exhibition and the surroundings themselves become the “site”: For four weeks, Adam Man goes to Galerie Wedding every day at 3 pm for an hour and describes what he sees, the movements, the changes, the continuity of a place. He engages with the exhibition space and its surroundings in the same way as with the landscapes in and with which he works. In contrast to these mostly remote and lonely areas, the gallery with its large windows onto the almost archetypal urban dimensions – street and square, passing and gathering – is a place where everyone is. People, animals, vehicles, asphalt and trees, job centers next to libraries, apartment buildings, stores, cafés, above them the sky, standing, walking, driving. What happens if you watch what happens every day for longer? When you try to describe it, to hold on to it, to grasp it, to let it touch you and take you in? With what and with whom are we there – mostly unnoticed, unnoticed?

From 3 to 4 p.m., visitors are invited to observe the surroundings together with Adam Man. They can take a seat next to him, look outside with him, read the records of the past few days. Not speaking is just as welcome as a conversation about what you see outside.

The descriptions of each day remain in the gallery space and grow over the course of the four weeks. Photographs of the square accompany the process and successively fill the window front.

Raumgestaltung von Macla Valencia Carmona.

Das Programm wird laufend auf unserer Website, Social Media und den kommenden Newslettern angekündigt

Vom 24.10.–28.10.2024 wird die Soundinstallation »Points of Entry« von Oscar Atanga in leicht veränderter Form abgespielt aufgrund von technischer Wartung.
Am Dienstag, 29.10.2024 spielt die Installation wieder in vollständigem Umfang.

From 24.10.–28.10.2024 the sound installation »Points of Entry« by Oscar Atanga will be playing with slight variations due to technical maintenance. 
On Tuesday, 29.10.2024 the installation will resume playing in its full scale.

ACROSS Festival

Performance & Musik & Workshops

September bis Dezember 2024

Galerie Wedding & Rathausvorplatz Wedding

Eröffnung, 7.09.2024, 16 bis 21 Uhr

»ACROSS« ist ein Performance-, Konzert- und Workshop-Programm in Berlin-Wedding, das von September bis Dezember an jedem zweiten Wochenende stattfindet, kostenlos ist und allen offen steht. Mit mehr als 20 Künstler*innen bewegt sich »ACROSS« zwischen künstlerischen Genres und sozialen Praktiken, spricht verschiedene Generationen an und regt an, sich zu bewegen und gemeinsam Zeit zu verbringen, zu beobachten, zu staunen, zuzuhören, zu tanzen und über Unterschiede hinweg Gemeinsamkeiten zu teilen, ACROSS (über) Müllerstraße.

Die Galerie Wedding ist ab September auch sonntags offen, immer von 12 bis 19 Uhr. Jeden zweiten Sonntag werden Workshops mit Künstler*innen veranstaltet. Details zum Programm werden online veröffentlicht. 

Angeboten werden Workshops, Performances und Konzerte auf dem Rathausvorplatz und teilweise in der Galerie Wedding.

Der Eintritt ist immer frei.

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Performance & Music & Workshops

September until December 2024

Galerie Wedding & Rathausvorplatz Wedding

Opening, 7.09.2024, 4 to 9 pm

»ACROSS« is a performance, concert and workshop programme in Berlin-Wedding that takes place on every second weekend from September to December, free of charge and open to all. »ACROSS« features around 20 artists and moves between artistic genres and social practices, appealing to different generations and proposing to move and spend time together, to observe, to marvel, to listen, to dance and to share common ground across differences, ACROSS Müllerstraße.

Galerie Wedding will also be open on Sundays from September, from 12 to 7 pm. Workshops with artists are organised every second Sunday. Details of the programme will be published online.

Workshops, performances and concerts are offered on the square in front of the town hall and partly in the Galerie Wedding.
Admission is always free.

06. April 2024
11-13 Uhr Kuratorinnenführung mit Sarnt Utamachote (in Englisch, Deutsch oder Thai) mit Übersetzung in Filipino
13-14 Uhr »Somtam Manifesto« von Mon Sisu Satrawaha (in Englisch), eine Mitmach-Performance mit Essen Ort: Galerie Wedding

Diese Performance ist Teil der ausgestellten Installation. In Anlehnung an ein altes siamesisches Sprichwort, das besagt, dass »eine Frau nach dem Klang ihres Mörsers beurteilt wird«, wird die Künstlerin das Publikum einladen, mit ihr Papayasalat zu machen. Diese Strategie, Essen als Gemeinschaftsachse und Ausgangspunkt für Diskussionen über Rechte zu nutzen, wurde auch in der Vergangenheit von vielen Aktivistinnen angewandt. Durch das Zusammenkommen entstehen Klänge, die womöglich eine Revolte auslösen können.

15-18 Uhr »Rosas ng Digma« Musik-Jam-Workshop mit dem Kollektiv Gabriela
Germany (in Englisch und Filipino)
Ort: Galerie Wedding
Anmeldung erforderlich: post@galeriewedding.de

Lieder und Gedichte zur Feier und Ehrung der Frauen im Kampf für Freiheit und Demokratie. Bei dieser Veranstaltung werden Lieder und Gedichte vorgetragen, die den unermesslichen Beitrag der Frauen im Kampf für Freiheit und Demokratie auf den Philippinen und darüber hinaus herausstellen. In die Performances werden Kurzgeschichten und Erzählungen über die Auswirkungen dieser progressiven kulturellen Beiträge in diesem Kampf eingestreut. Der Titel der Veranstaltung „Rosas ng digma“ ist ein Lied, das 2001 von Musikang Bayan veröffentlicht wurde und eine Hommage an die Frauen ist, die ihr Leben dem Kampf widmen.

20-22 Uhr Lesung aus eigenem Gedicht und Buch (in Englisch und Deutsch) mit Analie Gepulani
Neiteler und Anika Baluran Schäfer
Ort: Galerie Wedding
Anmeldung erforderlich: Bitte hier anmelden

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6 April 2024
11am-1pm Curator’s tour (in English or German or Thai) with Filipino translation
1-2pm Food-related Participatory Performance »Somtam Manifesto« (in English) by
Mon Sisu Satrawaha
Location: Galerie Wedding

This performance is a part of the installation exhibited, based on the old Siamese proverb that »judges the women by the sounds of her mortar«, the artist will invite audiences to make papaya salad with her. This strategy of using food as a community axis and beginning point of discussion on rights has been utilised by many activists in the past as well. Creating sounds of, perhaps, revolt by coming together.

3-6pm »Rosas ng Digma« (Rose of the War/Struggle, in English and Filipino) Music
Jam Workshop by collective Gabriela Germany
Location: Galerie Wedding
Registration required: post@galeriewedding.de

Songs and poems to celebrate and honour the women in the struggle for freedom and democracy. This event showcases performances of songs and poems highlighting the invaluable contributions of women in advancing the struggle for freedom and democracy in the Philippines and beyond. Short stories as well as narratives on the impacts of these progressive cultural performances in the struggle will be interspersed in the performances. The event title »Rosas ng digma« is a song released by Musikang Bayan in 2001 that pays homage to the women who dedicate their lives to the struggle.

8-10pm Collective reading from poem and book (in English and German) with Analie Gepulani Neiteler and Anika Baluran Schäfer
Location: Galerie Wedding
Registration required: Please register here

Veranstaltungen als Teil der Woche gegen Rassismus

21. März 2024
16-18 Uhr Kurator*innenführung mit Sarnt Utamachote (in Englisch, Deutsch oder Thai)
18-20 Uhr Performance »What kind of woman?«, eine interaktive Langzeitperformance von Raksa Seelapan als Teil der Woche gegen Rassismus

Seelapan lädt das Publikum ein, mit ihren Auftritten zu interagieren, entweder aus der Ferne, indem sie auf das digitale Whiteboard schreibt, oder aus der Nähe, indem sie direkt auf einen zugeht. Hier wird sie selbst zu einer lebenden Leinwand, die es erlaubt, ihr Aussehen, ihre Kleidung und ihr Verhalten zu beurteilen und im Hinblick auf gesellschaftliche Normen, persönliche Interpretationen und die Angst vor Intimität zu erforschen, mit dem mittlerweile der Körper einer asiatischen Frau behaftet ist. Sie hinterfragt schließlich das Recht des Körpers, sexuell, sinnlich, einschüchternd und provokativ zu sein. Der Höhepunkt am Ende der Ausstellung zielt darauf ab, diese Ergebnisse in eine abschließende Darstellung auf der Finissage zu verwandeln.

Siehe auch: IN NOBODY’S SERVICE | What kind of woman? – Stiftung gegen Rassismus (stiftung-gegen-rassismus.de)

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Events as part of the Week Against Racism

21. March 2024
4-6pm Curator’s tour with Sarnt Utamachote (in English or German or Thai)
6-8pm Performance »What kind of woman?« Durational interactive piece by Raksa Seelapan as part of Week Against Racism

Raksa invites the audience to interact with her appearances, either from afar by writing on the digital whiteboard, or from nearby by directly approaching her. Here she becomes a living canvas, allowing her appearance, dress, and behaviour to be judged and explored in terms of societal norms, personal interpretations, fear of intimacy, now embedded in the Asian women body. She questions ultimately the bodily rights to be sexual, sensual, intimidating, and provocative. The culmination at the exhibition’s end aims to transform these outcomes into a final presentation at the Finissage.

See also: IN NOBODY’S SERVICE | What kind of woman? – Stiftung gegen Rassismus (stiftung-gegen-rassismus.de)

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Sa Serbisyo sa Walang Sinuman

08.03. bis 18.05.2024

28.04.2024 von 12 – 14 Uhr Offener Vortrag und Austausch (in Englisch) im Rahmen des Gallery Weekend »Trading our sweat for their money«, über die Geschichte, Erfahrungen und kulturelle Produktion thailändischer Arbeitsmigrant*innen in Israel mit Shahar Shoham, moderiert von Rosalia Namsai Engchuan, 15-17 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA) anlässlich des Gallery Weekend, 17-19 Uhr Launch der Publikation »Mutating Kinship Lab 2023« (ENG)

02.05.2024 von 15-17 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA), 20-22 Uhr »Heartbound – A different kind of love story« (2018) Filmvorführung (DA & THA, OmeU) und Online-Gespräch (ENG) mit Sine Plambech und Sommai Molbaek im Sinema Transtopia

03.05.2024 von 20-22 Uhr »We don’t dance for nothing« (2022) Filmvorführung (ENG, FIL, Kantonesisch, OmeU) und Online-Gespräch mit Stefanos Tai (ENG) im Sinema Transtopia

04.05.2024 von 14-16 Uhr Interaktiver Wedding-Stadtrundgang mit Vertreter*innen von Ban Ying (DE, ENG), 18-20 Uhr »Westwärts« (1992), Filmvorführung und Gespräch (DE) mit Susanne Wycisk im Sinema Transtopia, 20-22 Uhr »BOON RAWD« (ผู้หญิงคนนั้นชื่อบุญรอด 1985) Filmvorführung (THA, ENG, OmeU) im Sinema Transtopia                                                              

18.05.2024 von 14-15 Uhr Performance »The Brainless Dancer« von Fah Passion-Asasu, 15-17 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA) mit philippinischer Verköstigung, 18-19 Uhr Performance »Unidentified« von Liad Hussein Kantoworicz, 20-21 Uhr Perfomance von Raksa Seelapan

Vergangene Veranstaltungen

07.03.2024 von 17-22 Uhr Vernissage mit Führung von Sarnt Utamachote und Künstler*innengespräch (ENG) mit thailändischer Verköstigung.

21.03.2024 von 16-18 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA), 18-20 Uhr: Performance »What kind of woman?«, eine interaktive Langzeitperformance von Raksa Seelapan als Teil der Woche gegen Rassismus 

06.04.2024 von 11-13 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA) mit Übersetzung in Filipino, 13-14 Uhr »Somtam Manifesto« von Mon Sisu Satrawaha (ENG), eine Mitmach-Performance mit Essen, 15-18 Uhr »Rosas ng Digma« Musik-Jam-Workshop mit dem Kollektiv Gabriela Germany (ENG & FIL), 20-22 Uhr Lesung aus eigenem Gedicht und Buch (ENG & DE) mit Analie Gepulani Neiteler und Anika Baluran Schäfer 

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EVENTS IN NOBODY’S SERVICE

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Sa Serbisyo sa Walang Sinuman

28.04.2024 12-2pm Open Lecture and Exchange (in English) as part of the Gallery Weekend »Trading our sweat for their money«, on the histories, experiences, and cultural production of Thai migrant workers in Israel with Shahar Shoham, moderated by Rosalia Namsai Engchuan, 3-5pm Curator’s tour (ENG, GER or THA) during Gallery Weekend and 5-7pm publication launch »Mutating Kinship Lab 2023« (ENG)

02.05.2024 3-5pm Curator’s tour at Galerie Wedding (ENG, GER or THA) and 8-10pm »Heartbound – A different kind of love story« (2018) Film (DA & THA, with English subtitles) and online conversation with Sine Plambech and Sommai Molbaek (ENG) at Sinema Transtopia

03.05.2024 8-10pm »We don’t dance for nothing« (2022) film (ENG, FIL & Cantonese, with English Subtitles) and online-conversation with Stefanos Tai (English) at Sinema Transtopia

04.05.2024 2-4pm interactive Wedding City Tour and conversation with representatives of Ban Ying (GER, ENG), 6-8pm »Westwärts« (1992) film und conversation (GER) with Susanne Wycisk at Sinema Transtopia and 8-10pm »BOON RAWD« (ผู้หญิงคนนั้นชื่อบุญรอด 1985) film screening (THA & ENG, with English subtitles) at Sinema Transtopia

18.05.2024 2-3pm Public Durational Performance »The Brainless Dancer« by Fah Passion-Asasu, 3-5pm Curator’s tour (ENG, GER or THA) with Filipino food, 6-7pm Durational Performance »Unidentified« by Liad Hussein Kantoworic and 8-9pm Closing Durational Performance by Raksa Seelapan

Past Events

07.03.2024 5-10pm Opening with curator’s tour and artists talk (ENG) and Thai food

21.03.2024 4-6pm Curator’s tour (ENG, GER or THA) and 6-8pm Performance »What kind of woman?« Durational interactive piece by Raksa Seelapan as part of Week Against Racism

06.04.2024 11am-1pm Curator’s tour (ENG, GER or THA) with Filipino translation, 1-2pm Food-related Participatory Performance »Somtam Manifesto« by Mon Sisu Satrawaha (ENG), 3-6pm »Rosas ng Digma« (Rose of the War/Struggle) Music Jam Workshop by collective Gabriela Germany (ENG & FIL), 8-10pm Reading from poem and the book (regiospectra 2022) (ENG & GER) with Analie Gepulani Neiteler and Anika Baluran Schäfer 

*English version below

12.10.2023 von 19 bis 21 Uhr AevtarDeprogram: Debugging the Program
Workshop mit Cibelle Cavalli Bastos in der Galerie Wedding. In englischer Sprache. Eintritt frei. Anmeldung an post@galeriewedding.de. Die Platzzahl für Drop-Ins ist begrenzt.

18.10.2023 um 18 Uhr Kuratorinnenführung POLY. A Fluid Show mit Solvej Helweg Ovesen und der Künstler*in Cibelle Cavalli Bastos im KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst, im Maschinenhaus M2. In englischer Sprache. Eintritt frei. Anmeldung vorab online über kindl-berlin.de/diskursprogramm.

– Individuelle Fahrt vom KINDL zur Galerie Wedding –

18.10.2023 um 20 Uhr Kuratorinnenführung POLYMORPH mit Solvej Helweg Ovesen und der Künstler*in Cibelle Cavalli Bastos in der Galerie Wedding. In englischer Sprache. Eintritt frei. Keine Anmeldung erforderlich.

08.11.2023 um 19:30 The Flow Equation/SelfDefrag: Performance von Cibelle Cavalli Bastos im KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst. In englischer Sprache. Eintritt frei. Keine Anmeldung erforderlich.

16.11.2023 von 17 bis 19 Uhr Debinarize/Debinarizing
Workshop mit Cibelle Cavalli Bastos in der Galerie Wedding. In englischer Sprache. Eintritt frei. Anmeldung an post@galeriewedding.de. Die Platzzahl für Drop-Ins ist begrenzt. (Änderung der Uhrzeit wird vorbehalten).

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POLY Events

12.10.2023 from 7 to 9 pm AevtarDeprogram: Debugging the Program
Workshop with Cibelle Cavalli Bastos at Galerie Wedding. In English language. Free admission. Send registration to post@galeriewedding.de. The number of places for drop-ins is limited.

18.10.2023 at 6 pm guided tour POLY. A Fluid Show with curator Solvej Helweg Ovesen and artist Cibelle Cavalli Bastos at KINDL – Centre for Contemporary Art, in Maschinenhaus M2. In English language. Free admission. Sign-up online via kindl-berlin.de/diskursprogramm.

– independent commute from KINDL to Galerie Wedding –

18.10.2023 at 8 pm guided tour POLYMORPH with curator Solvej Helweg Ovesen and artist Cibelle Cavalli Bastos at Galerie Wedding. In English language. Free admission. No registration required.

08.11.2023 at 7:30 pm The Flow Equation/SelfDefrag: Performance by Cibelle Cavalli Bastos at KINDL – Centre for Contemporary Art. In English. Free admission. No registration required.

16.11.2023 from 5 to 7 pm Debinarize/Debinarizing
Workshop with Cibelle Cavalli Bastos at Galerie Wedding. In English language. Free admission. Send registration to post@galeriewedding.de. The number of places for drop-ins is limited. (The time might be subject to change).

POLYCHROME
The Myth of Karukera and Cibuqueira

Eine Ausstellung von Thomias Radin

Kuratiert von Malte Pieper

Finissage am 26.08.2023

15 Uhr – Ausstellungsrundgang
ab 16 Uhr Installation mit Klang und Video von Oscar Ngu Atanga und Phillipp Och (knwn.labs) und Kurzfilm mit Tianna Strickland und AUCO
19 Uhr – Performance von Thomias Radin
20 Uhr – DJ Set von O.N.A

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

In der Ausstellung stellt Thomias Radin in der Galerie Wedding sein neu geschaffenes Wandgemälde „Der Mythos von Karukera und Cibuqueira” vor. Der Titel lehnt an die Eigennamen der beiden Hauptinseln von Guadeloupe an. Mit dem Wandgemälde knüpft Radin eine Geschichte rund um die Bedingung des Menschseins, die Kraft der Bewegung und die fortwährende Bedeutung von Mythen für unser Weltbild. Thomias Radin wird das Werk im Rahmen der Finissage mittels Klang und Bewegung aktivieren. 

knwn.labs, bestehend aus Oscar Ngu Atanga und Phillipp Och, werden bei der Finissage von POLYCHROME eine audiovisuelle Installation mit dem Titel »Swim or Sway« präsentieren. Die Installation zeigt auch einen Kurzfilm mit Tianna Strickland und AUCO und ist inspiriert von der drexcyanischen Mythologie und dem Werk von Thomias Radin, insbesondere dem Mythos von Karukera und Cibuqueira.

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POLYCHROME
The Myth of Karukera and Cibuqueira

An exhibition by Thomias Radin

Curated by Malte Pieper

Part of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in collaboration with KINDL – Centre for Contemporary Art
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Finissage on 26.08.2023

3 pm – Exhibition Tour
from 4 pm Visual and sonic installation by Oscar Ngu Atanga and Phillip Och (knwn.labs), including a short film featuring Tianna Strickland and AUCO
7 pm – Performance by Thomias Radin
8 pm – DJ Set by O.N.A

Thomias Radin premieres his newly created mural ›The Myth of Karukera and Cibuqueira‹, inspired by the two native names of the main islands of Guadeloupe. Radin weaves a story exploring the human condition, the power of movement, and the enduring relevance of myth in shaping our understanding of the world.

For the finissage ceremony, Thomias Radin activates the work through sound and movement. Moreover, knwn.labs comprised of Oscar Ngu Atanga and Phillipp Och, will present an audio visual installation entitled »Swim or Sway« at the finissage of POLYCHROME. The installation includes a short film featuring Tianna Strickland and AUCO, and is inspired by Drexcyian mythology and the work of Thomias Radin, particularly the Myth of Karukera and Cibuqueira.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

*English version below

Samstag, 19.8.2023 von 17.30 bis 22 Uhr

Immersive Rauminstallation mit Sound und Bildern von Oscar Ngu Atanga, Makossiri und Phillip Och, mit Spoken Word von Tianna Strickland

Im Austausch mit Thomias Radins aktueller Ausstellung POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira in der Galerie Wedding

Am Samstag, 19.8.2023, von 17.30 bis 22 Uhr lädt das Kollektiv afro.bahn zu The Creation of New Mythologies ein, einem Abend mit immersiven Klängen und Bildern im Gespräch mit Thomias Radins Ausstellung in der Galerie Wedding. „The Creation of New Mythologies“ ist eine panafrikanische Reise, die durch gesprochenes Wort, elektronische Live-Performance, Film und Ton erzählt wird und das Publikum durch die Welten führt, die durch Thomias Radins Wandgemälde geschaffen wurden. Afro.bahn ist ein Kollektiv afro-diasporischer multidisziplinärer Künstler*innen, die afro-futuristische Mythen durch audiovisuelle Performances und Installationen erforschen. Gemeinsam kombinieren sie Klang- und Filmideen, überlagern Gesang und Poesie mit afrikanischen Polyrhythmen über futuristischen elektronischen Beats. Seine Mitglieder sind Oscar Ngu Atanga alias O.N.A, ein in Manchester geborener kamerunischer Klangkünstler, Kurator und Selektor, Makossiri, eine in Kenia geborene und in Berlin ansässige Produzentin/DJ elektronischer Musik, deren Clubmusik, sich über Genregrenzen hinwegsetzt, Phillip Och ist ein multi-disziplinärer Bild- und Audiokünstler, der zwischen London und Berlin arbeitet, und Tianna Strickland, eine bildende Künstlerin mit Schwerpunkt auf analoger Fotografie.

„Unsere Arbeit ist eine Reflexion unserer Erfahrungen als in Europa lebende und arbeitende Künstler afrikanischer Herkunft, einschließlich der Kultur, Bräuche und Mythologien, die wir mitbringen. Neben den Wurzeln der Orte, aus denen wir kommen, gibt es auch bidirektionale Einflüsse der Räume, die wir bewohnen. In Echtzeit werden wir die Wahrnehmung dieser unzähligen Einflüsse präsentieren und hinterfragen.“
afro.bahn Kollektiv

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

The Creation of New Mythologies

Saturday, 19 August 2023 from 5.30 to 10 pm

Physical & immersive installation powered by sonics and visuals from
Oscar Ngu Atanga, Makossiri and Phillip Och, and spoken word by Tianna Strickland

in conversation with Thomias Radin’s exhibition POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira at Galerie Wedding

On Saturday, 19 August 2023, from 5.30 to 10 pm, afro.bahn collective invites you to The Creation of New Mythologies, an evening of immersive sonics and visuals in conversation with Thomias Radin’s exhibition at Galerie Wedding. The Creation of New Mythologies is a pan-African journey, told through spoken word, live electronic performance, film and sound that will move the audience through the worlds created by Thomias Radin’s mural. Afro.bahn is a collective of afro diasporic multi-displinary artists exploring afro-futuristic myths through audio visual performances and installations. Together, they combine ideas of sound and film layering song and poetry with african polyrhythms over futuristic electronic beats. It’s members are Oscar Ngu Atanga aka O.N.A, a Manchester born Cameroonian sound artist, curator and selector, Makossiri, a Kenyan born-berlin based electronic music producer/DJ who makes club music that defies genre limitations, Phillip Och is a multi-displinary visual and audio artist creating between London and Berlin and Tianna Strickland, a visual artist focusing on analog photography.

“Our work is a reflection on our experiences as artists of African heritage living and working in Europe including the culture, customs and mythologies we bring with us. Alongside the roots of the places we come from sits the bi-directional influences of the spaces we come to inhabit. In real time we will present and challenge the perceptions of these myriad influences.”
afro.bahn collective

In the framework of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in cooperation with KINDL – Centre for Contemporary Art.
Artistic director: Solvej Helweg Ovesen

16.06.2022 zwischen 15 und 15.30 Uhr eine Tanz-Performance von Jule Flierl auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Faux-Pas ist eine Solo-Tanzintervention im öffentlichen Raum. Sie besteht aus Tanz und Gesang. Da ist ein Einhorn, das sich nicht sicher ist, wie dieser Tanz weitergehen soll. Das Einhorn trägt Steppschuhe, die es genauso benutzt, wie jedes Einhorn es tun würde.

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Faux Pas

16.06.2022 between 3 and 3.30 pm a dance performance by Jule Flierl on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Faux-Pas is a solo dance intervention embedded in public space. It consists of dance and vocal material. There is a unicorn that deals with the uncertainty of how to continue this dance. The unicorn wears tap shoes, which it uses just like any unicorn would.

16.06.2022 zwischen 15.45 und 16.15 Uhr eine Performance von Esther Siddiquie in der Galerie Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Die Performance ist das Ergebnis einer Recherche zu neuen Ansätzen einer somatischen Archivierungsarbeit. Der Körper wird in den Mittelpunkt gerückt und im Kontext eines Archivs sichtbar gemacht. Die Performance testet das Potenzial von Archiven, einen Körper in Bewegung zu bringen und stellt damit konventionelle Archivierungsmethoden in Frage. Grundlage der Performance ist das Dokumentarfilmarchiv ihres verstorbenen Vaters Shabbir Siddiquie.

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re | | mains

16.06.2022 between 3.45 and 4.15 pm a performance by Esther Siddiquie at Galerie Wedding

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

The performance is the outcome of a research that explores approaches of a somatic archival work. The body is centred and made visible within the context of the archive. The research thus questions conventional archiving methods and instead tests the potential of an archive to bring the body into movement. For the performance, the artist will be working with the documentary film archive of her deceased father Shabbir Siddiquie.

16.06.2022 zwischen 16.30 und 17.30 Uhr eine Performance von Juan Betancurth mit Romany Dear und Daniel Neumann auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Performanceimprovisation des eigens für POLY(e)MOTION aus Bogotá, Kolumbien, angereisten Künstlers Juan Betancurth mit Romany Dear & Daniel Neumann
Scores of Intimacy ist ein Performance-Konzept, das mit der Idee einer ›universellen Sprache‹ spielt, die durch abstrahierte Bilder entsteht und in Bewegungen und Klängen übertragen wird. Die Einladung besteht darin, ein Umfeld gemeinschaftlicher Intimität im öffentlichen Raum durch performative Improvisation zu schaffen und dabei neue Wege der Annäherung sowie des nonverbalen Dialogs zu erproben. 

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Scores of Intimacy

16.06.2022 between 4.30 and 5.30 pm a performance by Juan Betancurth with Romany Dear and Daniel Neumann on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Performance improvisation by the artist Juan Betancurth – who will be especially coming from Bogotá, Colombia, for the occasion – with Romany Dear & Daniel Neumann
Scores of Intimacy is a performance concept which plays with the idea of a ›universal language‹, created by abstracted visuals that are translated into movements and sounds. The invitation is to share an environment of communal intimacy in public space via a performative improvisation, exploring new ways of getting closer to each other, to enter a non verbal dialogue.

18 Uhr Flor de Pantano, Performance von Maque Pereyra – RVP

16.06.2022 zwischen 18 und 19 Uhr eine Tanzperformance von Maque Pereyra auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Diese körperbasierte Performance hat ihren Ursprung in einem langjährig entwickelten Performancekonzept der Künstlerin Maque Pereyra: Flor de Pantano beforscht die Überschneidung von Musikproduktion, Rappen und DJing als Erweiterung des performativen Körpers. In ihrer Verschränkung von Konzertdynamik, DJ-Sets und Publikumsinteraktion präsentiert die Performance verschiedene Aspekte von Pereyras künstlerischer Praxis.

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Flor de Pantano

16.06.2022 between 6 and 7 pm a dance performance by Maque Pereyra on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

This body-based performance stems from the idea the artist has been developing over the past few years, exploring the intersection of music production, rapping, and DJing as an extension of the performative body. As such, this performance incorporates elements of concert dynamics, DJ sets, and audience interaction, showcasing various aspects of Maque Pereyra’s artistic practice.

16.06.2022 zwischen 21 und 22 Uhr eine Drag Performance von The Darvish und Judy LaDivina auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Yalla Hafla ( dt. Lasst uns feiern! ) ist ein monatlich stattfindendes Fest der Musik und Kultur des Mittelmeerraums. Seit 2017 wird die Show von dem Drag-Phänomen Judy LaDivina und der Bauchtanzsensation The Darvish moderiert und produziert und hat sich seitdem zu einer der lautesten Demonstrationen für Liebe und Koexistenz mit einem sicheren Raum für queere Araber*innen und Jüd*innen entwickelt.

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Yalla Halfa

16.06.2022 between 9 and 10 pm a drag performance by The Darvish and Judy LaDivina on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Yalla Hafla ( let’s party ) is a monthly celebration of Mediterranean sounds and culture.
Hosted and produced by the drag phenomenon Judy LaDivina and the belly dance sensation The Darvish, the show premiered in 2017 and has been growing ever since to be one of the loudest demonstrations of love and coexistence, offering a safe space for queer Arabs and Jews.

17.06.2022 zwischen 17.30 und 21 Uhr ein Jam und House Dance Battle von House Szene Berlin und Gästen auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

JAM ACROSS & BATTLE ist eine Veranstaltung, die Jam und House Dance Battle kombiniert. Wir laden euch, die House-Heads, die Mover verschiedener Stile und vor allem alle Tanzbegeisterten, die dem Groove einfach nicht widerstehen können, ein, zu uns zu kommen und euch die Seele aus dem Leib zu tanzen!
Der House-Jam dient auch als Qualifikationsrunde für unser Battle – House 7 to Smoke. Ganz gleich, welches Niveau, welche Erfahrung oder welchen Stil ihr normalerweise ›von Haus aus‹ tanzt, ihr seid alle herzlich eingeladen, mit uns zu jammen. Wir wollen sehen, wie ihr den Dancefloor in Brand setzt!

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JAM ACROSS & BATTLE

17.06.2022 between 5.30 and 9 pm a jam with a house dance battle by House Szene Berlin and Guests on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

JAM ACROSS & BATTLE is an event combining a jam with a house dance battle.
We invite you, the house heads, the movers of different styles and most importantly, all dance lovers who simply can’t resist the groove to come and join us to dance your heart out!
The house jam will also serve as the qualifying round for our battle – House 7 to Smoke. No matter which level, experience or style you usually call your ›home‹, you are all welcome to come and jam with us. We want to see you set the dancefloor on fire!

17.06.2022 zwischen 21 und 22 Uhr eine Drag-Tanzperformance von Katana Six auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Die Performance beginnt mit Gesang, der in eine energiegeladene Drag-Tanzperformance übergeht. Katana Six ist ein visuelles Spektakel, die Kostüme selbst gemacht, das Make-up ein Kunstwerk für sich. Es ist die Besonderheit von queeren Performances, sich Fragen der Selbstbestimmung sowohl mit einer Anklage als auch mit einer Feier anzunähern. Die Erprobung der Identität, die heute in der queeren Clubkultur stattfindet, blickt auf eine lange Geschichte der Selbsterkundung zurück, welche für viele queere Menschen ein Symptom des Überlebenskampfes war – und bisweilen noch ist. Katana Six zeigt die Schönheit der queeren Identität, die durch ihr Drag-Alter Ego schillernd und stark zum Ausdruck kommt.

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KATANA SIX

17.06.2022 between 9 and 10 pm a drag dance performance by Katana Six on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

The performance consists of a combination of live singing, which then transitions into a high energy drag dance performance. Katana Six is a visual spectacle, the costumes selfmade and the makeup an artwork almost. Queer performance inherently approaches identity with both a reckoning and celebration. The exploration of identity that is experienced in queer club culture today comes from a long history of self exploration that was, and often still is, a symptom of the struggle for survival for queer individuals. Katana Six showcases the beauty of queer identity creation expressed with strength and flamboyance through her drag persona.

Eine Ausstellung von Thomias Radin

Kuratiert von Malte Pieper

Eröffnung am 15.06. von 18 bis 22 Uhr
mit DJ Set von Peeps und Coco Calypso

18 Uhr – Warm Up DJ Set von Peeps B2B Coco Calypso
19 Uhr – Begrüßung und Talk von Thomias Radin & Malte Pieper
20 Uhr – Eröffnungszeremonie von Thomias Radin
21 Uhr – DJ Set von Peeps B2B Coco Calypso

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

In der Ausstellung stellt Thomias Radin in der Galerie Wedding sein neu geschaffenes Wandgemälde „Der Mythos von Karukera und Cibuqueira” vor. Der Titel lehnt an die Eigennamen der beiden Hauptinseln von Guadeloupe an. Mit dem Wandgemälde knüpft Radin eine Geschichte rund um die Bedingung des Menschseins, die Kraft der Bewegung und die fortwährende Bedeutung von Mythen für unser Weltbild und wird das Werk im Rahmen einer Eröffnungszeremonie mittels Klang und Bewegung aktivieren. 

Zu kulinarischen Genüssen aus der Karibik und Westafrika legen die DJs Peeps und Coco Calypso auf und lassen den Abend ausklingen.

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POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira

An exhibition by Thomias Radin

Curated by Malte Pieper

Opening on 15.06. from 6 to 10 pm
with DJ set by Peeps and Coco Calypso

6 pm – Warm Up DJ Set by Peeps B2B Coco Calypso
7 pm – Welcome and Talk by Thomias Radin & Malte Pieper
8 pm – Opening ceremony by Thomias Radin
9 pm – DJ Set by Peeps B2B Coco Calypso

Thomias Radin premieres his newly created mural ›The Myth of Karukera and Cibuqueira‹, inspired by the two native names of the main islands of Guadeloupe. Radin weaves a story exploring the human condition, the power of movement, and the enduring relevance of myth in shaping our understanding of the world.

For the opening ceremony, Radin activates the work through sound and movement. A DJ set by Peeps and Coco Calypso invites you to dance and hang out throughout the evening while Caribbean and West African snacks will be served.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

16.06. bis 26.08.2023

Eine Ausstellung von Thomias Radin

Kuratiert von Malte Pieper

Eröffnung am 15.06. von 18 bis 22 Uhr
mit DJ Set von Peeps und Coco Calypso

19 Uhr Begrüßung und Gespräch mit Thomias Radin und Malte Pieper
20 Uhr Opening Ceremony mit Thomias Radin

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Im Sommer 2023 entfaltet sich Thomias Radins besondere Praxis der Verschmelzung von Tanz und Malerei in der Galerie Wedding als Wandbild, Bewegung und Szenografie für Performances. Seine farbintensive Malerei streckt sich als Installation durch den großen Galerieraum und bildet den Rahmen für das Tanz- und Performanceprogramm Movement Research ACROSS: POLY(e)MOTION. 

POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira erprobt Radin die schwer fassbare und doch fesselnde Natur eines Mythos, der von den indigenen Namen des heutigen Guadeloupe erzählt. Er erforscht die Fähigkeit des Mythos, die Wahrheit sowohl zu enthüllen als auch zu verbergen, so zeigen seinen Malereien oft verdrehte Körperhaltungen, Masken und abgewandte Gesichter. »Der Mythos von Karukera und Cibuqueira« behandelt die Bedingungen und Umstände des Menschseins, die Kraft der Bewegung und die fortdauernde Bedeutung von Erzählungen für unser Weltverständnis. Mythen faszinieren Radin als hochentwickeltes und ausgeklügeltes Kommunikationssystem. Für Radin ist der Mythos ein sich bewegendes und tanzendes Wissen, das sich wandelt, alt und modern zugleich ist. Die Ausstellung nimmt Bezug auf die vorkolonialen Bezeichnungen Karukera, »Insel der schönen Gewässer«, und Cibuqueira, »Insel der Gummibäume«, die präkolonialen Namen für die beiden Hauptinseln von Guadeloupe. Karukera und Cibuqueira sind in Radins Geschichte zwei gefallene Engel, die auf der Suche nach ihrer Vereinigung sind. Sie stehen für die transformative Kraft der Bewegung, die uns mit uns selbst, miteinander und mit der Welt um uns herum verbindet.

Radin, geboren in Guadeloupe, aufgewachsen in Frankreich und heute in Berlin lebend, lässt sich von der Kraft der Bewegung inspirieren, die Südamerika, die Karibik und Westafrika miteinander verbindet, um seine Bilder mit dynamischer Energie und Ausdruck zu erfüllen. Als Tänzer bewegt sich Radin zwischen Hip-Hop, Capoeira und Gwo Ka, der Musik- und Tanzkultur aus Guadeloupe. Angelehnt an die Technik des Sampling aus der Musik mischt Radin historische Referenzen, persönliche Erfahrungen und Popkultur. Das Wandgemälde verbindet dabei den Innenraum der Galerie mit den urbanen Außenräumen der Stadt, die Ausstellung verbindet Bühnenbild, Architektur, Malerei und Klang in einer Bewegung. Das Adjektiv »polychrom«, das aus dem Griechischen abgeleitet ist und »viele Farben« meint, bezieht sich auf eine Vielzahl von Farbtönen und Texturen, aber auch auf einen Poly-Rhythmus von Gesten, Techniken und Medien.

Nach seiner raumgreifenden Installation in der Galerie Wedding wird im Rahmen der Kooperation von Galerie Wedding mit dem KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst in der Ausstellung POLY. A Fluid Show, Radins Film »Rivals« in Konstellation mit der Malerei »The Annunciation: Tout‘ Moun doubout`, An nou ay !« im September seine Premiere haben.

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POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira

16.06. to 26.08.2023
An exhibition by Thomias Radin
Curated by Malte Pieper

Opening on 15.06., 6 to 10 pm
with DJ Set by Peeps and Coco Calypso

7 pm Greeting and talk with Thomias Radin and Malte Pieper
8 pm Opening Ceremony with Thomias Radin

In the framework of the exhibition programme POLY 2023-24 at Galerie Wedding in cooperation with KINDL – Centre for Contemporary Art.
Artistic director: Solvej Helweg Ovesen

In the summer of 2023, Thomias Radin’s distinctive practice of melding dance and painting unfolds at Galerie Wedding as a mural, movement and scenography for performances. His vivid and colourful work stretches through the large gallery space as an installation and forms the framework for the dance and performance programme Movement Research ACROSS: POLY(e)MOTION.

In POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira, Radin explores the elusive and captivating nature of a myth that talks about the indigenous names of today’s Guadeloupe. He delves into into the ability of myth to both reveal and conceal the truth, often showing twisted postures, masks and averted faces in his paintings. „The Myth of Karukera and Cibuqueira“ is an invitation to explore the human condition, the power of movement, and the enduring relevance of myth in shaping our understanding of the world. Myths fascinate Radin as a highly advanced and sophisticated communication system. For Radin, myth is a moving and dancing knowledge, morphing and travelling, ancient and modern at the same time. The exhibition refers to the pre-colonial names Karukera, „island of the beautiful waters“, and Cibuqueira, „island of the gum-trees“, the native names for the two main islands of Guadeloupe. In Radin’s story, Karukera and Cibuqueira are two fallen angels on a quest to be reunited. They represent the transformative power of movement, which connects us to ourselves, each other and to the world around us.

Born in Guadeloupe, raised in France and now living in Berlin, Radin draws inspiration from the power of movement that connects South America, the Caribbean and West Africa to infuse his images with dynamic energy and expression. As a dancer, Radin moves between Hip-Hop, Capoeira and Gwo Ka, the music and dance culture from Guadeloupe. Borrowing the technique of sampling from music, Radin mixes historical references, personal experiences and pop culture. The mural thereby unites the indoor gallery space to the outdoors, the exhibition combines stage design, architecture, painting and sound in one movement. The adjective „polychrome“, which is derived from the Greek and means „many colours“, refers to a multiplicity of shades and textures, but also to a poly-rhythm of gestures, techniques and media.

Following his spatial installation at Galerie Wedding, in the context of the cooperation between Galerie Wedding and KINDL – Centre for Contemporary Art, in the exhibition POLY. A Fluid Show, Radin’s film „Rivals“ will have its premiere in tandem with the painting „The Annunciation: Tout‘ Moun doubout`, An nou ay !“ in September.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

*English version below

Tanz, Performance und Musik mit Amelia Uzategui Bonilla & Joana Tischkau, Esther Siddiquie, Houseszene Berlin, Isasi Armengod, Juan Betancurth (mit Romany Dear & Daniel Neumann), Jule Flierl, Katana Six, Maque Pereyra, Peeps B2B Coco Calypso, Skinship, The Darvish & Judy LaDivina, Thomias Radin

15.06. bis 17.06.2023

Galerie Wedding & Rathausvorplatz Wedding

Kuratiert von Kathrin Pohlmann, Solvej Helweg Ovesen, Malte Pieper, Nitsan Margaliot.

Eröffnung am 15.06. um 18 Uhr mit DJ und dem karibischem & westafrikanischem Essen
DJ Set von Peeps B2B Coco Calypso ab 18 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

POLY(e)MOTION ist die zweite Ausgabe von Movement Research ACROSS, einem Musik- und Performance-Programm in der Galerie Wedding und auf dem anliegenden Rathausvorplatz im öffentlichen Raum, welches von XO Curatorial Projects, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann, in Zusammenarbeit mit den Kurator*innen Nitsan Margaliot und Malte Pieper entwickelt wurde. Der Künstler und Tänzer Thomias Radin, der die parallel stattfindende Ausstellung POLYCHROME – Der Mythos von Karukera und Cibuqueira in der Galerie Wedding kreiert, eröffnet mit seiner Performance den ersten Abend.

In POLY(e)MOTION verbinden wir Bewegungsforschung und Emotionen von allen Körpern und aus allen Ecken der Welt zu einem zeitgenössischen, interdisziplinären, lokalen Berliner Event. Kostenlos und offen für alle. Zeitgenössischer Tanz und partizipatorische Praktiken werden als kreative Raumgestaltung und soziales Bühnenbild im Herzen von Wedding eingesetzt. Body Positivity, ästhetische Qualität und Street Smartness werden im Mittelpunkt stehen.

POLY(e)MOTION ist ein polyzentrisches Nachbarschafts-Event mit einem Pop-Up Amphitheater. Für das dreitägige Festival werden wir den eigens für den Ort entworfenen und gebauten “Flexible Colour Circle” (dt. flexibler Farbenkreis) des Künstlers Viron Erol Vert, der bereits bei ACROSS 2022 zentraler Austragungsort der Performances war, erneut errichten.

Nach erfolgreicher Durchführung der ersten Ausgabe von Movement Research ACROSS mit 20 performativen Beiträgen im Juni 2022, folgt nun eine neue Reihe von Performances und Workshops lokaler und internationaler Künstler*innen an drei Tagen im Juni 2023. Die kommunale Galerie Wedding kehrt zurück in den Außenraum und verbündet sich erneut mit der internationalen freien Szene Berlins.

Die vielfältigen hybriden Formate des Festivals, konzipiert für den öffentlichen Raum, lockern die Körper mit Humor und bringen die Straße zum Vibrieren.

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Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Dance, performance and music with Amelia Uzategui Bonilla & Joana Tischkau, Esther Siddiquie, Houseszene Berlin, Isasi Armengod, Juan Betancurth (with Romany Dear & Daniel Neumann), Jule Flierl, Katana Six, Maque Pereyra, Peeps B2B Coco Calypso, Skinship, The Darvish & Judy LaDivina, Thomias Radin.

15.06. to 17.06.2023

Galerie Wedding & Town Hall Square (Rathausvorplatz) Wedding

Curated by Kathrin Pohlmann, Solvej Helweg Ovesen, Malte Pieper, Nitsan Margaliot.

Opening on 15.06. 6pm with DJ and Caribbean & West African food
DJ set by Peeps B2B Coco Calypso from 6 pm

As part of the exhibition programme POLY 2023-24 at Galerie Wedding.
Artistic direction: Solvej Helweg Ovesen

POLY(e)MOTION is the second edition of Movement Research ACROSS, a music and performance programme in public space at Galerie Wedding and the neighbouring Town Hall Square (Rathausvorplatz), developed and curated by XO Curatorial Projects, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann, in collaboration with curators Nitsan Margaliot and Malte Pieper. The artist and dancer Thomias Radin, who will be creating the accompanying exhibition POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira at Galerie Wedding, will open the first evening with his performance.

In POLY(e)MOTION we connect movement research and emotions of all bodies and from all corners of the world to a contemporary, interdisciplinary, local Berlin event. Free of charge and open to all. Contemporary dance and participatory practices are applied as creative space making and social stage setting in the heart of Wedding. Body positivity, aesthetic quality and street smartness will be the in the focus.

POLY(e)MOTION is a polycentric neighbourhood event with a pop-up amphitheatre. For the three-day festival, we will set up again the „Flexible Colour Circle“ by artist Viron Erol Vert, which already served as the central venue for the performances at ACROSS 2022.

After the successful first edition of Movement Research ACROSS with 20 performative contributions in June 2022, a new series of performances and workshops by local and international artists will follow over three days in June 2023. The municipal Galerie Wedding returns to the outdoor space and teams up again with Berlin’s international independent scene. 

The festival’s diverse hybrid formats, designed for public space, loosen bodies with humour and make the street vibrate.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, ifa-Galerie in Berlin, Institut für Auslandsbeziehungen und der Senatsverwaltung für Wirtschaft, Energie und Betriebe.

30.04.2023, 18 Uhr

Ausstellungsführung mit der Künstlerin Anna Nowak und Kurator*in Maja Smoszna

Im Rahmen des Ausstellung Ill Delights in der Galerie Wedding

Die Führung findet in Englischer, Deutscher Laut- und Gebärdensprache statt.

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Exhibition tour

30.04.2023, 6 pm

Exhibition tour with the artist Anna Nowak and curator Maja Smoszna

In the context of the exhibition Ill Delights at Galerie Wedding

The tour will take place in English, German spoken and sign language.

30.04.2023, 17 Uhr

Eine Performance von Ania Nowak

Im Rahmen des Ausstellung Ill Delights in der Galerie Wedding

In Deep Inside widmet sich Ania Nowak der Ekstase. Sie stellt die House-Musik und ihre Texte der barocken Poesie und den skulpturalen Darstellungen göttlicher Ekstase gegenüber. Visuelle Bezüge zu Jan Lorenzo Berninis Heiliger Ludovica Albertoni überlagern sich mit der Sprache des Verlangens und der Sehnsucht nach Gott, den Liebenden und der gemeinschaftsbildenden Energie der House-Musik.

Nowak nutzt die Wiederholung, den Rhythmus und den Inhalt sowohl der House-Musik als auch der barocken Texte, um in einer Zeit des (post)pandemischen sozialen Unbehagens nach dem kollektiven Körper und der Seele zu suchen. Sie lauscht den Stimmen, die die House-Rhythmen antrieben, um viele längst vergessene schwarze Sängerinnen und Sänger in Erinnerung zu rufen, die oft aufgrund ihres Geschlechts und ihrer Rasse marginalisiert wurden. Nowak spricht mit den Geistern dieser Stimmen und ehrt sie als Leader*innen und Partner*innen. Für Erinnerung und Ekstase.

Text Remix, Choreografie, Performance: Ania Nowak
Sound: Justyna Stasiowska
Kostüm: Grzegorz Matląg
Äußeres Auge: Julia Plawgo
Textauszüge aus Frankie Knuckles (feat. Jamie Principle), „Your Love“; Fonda Rae, „Tuch Me“ und „Living in Ecstasy“; Ellis D. Presents Boom-Boom, „Work This Pussy (Hurt Me Mix)“; Robin S, „Show Me Love“; Black Box, „Ride on Time“; House to House, „Taste My Love“; Crystal Waters, „Gypsy Woman (She’s Homeless)“; Sonikku ft. LIZ (SOPHIE remix), „Sweat“; Rozalla, „Everybody’s Free“; Clivilles‘ & Cole, „A Deeper Love (A Deeper Feeling Mix)“; Peech Boys „Don’t Make Me Wait“; Lope de Vega, „Various Effects of Love“; Francisco de Quevedo, „Love That Endures Beyond Death“
Produktion: La Casa Encendida
Unterstützt durch das Ankara Queer Art Program

The performance is in English.

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Deep Inside

30.04.2023, 5pm

A Performance by Ania Nowak

In the framework of exhibition Ill Delights at Galerie Wedding

In Deep Inside Ania Nowak looks at ecstasy. She juxtaposes house music and its lyrics with Baroque poetry and sculpturesque depictions of divine ecstasy. Visual references to Jan Lorenzo Bernini’s Blessed Ludovica Albertoni overlap with language of desire and longing for God, the lover and the community building energy of house music.

Nowak uses repetition, rhythm and content of both house music and Baroque texts to search for collective body and soul in a time of (post)pandemic social awkwardness. She listens to voices that drove house rhythms to summon many long forgotten black singers, often marginalised due to their gender and race. Nowak speaks with the ghosts of those voices, honouring them as leaders and partners. For memory and ecstasy.

Text remix, choreography, performance: Ania Nowak
Sound: Justyna Stasiowska
Costume: Grzegorz Matląg
Outside Eye: Julia Plawgo
Text excerpts from Frankie Knuckles (feat. Jamie Principle), „Your Love“; Fonda Rae, „Tuch Me“ und „Living in Ecstasy“; Ellis D. Presents Boom-Boom, „Work This Pussy (Hurt Me Mix)“; Robin S, „Show Me Love“; Black Box, „Ride on Time“; House to House, „Taste My Love“; Crystal Waters, „Gypsy Woman (She’s Homeless)“; Sonikku ft. LIZ (SOPHIE remix), „Sweat“; Rozalla, „Everybody’s Free“; Clivilles‘ & Cole, „A Deeper Love (A Deeper Feeling Mix)“; Peech Boys „Don’t Make Me Wait“; Lope de Vega, „Various Effects of Love“; Francisco de Quevedo, „Love That Endures Beyond Death“
Production: La Casa Encendida
Supported by Ankara Queer Art Program

Die Performance ist auf Englisch.

Am 18.11.2022 von 19 bis 21 Uhr abschließendes Event der akutellen Ausstellung Grounded Outer Space People mit musikalischer Performance und Lesung

mit:
Anja Jadryschnikova, Anton Kats, Kelly Krugman, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist

Die musikalische Performance von Grounded Outer Space People am 18. November bildet den Abschluss der jüngsten Ausgabe der nomadischen Künstler*innen Residenz und Musikensembles, das die Beziehungen zwischen Seelenwanderung und Musik untersucht. Die Beiträge der anwesenden Künstler*innen, die in einem performativen Musikkonzert zusammengefasst sind, umfassen abstrakte Improvisationen, Tanz und populäre elektronische Musik, die mit Jazz- und Soul-Einflüssen verschmelzen. Basierend auf der Transmigration Library, einer ständig wechselnden Sammlung von Büchern über Klang, Musik, politisch engagierte Praktiken und Herz, umfasst die Performance ausgewählte Lesungen und Stimmen von Künstler*innen, Musiker*innen und Wissenschaftler*innen. Indem sie diese Karten skizzieren und teilen, stellen Grounded Outer Space People ein erweitertes Verständnis von Migration vor, aus dem eine Poetik der Verdrängung entstehen könnte.

Zu den ausgewählten Lesungen gehören unter anderem: Lucy Mayblin und Joe Turner, Sarah Ahmed, Tara Rodgers, Shelley Trower, Hazrat Inayat Khan, Hans TenDam, Sun Ra, Hafiz and The Tibetian Book of The Dead, und weitere. Verwobene Klangstücke und Gespräche aus dem Archiv enthalten Worte und Stimmen von Ursula K. Leguin, Pauline Oliveros, Oberst Bruce Hampton, Don Cherry, bell hooks und Alice Coltrane.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Volta Finale: »If life has an end, why wouldn’t death?« with Grounded Outer Space People

18.11.2022 from 7 to 9 pm final event of the current exhibition Grounded Outer Space People with musical performance and readings

with:
Anja Jadryschnikova, Anton Kats, Kelly Krugman, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist

The musical performance by Grounded Outer Space People on the 18^th of November marks the finale of the latest iteration of the nomadic artist residency/music ensemble, tracing the relationships between transmigration and music. Woven together as a performative music concert, the contributions of artists in residency embrace abstract improvisations, dance, and popular electronic music as they coalesce with jazz and soul influences. Informed by the Transmigration Library, an ever-changing collection of books on sound, music, politically engaged practices and heart, the performance includes selected readings and listens to the voices of artists, musicians, and scholars. By sketching and sharing these maps, Grounded Outer Space People introduce an expanded understanding of migration from which the poetics of displacement might emerge.

Selected readings include, but are not limited to: Lucy Mayblin and Joe Turner, Sarah Ahmed, Tara Rodgers, Shelley Trower, Hazrat Inayat Khan, Hans TenDam, Sun Ra, Hafiz and The Tibetian Book of The Dead, among others. Interwoven sound pieces and archival conversations include words and voices of Ursula K. Leguin, Pauline Oliveros, Col. Bruce Hampton, Don Cherry, bell hooks, and Alice Coltrane.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

9.11.2022 von 17 bis 19 Uhr Film Premiere von »ODYSSEY WITHIN« von Anja Jadryschnikova mit THE WAY Kollektiv

17 Uhr Einführung des „The Way“ Kollektiv mit Anja Jadryschnikova gefolgt von der Filmpremiere »ODYSSEY WITHIN« und einem Q&A mit Anja Jadryschnikova, Bastian Schmiedecke und Liam Wustrack

17.40 Gedichts- und Improvisationsperformance mit Bastian Schmiedecke, Liam Wustrack, Ezgi Ulubayrak & Anja Jadryschnikova 

THE WAY Improvisations-Kollektiv
Gegründet im Jahr 2017 von Anja Jadryschnikova

THE WAY schafft eine Performance-Plattform für Künstler*innen, die Improvisation als ihre höchste Ausdrucksform verstehen.
Dieses Konzept gibt den Performer*innen die Möglichkeit, mit all ihren Facetten zu glänzen und schafft ständigen Austausch, Fortschritt und kreative Freiheit. THE WAY ist eine Symbiose, die verschiedene Kunstformen wie Tanz, Musik, Gesang oder Malerei in einem ständigen Fluss der Improvisation miteinander verschmelzen lässt. Wie das Leben selbst ist es ständig im Wandel, einzigartig und ausdrucksstark.
Die internationalen Künstler*innen von THE WAY stehen für Authentizität, Freiheit und Einigkeit.

»ODYSSEY WITHIN«

Ein Kurzfilm von Anja Jadryschnikova mit THE WAY Kollektiv
Produziert im Juli 2020, veröffentlicht im August 2022
15 min 

„Die Menschen werden alles tun, egal wie absurd, um die
Konfrontation mit ihrer eigenen Seele zu vermeiden. Man wird nicht erleuchtet, indem man sich Lichtgestalten vorstellt, sondern indem man sich die Dunkelheit bewusst macht.“ C.G. Jung

Creative Direction, Script, Voice Over: Anja Jadryschnikova

DOP & Colorgrading: Miles-Vincent Kleveman

Tänzer*innen: Pelin Terzi, Nicole Kuhfeld, Liam Maria Wustrack, Thomias Radin, Andy Schmidt, Minh-Thu Nguyen

Soundtrack: Vizard
Bastian Schmiedecke & Simon Schmieder

Set Design: Nadja Buck

Kamera Assistenz: Tobias Auner

Standort: Kunstanstalt Berlin
Matthias Schlesinger

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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9.11.2022 from 5 pm tp 7 pm film premiere of »ODYSSEY WITHIN« by Anja Jadryschnikova with THE WAY Collective

17:00 Introduction of “The Way“ collective with Anja Jadryschnikova followed by a film premiere »Odyssey Within« and Q&A with Anja Jadryschnikova, Bastian Schmiedecke and Liam Wustrack

17:40 Poetry & Improvisation Performance with Bastian Schmiedecke, Liam Wustrack, Ezgi Ulubayrak & Anja Jadryschnikova 

THE WAY Improvisation Collective
Founded in 2017 by Anja Jadryschnikova

THE WAY creates a performance platform for artists, who understand improvisation as their highest form of expression.
This concept gives the performers an opportunity to shine with all of their facets and generates constant exchange, progress and creative freedom. THE WAY is a symbiosis melding together different art forms like dance, music, singing or painting in a constant flow of improvisation. Like life itself, it is ever changing, unique and expressive.
THE WAY’s international artists stand for authenticity, freedom and unity.

»ODYSSEY WITHIN«

A short film by Anja Jadryschnikova feat. THE WAY Collective
Produced in July 2020, released in August 2022
15 min 

“There is no coming to consciousness without People will do anything, no matter how absurd, in order to avoid facing their own soul. One does not become enlightened by imagining figures of light, but by making the darkness conscious.” C.G. Jung 

Creative Direction, Script, Voice Over by Anja Jadryschnikova 

DOP & Colorgrading by Miles-Vincent Kleveman 

Dancers: Pelin Terzi, Nicole Kuhfeld, Liam Maria Wustrack, Thomias Radin, Andy Schmidt, Minh-Thu Nguyen 

Soundtrack by Vizard 
Bastian Schmiedecke & Simon Schmieder 

Set Design by Nadja Buck

Camera Assistant Tobias Auner 

Location Kunstanstalt Berlin 
Matthias Schlesinger

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

„Auf einer Seite, einem Absatz und in einem Satz kann viel passieren.“ In der neuesten Iteration von Same Page Different Corner lädt Anton Kats ukrainische Musiker*innen in Berlin ein, sich in geselliger Runde zu treffen, zu jammen, zu diskutieren und sich auszutauschen. 

Indem die Galerie Wedding in ein offenes Studio umgewandelt wird, werden ukrainische Musiker*innen gastfreundlich empfangen, um sich in der Transmigration Library zu treffen, die eine ständig wechselnde und kollektive Sammlung von Büchern beherbergt, die von Kats und dem Projekt »Grounded Outer Space People« bereitgestellt wurden. Die öffentlich zugängliche Bibliothek erforscht die Beziehungen zwischen Transmigration und Musik, die unter anderem durch die Bereiche Klang, Zeitlichkeit, politisches Engagement und Poesie assoziiert werden.

Es findet eine »Vostok 7« Listening Session statt, anlässlich zum Launch des Vinyls; ein Hörspiel, das als Anleitung zum Zuhören dient und die Politik des Krieges, Demenz und die Ethik der Liebe mit der Seelenwanderung, der Überwindung des Egos, kosmischen Reisen und Musik verknüpft.
„Aus den Leben und den Geschichten, die in und um Bücher herum eingebettet sind, kann sich viel eröffnen, wenn sie sich im selben Raum treffen und sprechen.“

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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»Same Page Different Corner« with Anton Kats, Helleroid, Oleksandra Monda, Yulia Vlaskina & Others

10.11.2022 at 6 pm Ukrainian musicians meet up and »Vostok 7« Listening Session.

“A lot can happen on one page, one paragraph, and within one sentence.” In the latest iteration of Same Page Different Corner, Anton Kats invites Ukrainian musicians in Berlin to come together to meet, jam, dialogue, and exchange in conviviality. 

Turning Galerie Wedding into an open studio, Ukrainian musicians are hospitably welcomed to meet in the Transmigration Library hosting an ever-changing and collaborative collection of books coming from Kats and the Grounded Outer Space People project. The open-access public library explores the relationships between transmigration and music, associatively engaged through the realms of sound, temporality, political engagement and poetry among others. 

A »Vostok 7« listening session will take place, honouring the launch of the vinyl: a radio play serving as a listening manual anchored in the politics of war, dementia, and the ethics of love as they bridge with transmigration, the overcoming of ego, cosmic travels, and music. “A lot can open from the lives and stories embedded within and around books, as they meet and speak in the same space.”

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

26.10.2022 ab 21 Uhr Radio Transmission von Aiko Okamoto (online)

In der (fast) wöchentlichen Sendung »Notiz für die Welt danach« liest Aiko Okamoto Texte vor bzw. berichtet von den Demos, von denen man etwas für die Welt danach mitnehmen kann und vielleicht muss.

Für die Sendung aus der Galerie Wedding stellt sie das neu eröffnete Museum der Trostfrauen vor.

Die Folge aus der Galerie Wedding kann über folgenden Link gehört werden:
https://sphere-radio.net/sendungen/notiz-fuer-die-welt-danach-2/

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg OvesenBitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Radio Transmission »Notiz für die Welt danach #91«

26.10.2022 at 9 pm Radio Transmission by Aiko Okamoto (online, in German)

In the (almost) weekly broadcast »Notiz für die Welt danach« Aiko Okamoto reads texts and reports from the demos, from which one can and perhaps must take something away for the world afterwards.

For the programme from Galerie Wedding she introduces the newly opened »Museum der Trostfrauen«.

Weblink for listening to the broadcast from Galerie Wedding: https://sphere-radio.net/sendungen/notiz-fuer-die-welt-danach-2/

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

25.10. 2022 von 19 bis 21 Uhr Musik Performance von Raman Khalaf (Oud, Stimme) und Khaled Kurbeh (Klavier, Synthesizer) in der Galerie Wedding

Die elektroakustischen Kompositionen des syrischen Duos erforschen die Maqām-Musik (ein System melodischer Modi) aus Mesopotamien und verwischen die Grenzen zwischen Geschriebenem und Improvisiertem. Ihre Debüt-EP Aphorisms wurde 2017 über das Label Between Buttons veröffentlicht. Seitdem trat das Duo bei XJAZZ Berlin, dem BBC Arabic Festival in London und dem Funkhaus Berlin auf.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Interlude Grounded Outer Space People

25.10.2022 from 7 to 9 pm a music performance by Raman Khalaf (Oud, Voice) and Khaled Kurbeh (Piano, Synthesizer).

The Syrian duo’s electroacoustic compositions explore Maqām music (system of melodic modes) from Mesopotamia and blur the lines between the written and the improvised. Their debut EP Aphorisms was released via Between Buttons label in 2017, they have since performed at the likes of XJAZZ Berlin, BBC Arabic Festival in London and Funkhaus Berlin.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

14.10. bis 19.11. 2022

Performative Ausstellung mit Künstler*innenresidenz und Musikensemble von Anton Kats

mit Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh,
Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy,
Aiko Okamoto, und Ziggy Zeitgeist

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung mit DJ am 13.10. 2022, 18 bis 22 Uhr

Am 13.10.2022 von 18 bis 22 Uhr eröffnet »Grounded Outer Space People« von Anton Kats, eine performative Ausstellung in der Galerie Wedding, die die neuste Ausgabe des nomadischen Projekts mit Live-Performances und DJs präsentiert. 

»Grounded Outer Space People« ist eine nomadische Künstler*innenresidenz und ein Musikensemble, das die Beziehung zwischen »transmigration« und Musik untersucht. Die in einem temporären Studio arbeitende Künstler*innengruppe bespielt den Galerieraum und erweitert den ausstellungsartigen Rahmen durch Ensembleproben, Konzerte, Präsentationen, Performances, Klang- und Bildarbeiten sowie Workshops. 

Raumgreifende Partituren und Zeichnungen erstrecken sich über die Wände der Galerie und kündigen den Launch des Vinyls »Vostok 7« an, ein Hörspiel, das als Reenactment des noch zu bauenden Raumschiffs konzipiert ist. Ausgehend von einer Wahrnehmungsverschiebung vom Visuellen zum Klanglichen betreibt das Projekt ein mobiles Soundsystem, eine Radiostation und einen Hörraum voller Musikinstrumente und akustischer Geräte. 

Anton Kats (*1983 in Cherson) ist ein ukrainischer bildender Künstler, Musiker und Tänzer. In einem Moment, in dem die meisten politischen Konzepte scheitern, wendet sich der Künstler den Protagonist*innen des ukrainischen Kosmismus wie Fedir Tetyanych zu und lässt sich auch von Musiker*innen, Improvisator*innen und Künstler*innen wie Don Cherry und Mocki Cherry inspirieren. Diese Synthese bietet einen dynamischen Ausgangspunkt, um das Konzept der Seelenwanderung als performative, künstlerische und kollektive Praxis zu erforschen. »Grounded Outer Space People« lädt multidisziplinäre Künstler*innen mit unterschiedlichem Hintergrund ein, das zeitgenössische Verständnis von Migration mit Hilfe eines ephemeren Musikensembles zu erweitern, und schlägt ein kritisches Mapping vor, aus dem die Poetik geographischer Verdrängung hervorgehen könnte.

Für das Publikum öffnet zum ersten Mal auch die »Transmigration Library«, eine sich ständig wandelnde Sammlung von Büchern, die speziell auf der Grundlage von Kats‘ Forschungsinteressen im Bereich Klang und Musik, ebenso wie aus einer politisch engagierten künstlerischen Praxis heraus, ausgewählt wurden. Indem das Projekt spielerisch die Idee der Seelenwanderung aufgreift und ein Leben nach dem anderen annimmt, verweist es auf die sehr konkreten Dimensionen eines Körpers, einer Familie, eines Landes, eines Planeten und einer Geschichte. Diese kosmische Landschaft, die furchtlos mit Geist und Mythos, dem Akt des Storytellings, verwoben ist, kommt den Besucher*innen auf halbem Weg entgegen und lädt dazu ein, vorgegebene Beziehungsmodelle zu verlernen.

Ein offenes Veranstaltungsprogramm aus Präsentationen, Konzerten, Listening Session und Ausstellungsführung begleitet das Projekt im Oktober und November. 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Grounded Outer Space People

14.10. – 19.11. 2022

Artist residency and Music ensemble by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt,
Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening with DJ on 13.10. 2022, 6 to 10 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

On 13.10.2022 »Grounded Outer Space People« by Anton Kats opens from 6 to 10 pm a performative exhibition at Galerie Wedding marking the latest iteration of the nomadic project with live performances and DJs.

»Grounded Outer Space People« is a nomadic artist residency/music ensemble investigating the relationship between transmigration and music. Operating in a temporary studio the group of artists inhabits the gallery space and expands the exhibition-like frame through ensemble rehearsals, concerts, presentations, performances, sound- and visual works, and workshops. Upscaled scores and drawings extend over the gallery walls setting forth the launch of »Vostok 7« vinyl, a radio play conceived as a reenactment of the spaceship that has yet to be built. Driven through the perceptual shift from the visual to the sonic, the project operates a mobile sound system, a radio station, and a listening space full of musical instruments and sonic devices.

Anton Kats (*1983 in Kherson) is a Ukrainian visual artist, musician, and dancer. At a moment when most political concepts fail, the artist turns to the protagonists of Ukrainian cosmism such as Fedir Tetyanych, also drawing inspiration from musicians, improvisers, and artists such as Don Cherry and Mocki Cherry. This synthesis offers a dynamic starting point to explore and expand the concept of transmigration as a performative, artistic, and collective practice. Inviting multidisciplinary artists from different backgrounds to explore and expand the contemporary understanding of migration through an ephemeral music ensemble, »Grounded Outer Space People« propose a critical mapping from which the poetics of displacement might emerge.

Opening doors to the first iteration of the »Transmigration Library« the audience is invited to engage with an ever-changing collection of books curated through Kats‘ practice in sound, music, and politically engaged artistic practice. Playfully embracing the notion of reincarnation, taking one lifetime at a time, the project points towards the very concrete dimensions of a body, family, country, planet, and history. Fearlessly entangled with spirit and mythos, the act of storytelling, this cosmic landscape meets the visitor halfway and invites to unlearning of predetermined relational models.

An event program with presentations, concerts, a listening session, and an exhibition tour accompanies the project in October and November. 

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

14.10. bis 19.11. 2022

Performative Ausstellung mit Künstler*innenresidenz und Musikensemble von Anton Kats

mit Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh,
Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy,
Aiko Okamoto, und Ziggy Zeitgeist

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung mit DJ am 13.10. 2022, 18 bis 22 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Am 13.10.2022 von 18 bis 22 Uhr eröffnet »Grounded Outer Space People« von Anton Kats, eine performative Ausstellung in der Galerie Wedding, die die neuste Ausgabe des nomadischen Projekts mit Live-Performances und DJs präsentiert. 

»Grounded Outer Space People« ist eine nomadische Künstler*innenresidenz und ein Musikensemble, das die Beziehung zwischen »transmigration« und Musik untersucht. Die in einem temporären Studio arbeitende Künstler*innengruppe bespielt den Galerieraum und erweitert den ausstellungsartigen Rahmen durch Ensembleproben, Konzerte, Präsentationen, Performances, Klang- und Bildarbeiten sowie Workshops. 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Grounded Outer Space People

14.10. – 19.11. 2022

Artist residency and Music ensemble by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt,
Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening with DJ on 13.10. 2022, 6 to 10 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

On 13.10.2022 »Grounded Outer Space People« by Anton Kats opens from 6 to 10 pm a performative exhibition at Galerie Wedding, Berlin marking the latest iteration of the nomadic project with live performances and DJs.

»Grounded Outer Space People« is a nomadic artist residency/music ensemble investigating the relationship between transmigration and music. Operating in a temporary studio the group of artists inhabits the gallery space and expands the exhibition-like frame through ensemble rehearsals, concerts, presentations, performances, sound- and visual works, and workshops.

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

Kuratiert von Malte Pieper & Maja Smoszna

Beide Performances finden auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Zur Finissage des Programms Movement Research ACROSS finden auf dem Rathausvorplatz zwei Performances statt, die jeweils auf eigene Weise den öffentlichen Raum und das Publikum mit einbeziehen.

INTI-mate Heal-inG ist eine öffentliche Performance-Installation der Künstlerin, Aktivistin und Kuratorin Va-Bene Elikem Fiatsi (auch bekannt als crazinisT artisT), in der die Diskussion über als krank, unvollkommen, illegal und unkultiviert angesehen Körper erweitert wird. Die Performance hinterfragt die Vorstellungen über die Darstellung von an den Rand gedrängten Gruppen in den Mainstream-Medien und die diskriminierende Politik, die zu wirtschaftlicher, religiöser, medizinischer und sozialer Ausgrenzung führt. In INTI-mate Heal-inG wird das Publikum eingeladen, sich an einer kollektiven, verkörperten Solidarität und heilenden Körperpflege zu beteiligen und über die eigene Verletzlichkeit, Ängste und Privilegien nachzudenken.

Für die folgende Performance Best Wishes for Wedding wird die Künstlerin, Akrobatin und Journalistin für Zukunftsmobilität Carrie Hampel ein akrobatisches Spektakel durchführen. Die öffentliche Zeremonie entsteht aus dem Klangmaterial, das die Künstlerin aus Vox-Populi-Interviews mit Bewohner*innen und Arbeiter*innen in Berlin-Wedding über ihre Wünsche für den Bezirk gesammelt hat. Diese Wünsche bilden die Grundlage für rhythmische Klangstücke, zu denen Radakrobaten eine farbenfrohe, geometrische und zirkusähnliche Choreografie aufführen.

Performer*innen: Lauren van Vuuren, Bridget Hines, Performer*innen vom Spandauer Radsportverein; Kostüme: Sarah Ama Duah

Ein DJ Set von Nara schließt den Abend ab. Als Kopf des Disorder-Teams führt sie furchtlos durch eine breite Palette tropischer und basslastiger Sounds – von Reggaeton bis Trap, von Baile Funk bis Kuduro, von Hiphop bis Booty Bass. Sich ausdehnen, erweitern, versinken, fliegen und in der Luft explodieren, das ist es, was man von einer musikalischen Reise mit Nara erwarten kann – Schütteln im Takt garantiert.

Im Rahmen von Movement Research ACROSS konzipiert von XO Curatorial Projects und kuratiert von Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann.

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ACROSS Finissage

30.07.2022 between 4 und 6:30 pm a performance by Va-Bene Elikem Fiatsi & between 7 and 8 pm a performance by Carrie Hampel &
between 8 and 9 pm a DJ set by Nara

Curated by Malte Pieper & Maja Smoszna

Both performances will take place on the Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding).

Two performances will mark the finissage of the Movement Research ACROSS programme in the square in front of the town hall, each in its own way relating to the public space and involving the audience.

INTI-mate Heal-inG is a public performance installation by artist, activist and curator Va-Bene Elikem Fiatsi (also known as crazinisT artisT) that expands the discussion about bodies seen as sick, imperfect, illegal and uncultured. The performance challenges notions about the representation of marginalised groups in mainstream media and the discriminatory policies that lead to economic, religious, medical and social exclusion. In INTI-mate Heal-inG, the audience is invited to participate in a collective, embodied solidarity and healing body care, and to reflect on their own vulnerabilities, fears and privileges.

For the following performance Best Wishes for Wedding, artist, acrobat, and future mobility journalist Carrie Hampel will present an acrobatic spectacle. The public ceremony is created from the sound material the artist collected from vox populi interviews with residents and workers in Berlin-Wedding about their wishes for the district. These wishes make up the basis of rhythmic sound pieces to which cyclist acrobats perform a colourful, geometric and circus-like choreography.

Performers: Lauren van Vuuren, Bridget Hines, performers from the Spandau Cycling Club; costumes: Sarah Ama Duah

A DJ set by Nara will round off the evening. Acting as the head of the disorder team, she fearlessly leads you through a wide range of tropical and bass-heavy sounds – from reggaeton to trap, from baile funk to kuduro, from hiphop to booty bass. Extending, expanding, sinking, flying to explode in the air, that’s what you can expect from a musical journey with Nara – shaking to the beat guaranteed.

In the framework of Movement Research ACROSS conceived by XO Curatorial Projects and curated by Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann.

02.06.2022 zwischen 17.30 und 18 Uhr & zwischen 19.30 und 20 Uhr eine Performance von Moran Sanderovich auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

In ANASTATICA übernehmen Wunden und Traumata die Funktion von Portalen, über welche menschliche Entwicklungen dank eines „fantastischen“ Potenzials neuer und anderer Körper jenseits des Normativen und Binären ablaufen.

ANASTATICA beschreibt ungewöhnliche Körper als übernatürlich, die aus ihrer Andersartigkeit Kraft schöpfen, und stellt gleichzeitig Fragen über den nie endenden „Opfer-Täter“-Kreislauf in Systemen patriarchaler Gewalt.

Konzept, Choreographie, Performance: Moran Sanderovich

Dramaturgie und Co-Choreographie: Lyllie Rouvière

Musik: Ludwig Wandinger

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ANASTATICA

02.06.2022 between 5.30 and 6 Uhr & between 7.30 and 8 pm a performance by Moran Sanderovich on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

In ANASTATICA wounds and traumas act as portals, enabling a human evolution that relies on the fantastic potential of „new“ and „other“ bodies and develops beyond the normative and binary.

ANASTATICA describes abnormal bodies as supernatural that draw power from their otherness, all the while asking questions about the never-ending cycle of victim and victimiser within systems of patriarchal violence.

Concept, choreography, performance: Moran Sanderovich

Dramaturgy and co-choreography: Lyllie Rouvière

Music: Ludwig Wandinger

02.06.2022 zwischen 18 und 18.30 Uhr & 03.06.2022 zwischen 16 und 16.20 Uhr eine Performance von Lois Alexander in der Galerie Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Inspiriert von dem, was die Wissenschaftlerin Tina Campt als „texturierte Identitäten“ bezeichnet, nutzt die Künstlerin Lois Alexander den verkörperten Charakter von Tanz und Performance, um ein Dazwischen, einen migratorischen Zustand aus verschiedenen Schwarzen feministischen Perspektiven zu artikulieren. Alexander wird in ihrer Performance vor allem Phänomene wässriger Körper und pluralistische Wahrnehmungen von Selbstsein, Verwandtschaft und Zusammensein untersuchen.

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02.06.2022 between 6 und 6.30 pm & 03.06.2022 between 4 und 4.20 pm a performance by Lois Alexander at Galerie Wedding

In the framework of Movement Research ACROSS

Inspired by what scholar Tina Campt describes as ‘textured identities’, artist Lois Alexander uses the embodied nature of dance and performance to articulate an in-between, a migratory state from various black feminist perspectives. Alexander will  especially explore phenomena of watery bodies and pluralistic perceptions of selfhood, kin-making and being together in her performance.

02.06.2022 zwischen 18.30 und 19.15 Uhr eine Lecture Performance von Anna Nowicka in der Galerie Wedding un auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

walk+talk ist eine Lecture-Performance-Reihe, die von dem österreichischen Choreografen und Tänzer Philipp Gehmacher initiiert wurde. Bei walks+talks werden Choreograph*innen eingeladen, ein Solo zu kreieren, in der Bewegung und Sprechen parallel laufen. Thema sind die Konzepte der Künstler*innen, das individuelle Verständnis ihres Körpers in Bewegung und die Geschichte ihrer Praxis.

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walk+talk

02.06.2022 between 6.30 and 7.15 pm a lecture performance by Anna Nowicka at Galerie Wedding and on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

walk+talk is a lecture performance series initiated by Austrian choreographer and dancer Philipp Gehmacher. During walks+talks choreographers are invited to create a solo work where moving and talking run in parallel. The topic is the artists’ concepts, the individual understanding of their body-in-motion and the history of their practice.

*English version below

Kreative Raumgestaltung durch Tanz, Open-Air-Performances und eine sozial-bewohnbare Bühne im Berliner Wedding. 

02.06.2022 bis 30.07.2022

Rathausvorplatz Wedding & Galerie Wedding

Mit Medhat Aldaabal, Lois Alexander, Angela Alves, Tatiana Echeverri Fernandez, Va-Bene Elikem Fiatsi, Jule Flierl, Carrie Hampel, Alexandra Hennig, Roni Katz, Justin F. Kennedy, Éva Mag/Krump Berlin, Tatjana Mahlke & Sonia Robak, Rachel Monosov, Namosh, Anna Nowicka, Jimmy Robert, Moran Sanderovich, Sloush+Zarrt, Colin Self, André Uerba, Viron Erol Vert, RA Walden.

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

Bewegung, Vielfalt, Festlichkeit, Transformation. Mit ACROSS fragen wir, wie wir als Nachbar*innen, als Menschen mit unterschiedlichen Biographien und als Menschen mit verletzlichen Körpern im öffentlichen Raum durch künstlerische Interventionen und Choreographien zusammenkommen können, über Krisen und die Grenzen von Communities hinweg. ACROSS ist eine sozial dynamische Veranstaltungsreihe mit mehr als 16 Performances, konzipiert von einem Team von Kurator*innen aus der Freien Szene Berlins, initiiert und realisiert von XO Curatorial Projects. 

Während unserer Recherchen in den letzten zwei Jahren des Lockdowns haben wir ein starkes Bedürfnis nach körperlichen und improvisierten spontanen Begegnungen und Treffen, neuen Erkundungen sowie Austausch und Interaktion festgestellt. Wie können künstlerische oder bewegungsorientierte Interventionen den öffentlichen Raum in Berlin Wedding zu einem Safer Space für alle Menschen machen?

ACROSS bringt internationale, in Berlin ansässige Tänzer*innen, Künstler*innen, Musiker*innen und ein vielfältiges Publikum in einem urbanen Umfeld zusammen, wobei der Schwerpunkt auf unkonventionellen Bewegungen liegt.

Bewohnbare Außenbühne und Innenausstellung

Im Rahmen von ACROSS schuf der bildende Künstler Viron Erol Vert den „Flexible Colour Circle“, eine öffentliche und bewohnbare Bühne auf dem Rathausvorplatz in Wedding. Sie dient als Movement Research Bereich für Performances und als Raum für Begegnungen mit und für die Weddinger Bevölkerung. Bei der Gestaltung der farbenfrohen Außenbühne ließ sich Vert von den Farbtafeln der Künstlerin Emily Noyes Vanderpoel (1842-1939) inspirieren, die sich mit der imaginären Wirkung von Farben beschäftigte, sowie von Goethes Farbenlehre und Johannes Ittens (1888-1967) Farbrad und den Ideen darüber, wie Farbe die Form beeinflusst. Dieser Teil der ACROSS-Ausstellung im Freien wird durch eine Ausstellung in den Räumen der Galerie Wedding ergänzt, in der Werke der Künstler RA Walden, Jimmy Robert und Intervention von u.a. André Uerba und Angela Alves gezeigt werden, die sich mit dem Moment der angehaltenen Bewegung befassen.

Durchgeführt von XO Curatorial Projects und der Galerie Wedding

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Movement Research ACROSS

Creative space making through dance, outdoor performance and a social inhabitable stage in Wedding, Berlin.

02.06. – 30.07. 2022

With Medhat Aldaabal, Lois Alexander, Angela Alves, Tatiana Echeverri Fernandez, Jule Flierl, Carrie Hampel, Alexandra Hennig, Roni Katz, Justin F. Kennedy, Éva Mag/Krump Berlin, Tatjana Mahlke & Sonia Robak, Rachel Monosov, Namosh, Anna Nowicka, Jimmy Robert, Moran Sanderovich, Sloush+Zarrt, Colin Self, André Uerba, Viron Erol Vert, RA Walden.

Curated by Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

Movement, Diversity, Festivity, Transformation. With ACROSS we ask how we as neighbours, as people with diverse biographies, human beings with vulnerable bodies, can come together in public space through artistic intervention, reaching across communities and crises. ACROSS is a socially dynamic series of events with more than 16 performances brought together by a team of curators from Berlin’s independent scene, initiated and realised by XO Curatorial Projects.

During our research in the last two years of lockdown, we identified a strong need for corporeal and immediate encounters and meetings, for exploration through exchange and interaction. How can multiple artistic interventions turn the public space in Berlin Wedding into a safer space for all people?

ACROSS brings together international Berlin-based dancers, artists, musicians and a diverse audience in an urban setting, with a focus on unconventional movement. 

Inhabitable Outdoor Stage and Indoor Exhibition

For the occasion of ACROSS, visual artist Viron Erol Vert created “Flexible Colour Circle”, a public and inhabitable stage, set in Wedding’s town hall square (Rathausvorplatz). It serves as a Movement Research area for performances and a space for encounters with and for the people of Wedding. When designing the outdoor colourful stage, Vert was inspired by artist Emily Noyes Vanderpoel’s (1842-1939) colour charts studying the imaginary effects of colour, Goethe‘ theory of colour as well as Johannes Itten’s (1888-1967) colour wheel and ideas of how colour influences shape. This outdoor part of ACROSS is complemented by an indoor exhibition at Galerie Wedding with works by RA Walden and Jimmy Robert with interventions a.o. by André Uerba and Angela Alves, exploring the moment of arrested movement.

Executed by XO Curatorial Projects and Galerie Wedding

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und der Senatsverwaltung für Wirtschaft, Energie und Betriebe.

03.06.2022 zwischen 17 und 20 Uhr & 04.06.2022 zwischen 16 und 19 Uhr eine Hiphop-Performance von Éva Mag & Krump Berlinauf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Gemeinsam mit den Krump-Tänzer*innen Mario Perez Amigo, Timothy SteelRage Kakeeto, MICKY KNOXX, Nicole Kufeld, Iman Gele, Joel Borgel und DJ Peter Holm entwickelt die Künstlerin Èva Mag eine Hip-Hop-Performance, die den Begriff „Plethora“ (griechisch: „Überfluss“) mit Hilfe von Lehm, Latex, Krump und Musik untersucht. Krumping ist ein Straßentanz, der sich durch ausdrucksstarke, übertriebene und hochenergetische Bewegungen auszeichnet. Er vermittelt rohe Emotionen auf eine kraftvolle, jedoch gewaltfreie Weise.

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PLETHORA

03.06.2022 between 5 and 8 pm & 04.06.2022 between 4 and 7 pm performance by Éva Mag & Krump Berlin on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

Together with Krump dancers Mario Perez Amigo, Timothy SteelRage Kakeeto, MICKY KNOXX, Nicole Kufeld, Iman Gele, Joel Borgel and DJ Peter Holm, artist Èva Mag engages in a durational hip hop performance investigating the term “plethora” (Greek: “excess”) with the help of clay, latex, krump and music. Krumping is a street dance characterised by expressive, exaggerated and highly energetic movement. It conveys raw emotions in a powerful, yet non-violent way.

03.06.2022 zwischen 20 und 20.45 Uhr eine Performance von Justin F. Kennedy, ILYCH & The Darvish auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

„Recap of an Alien Garden“ ist eine von dem Tänzer und Sänger Justin F. Kennedy konzipierte und choreographierte Science-Fiction-Oper, die einen Alien-Garten auf einem öffentlichen Platz in Berlin als einen Ort der Emanzipation darstellt. Unter Einbindung der Geschichte der Ska-Musik behandelt die Performance Themen der ‘AlienNation’ und Vertreibung. Die mitreißenden Ska-Basslines, überlagert von verfremdenden Texten und Riffs, laden zu einem „überschäumenden Skank“ ein. Das Stück wird von Kennedy, ILYCH und einem besonderen Gast aufgeführt.

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Recap of an Alien Garden

03.06.2022 between 8 and 8.45 pm performance by Justin F. Kennedy, ILYCH and Darvishon Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

Recap of an Alien Garden is a sci-fi opera conceived and choreographed by community dance and vocal artist, Justin F. Kennedy. Recap posits the Alien Garden at the public square in Berlin as a site for emancipation. The performance uses the history of Ska music to address the topics of AlienNation and displacement. The infectious Ska basslines, overlaid with alienating lyrics and riffs invite into an “effervescent skank”. The piece is performed by Kennedy, ILYCH, and a special guest.

04.06.2022 zwischen 19 und 19.40 Uhr eine Tanzperformance von Roni Katz in der Galerie Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Eine Choreografin lädt das Publikum ein, mit ihr gemeinsam aus der Vergangenheit und zu den politischen Realitäten der Gegenwart zu tanzen. Ihre Gefühle werden offengelegt und dabei ihre Inspiration, das ihr eigene Vermächtnis, aber auch die Unmöglichkeit, eine Erziehung und Ausbildung rückgängig zu machen, anerkannt. Die Verflechtung des Tanzes mit ihrem Körper und ihre Fähigkeit, sich davon zu lösen, begleiten sie auf ihrer Suche nach den Gründen, warum sie mit dem Tanzen begonnen hat und warum sie weitermacht.

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Slides, A Letter to Dance

04.06.2022 between 7 and 7.40 pm a dance performance by Roni Katz at Galerie Wedding

In the framework of Movement Research ACROSS

A choreographer invites the audience to join in dancing from the past and to the political realities of the present. While acknowledging inspiration and heritage, and the impossibility to undo education and training, her feelings are exposed. The entanglement of dance with her body and her ability to detach follow her during her search for the reasons why she began, and why she continues dancing.

11.06.2022 zwischen 13:30 und 14 Uhr eine Tanzperformance von Medhat Aldaabal auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

 “Zufällig gab man mir meinen Namen

Zufällig gehörte ich einer Familie, die mir

Zufällig ihre Gesichts- und Charakterzüge vererbte

Und ihre Krankheiten auch

Ich spielte keine Rolle dabei, wer ich wurde.

Es war Zufall, dass ich ein Mann wurde

Ich hätte nicht existieren können.“

(Mahmoud Darwish: “Der Würfelspieler”)

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Dice

11.06.2022 between 1:30 und 2 pm dance performance by Medhat Aldaabal on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

“I was named by chance

and belonged to a family by chance,

and inherited its features, traits, and illnesses

 I played no role in who I became

It was by chance that I became a male

I could have not existed.”

(“The Dice Player“ by Mahmoud Darwish)

11.06.2022 zwischen 14.00 und 18.30 Uhr Streetdance & House Jam mit Tatjana Mahlke & Sonja Robak (House Szene Berlin) auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

JAM ACROSS vereint verschiedene Streetdance-Stile wie Breaking, Hip Hop, Popping, House und Waacking in einer einzigen Jam. Jeweils eine Stunde Funk, Hip Hop und House in ihrer schönsten Form. Der House Jam dient auch als Qualifikation für das anschließende Dance Battle – House 7 to Smoke. Egal welches Level, jede*r ist eingeladen zu jammen.

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11.06.2022 between 2 und 6.30 pm Streetdance & House Jam with Tatjana Mahlke & Sonja Robak (House Scene Berlin) on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

JAM ACROSS combines different street dance styles such as breaking, hip hop, popping, house and waacking into one single jam. One hour each of funk, hip hop and house music in their finest form. The House Jam also serves as a qualifier for the dance battle that follows – House 7 to Smoke. No matter what level, everyone is welcome to jam!

11.06.2022 tbc eine Tanzperformance von Jule Flierl auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Den Boden zu berühren heißt, die Erde zu massieren und mit den Fußsohlen zu sprechen. Faux-Pas ist ein Antimarsch, eine Erforschung der Rhetorik von Mustern und experimentellen Ankündigungen. Faux-Pas ist ein integraler Bestandteil der Studie des Künstlerin für die „Schule der Einstimmung und Taktlosigkeit“.

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Faux-Pas

11.06.2022 tbc a dance performance by Jule Flierl on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

To touch the ground is to massage the earth and to speak with the soles of one’s feet. Faux-Pas is an anti-march, a research into patterning rhetorics and experimental announcing. Faux-Pas is an integral part of the artist’s study for the “School of Attunement and Tactlessness”.

11.06.2022 zwischen 19 und 20 Uhr eine Tanzperformance von Rachel Monosov auf dem Rathausvorplatz Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

In »Landscape of Comfort« werden wir gemeinsam die Anpassung des menschlichen Körpers an Strukturen und Objekte untersuchen. Objekte, die angeblich Bewegungsfreiheit bieten, können hier Verwirrung und Frustration stiften, indem sie zu gewohnten, wenn auch unnatürlichen Verhaltensweisen einladen und zwingen. Die Performance hinterfragt, wie der endlose Wechsel zwischen Komfort und Unbehagen den Widerstand gegen Unterwerfung unter einer Machtstruktur verkörpert.

Die Performer*innen sind Tamar Grosz, Camilla Brogaard, Julia Shelkovskaia.

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LANDSCAPE OF COMFORT

11.06.2022 between 7 and 8 pm a dance performance by Rachel Monosov at the Town Hall Square Wedding

In the framework of Movement Research ACROSS

Within the »Landscape of Comfort« , we will collectively explore the human body’s adaptation to structures and objects. Objects that purportedly give freedom to movement, here may create confusion and frustration, inviting and imposing sets of habitual, if unnatural, behaviors. The performance questions how the endless shift between comfort to discomfort embodies resistance to surrendering to the power structure.

The performers are Tamar Grosz, Camilla Brogaard, Julia Shelkovskaia.

11.06.2022 zwischen 20:30 und 21:30 Uhr eine Tanzperformance von André Uerba in der Galerie Wedding und auf dem Rathausvorplatz Wedding

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Sieben Performer*innen spielen mit Konzepten der Zusammengehörigkeit und erkunden, wie sich die Begegnung zwischen ihnen, dem Publikum und auch den Zuschauer*innen untereinander manifestieren kann. Fire Starter #2 ist ein Forschungsraum, in dem das Publikum seine Rolle selbst bestimmen kann: es schaut zu, es bewegt sich oder es wechselt dynamisch die Position. Die Performer*innen selbst können zu Betreuer*innen werden, zu „Reiseführer*innen“, die die Erfahrung während des Stücks anleiten.

Uerbas Film INVITING MOMENTS OF STILLNESS, eine choreografisch-performative Erkundung der Berührung, wird in der Galerie Wedding gezeigt werden. Durch Verlangsamung und Konzentration auf den Körper erproben er und seine Mitstreiter*innen verschiedene Formen des Kennenlernens und der gegenseitigen Wahrnehmung als Mittel zur Entdeckung der Zusammenseins. 

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FIRE STARTER #2 & INVITING MOMENTS OF STILLNESS

11.06.2022 between 8:30 and 9:30 pm a dance performance by André Uerba at Galerie Wedding and on the Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

Within the framework of Movement Research ACROSS

Seven performers play with concepts of togetherness and explore how the encounter between the performers, the audience, and also the audience members amongst each other, can manifest. Fire Starter #2 is a space for research where the audience can decide on their role: they watch, they move or they dynamically change role. The performers themselves can at times turn into caretakers, “tour” guides that conduct the experience during the piece. Another work by Uerba is INVITING MOMENTS OF STILLNESS, a film presented in Galerie Wedding, touch, slowness and togetherness are key themes. In the film a choreographic-performative exploration of the practice of touch is presented. By slowing down and focussing on the body, he and his co-residents test different forms of becoming acquainted with, and sensing, one another as a means of uncovering togetherness. 

<abgesagt> 17.05.2022 Workshop für Kinder »In Translation« mit Thomias Radin

Im Rahmen des Ausstellung Existing Otherwise – Inner Jungle von Irene Fernández Arcas in der Galerie Wedding – kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Workshop »In Translation« führt Thomias Radin Kinder in einen Dialog über visuelle Kunst und Bewegung ein. Es sollen die Beziehungen zwischen Malerei, Musik und Tanz erforscht werden. Wie können Bilder in Bewegung umgesetzt werden? Wie können Bilder getanzt werden? Das Ziel ist es, eine rituelle und spirituelle Verbindung zum Tanz zu entwickeln.

Während des Workshops sind die Kinder eingeladen, den tanzenden Thomias zu skizzieren. Diese Zeichnungen werden dann besprochen und erneut in Tanz übersetzt. Anschließend können die Kinder den Prozess wiederholen und ihre eigenen Zeichnungen oder die ihrer Freunde tanzen.

Thomias Radin, in Guadeloupe geborener, arbeitet  interdisziplinär als Maler und Performer und erforscht dabei immer wieder die Kunst des Tanzes, der Bewegung, des Rhythmus und des Klangs. Dabei spielen Einflüsse seiner afro-karibischen Identität sowie Themen wie die Konstruktion kultureller Identitäten und ihre Beziehungen zum Göttlichen eine Rolle.

Keine Anmeldung erforderlich.

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<cancelled> 17.05.2022 Workshop for children »In Translation« with Thomias Radin

Within the framework of the exhibition
Existing Otherwise – Inner Jungle by Irene Fernández Arcas at Galerie Wedding – curated by Solvej Helweg Ovesen.

In the workshop »In Translation« Thomias Radin introduces children to a dialogue about visual art and movement. The relationships between painting, music and dance will be explored. How can images be translated into movement? How can images be danced? The goal is to develop a ritual and spiritual connection to dance.

During the workshop, children are invited to sketch the dancing Thomias. These drawings will then be discussed and translated into dance again. Afterwards, the children can repeat the process and dance their own drawings or those of their friends.

Thomias Radin, born in Guadeloupe, works interdisciplinary as a painter and performer, always exploring the art of dance, movement, rhythm and sound. Influences of his Afro-Caribbean identity play a role, as do themes such as the construction of cultural identities and their relationships to the divine.

No registration required.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

29.04.2022 um 17 Uhr Flamenco-Abend “Jaleo y Risa” mit Tablao Flamenco Tempelhof & Friends

Im Rahmen des Ausstellung Existing Otherwise – Inner Jungle von Irene Fernández Arcas in der Galerie Wedding – kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Seit dem Frühjahr 2020 trifft sich die Berliner Flamenco-Community auf dem Tempelhofer Feld. Jeden Samstagabend in den warmen Monaten teilen Musiker*innen, Tänzer*innen und Flamenco-Liebhaber*innen ihre Kunst und ihr Wissen miteinander und helfen Anfänger*innen, mit dem Tanzen zu beginnen.

Am 29. April wird der Frühling in der Galerie Wedding im Rahmen der Ausstellung von Irene Fernández Arcas mit dem „Altar a la Alegria“ gefeiert – inspiriert von der Tradition des 3. Mai-Festes in Andalusien zur Feier des Frühlings, bei dem sich Nachbar*innen und Familien auf den Straßen treffen, um zu tanzen und Spaß zu haben.

„Jaleo y Risas“ ist eine Veranstaltung, bei der sich Tablao Flamenco (Der Tanzboden Tempelhofer Feld) & Friends zum Tanzen, Singen, Lachen und Teilen treffen. Alle Besucher*innen sind eingeladen und willkommen, mitzumachen.

Keine Anmeldung erforderlich.

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Flamenco-Evening

29.04.2022 at 5 pm Flamenco evening “Jaleo y Risa” with Tablao Flamenco Tempelhof & Friends

Within the framework of the exhibition
Existing Otherwise – Inner Jungle by Irene Fernández Arcas at Galerie Wedding – curated by Solvej Helweg Ovesen.

Since spring 2020, Berlin’s flamenco community has been meeting at Tempelhofer Feld. Every Saturday evening during the warm months, musicians, dancers and flamenco lovers share their art and knowledge with each other and help beginners to start dancing.

On April 29th, Galerie Wedding hosts the celebration of spring in context of Irene Fernández Arcas‘ exhibition, at the „Altar a la Alegria“ – inspired by the tradition of the 3rd of May festivity in Andalucía for the celebration of spring, when the neighbors and families meet on the streets to dance and have fun.

„Jaleo y Risas“ is an event in which Tablao Flamenco (Der Tanzboden Tempelhofer Feld) & Friends reunite to dance and sing. All visitors are invited and welcome to join.

No registration required.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

08.04. bis 21.05. 2022

Eine Ausstellung von Irene Fernández Arcas

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 07.04 2022, 19 bis 22 Uhr

Hot shot de Yoggaton + DJ Set mit Maque Pereyra ab 19 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Die Künstlerin bietet mit farbenfrohen und humorvollen Gemälden, Keramiken, Filmen und Ritualen einen alternativen mentalen und physischen Raum zu dem rauen Großstadtdschungel. Die Ausstellung  spricht Menschen in jeden Alters an und bietet ein sanftes Ankommen im Frühling, trotz der Turbulenzen, die sich seit Winter ereignen.

Irene Arcas Fernandéz beschreibt den Inner Jungle (Innerer Dschungel) als „ein utopischer innerer Schutzraum, ein Zufluchtsort, vielleicht voller Licht, Landschaftserinnerungen oder einfach ein imaginärer Ort. Wir alle können solche inneren Räume mit sehr wenig Mitteln schaffen – auch Kinder, es ist kein spezielles Lernen nötig. Wenn man sich einen inneren Dschungel schafft und dorthin bewegt, findet man alles, was man sucht, z. B. Ruhe oder Entspannung“. 

Der Altar ist ein zentrales Gestaltungsmittel in Fernández Arcas Installationen, auch im „Inneren Dschungel“. Hier verwandelt sich der Ausstellungsort in einen physisch weichen Raum, in dem es sowohl Platz für Trauer als auch für Erleichterung oder gar körperliche Auflösung gibt. Es gibt einen Altar, keinen religiösen, aber einen Ort, der eine Menge Schönheit und heilende Energien in sich vereint. 

So viel ihr die Malerei und Keramik auch bedeutet, für Irene Fernández Arcas ist die Zusammenarbeit mit anderen die höchste Form der Kunst. Mit der Ausstellung Inner Jungle versucht sie mit einer Reihe von Mitgestalter*innen sowie dem Team der Galerie Wedding ein Gesamtkunstwerk zu entfalten. Zahlreiche Veranstaltungen werden die Ausstellung begleiten: Yoggaton zur Eröffnung, Künstlerin/Kuratorinnenn-Führung, Lesung und Ritual sowohl als Flamenco zum Gallery Weekend, Kindertanz auf dem Rathausvorplatz, und ein Konzert als Finissage. Irene Fernández Arcas erklärt zur farbenprächtigen, einladenden Ausstellung umhüllender Malerei : „Die von mir geschaffenen Räume sind Materialisierungen unseres inneren Dschungels. Es sind Räume, um anders zu existieren, rein und im Moment.“ 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Existing Otherwise – Inner Jungle

08.04. – 21.05. 2022

Exhibition by Irene Fernández Arcas

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening on 07.04. 2022, 7 to 10 pm

Hot shot de Yoggaton + DJ Set with Maque Pereyra, 7 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

With her colourful and humorous paintings, ceramics, films and rituals, the artist provides an alternative mental and physical space out of the harsh urban jungle. The exhibition addresses people of all ages and offers a soft landing into spring, despite the turbulences that have been happening since winter. 

Irene Fernandéz Arcas describes the Inner Jungle as „a utopian inner safe space, a refuge, full of lights maybe, landscape memories, or simply an imaginary place. We can all create such inner spaces with very little tools – also children, there is for specific learning. If you create an inner jungle and go there, you can find whatever you want to find, such as peace or relaxation.“ 

The altar is a vital design element in Fernández Arcas’s installations in general, and in the Inner Jungle in particular. Here, the exhibition space is transformed into a tangible soft space where there is room for both mourning and relief, or even a sense of bodily dissolution. There is an altar, not a religious one, but a site that holds a lot of beauty and healing energies. 

As much as painting and ceramics mean to her, for Irene Fernández Arcas, collaboration with others is the highest form of art. With the exhibition Inner Jungle, she is attempting to unfold a „Gesamtkunstwerk“, a total work of art, in cooperation with a number of co-creators and the team at Galerie Wedding. Various events will accompany the exhibition: Yoggaton at the opening, a guided tour by the artist and curator, a reading and ritual as well as flamenco for the Gallery Weekend, kids‘ dance on the square in front of the town hall, and a concert at the finissage. Irene Fernández Arcas comments on the colourful, enveloping exhibition of paintings: „The spaces I create are materialisations of our inner jungle. They are spaces to exist otherwise, pure and in the moment.“

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Performance von Sarah Ama Duah am 25.03.2022, um 14 bis 16 Uhr

Performer*innen: Céline Rodrigues Monteiro, Maleburu Moorosi, Sarah Ama Duah, Sarah Zeryab

Musik: Anchoress (Anna Lucia Nissen)

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Sarah Ama Duah, die sowohl Künstlerin als auch Designerin ist, erschafft in ihrer Arbeit „to build to bury to remember“ ein alternatives, temporäres Denkmal aus Latex mit ihrem eigenen Körper. Darüber hinaus lädt sie Performer*innen ein, sich mit ihr in ein Universum zu begeben, das verborgene, aber profane Formen besetzt und mit ihnen verschmilzt. „Ich interessiere mich für die Idee von Denkmälern als Manifestationen von Ideologien, Hierarchien von Körpern, Verehrung und als eine Möglichkeit, über gemeinsame Werte und Utopien nachzudenken“, sagt sie. Sie ist der Meinung, dass imperiale Denkmäler im öffentlichen Raum den Menschen entweder das Gefühl geben, zu Hause zu sein oder nicht dazuzugehören. Wie können neue Denkmäler stattdessen dazu beitragen, eine gemeinsame Grundlage zu schaffen?

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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to build to bury to remember

Performance by Sarah Ama Duah on 25.03. 2022, 2 to 4 pm

Performers: Céline Rodrigues Monteiro, Maleburu Moorosi, Sarah Ama Duah, Sarah Zeryab

Music: Anchoress (Anna Lucia Nissen)

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Sarah Ama Duah, who is both an artist and a designer, creates in her work „to build to bury to remember“ an alternative, temporary latex monument with her own body. She also invites performers to join her in a universe that occupies and merges with hidden but profane forms. “I’m interested in the idea of monuments as manifestations of ideologies, hierarchies of bodies, devotion and as a possibility to think about shared values and utopias”, she says. She believes that imperial monuments in public spaces either make people feel at home or that they don’t fit in. She asks, how can new monuments instead help to create a common ground?

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

Eine Ausstellung von Sarah Ama Duah und Ato Jackson

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 24.02. 2022, 19 bis 22 Uhr

Performance von Sarah Ama Duah am 24.02.2022, um 19 Uhr, gefolgt von einem DJ Set von Hulay Dusha.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Sarah Ama Duah, die sowohl Künstlerin als auch Designerin ist, erschafft in ihrer Arbeit „to build to bury to remember“ ein alternatives, temporäres Denkmal aus Latex mit ihrem eigenen Körper. Darüber hinaus lädt sie Performer*innen ein, sich mit ihr in ein Universum zu begeben, das verborgene, aber profane Formen besetzt und mit ihnen verschmilzt. „Ich interessiere mich für die Idee von Denkmälern als Manifestationen von Ideologien, Hierarchien von Körpern, Verehrung und als eine Möglichkeit, über gemeinsame Werte und Utopien nachzudenken“, sagt sie. Sie ist der Meinung, dass imperiale Denkmäler im öffentlichen Raum den Menschen entweder das Gefühl geben, zu Hause zu sein oder nicht dazuzugehören. Wie können neue Denkmäler stattdessen dazu beitragen, eine gemeinsame Grundlage zu schaffen?

Performer*innen: Céline Rodrigues Monteiro, Maleburu Moorosi, Sarah Ama Duah, Sarah Zeryab

Musik: Anchoress (Anna Lucia Nissen)

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Existing Otherwise – Once Way Another

Exhibition by Sarah Ama Duah and Ato Jackson

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening on 24.02. 2022, 7 to 10 pm

Performance by Sarah Ama Duah at 7 pm, followed by a DJ set by Hulay Dusha.

Within the framework of 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Sarah Ama Duah, who is both an artist and a designer, creates in her work „to build to bury to remember“ an alternative, temporary latex monument with her own body. She also invites performers to join her in a universe that occupies and merges with hidden but profane forms. “I’m interested in the idea of monuments as manifestations of ideologies, hierarchies of bodies, devotion and as a possibility to think about shared values and utopias”, she says. She believes that imperial monuments in public spaces either make people feel at home or that they don’t fit in. She asks, how can new monuments instead help to create a common ground?

Performers: Céline Rodrigues Monteiro, Maleburu Moorosi, Sarah Ama Duah, Sarah Zeryab

Music: Anchoress (Anna Lucia Nissen)

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

*see English version below

14.01. bis 30.04. 2022

Ausstellung und Re-Schooling Programm

The Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA Tamale), Red Clay und Nkrumah Voli-ni, Tamale, Ghana

Das einjährige Kunstprojekt begann 2021 in Berlin und gipfelt in einer internationalen Ausstellung im Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA Tamale) in Tamale, Ghana, die im Januar 2022 eröffnet wird. Ausgehend von der Idee, dass wir nicht zu einer „Normalität“ vor der Krise zurückkehren wollen, wurden die Künstler*innen Isabel Lewis (The Institute for Embodied Creative Practices, Callie’s, Berlin) und Ibrahim Mahama (Savannah Centre for Contemporary Art/ SCCA Tamale) eingeladen, das Projekt mit zu kuratieren und zu moderieren. Während Lewis‘ Performances, situative Arbeiten und Choreografien unsere Beziehung und Vorstellung von Zusammensein verändern, um uns zu mehr Intimität untereinander zu verhelfen, überdenkt Mahama unsere Beziehung zu Material und Geschichte. Das Kuratorinnenteam hat mit allen eingeladenen Künstler*innen zusammengearbeitet, um eine Vision davon zu entwickeln, wie wir in materieller und relationaler Hinsicht anders existieren können.

mit Ana Alenso (VZ), Ato Jackson (GH), Bernard Akoi-Jackson (GH), Cecilia Vicuña (CL), Eli Cortiñas (ES), Emily Hunt (AU), Ernest Sackitey(GH), Hannah Toticki(DK), Jem Bendell (GB), Rosemary Esinam Damalie (GH), Rüzgâr Buşki (TR), Sarah Ama Duah (DE), Sandra Kyeraa (GH), Selom Kudjie (GH), Sikarnt Skoolisariyaporn (TH), Tracy Naa Koshie Thompson (GH)

Künstlerische Leitung Existing Otherwise & Galerie Wedding
Solvej Helweg Ovesen
Co-Kurator, Gründer SCCA Tamale, Ghana
Ibrahim Mahama
Kuratorische Beratung, Gründerin von The Institute of Embodied Creative Practises, Berlin
Isabel Lewis

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Existing Otherwise
The Future of Coexistence

14.01. to 30.04. 2022

Exhibition and Re-Schooling Programme

The Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA Tamale), Red Clay and Nkrumah Voli-ni, Tamale, Ghana

The one-year-long art project started in Berlin in 2021 and culminates in an international final exhibition at Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA Tamale) in Tamale, Ghana, opening in January 2022. Based on the idea that we do not want to return to any „normality“ before the crisis, the artists Isabel Lewis (The Institute for Embodied Creative Practices, Callie’s, Berlin) and Ibrahim Mahama (Savannah Centre for Contemporary Art/ SCCA Tamale) have been invited to co-curate and co-host the project. Whereas Lewis‘ performances, hostings, and choreographies transform our relation and idea of being together in order to help us to gain more intimacy among each other, Mahama rethinks our relation with material and history. The curatorial team have been working among all invited artists to form a vision of how we can exist otherwise, materially and relationally.

with Ana Alenso (VZ), Ato Jackson (GH), Bernard Akoi-Jackson (GH), Cecilia Vicuña (CL), Eli Cortiñas (ES), Emily Hunt (AU), Ernest Sackitey(GH), Hannah Toticki(DK), Jem Bendell (GB), Rosemary Esinam Damalie (GH), Rüzgâr Buşki (TR), Sarah Ama Duah (DE), Sandra Kyeraa (GH), Selom Kudjie (GH), Sikarnt Skoolisariyaporn (TH), Tracy Naa Koshie Thompson (GH)

Artistic Director
Solvej Helweg Ovesen
Co-curator, founder SCCA, Tamale, Ghana
Ibrahim Mahama
Curatorial advisor, founder The Institute of Embodied Creative Practises, Berlin, Germany
Isabel Lewis

Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses
is funded by the German Federal Cultural Foundation, kindly supported by the DAAD Artists-in- Berlin Program with Funds of the Federal foreign Office and executed and directed by XO Curatorial Projects (Kathrin Pohlmann & Solvej Helweg Ovesen) in close collaboration with Galerie Wedding – Space for Contemporary Art, Berlin, The Institute for Embodied Creative Practices, Berlin and Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA), Tamale.

5. Februar 2022 von 14 bis 16 Uhr

Zeitgenössische Tee-Zeremonie mit Dambi Kim

UPDATE +++ Leider müssen wir die Tee-Zeremonie im Februar absagen, zu alternativen Veranstaltungen halten wir euch online auf dem Laufenden.

Teil von
INTIM/E Occasions and Other Occurrence
Eingeladen von Isabel Lewis

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Die Teilnehmer*innenzahl ist begrenzt. Bitte hier anmelden.

Das ist eine 2G+ Veranstaltung. Bitte einen aktuellen Negativtest (nicht älter als 24 Stunden) zusätzlich zur gültigen Impfung oder Genesungsbescheinigung mitbringen.

TEA-ching ist ein modernes Teeritual, das sich zwischen Gastgeber*in und einem Gast um einen Teetisch herum ereignet. Alle Sinne der Teilnehmenden werden angesprochen: Fühlen, Sehen, Hören, Riechen und Schmecken. Es ist ein Angebot, die saisonalen und regionalen Unterschiede in der Auswahl der Teesorten wahrzunehmen und wertzuschätzen – ohne streng formale Regeln, sondern mit Freiheit zur Entspannung. Die Zubereitung einer Tasse Tee für den Gast lehrt die gastgebende Person, auf die Bedürfnisse des anderen einzugehen und sich Zeit für die gegenseitige Sorge zu nehmen. Im Anschluss an die Zeremonie gibt Dambi eine kurze Einführung in die traditionelle Teephilosophie.

Dambi konzentriert sich auf die Entwicklung von Intimität und emotionaler Intelligenz mit den geladenen Gästen ihrer Teezeremonie auf verbale-nonverbale Weise. Ausgehen von der Umgebung, Natur, Wissenschaft, Anthropologie und sensorischer Analyse erforscht sie Kräuter und Pflanzen, um funktionelle Lebensmittel und Getränke herzustellen. Ihr ritualhafter Service ist experimentell und enthält dennoch eine besondere Botschaft für eine humane Gesellschaft. Mit ihrer Praxis hofft sie auf eine Wiederbelebung der verlorenen Verbindung zwischen Natur und Mensch. Derzeit lebt sie in Seoul und Berlin und arbeitet an Workshops, Lebensmittelexperimenten und modernen Ritualen, bei denen sie alle unsere Körpersinne einsetzt.

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TEA-ching

February 5, 2022 from 2 to 4 pm

Contemporary tea ceremony with Dambi Kim

UPDATE +++ Unfortunately we will have to close the tearoom in February, we will let you know about an alternative event asap! +++ Leider müssen wir die Tee-Zeremonie im Februar absagen, zu alternativen Veranstaltungen halten wir euch online auf dem Laufenden!

Part of
INTIM/E Occasions and Other Occurrences
Hosted by Isabel Lewis

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

The number of participants is limited. Please register here.

This is a 2G+ event. Please bring a current negative test (not older than 24 hours) in addition to the valid vaccination or recovery certificate.

TEA-ching is a modern tea ritual between a host and a guest around the tea table. It offers participants to appreciate the subtle nuances in sensory levels by touching, tasting, and smelling as well as seasonal and regional variations in choice of teas with fewer formal rules, greater freedom for relaxation. By preparing a cup of tea for the guest, the host will learn to listen to one’s needs and find time to take care of each other. The ceremony will be followed by a short introduction about traditional tea philosophy by Dambi.

Dambi focuses on developing intimacy & emotional intelligence with invited guests of her tea ceremony in a verbal/non-verbal way. Based on environment, nature, science, anthropology and sensory-analysis, she conducts researches on herbs & plants to produce functional foods and drinks. Her ritual-esque service is experimental yet possesses a certain message for a human society. With her practice, she hopes for a revival of a lost connection between nature and humans. She is currently based in Seoul and Berlin, working on workshops, food experimentations, and modern rituals using all our bodily senses.

27. November 2021

Suppe von 13 boxes

Gemeinschaft und Essen von 12 – 19 Uhr

Teil von
INTIM/E Occasions and Other Occurrences

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

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Time Soup by 13 boxes

Hosting and food from 12 – 7 pm

Part of
INTIM/E Occasions and Other Occurrences

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Öffentliche Gespräche mit Nora Turato, nora chipaumire, Branden Jacobs-Jenkins moderiert von Isabel Lewis

25.11.2021, 18 Uhr, Galerie Wedding

Präsentation von nora chipaumire und akustische Intervention im Dialog mit Isabel Lewis

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Anlässlich der Eröffnung der Ausstellung INTIM/E von Dirk Bell und Isabel Lewis am 25. November hält nora chipaumire ein Künstler*innengespräch, in dem sie Sprache und Musik mit klanglichen Interventionen von Isabel Lewis verwebt.

Die Arbeiten von nora chipaumire werden häufig im Kontext von Tanz und Theater, zunehmend aber auch im Kontext zeitgenössischer Kunst präsentiert. In der Galerie Wedding inszeniert chipaumire eine dialektische Begegnung, die das Thema der Evolution von Sprache und nonverbaler Kommunikation mit einer experimentellen Interpretation des Formats „Interview“ eröffnet. Mit Lewis als Gesprächs- und Improvisationspartnerin reflektieren die beiden Künstlerinnen in diesem performativen Tête-à-tête die Praxis von chipaumire.

Über JUICE: Language Futures

Das Programm JUICE: Language Futures besteht aus öffentlichen Dialogen mit Künstlerinnen und Künstlern, die in unterschiedlichen Medien und Genres arbeiten und in ihrem Tun einen besonders starken Bezug zur Sprache haben. JUICE wählt einen experimentellen und spielerischen Ansatz für das Format des Künstler*innengesprächs mit drei dialogischen Ansätzen, die Nora Turato, nora chipaumire und Branden Jacobs-Jenkins mit Isabel Lewis in drei verschiedenen Begegnungen zusammenbringen.

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JUICE: Language Futures

Public conversations with Nora Turato, nora chipaumire, Branden Jacobs-Jenkins hosted by Isabel Lewis

25.11.2021, 6 pm, Galerie Wedding

Artist talk by nora chipaumire and sonic interventions in dialogue with Isabel Lewis

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

On the opening of Bell’s and Lewis’ exhibition INTIM/E on the 25th of November nora chipaumire gives an artist talk interweaving language and music with sonic interventions by Isabel Lewis.

nora chipaumire’s work is often presented in the context of dance and theater but increasingly the contemporary art context as well. In Galerie Wedding, chipaumire stages a dialectic encounter that opens up the themes of the evolution of language and non-verbal communication with an experimental take on the format of the interview. With Lewis as interlocutor and improvisation partner the two artists reflect on chipaumire’s practice in this performative tête-à-tête.

About JUICE: Language Futures

The program JUICE: Language Futures consists of public dialogues with artists working in differing media and genres that all have particularly strong relations to language inside their work. JUICE takes an experimental and playful approach to the format of the artist talk with three dialogical propositions that pair Nora Turato, nora chipaumire, and Branden Jacobs-Jenkins with Isabel Lewis in three distinct encounters.

Gespräch zwischen nora chipaumire und Isabel Lewis zur Eröffnung um 18 Uhr

Ausstellungseröffnung mit Live-DJ-Set von zz fya bby um 19 Uhr

Ausstellung von Isabel Lewis und Dirk Bell

26.11. 2021 – 12.02. 2022

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

In der Ausstellung INTIM/E von Dirk Bell und Isabel Lewis, die am 25. November 2021 beginnt, verfolgen die Künstler*innen einen anderen Ansatz zu Fragen der Zweisamkeit und zeitgenössischen Intimität. INTIM/E nimmt die beiden Räume der Galerie Wedding ein und erforscht Formen des begehrenden, verkörperten Seins, die nicht mit den üblicherweise geradlinigen Maßstäben des alltäglichen Lebens übereinstimmen. Die moderierten Situationen („hosted situations“) in der Galerie eröffnen das Potenzial für kollektives Spiel und gesteigerte Empfänglichkeit, die zu Strategien des Widerstands gegen die Standardisierung, Entfremdung und Hyper-Individualisierung des gegenwärtigen urbanen Lebens werden. Während die moderne romantische Liebe und ihre Ausprägung auf dem „Heiratsmarkt“ und in der Produktion der Kleinfamilie von zeitgenössischen Soziolog*innen als Faktor des Modernisierungsprozesses selbst analysiert und theoretisiert wurde, konzentriert sich diese Arbeit auf die romantische Liebe und das Begehren, wie sie in den Lücken von Zeit(en) und Distanz(en) zwischen Menschen und Dingen funktionieren. Lewis und Bell erforschen die Qualitäten, die Ästhetik und die Zeitlichkeit der Liebe und ihrer Ausdrucksformen sowohl in der entfremdeten Gegenwart und Nähe als auch unter den Bedingungen der Distanz, d. h. der durch Zeit und Umstände auseinander gerissenen Liebe. In diesen Lücken, Irritationen und Entgleisungen des Verstehens findet sich vielleicht das, was sich der Quantifizierung und Kommerzialisierung widersetzt, Seins- und Gefühlsweisen, die sich ausweiten, überlaufen, aus der Zeit, aus der Geschichte heraus treten und fragile und temporäre Alternativen in unserem urbanen Leben bilden.

In der Ausstellung von Bell und Lewis entfaltet sich ein Programm, das über die Rolle der Sprache bei der Bildung von Intimitäten nachdenkt. Wissenschaftler*innen zufolge sind 70 % der Kommunikation zwischen Menschen nonverbal. Das bedeutet, dass wir ohne Körpersprache, Gesten, Geruch, Berührung, Kleidungsstil und Stimmung so gut wie gar nicht kommunizieren. Die qualitativen Aspekte der Kommunikation wie das Timbre der Stimme, die Energie oder die „Chemie“ zwischen Menschen oder das Fehlen derselben lassen sich nicht in quantitative und virtuell übertragbare Daten umwandeln. Wir müssen dringend nach Wegen suchen, wie wir weiterhin reichhaltig und umfassend kommunizieren können, um unsere Menschlichkeit zu bewahren und weiter zu entfalten. JUICE: Language Futures reflektiert die Entwicklung der menschlichen Sprache und experimentiert mit Ansätzen, um die Besonderheiten, Möglichkeiten und Grenzen sowohl der verbalen als auch der nonverbalen Kommunikation hervorzuheben und zu betonen. Das Programm präsentiert die Arbeitsweisen von nora chipaumire, Branden Jacobs-Jenkins und Nora Turato.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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INTIM/E

Opening on 25.11. 2021

Conversation with nora chipaumire and Isabel Lewis at 6 pm

Exhibition Opening with live DJ set by zz fya bby at 7pm

Exhibition by Isabel Lewis and Dirk Bell

26.11. 2021 to 12.02. 2022

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

In the exhibition INTIM/E by Dirk Bell and Isabel Lewis starting on the 25th of November, 2021, the artists pursue yet other approaches to questions togetherness and contemporary intimacy. INTIM/E occupies both spaces of Galerie Wedding and explores forms of desirous, embodied being that are out of sync with the ordinarily linear measurements of everyday life. Hosted situations in the gallery open up the potential for collective playfulness and heightened receptivity to become strategies of resistance to the standardization, alienation, and hyper-individualization of contemporary urban life. While modern romantic love and its manifestation in the “marriage market” and production of the family unit have been analyzed and theorized by contemporary sociologists as an agent of the modernisation process itself, this work focuses on romantic love and desire as it operates in the gaps of time(s) and distance(s) between people and things. Lewis and Bell explore the qualities, aesthetics, and temporalities of love and its modes of expression in both the alienating present and proximal as well as in conditions of distance i.e. loves thrown apart by time and circumstance. In these gaps, discomforts, and slippages of understanding are perhaps to be found that which resists quantification and commodification, modes of being and feeling that spill over, out of time, out of historicization forming fragile and temporary alternatives within our urban lives. Within the exhibition of Bell and Lewis a program unfolds that reflects on the role language plays in the intimacies we form. According to scientists 70% of communication between humans is non-verbal. That means that without body language, gestures, smell, touch, dress code and ambience we are hardly communicating at all. The qualitative aspects of communication such as the timbre of voice, the energy or “chemistry” between people, or lack thereof, cannot be made into quantitative data to be transmitted virtually. It is urgent that we explore ways to continue to communicate, richly and fully, in order to preserve and continue to exercise our humanity. JUICE: Language Futures reflects on the evolution of human language and experiments with ways to highlight and emphasize the particularities, possibilities, and limitations of both verbal non-verbal communication and features the artist practices of nora chipaumire, Branden Jacobs-Jenkins, and Nora Turato

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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“Existing Otherwise | Anders Existieren” (XO) ist ein Programm der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit XO Curatorial Projects, Berlin. “Existing Otherwise | Anders Existieren” wird realisiert in enger Partnerschaft mit The Institute for Creative Embodied Practices, Callie’s, Berlin, und Savannah Center for Contemporary Art (SCCA), Tamale (Ghana).

Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Bezirkskulturfonds.

Das Programm „Existing Otherwise I Anders Existieren. For a New Politics of the Senses“ ist gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Performance Dinner von Luiza Prado
30. September 2021 von 17 bis 19 Uhr
Auf dem Rathausvorplatz neben der Galerie Wedding

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren – For a New Politics of the Senses
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

In der fortlaufenden Banquet-Serie lädt die Künstlerin Luiza Prado Gäste – insbesondere Angehörige lokaler und marginalisierter Gemeinschaften – zu Mahlzeiten ein, bei denen traditionelle brasilianische Gerichte mit pflanzlichen Zutaten zubereitet werden.

Die Künstlerin betrachtet die Zubereitung und das Teilen einer Mahlzeit als eine Form der kollektiven Performance. Vor dem Hintergrund der aktuellen Klimakrise, Umweltzerstörung und Überbevölkerung der Erde stellt sich Prado das Teilen von Überfluss und Ressourcen als eine Form radikaler, dekolonisierender Fürsorge und Zukunftsgestaltung vor. In ihrer Arbeit übt die Künstlerin Kritik an dem Streben nach endlosem Wachstum, das Körper und Ressourcen ausbeutet und Ursache der gegenwärtigen Krisen ist. Prados Perspektive auf soziale und wirtschaftliche Verhältnisse bezieht dabei die Situation von Menschen, Tieren und Pflanzen mit ein.

Luiza Prado ist eine brasilianische Künstlerin und hat selbst im Berliner Wedding gewohnt. Die Zutaten für die vegetarische Mahlzeit werden auf dem lokalen Genter Wochenmarkt gekauft und von der Künstlerin in der Galerie Wedding zubereitet.

Das Essen wird gratis an Passant*innen und Publikum auf dem Rathausvorplatz ausgeteilt, solange der Vorrat reicht. Eine Anmeldung ist nicht erforderlich.

Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, sowie dem Bezirkskulturfonds. Das Programm „Existing Otherwise I Anders Existieren – For a New Politics of the Senses“ wird durch die Kulturstiftung des Bundes und von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien gefördert.

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Performance dinner with Luiza Prado
30 September 2021 from 5 pm to 7 pm
On the Rathaus forecourt next to Galerie Wedding

As part of the exhibition programme Existing Otherwise | Anders Existieren – For a New Politics of the Senses
Artistic director: Solvej Helweg Ovesen

In this ongoing banquet series, artist Luiza Prado invites guests – especially members of local and marginalised communities – to meals where traditional Brazilian dishes are prepared with plant-based ingredients.

The artist considers the preparation and sharing of a meal as a form of collective performance. Against the backdrop of the current climate crisis, environmental destruction and overpopulation of the planet, Prado imagines the sharing of abundance and resources as a form of radical, decolonising care and future-making. In her work, the artist critiques the pursuit of endless growth that exploits bodies and resources and is the cause of current crises. Prado’s perspective on social and economic conditions includes the situation of humans, animals and plants.

Luiza Prado is a Brazilian artist and has herself lived in the Berlin district of Wedding. The ingredients for the vegetarian meal are bought at the local weekly Genter market and prepared by the artist at Galerie Wedding.

The food will be distributed free of charge to passers-by and the public on the Rathausvorplatz, as long as the supply lasts. Registration is not required.

With the kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Exhibition Remuneration Fund and Exhibition Fund for Municipal Galleries, as well as the Bezirkskulturfonds. The programme „Existing Otherwise I Anders Existieren – For a New Politics of the Senses“ is funded by the Federal Cultural Foundation and by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media.

Danielle Shoufra & Mitwirkende aus dem M.A. Raumstrategien, weißensee kunsthochschule berlin (Jacob Wirth, Denis Esakov, Marina Resende Santos, Coline Rousteau) + Sound Editing Assistenz von Khaled Kurbeh

11. August 2021
Beginn: 19:00 & 20:00
Rathausvorplatz

Die Veranstaltung findet im Rahmen der Performance-Reihe Movement Research | Testplatz Wedding, 11. August bis 4. September 2021, statt.

Performance und Bewegung auf dem Rathausvorplatz in Wedding

Kuratiert von Malte Pieper und Maja Smoszna im Rahmen des Programms Existing Otherwise – Anders Existieren in der Galerie Wedding 2021-22 (Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen)

Der während der Pandemie häufig verwendete Begriff ‚ESSENTIAL‘ machte die direkte staatliche Kontrolle über unseren Körper deutlich. Als Gruppe üben wir die Funktionalitäten unserer Körper; wir erforschen den Bereich zwischen mechanischen Bewegungen – durch die Verstärkung unserer hörbaren und visuellen Präsenz bis hin zu einer fragilen gegenseitigen Abhängigkeit.

Das Projekt wurde an der weißensee kunsthochschule berlin im M.A. Raumstrategien entwickelt und von Khaled Kurbeh in der Soundbearbeitung unterstützt.

Danielle Shoufra (1988) ist Masterstudentin der Raumstrategien an der Weißensee Kunstschule. Sie ist Absolventin der SVT Jerusalem und der Jerusalem Dance Academy for Music and Dance und präsentierte ihre Arbeiten bei Festivals und Ausstellungen, darunter: „March Hare“-Festival, „Adam’s Rock“-Gruppenausstellung, MoBY-Museum (Bat Yam, ISR), International Performance Conference 0:5, 0:7 (Jerusalem, ISR) , „The Gathering“-Festival (TLV, ISR), „IntimaDance“-Festival Tmuna Theater, „Censorship“, „hope“-Gruppenausstellungen (Jaffa, ISR), „St. Petersburg Festival“ , „The New Gallery“ (JRS, ISR) ,’ATLAS’\ImpulsTanz (Wien) , „Alfred Gallery“ (TLV, ISR) , und mehr.

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Essential Body

Danielle Shoufra & co-performer practitioners from the M.A. Spatial Strategies, weißensee kunsthochschule berlin (Jacob Wirth, Denis Esakov, Marina Resende Santos, Coline Rousteau) + Sound Editing Assistance by Khaled Kurbeh

11 August 2021
Start: 19:00 & 20:00
Rathausvorplatz

The event takes place as part of the performance series Movement Research | Testplatz Weddingfrom August 11 to September 4, 2021

Performance and movement at Rathausvorplatz in Wedding.

Curated by Malte Pieper and Maja Smoszna as part of the programme Existing Otherwise – Anders Existieren at Galerie Wedding 2021-22 (Artistic Director: Solvej Helweg Ovesen).

The extensively used term ‘ESSENTIAL’ during the pandemic exposed the states direct control over our body. As a group we practice the functionalities of our bodies; exploring the range between mechanical movements – through amplifying our audible and visual presence to the point of fragile mutual dependency.

The project was developed at weißensee kunsthochschule berlin Spatial Strategies M.A. with sound editing assistance by Khaled Kurbeh.

Danielle Shoufra (1988) is a master candidate at Raumstrategien Weißensee Kunstschule. She graduated of SVT Jerusalem, and Jerusalem Dance Academy for Music and Dance and presented her work in festivals and exhibitions among them: “March Hare” festival, “Adam’s Rock” group exhibition, MoBY museum (Bat Yam, ISR), International Performance Conference 0:5, 0:7 (Jerusalem, ISR) ,”The Gathering” festival (TLV, ISR), “IntimaDance” festival Tmuna Theater, “Censorship”, “hope” group exhibitions (Jaffa, ISR), “St. Petersburg Festival” , “The New Gallery“ (JRS, ISR) ,‘ATLAS’\ImpulsTanz (Vienna) , “Alfred Gallery” (TLV, ISR) , and more.

Gabriela Cordovez & Dani Miranda + Andi.Andean
12. August 2021
Dauer: 17:00 bis 21:00
Rathausvorplatz Wedding

Im Rahmen der Performance-Reihe Movement Research | Testplatz Wedding 11. August bis 4. September 2021

Performance und Bewegung auf dem Rathausvorplatz in Wedding

Kuratiert von Malte Pieper und Maja Smoszna im Rahmen des Programms Existing Otherwise – Anders Existieren in der Galerie Wedding 2021-22 (Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen)

Ein Körper in horizontaler Beziehung zur Stadt ist plötzlich ein verletzlicher Körper.

Wie verformt die Stadt einen Körper und wie kann man eine Stadt inszenieren? Die Performance CITYCYBORG geht von der Annahme aus, dass der Mensch die Dinge nicht kontrolliert, sondern von ihnen geformt und beeinflusst wird. Die Art und Weise, wie wir das Leben in unseren urbanen Räumen erleben, ist eine Technik der Improvisation, die Raum aufbauen und konstruieren kann.

Jedes Objekt ist ein Fenster, durch das die Stadt aus einem anderen Blickwinkel erlebt werden kann.“

Bitte halten Sie den Mindestabstand von 1,5m zu anderen Teilnehmenden ein oder tragen Sie eine medizinische Make. Auf dem Rathausvorplatz sind Bänke und Sitzgelegenheiten vorhanden. Es gilt die Platzordnung des Rathausvorplates und aktuellen Hygienemaßnahmen des Landes Berlin.

Langzeit-Performance. Veranstaltung unter freiem Himmel. Keine Anmeldung erforderlich.

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CITYCYBORG

Gabriela Cordovez & Dani Miranda + Andi.Andean

August 12, 2021
Duration: 5pm to 9pm
Rathausvorplatz Wedding

The event takes place as part of the performance series Movement Research | Testplatz Wedding from August 11 to September 4, 2021

Performance and movement at Rathausvorplatz in Wedding.

Curated by Malte Pieper and Maja Smoszna as part of the programme Existing Otherwise – Anders Existieren at Galerie Wedding 2021-22 (Artistic Director: Solvej Helweg Ovesen).

A body in horizontality with the city suddenly is a vulnerable body.

How does the city deform a body and how can you stage a city? The performance CITYCYBORG proceeds from the assumption that human beings do not control things, but instead are shaped and influenced by them. How we experience life in our urban spaces is a technology of improvisation that can build up and construct space. Every object is a window to experience the city from another angle.

Durational Performance. Open-air event. No registration required.

Please keep a minimum distance of 1.5m from other participants or wear a medical mask. Some seats and benches are available on the plaza. The site rules of Rathausvorplatz apply as well as the hygiene regulations by the city of Berlin.

Leman Sevda Darıcıoğlu & Derin Cankaya
18. August 2021
Dauer: 17:00 bis 22:00
Rathausvorplatz Wedding

Im Rahmen der Performance-Reihe Movement Research | Testplatz Wedding 11. August bis 4. September 2021

Performance und Bewegung auf dem Rathausvorplatz in Wedding

Kuratiert von Malte Pieper und Maja Smoszna im Rahmen des Programms Existing Otherwise – Anders Existieren in der Galerie Wedding 2021-22 (Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen)

Occupying coast, stringing out lines (dt. Die Küste besetzen, Linien aufspannen) zielt darauf ab Diskurse zu brechen, die nicht-westliche Queerness viktimisieren. Es soll ein neues Bild von queeren Migrant:innen des “globalen Südostens” in Spaß und Vergnügen geschaffen werden. Es geht darum, einen surrealen und lustigen Riss zu schaffen, der aus dem langweiligen Alltag in ein imaginäres queeres Land führt. Dort wird von einer Zukunft geträumt, in der die Körperlichkeit und die Gefühle eine entscheidende Rolle für das Leben spielen; eine Zukunft, in der wir nur durch unsere Verbindungen zu uns selbst, zueinander und zu unserer Umgebung bestimmt werden.

Leman Sevda Darıcıoğlu (1985, Izmir – lebt und arbeitet in Berlin und Istanbul) konzentriert sich auf die Untersuchung/Erforschung der physischen/emotionalen Grenzen und Einschränkungen des menschlichen Körpers. Ausgehend von dieser körperlichen Forschung setzt sich Darıcıoğlu in ihrer* künstlerischen Praxis mit hegemonialen politischen/sozialen Konzepten und Normen auseinander, die von der Performancekunst bis hin zu zeit- und raumbasierten Disziplinen wie Video, Installation und öffentlichen Interventionen reichen.

Leman Sevda Darıcıoğlus Performances und künstlerische Arbeiten wurden auf Performance-Festivals, in Museen und Galerien in der Türkei, Europa und Asien gezeigt, darunter Galerie Auslage, Berlin (2021), „unboxing: masculinities*“, Universität Osnabrück, Lingen (2021); Haus der Statistik, Berlin (2020); Apartment Project, Berlin (2020); Venice International Performance Art Week, Palazzo Mora, Venice (2020&2019&2017); Future Ritual, Kunstraum, London (2019); Contemporary Istanbul Art Fair (2019); Badischer Kunstverein, Karlsruhe (2019); 18. Asia Biennale Bangladesh, Shilpakala Academy, Dhaka (2018) and Jeonbuk Museum of Arts, Jeonju (2017). Darıcıoğlu war Juli-Dezember 2020 Teil des Berlin-Istanbul Austauschsprogramms organisiert von nGbK, ZK/U und DEPO.

*Als Künstler:in, die* mit dem binären Geschlechtersystem nicht einverstanden ist, verwendet Leman Sevda Darıcıoğlu als Pronomen das durchgestrichene „sie/ihr“ mit Asterisk in Texten und „they/them“ in der gesprochenen Sprache

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OCCUPYING COAST, STRINGING OUT LINES

Leman Sevda Darıcıoğlu & Derin Cankaya
18 August 2021
Duration: 17:00 to 22:00
Rathausvorplatz Wedding

The event takes place as part of the performance series Movement Research | Testplatz Weddingfrom August 11 to September 4, 2021

Performance and movement at Rathausvorplatz in Wedding.

Curated by Malte Pieper and Maja Smoszna as part of the programme Existing Otherwise – Anders Existieren at Galerie Wedding 2021-22 (Artistic Director: Solvej Helweg Ovesen).

Aiming to break victimisation discourses on non-western queerness and create a new image of “Global southeast” queer migrant in joy and pleasure, Occupying coast, stringing out lines intends to create a surreal and joyful crack opening to an imaginary queer land from boring daily life and dreams of that future where the corporality and feelings would be a threshold matter for life; a future where we would only be determined by our connections within ourselves, each other and surroundings.

Leman Sevda Darıcıoğlu (1985, Izmir – lives & works in Berlin – Istanbul) focuses on the investigation/exploration of the physical/emotional boundaries and limitations of the human body. Taking this corporal research as a core, Darıcıoğlu engages with hegemonic political/social concepts and norms in her* artistic practice, ranging from performance art to time- and space-based disciplines such as video, installation, and public interventions.

Leman Sevda Darıcıoğlu’s performances and artistic works have been shown at performance festivals, museums, and galleries in Turkey, Europe, and Asia, including Galerie Auslage, Berlin (2021), „unboxing: masculinities*“, University of Osnabrueck, Lingen (2021); Haus der Statistik, Berlin (2020); Apartment Project, Berlin (2020); Venice International Performance Art Week, Palazzo Mora, Venice (2020&2019&2017); Future Ritual, Kunstraum, London (2019); Contemporary Istanbul Art Fair (2019); Badischer Kunstverein, Karlsruhe (2019); 18. Asia Biennale Bangladesh, Shilpakala Academy, Dhaka (2018) and Jeonbuk Museum of Arts, Jeonju (2017). Darıcıoğlu was the July-December 2020 fellow of Berlin-Istanbul artist exchange program held in collaboration between nGbK, ZK/U and DEPO Istanbul.

Since 2017, Darıcıoğlu is represented by the international performance art platform Performistanbul.

*As an artist who disagrees with the binary gender system, Leman Sevda Darıcıoğlu uses „she/her“ as a strikethrough with an asterisk in writings and takes „they/them“ in verbal language.

Caitlin Fisher & Maria F. Scaroni & Heather Purcell & Zen Jefferson plus TEAM
19. August 2021
Dauer: 17:00 bis 21:00
Rathausvorplatz Wedding
(neben der Galerie, Müllerstr. 146/147, 13353 Berlin)

Im Rahmen der Performance-Reihe Movement Research | Testplatz Wedding 11. August bis 4. September 2021

Performance und Bewegung auf dem Rathausvorplatz in Wedding

Kuratiert von Malte Pieper und Maja Smoszna im Rahmen des Programms Existing Otherwise – Anders Existieren in der Galerie Wedding 2021-22 (Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen)

„Wir spielen, aber dies ist kein Spiel. Geprägt von den Räumen zwischen den Spieler:innen, treibt die Vorstellungskraft unsere Bewegungen an. Wie können wir neue Regeln ausloten. Neue Linien. Neue Spielzüge. Jede:r ist mit im Team. Der Basketballkorb ist nicht das, was wir kennen. Wir nehmen Blickkontakt auf, um zu passen, wir versenken einen Wurf, das Zischen hallt wider. Wenn wir das hören können, was können wir dann noch hören? Das Zusammenführen geteilter, unausgesprochener Gefühle bringt Veränderung. Ein Korb bringt Hoffnung.“

Ein Basketball-Turnier ohne Ball.

Caitlin Fisher, Heather Purcell und Maria F. Scaroni haben in Berlin mit Kolleg:innen aus ihrer Community von Künstler:innen, Sportler:innen, Queers, Feminist:innen und Aktivist:innen zusammengearbeitet, um intersektionale Praktiken, Räume und Orte zu schaffen, an denen sie sich und andere treffen können, um sich gegenseitig zu unterstützen, zu verbinden und gemeinsam zu handeln. Sie konzentrieren sich auf Bewegungsmöglichkeiten im öffentlichen Raum und entwickeln Praktiken, um den urbanen Raum kollektiv zurückzuerobern und zu erforschen. Sie kommen aus den Bereichen somatischer Aktivismus, gewerkschaftliches Organisieren, Tanz, Rave-Kultur, Profisport, Performance-Kunst, grassroots soziopolitisches Organisieren und Community Bildung.

Zen Jefferson ist ein:e schweizerisch-britisch-amerikanische:r Tänzer:in/Performer:in, DJ und für den Bessie Award nominierte:r Sound-Collage-Künstler:in und lebt in Berlin. Im Jahr 2006 schlossen sie ihr Tanzstudium an der Juilliard School mit einem BFA ab und haben seitdem in kreativen Konstellationen in ganz Europa, Asien und Afrika gearbeitet und dabei Themen wie Identität, Race, Heimat und Gemeinschaft erforscht. Zens Kollaborationen und Praxis hinterfragen die Überschneidungen des Spirituellen in Performance, Ritual und Heilung, die darauf abzielen, das imperialistische, weiße*, kapitalistische Patriarchat zu durchbrechen, indem sie Körper, Klang und Heilung als transformatives Mittel für kollektive und inter-himmlische Verbindung nutzen.

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HOOP DREAMS – another sport is possible

Caitlin Fisher & Maria F. Scaroni & Heather Purcell & Zen Jefferson plus TEAM
19 August 2021
Duration: 17:00 to 21:00 (Workshop & Interaction)
Rathausvorplatz Wedding
(next to the gallery, Müllerstr. 146/147, 13353 Berlin)

The event takes place as part of the performance series Movement Research | Testplatz Weddingfrom August 11 to September 4, 2021

Performance and movement at Rathausvorplatz in Wedding.

Curated by Malte Pieper and Maja Smoszna as part of the programme Existing Otherwise – Anders Existieren at Galerie Wedding 2021-22 (Artistic Director: Solvej Helweg Ovesen).

„We are playing but this is not a game. Shaped by the spaces between players, imaginations drive our movements. How to fathom new rules. New lines. New moves. Everyone is on the team. The hoop is not what we know. We make eye contact to pass, we sink a shot, the swish echoes. If we can hear this, what else can we hear. Uniting shared unexpressed feelings brings change. A hoop brings hope.“

A basketball tournament without a ball.

Caitlin Fisher, Heather Purcell and Maria F. Scaroni have been working together in Berlin with teammates from their community of artists, athletes, queers, feminists, activists to build intersectional practices, spaces and places to meet each other and others for mutual care, connection and collective action. They are focused on possibilities for movement within public spaces, developing practices to reclaim and explore urban space collectively. They draw on backgrounds in somatic activism, labor union organizing, dance, rave culture, professional sport, performance art, grassroots socio-political organizing and community education.

Zen Jefferson is a Swiss British American dancer/performer, DJ and Bessie Awards nominated sound collage artist based in Berlin. In 2006, they graduated with a BFA in dance from the Juilliard School and have since worked in creative constellations across Europe, Asia & Africa exploring themes of identity, race, home & community. Their collaborations and practice interrogate the intersections of spirit within performance, ritual, and healing that seek to disrupt the imperialist white supremacist capitalist patriarchy, using the body, sound and healing as a transformative vessel for collective & inter – celestial connection.

Kevin Bonono & Sofia Skir
25. August 2021
Dauer: 19:00 bis 21:00
Rathausvorplatz Wedding

Im Rahmen der Performance-Reihe Movement Research | Testplatz Wedding 11. August bis 4. September 2021

Performance und Bewegung auf dem Rathausvorplatz in Wedding

Kuratiert von Malte Pieper und Maja Smoszna im Rahmen des Programms Existing Otherwise – Anders Existieren in der Galerie Wedding 2021-22 (Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen)

A Sensation of a Truth (über den Blick und seine Wirkung auf das menschliche Verhalten) ist eine dialogische Arbeit über die Wahrnehmung des eigenen Ichs in Bezug auf die damit verbundenen Etiketten. Betrachtet wird das politische, soziale und persönliche Verständnis, wie Äußerlichkeiten, kultureller Hintergrund und Mode im erweiterten Sinne wahrgenommen werden und unser Verhalten prägen. Eine Auswirkung ist, dass wir isoliert, eingeschränkt, kontrolliert oder beobachtet werden. Die Art und Weise, wie Schwarze und queere Körper den Blicken und Zuschreibungen begegnen, mit denen sie konfrontiert werden, ist ein Schwerpunkt von Kevin Bononos Arbeit.

In seiner langjährigen Beschäftigung mit dem Blick untersucht Bonono die verschiedenen Codes und das Vokabular, das Minderheiten verwenden – oder manchmal vermissen – um sich zu erkennen. Dieses Vokabular ist Teil eines größeren Kampfes um Identität.

Chimamanda Ngozi Adichie:
„Eine einzige Geschichte schafft Stereotypen, und das Problem mit Stereotypen ist nicht, dass sie unwahr sind, sondern dass sie nicht vollständig sind…“

Kevin Bonono, geboren 1992 in Amiens, Frankrich, zog später nach Kamerun, seinem Herkunftsland, wo er 12 Jahre lang lebte. Derzeit lebt er in Berlin. Im Jahr 2015 begann Kevin Bonono seine künstlerische Ausbildung im Bereich Tanz und Darstellende Kunst und arbeitete mit Künstler:innen wie Federica Dauri, Stefano Taiuti, Danilo Colonna, Isabel Lewis und vielen anderen zusammen. Bonono beginnt seine Karriere als Autor im Jahr 2015, indem er seine erste Solo-Performance mit dem Titel „ENIGMA“ inszeniert und aufführt, in der er sich mit der Kraft von Ritualen beschäftigt. Im Laufe der Jahre inszenierte er eine weitere performative Arbeit mit dem Titel „Instinct“, in der er die emotionale und physische Reaktion des Körpers in einem Ausnahmezustand analysiert.
Wichtig sind auch die künstlerische Zusammenarbeit mit Nezaket Ekici und Shahar Marcus für das „Honey Project“ in der Ostrale, Beyond constructed remains von Shiran Eliaserov und die Kontorsionistin Jade Lee Peterson. Bonono erforscht und befragt in seiner performativen Recherche seine Umgebung, eine Recherche über seine eigene Intimsphäre und über seine Interpretation und Beziehung zur Außenwelt.
„Ich verbinde immer meine Lebenserfahrungen mit meinen Performances, denn das ist für mich die einzige Möglichkeit, ehrlich und wahrhaftig zu bleiben. Performance-Kunst ist eine Möglichkeit, sich jenseits von Worten auszudrücken. Weiter zu gehen. Sie gibt mir ein größeres Spektrum an Verständnis und Interaktion innerhalb der Sphäre, die ich erschaffe. Eine Freiheit, Ausdruck zu sein.“

Sofia Skir wurde an der Westküste Schwedens in Göteborg geboren. Im Jahr 2013 zog sie nach Berlin, wo sie derzeit lebt. Schon in jungen Jahren widmete sich Sofia Skir dem Tanz und der Musik, entschied sich aber später für ein akademisches Studium der Ethnologie, Philosophie und Literatur.
Während sie sich auf ihre akademischen Studien konzentrierte, nahm sie an Performances mit Tanz, Theater und Musik in Berlin und Skandinavien teil. Ihr letzter Auftritt war 2019 bei Berlin Atonal, wo sie in Soho Rezanejads Stück Crow Without Mouth auftrat.
Seitdem hat Sofia Sound studiert und arbeitet derzeit an ihren eigenen Produktionen, in denen sie mit elektronisch basierten Sounds und ihrem eigenen Gesang experimentiert. Ihr marokkanisches und schwedisches Erbe hat einen großen Einfluss auf ihre Arbeit, in der sie Themen wie Identität und Zugehörigkeit erforscht, da sie zwischen gemischten Kulturen aufgewachsen ist.

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A SENSATION OF A TRUTH

Kevin Bonono & Sofia Skir

August 25, 2021
Duration: 7pm to 9pm
Rathausvorplatz Wedding

The event takes place as part of the performance series Movement Research | Testplatz Wedding from August 11 to September 4, 2021

Performance and movement at Rathausvorplatz in Wedding.

Curated by Malte Pieper and Maja Smoszna as part of the programme Existing Otherwise – Anders Existieren at Galerie Wedding 2021-22 (Artistic Director: Solvej Helweg Ovesen).

A Sensation of a Truth (about the gaze and it effect on human behavior) is a conversational work about the perception of one self in relation to the etiquettes attached to it. Taking into consideration the political, social, and personal overview of how appearances, cultural background and fashion in the larger sense are appraised and shape our behavior. The outcome is being isolated, restricted, controlled or watched. The way Black and queer bodies face the gazes and attributions that address them are a preoccupation of Kevin Bonono’s work.

Through a longstanding engagement with gaze, Bonono studies the different codes and vocabulary that minorities use – or sometimes lack – to recognise one another. This vocabulary is part of a larger identity struggle.

Chimamanda Ngozi Adichie:
„A single story creates stereotypes and the problem with stereotypes is not that they are untrue but that they are incomplete…“

Kevin Bonono, born in 1992 in Amiens, France,subsequently moved to Cameroon, country of origin where he lived up to 12 years. Currently based in Berlin. In 2015 Kevin started his artistic formation investigating in the field of dance and performing art, collaborating with artists such as Federica Dauri, Stefano Taiuti, Danilo Colonna, Isabel Lewis and many others, focusing on improving his technical and compositional methodology. Bonono begins his career as an author, in 2015, directing and performing his first solo performance called “ENIGMA” in which he investigates on the power of rituals. Further in the years he directed another performative work called “Instinct” in which he analyzes  the emotional  and physical reaction of the body in a a state of emergency.
Important are as well the artistic collaboration with the artists Nezaket Ekici and Shahar Marcus for the “Honey Project” at the Ostrale, Beyond constructed remains by Shiran Eliaserov and the contortionist Jade Lee Peterson. Bonono in his performative research investigates and questions himself on his surroundings, a research on his own intimate and on his interpretation and relationship with the outside world.
“I always connect my life experiences with my performances because for me is the only way to stay honest and true to myself. Performance art is a way to express beyond words. Push further. It gives me a larger spectrum of understanding and interacting within the sphere I create.
A freedom to be an expression.“

Sofia Skir was born on the West Coast of Sweden in Gothenburg. In 2013, she moved to Berlin where she is currently based. From a very young age, Sofia dedicated her time to dance and music but later on chose to invest her time to Academic studies within Ethnology, philosophy and literature.
While focusing on her academic studies she participated in performances involving dance, theatre and music in Berlin and Scandinavia.
Her latest performance was in 2019 at Berlin Atonal where she performed in Soho Rezanejad’s piece Crow Without Mouth. 
Since then Sofia has studied sound and is currently working on her own productions where she experiments with electronic based sounds and her own vocals. Her Moroccan and Swedish heritage has had a huge impact on her work, exploring themes of identity and belonging as she has grown up between mixed cultures.

Michiyasu Furutani & Objektdesign von Malte Hirsbrunner
3. September 2021
Dauer: 19:00 bis 20:00
Rathausvorplatz Wedding

Im Rahmen der Performance-Reihe Movement Research | Testplatz Wedding 11. August bis 4. September 2021

Performance und Bewegung auf dem Rathausvorplatz in Wedding

Kuratiert von Malte Pieper und Maja Smoszna im Rahmen des Programms Existing Otherwise – Anders Existieren in der Galerie Wedding 2021-22 (Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen).

„Jeder einzelne Schritt ist klein und mühsam in unserem Zeitalter der Globalisierung. Aber die Schritte gehen immer voran, dienen als Statement und Widerstand. Es ist ein stiller Protest, eine leise Rebellion, die Hindernisse überwindet, ohne es zu vermeiden, unvorhergesehene Ziele und eine neue Form der Gesellschaft anzustreben.“
Michiyasu Furutani (Mover)

Der in Osaka, Japan, geborene Michiyasu Furutani ist Choreograf, Performer und Tänzer, dessen Arbeit und Ausdruck aus der Butoh-Technik und -Praxis erwachsen ist. In einem Prozess ständiger Forschung hat er sein Bewegungsvokabular weiterentwickelt unter Einbezug von Improvisation und einer Vielzahl moderner und klassischer Tanztechniken, die Notwendigkeit, Möglichkeit und Kontingenz bilden.

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CONTINUITY ON A LINE

Michiyasu Furutani & Objektdesign von Malte Hirsbrunner
3 September 2021
Duration: 19:00 bis 20:00
Rathausvorplatz Wedding

The event takes place as part of the performance series Movement Research | Testplatz Wedding from August 11 to September 4, 2021

Performance and movement at Rathausvorplatz in Wedding.

Curated by Malte Pieper and Maja Smoszna as part of the programme Existing Otherwise – Anders Existieren at Galerie Wedding 2021-22 (Artistic Director: Solvej Helweg Ovesen).

„Each individual step is small and tedious in our age of globalization. However, the steps never stop moving forward, serving as statements and resistance -it’s a calm protest, a quiet rebellion. It overcomes obstacles without avoiding pursuing unforeseen destinations and a new form of society.“
Michiyasu Furutani (mover)

Born in Osaka, Japan, Michiyasu Furutani is a choreographer, performer, and dancer whose work and expression grow from Butoh technique and practice. In the process of continual research, he has developed his vocabulary of movement to encompass improvisation and a variety of modern and classical dance techniques forming necessity, possibility, and contingency.

Cranky Bodies a/company
4. August 2021
Dauer: 19:00 bis 20:30
Rathausvorplatz Wedding

Im Rahmen der Performance-Reihe Movement Research | Testplatz Wedding 11. August bis 4. September 2021

Performance und Bewegung auf dem Rathausvorplatz in Wedding

Kuratiert von Malte Pieper und Maja Smoszna im Rahmen des Programms Existing Otherwise – Anders Existieren in der Galerie Wedding 2021-22 (Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen)

Das Ensemble erforscht die Wirkung des umgebenden architektonischen Gefüges des Rathausvorplatzes auf das eigene Beziehungsgeflecht zwischen Tanz und transitional sculptures. Wie werden sich Relationen und Teilhabe innerhalb dieser Verfahren im öffentlichen, urbanen Raum konzipieren und welche neuen Formen eines choreografischen Denkens ergeben sich daraus? Wie kann sich das Ensemble der utopischen Idee einer radikalen Kopräsenz von Simultanitäten annähern?

Cranky Bodies a/company wurde im August 2020 von dem Choreografen und Tänzer Peter Pleyer und dem visual Composer Michiel Keuper gemeinsam mit den Tänzer*innen Asaf Aharonson, Caroline Neill Alexander, Aleksandra Borys, Oliver Connew, Ivan Ekemark, Eszter Gál, Anna Nowicka, Ka Rustler, Marysia Stocklosa, Alistair Watts, dem Musiker Marc Lohr und dem Kostüm- und Bühnenbildner Martin Sieweke gegründet, mit dem Ziel grundlegende Fragen zu nicht-hierarchischer und generationenübergreifender Zusammenarbeit in einer kollektiven und kontinuierlichen Arbeitspraxis zu erproben und zu reflektieren.

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CRANKY BODIES ON SITE / OUTSIDE

Cranky Bodies a/company

September 4, 2021
Duration: 7pm to 8.30pm
Rathausvorplatz Wedding

The event takes place as part of the performance series Movement Research | Testplatz Wedding from August 11 to September 4, 2021

Performance and movement at Rathausvorplatz in Wedding.

Curated by Malte Pieper and Maja Smoszna as part of the programme Existing Otherwise – Anders Existieren at Galerie Wedding 2021-22 (Artistic Director: Solvej Helweg Ovesen)

The ensemble explores the effect of the surrounding architectural structure of the Rathausvorplatz on its own network of relationships between dance and transitional sculptures. How will relations and participation be conceived within these procedures in the public, urban space and what new forms of choreographic thinking will result? How can the ensemble approach the utopian idea of a radical co-presence of simultaneities?

Cranky Bodies a/company was founded in August 2020 by choreographer and dancer Peter Pleyer and visual composer Michiel Keuper together with the dancers Asaf Aharonson, Caroline Neill Alexander, Aleksandra Borys, Oliver Connew, Ivan Ekemark, Eszter Gál, Anna Nowicka, Ka Rustler, Marysia Stocklosa, Alistair Watts, the musician Marc Lohr and the costume and set designer Martin Sieweke, with the aim of exploring and reflecting on fundamental questions of non-hierarchical and cross-generational collaboration in a collective and continuous working practice.

***see English version below

Bewegung, Choreografie und Installation auf dem Rathausvorplatz in Wedding

Mit Caitlin Fisher & Maria F. Scaroni & Heather Purcell & Zen Jefferson plus TEAM, Danielle Shoufra & Mitwirkende aus dem M.A. Raumstrategien der weißensee kunsthochschule berlin (Jacob Wirth, Denis Esakov, Marina Resende Santos, Coline Rousteau), Gabriela Cordovez & Dani Miranda + Andi.Andean, Kevin Bonono & Sofia Skir, Leman Sevda Darıcıoğlu & Derin Cankaya, Michiyasu Furutani, Peter Pleyer & Michiel Keuper mit Cranky Bodies a/company, Sunny Pfalzer

Kuratiert von Malte Pieper und Maja Smoszna im Rahmen des Programms Existing Otherwise – Anders Existieren in der Galerie Wedding 2021-22 (Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen)

Movement Research | Testplatz Wedding zeigt vom 11. August bis 4. September 2021 acht performative Projekte als Performance-Reihe auf dem Rathausvorplatz. An acht Tagen im August und September wird der Testplatz Wedding ausgerufen! Dem Weddinger Publikum wird damit die Auswahl aus einem Open Call der Galerie Wedding vorgestellt. Auf dem Rathausvorplatz werden Annäherungen an die Architektur, Geschichte, Alltag und Stimmung des Ortes präsentiert: Welche Körper treffen im öffentlichen Raum aufeinander, und was ist hier erlaubt? Wer hat hier Platz? Wer nimmt hier Platz? Wer fehlt hier? 

Ein Open Call der Galerie Wedding stellte die offene Frage nach anderen Formen des Zusammenseins wie auch Auseinanderseins. Acht künstlerische Positionen finden auf dem Rathausvorplatz einen Ort, einen Testplatz, einen Raum um neue (noch) nicht dagewesene Wege des Anders-Existierens vor dem angereisten wie auch vor dem zufälligen Publikum auszuprobieren. Strategien der Anpassung, des Beobachtens, der (Gegen-)Reaktion, der Überwindung und der Ausdauer motivieren die Bewegungsprojekte – als Gruppe, Solo oder Duo. Präsentiert werden körperliche Recherchen, die tänzerische, alltägliche oder sportliche Qualitäten von Bewegung zusammenbringen.

Der Titel der Reihe spielt auf den Corona-Testplatz Wedding an, der sich bis zum Sommer 2021 auf dem Parkplatz hinter der Galerie Wedding befand. Der Banner „Testplatz Wedding“ weht nicht mehr über dem Tor, die Auswirkungen der Corona-Pandemie prägen aber weiterhin den Alltag. Den medizinischen, mal klinischen, mal schrägen Testzentren, mit Erwartung, Angst oder Unsicherheit aufgeladenen Räumen, in denen mehr oder weniger sichere Ergebnisse ermittelt werden, stellt die Galerie Wedding einen anderen Testplatz entgegen. Der Ausgang des Tests bleibt offen, keine klaren Kategorien oder Ergebnisse werden erwartet.

Zusammen wird den Fragen nachgegangen: Wie bewegen wir uns auf dem Platz? Was bewegt diesen Platz?

Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, sowie dem Mobilitätsfonds / der Initiative Draussenstadt.

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Movement Research | Testplatz Wedding
11 August to 4 September 2021

Movement, choreography, performance and installation on Rathausplatz Wedding

With Caitlin Fisher & Maria F. Scaroni & Heather Purcell & Zen Jefferson plus TEAM, Danielle Shoufra & co-performer practitioners from M.A. Raumstrategien at weißensee kunsthochschule berlin (Jacob Wirth, Denis Esakov, Marina Resende Santos, Coline Rousteau), Gabriela Cordovez & Dani Miranda + Andi.Andean, Kevin Bonono & Sofia Skir, Leman Sevda Darıcıoğlu & Derin Cankaya, Michiyasu Furutani, Peter Pleyer & Michiel Keuper with Cranky Bodies a/company, Sunny Pfalzer

Curated by Malte Pieper and Maja Smoszna within the programme Existing Otherwise – Anders Existieren at Galerie Wedding 2021-22 (Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen)

Movement Research | Testplatz Wedding presents eight performative projects as a performance series on the Rathausvorplatz from August 11 to September 4, 2021. On eight days in August and September the Testplatz Wedding will be launched. A selection from the open call of Galerie Wedding will be introduced to the Berin-Wedding public. Approaches to the architecture, history, everyday life and mood of the place will be shown on the Rathausvorplatz: Which bodies meet in the public space, and what is allowed here? Who has space here? Who takes up space here? Who is absent here?

An Open Call of Galerie Wedding addressed the question of other forms of being together as well as being apart. Eight artistic positions find a site, a testing ground, a space on the square next to the town hall to try out new (as yet) unprecedented ways of existing otherwise in front of and with the audience and passers-by. Strategies of adaptation, observation, (counter-)reaction, overcoming and endurance motivate the movement research projects – as a group, solo or duo. Physical research is presented that brings together qualities of movement drawing from dance, the everyday and sports.

The title of the series alludes to the Wedding Corona test site (Testplatz), which was located in the parking lot behind Galerie Wedding until the summer of 2021. The banner „Testplatz Wedding“ no longer wavers above the gate, but the effects of the Corona pandemic continue to shape everyday life. The laboratory-like, sometimes clinical, sometimes weird test centers are spaces charged with expectation, fear or uncertainty in which more or less certain results are determined. Galerie Wedding offers a different test site. The outcome of the test remains open, no definite categories or results are expected.

Together we will explore questions like: How do we move in this square? What moves this space?

Bewegungsrecherche und Tanzperformance von der Choreografin Gloria Höckner zusammen mit elf Tänzer*innen und kuratiert von Solvej Helweg Ovesen auf dem Rathausvorplatz neben der Galerie Wedding.

Aufführungen
4.6. 18-21 Uhr, 5.6. 16-19 Uhr, 11.6. 18-21 Uhr, 12.6. 16-19 Uhr.

Auf dem Rathausvorplatz neben der Galerie Wedding wird an vier Tagen im Juni, 4.6. 18-21 Uhr, 5.6. 16-19 Uhr, 11.6. 18-21 Uhr, 12.6. 16-19 Uhr, eine Bewegungsrecherche und Tanzperformance von der Choreografin Gloria Höckner zusammen mit elf Tänzer*innen gezeigt, kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Mit dem Tanzprojekt Piazza Paradiso – Rave New World folgt die Choreografin Gloria Höckner einer Einladung der Galerie Wedding um auf dem Rathausvorplatz neben der Galerie ein Tanz Experiment zu präsentieren. Die in Berlin lebende und international arbeitende Choreografin Höckner, untersucht durch Tanz wie man heute Menschen z.B. aus unterschiedlichsten Tanz-Communities physisch neu zusammenbringen kann. Durch eine diverse, clubinspirierte Bewegungsforschung werden Wege des „Anders Existierens“ in der heutigen (post-) pandemischen Zeit gesucht.

In Zeiten der der Virtualisierung von zwischenmenschlichem Kontakt und des Verlustes von körperlichem Zusammensein lässt Piazza Paradiso: Rave New World Tanz als eine Form des Sozialen und des Kollektiven aufleben. Die Piazza Paradiso ist eine Art utopischer Ort, eine Sehnsucht, eine Suche nach neuen Beziehungsweisen und solidarischen Praktiken; Sie ist real und existiert in dem Raum, den die Tänzer*innen zwischen einander herstellen. In Anlehnung an die Praxis des Raves, die Orte des urbanen Raumes transformiert, wird der Rathausvorplatz in Wedding von den tanzenden Körpern zu einem Ort gemacht, an dem diverse Körper und Verkörperungen zelebriert werden. Über einige Stunden hinweg erschaffen elf Performer*innen aus unterschiedlichen Tanz-Communities (HipHop, Voguing, Folklore usw.) und Hintergründen ein performatives Setting, das der Dringlichkeit des Tanzens und des Kollektiven Raum gibt.

Hintergrund ist das neu eröffnete A Movement Research Center in der Galerie Wedding, eine Rauminstallation, gestaltet von Isabel Lewis, Künstlerin, Choreografin und Co-Kuratorin der Galerie Wedding 2021. A Movement Research Center ist ganzjährig 2021 für Besucher*innen geöffnet. Darin befindet sich ein Archiv, das sozialer und körperlicher Bewegungsrecherche gewidmet ist und von Lewis und Solvej Helweg Ovesen konzipiert wurde. Es wird u.a. auch ein Film zu Piazza Paradiso: Rave New World (Gloria Höckner & Co) gezeigt. Unter den vorhandenen Büchern sind aktuelle Titel zu Performance Studies, körperlicher sowie aktivistischer Bewegungsforschung, die vor Ort genutzt werden können.

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Piazza Paradiso: Rave New World

Movement Research and dance performance by choreographer Gloria Höckner in collaboration with eleven dancers, curated by Solvej Helweg Ovesen on Rathausvorplatz, next to Galerie Wedding.

Performances
4.6. 6 to 9pm, 5.6. 4 to 7pm, 11.6. 6 to 9pm, 12.6. 4 to 7pm

On the Rathausvorplatz next to Galerie Wedding, a movement research and dance performance by choreographer Gloria Höckner together with eleven dancers, curated by Solvej Helweg Ovesen, will be presented on four days in June, 4.6. 6-9pm, 5.6. 4-7pm, 11.6. 6-9pm, 12.6. 4-7pm.

With the dance project Piazza Paradiso – Rave New World choreographer Gloria Höckner presents a dance experiment invited by Galerie Wedding. The Berlin-based choreographer Höckner works internationally and explores through dance how people, e.g. from different dance communities, can be physically reconnected today. Through diverse, club-inspired movement research, ways of „existing otherwise“ are being searched for in today’s (post-) pandemic times. In times of virtualisation of interpersonal contact and loss of bodily togetherness, Piazza Paradiso: Rave New World revives dance as a form of the social and the collective. The Piazza Paradiso is a kind of utopian place, a longing, a search for new ways of relating and practices of solidarity; it is real and exists in the space that the dancers create between each other. Following the practice of rave, which transforms urban space, the dancing bodies will turn the Rathausvorplatz in Wedding into a place where diverse bodies and embodiments are celebrated. Over the course of a several hours, eleven performers from different dance communities (hip hop, voguing, folklore, etc.) and contexts create a performative setting that gives space to the urgency of dance and of collectivity.

The context of Piazza Paradiso: Rave New World is the newly opened A Movement Research Center at Galerie Wedding, a spatial installation designed by Isabel Lewis, artist, choreographer and co-curator at Galerie Wedding 2021. A Movement Research Center is accessible throughout the year 2021 in Galerie Wedding. It houses an archive dedicated to social and physical movement research, conceived by Lewis and Solvej Helweg Ovesen. It is a multifunctional space open to the public: a reading room, an archive, a meeting place, mediation and meditation space, as well as a backstage for performances in nearby public space. The book archive holds current titles on performance studies as well as activist movement research and can be read on site.

Movement Research | Testplatz Wedding
Einsendeschluss: 24. Mai 2021 (verlängerte Laufzeit)

Für das Open Call basierte Projekt Movement Research | Testplatz Wedding werden acht performative Projekte gesucht, die im August/September 2021 als Performance-Reihe auf dem Rathausvorplatz dem Weddinger Publikum präsentiert werden. Das Projekt ist interdisziplinär ausgerichtet und lädt Künstler*innen aus Berlin, die mit diversen körperbasierten und performativen Formaten arbeiten ein, sich mit dem Thema “Anders existieren im öffentlichen Raum” zu beschäftigen.

Movement-Research-Jury: Solvej Helweg Ovesen (Künstlerische Leitung Galerie Wedding), Isabel Lewis (Künstlerin, Choreografin, und Ko-Kuratorin Existing Otherwise), Övül Ö. Durmuşoğlu (Kuratorin, Professorin UDK, und Ko-Kuratorin Existing Otherwise), Malte Pieper (Kurator Open Call), Maja Smoszna (Kuratorin Open Call)

Aufführungen: 11.08. – 04.09.2021 

Zum Projekt: Durch das Social Distancing und neue Existenzbedingungen, haben sich unsere Wege im öffentlichen Raum geändert. Wie existieren wir anders? Und wie verhandeln wir Nähe und Distanz neu? Wie bewegen wir uns miteinander? Wie können wir den Raum wieder für uns gewinnen? Wie können wir uns heutzutage versammeln und neue intime Beziehungen aufbauen?

Galerie Wedding existiert 2021 auch anders. Als Institution öffnen wir uns in diesem Jahr auf den uns umgebenden öffentlichen Raum (Rathausvorplatz), auf neue Zuschauer*innengruppen und eine junge Generation von Künstler*innen. Dabei werden neue Formate des kollektiven Bewegens, erprobt. Das Programm untersucht eine neue Politik der Sinne und die Wege des ‘Anders Existierens’ im heutigen pandemischen Zeitalter. Die Galerie Wedding verändert sich dabei und wird zu einem Zentrum für Movement Research (engl: Bewegungsrecherche oder -forschung). 

Der Rathausvorplatz befindet sich direkt vor der Galerie Wedding. Er verbindet unterschiedliche Straßen: Die Müllerstraße und den Leopoldplatz im Norden sowie Genter Straße im Süden, wie auch wichtige Bezirksinstitutionen, etwa das alte Rathaus, das Job-Center und die Schiller-Bibliothek. Der Platz gilt als städtischer Treffpunkt von lokalen Communities, die ihn tagsüber und nachts zum Verweilen, Entspannen und Feiern unter freiem Himmel nutzen. Mehr Informationen zum Projekthintergrund findet ihr hier.

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Movement Research | Testplatz Wedding

For the Open Call-based project Movement Research | Testplatz Wedding we are in search of eight performative projects that will be presented to a Wedding audience on the Rathausvorplatz. The performances will be part of a performance series taking place in August/September 2021. The project is interdisciplinary and serves as an invitation to Berlin-based artists working with diverse body-based and performative formats to investigate the topic of „existing otherwise in public space“.

Movement Research Jury: Solvej Helweg Ovesen (Artistic Director Galerie Wedding), Isabel Lewis (artist, choreographer, and co-curator of “Existing Otherwise”), Övül Ö. Durmuşoğlu (curator, professor at the UDK, and co-curator of “Existing Otherwise”), Malte Pieper (curator of the Open Call), Maja Smoszna (curator of the Open Call).

We welcome submissions until May 24, 2021. Extended application period!

Performances will take place on: 11 Aug – 04 Sept 2021

About the project: Through social distancing and new conditions of existence, our options in public space have changed. How can we exist otherwise? And how can we renegotiate proximity and distance? How can we move with each other? How can we reclaim space for ourselves? How can we, in this day and age, gather and build new intimate relationships?

In 2021, Galerie Wedding will also be “existing otherwise”. As an institution we will this year be opening up the public space that surrounds us (the Rathausvorplatz) to new groups of viewers and a young generation of artists. We wish to experiment with new formats of collective movement. The program explores a new politics of the senses and ways to “existing otherwise” in today’s age of the pandemic. Galerie Wedding is hereby changing and transforming into a Movement Research Center.

The Rathausvorplatz is located directly in front of Galerie Wedding. It connects different streets: Müllerstraße and Leopoldplatz to the north and Genter Straße to the south. It also links important district institutions, such as the old town hall, the Job Centre and the Schiller Library. The square is considered an urban meeting point for local communities who use it during the day and at night to linger, relax and celebrate in the open air.

More information about the background of the project can be found here.

*English version below

Seit April 2021

Raumgestaltung und Archiv
entworfen von Isabel Lewis,
entwickelt mit Solvej Helweg Ovesen und dem Galerie Wedding-Team
im Rahmen des Ausstellungsprogramms
XO – Existing Otherwise | Anders Existieren (2021-2)

A Movement Research Center ist ganzjährig für Besucher*innen geöffnet sein. Der multifunktionale, öffentlich zugängliche Ort umfasst einen Leseraum mit Archiv, ist Treffpunkt und ein Raum für Vermittlung, Mediation und Meditation. Während der Performances im umliegenden öffentlichen Raum fungiert das Zentrum als Backstage. Unter den vorhandenen Büchern sind aktuelle Titel zu Performance Studies, körperlicher sowie aktivistischer Bewegungsforschung, die vor Ort genutzt werden können.

A Movement Research Center ist ein Ort, an dem verschiedene Disziplinen, Kenntnisse, Personen, Institutionen und Öffentlichkeiten zusammentreffen können, zur gemeinsamen Analyse und Reflexion der Architekturen von Affekt, Emotion und Erinnerung; von Behinderung und behindert werden, den urbanen Lebenswelten; unsichtbaren Subjekten und ungesehenen Räumen; migrantischer Erfahrung im städtischen Raum; der Überwachung von Körpern; der Geschichte und Zukunft von öffentlichen Versammlungen und Partys, und mehr. Zeitgenössische Kunst bietet in dieser Situation einen sozialen und diskursiven Spannungsraum, in dem neue sinnliche Erfahrungen und Allianzen geschaffen werden können.

A Movement Research Center ist Teil des Programms Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses in der Galerie Wedding.

In der Zusammenarbeit mit der Schiller-Bibliothek.

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A Movement
Research Center

Spatial design and archive
created by Isabel Lewis,
concept with Solvej Helweg Ovesen and Galerie Wedding Team
part of the exhibition programme
XO – Existing Otherwise | Anders Existieren (2021-2)

A Movement Research Center is a multifunctional space open to the public: a reading room, an archive, a meeting place, mediation and meditation space, as well as a backstage for performances in nearby public space. The book archive holds current titles on performance studies as well as activist movement research and can be read on site.

A Movement Research Center is a place where multiple disciplines, knowledges, persons, institutions, and publics can meet to analyze and reflect upon architectures of affect, emotion, and memory; disability and the urban sphere; invisible subjects and unseen spaces; the migrant experience in urban space; the policing of bodies; the history and future of public assembly and celebration, and more. Contemporary art in this situation offers a social and discursive space of potentiality where new sensorial experiences as well as alliances can be created.

A Movement Research Center is part of the programme Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses at Galerie Wedding.

In collaboration with the Schiller-Bibliothek.

SoS (Soft Solidarity) Assembly

Samstag, 14. November

Livestream aus der Betonhalle

Intimacy/ Body/ Spaces

wirft neue Fragen über die Integrität und den Schutz von Körpern auf. Welche Konsequenzen können aus dem mit der globalen Pandemie verbundenen „social / physical distancing“ gezogen werden? Welche Räume sind heute unsicher und welche können physisch, wirtschaftlich, politisch oder institutionell sicherer gemacht werden? 

Mit María Berríos & Lisette Lagnado, Extinction Rebellion (Florinn Bareth), Feministische Gesundheitsrecherchegruppe (Julia Bonn, Inga Zimprich), Lamin Fofana, Jérémy Geeraert, Saraya Gomis, Ayşe Güleç, Julian Irlinger, Stine Marie Jacobsen, Katja Kajikhina, María do Mar Castro Varela, Arlette-Louise Ndakoze, Seebrücke

und Moderation von Solvej Helweg Ovesen, Nastaran Tajeri-Foumani, Margarita Tsomou

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Saturday, 14th November

Intimacy / Body / Spaces

raises new questions about the integrity and protection of bodies. What consequences and insights can be drawn from the global pandemic-related „social / physical distancing“? What spaces are now unsafe and which ones are safer physically, economically, politically or institutionally? This program aims to grasp and raise awareness of the body in the political and public sphere as well as to map the zones of its neglect. Can we accept the unsafety of life in general and create more safety and intimacy for each other at the same time?

With María Berríos & Lisette Lagnado, Extinction Rebellion (Florinn Bareth), Feministische Gesundheitsrecherchegruppe (Julia Bonn, Inga Zimprich), Lamin Fofana, Jérémy Geeraert, Saraya Gomis, Ayşe Güleç, Julian Irlinger, Stine Marie Jacobsen, Katja Kajikhina, María do Mar Castro Varela, Arlette-Louise Ndakoze, Seebrücke

and Moderations by Solvej Helweg Ovesen, Nastaran Tajeri-Foumani, Margarita Tsomou

SoS (Soft Solidarity) Assembly

Donnerstag, 12. November

Livestream aus der Betonhalle

Embracing Weaknesses/ Degrowth

beschäftigt sich mit dem giftigen kapitalozänen Leben und seinen Produktionsformen. Die Pandemie hat sowohl in ganz Berlin als auch international zu sozioökonomischen Zusammenbrüchen geführt: Ein grundlegender Bewusstseins-, Werte- und Gewohnheitswandel ist Voraussetzung dafür, dass wir die Schwächen unserer Nachbarschaften und unseres eigenen Lebens im Sinne des Degrowth annehmen können. Mit Bini Adamczak, Ana Alenso, Marwa Arsanios, Eli Cortiñas, Natascha Sadr Haghighian, House of Tupamaras, Gerhild Komander, VOCES de Guatemala en Berlín

und Moderationen von Alejandro Camacho Díaz, Paz Guevara, Nanna Heidenreich

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Thursday, 12th November
Embracing Weaknesses/ Degrowth

focuses on the dysfunctional and toxic capitalocene life and production forms that appeared as weaknesses in our society as the pandemic led to socio-economic collapses all over Berlin and internationally. Measures of degrowth need to replace existing dogmas of expansion and growth! Degrowth is an economic and social temperament that encourages economic and productive deceleration. To degrow and to embrace the weaknesses in our neighbourhood and own life requires a fundamental change in awareness, values and habitus.

With Bini Adamczak, Ana Alenso, Marwa Arsanios, Eli Cortiñas, Natascha Sadr Haghighian, House of Tupamaras, Gerhild Komander, VOCES de Guatemala en Berlín

and moderations by Alejandro Camacho Díaz, Paz Guevara, Nanna Heidenreich

SoS (Soft Solidarity) Assembly

Freitag, 13. November

Livestream aus der Betonhalle

New Alliances/ New Solidarities

unterstreicht die Notwendigkeit verschiedener Formen von Allianzen zwischen transdisziplinären und -kulturellen Netzwerken, Gemeinschaften und NGOs. Welche strukturellen Erkenntnisse aus dem Mikrokosmos des Wedding sind auf den Makrokosmos der europäischen Gesellschaft anwendbar und umgekehrt?

Mit Lynhan Balatbat-Helbock, BASTA!, bi`bak, Café Cralle, FAU Berlin, Yasin al Haj Saleh, Hände weg vom Wedding, Anton Kats, Klaus Lederer, Ewa Majewska, MINCO, Marina Naprushkina, DIE VIELEN, Christopher Weickenmeier, Sabine Weißler, YAAR e.V.

und Moderationen von Övül Ö. Durmuşoğlu,
Carrie Hampel, Zoë Claire Miller, Kathrin Pohlmann

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Friday, 13th November

New Alliances/ New Solidarities

talks about the need of transdisciplinary and transcultural networks, communities, NGOs, and thus revived alliances in times of system change. Artists, audiences, activists and cultural practitioners working collectively will come together to acquaint, locate needs for collaborative organization and possibility to form new alliances. Which structural insights from the microcosm of the district of Wedding are applicable to the macrocosm of European society and the other way around? Which notions of diversity and integration need to be deconstructed in order to recompose them – and how can we support each other in the future, taking the meeting as a starting point? Who can solidize with whom?

With Lynhan Balatbat-Helbock, BASTA!, bi`bak, Café Cralle, FAU Berlin, Yasin al Haj Saleh, Hände weg vom Wedding, Anton Kats, Klaus Lederer, Ewa Majewska, MINCO, Marina Naprushkina, DIE VIELEN, Christopher Weickenmeier, Sabine Weißler, YAAR e.V.

and moderations by Övül Ö. Durmuşoğlu,
Carrie Hampel, Zoë Claire Miller, Kathrin Pohlmann

Love Meetings oder Liebe in Zeiten des Kapitalismus
07.02. bis 28.03.2020


Eine Ausstellung von Konstanze Schmitt kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und
Solvej Helweg Ovesen

28.03.2020 um 18 Uhr Performance mit Nora Decker, Mariana Senne und Anja Meser, anschließend Finissage der Ausstellung

CANCELLED!

New Commons – Lagos/Berlin

Eine Ausstellung von Antoinette Yetunde Oni, Dane Komljen und Katrin Winkler. Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity) konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

8.11.-23.11.2019

Im Rahmen der Eröffnung am 7.11.2019 von 19 bis 22 Uhr spricht Dane Komljen um 20 Uhr über seine Erfahrungen und frischen Eindrücke als Filmemacher in Lagos in seiner Installation »The Seven Elements«

Dane Komljen: Die zivile Umnutzung eines Messegebäudes in Lagos. Eine Film-, Ton- und Fotoinstallation »The Seven Elements«, 2019

Der ‚Trade Fair Complex‘ in Lagos wurde von 1973 bis 1977 von ‚Energoprojekt‘ gebaut, einem jugoslawischen Bauunternehmen, das in vielen Ländern der Blockfreien- Bewegung große Projekte realisierte. Der ‚TFC‘ wurde ein Jahrzehnt lang als Handelsplatz genutzt, bevor er geleert wurde und dem fortschreitenden Prozess der Privatisierung unterlag. Ausgehend von den Menschen in der näheren und weiteren Umgebung, dem Stadtrand, entstand ein Markt rund um zwei der fünf Gebäude, zu dessen ursprünglichen Strukturen neue Elemente hinzugefügt wurden. Die Installation »The Seven Elements« des in Berlin lebenden bosnischen Künstlers Dane Komljen, der gerade von seiner Lagos-Residenz zurückgekehrt ist, untersucht diesen Ort als utopisches Projekt, das in einem konkreten europäischen Umfeld konzipiert und in einem westafrikanischen Raum verwirklicht wurde, wo es sich zwar nicht durchsetzen konnte, aber umgenutzt und umgeformt wurde. Es ist eine Geschichte davon, wie eine Utopie durch historische Zeit fortbesteht. In der Installation platziert er um eine unvollständige Zeichnung des Grundrisses archivarische Fotos und Texte, aktuelle Ton- und Filmaufnahmen von Objekten, Steinen, Pflanzen, Tieren und Menschen, die nun das ehemalige Messegebäude in Lagos bevölkern. Ein Porträt des ‚Trade Fair Complex‘ als Schnittstelle von Ordnung und Chaos, imaginiert und geformt, vertikal und horizontal, Makro- und Micro-Community.

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New Commons – Lagos/Berlin

The ‘Trade Fair Complex’ in Lagos was built from 1973 to 1977 by Energoprojekt, a Yugoslavian construction company that undertook major endeavors in many countries that formed the Non-Aligned Movement. ‘TFC’ was used as a place of trade for a decade, before being emptied out and remaining in the ongoing process of privatization. Coming from the people living in its vicinity, the outskirts of the city, a market sprung up around two of the five buildings new elements have been added on the original structures. The installation »The Seven Elements« by the bosnian Berlin-based artist Dane Komljen, who just returned from his Lagos residency, examines this site as a utopian project conceived in one particular european setting and carried out a westafrican one where it failed to take root, but nevertheless got repurposed and reshaped. It is a story of how a utopia perseveres through historical time. In the installation he places archival photos and text, present day sound recordings and footage of objects, stones, plants, animals and humans that populate the former Fair building in Lagos around an incomplete drawing of its floor plan. A portrait of the ‘Trade Fair Complex’ as a point of convergence of order and chaos, imagined and formed, vertical and horizontal, macro and micro community.

Eine performative Recherche im Rahmen des Ausstellungsprogrammes SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen und der KGB-Woche

15. – 30.08. 2019

Di – Sa 12-19 Uhr in der Galerie Wedding und Umgebung

Was ist das für ein Gefühl im Kapitalismus zu leben? Und welcher Handel wird in der Liebe betrieben?

Diesen Überlegungen wird die Künstlerin Konstanze Schmitt gemeinsam mit der Filmemacherin Minze Tummescheit und der Performerin Mariana Senne im August 2019 in einer an Pier Paolo Pasolinis filmische Befragung »Comizi d’amore/Gastmahl der Liebe« (Italien, 1964) angelehnten militanten Untersuchung nachgehen, die zugleich eine Intervention in den öffentlichen Raum des Wedding darstellt.

Pasolini reiste für seinen 1963 entstandenen Dokumentarfilm ein halbes Jahr durch Italien und befragte Menschen auf dem Land, in der Stadt und am Strand, Alte und Junge, Arme und Reiche, ganz direkt nach der »Liebe« und ihren Umständen, z.B.: Woher kommen die Kinder? Wie wichtig ist sexuelle Erfüllung in einer Partnerschaft? Was bedeutet Homosexualität? Warum gibt es Prostitution? Etc.

Schmitts performative Recherche fragt dagegen hauptsächlich nach dem Verhältnis von romantischer Liebe und Kapitalismus sowie dem Verständnis und der Herstellung von Solidarität als gesellschaftlicher Beziehungsweise gestern und heute.

Die Dérives durch die aktuelle und historische Liebeslandschaft des Wedding werden von den Künstlerinnen während der Zeit der Recherche fortlaufend zu den Öffnungszeiten in den Räumen der Galerie Wedding kartographiert und performativ verarbeitet. Alle Interessierten sind herzlich eingeladen, an diesem Prozess punktuell oder dauerhaft teilzunehmen.

Comizi d’amore knüpft an Konstanze Schmitts künstlerische Beschäftigung mit Reproduktion, Solidarität und selbstorganisierter (Arbeiter-)Kultur an. Sie ist der erste Teil einer dreiteiligen Arbeit zur Liebe im Kapitalismus, die im Februar 2020 ihren Abschluss in einer Ausstellung in der Galerie Wedding hat.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und dem Arbeitskreis der Kommunalen Galerien Berlin.

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COMIZI D’AMORE

oder

LIEBE IN ZEITEN DES KAPITALISMUS

(COMIZI D’AMORE or LOVE IN TIMES OF CAPITALISM)

Konstanze Schmitt in cooperation with Minze Tummescheit. Performance by Mariana Senne.

A performative research within the framework of the exhibition program SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen and the KGB Kunstwoche.

15. – 30.08. 2019

Tue – Sat 12-19 at Galerie Wedding and surroundings

What is that feeling about living in capitalism? And what trade is made in love?

The artist Konstanze Schmitt, together with the filmmaker Minze Tummescheit and the performer Mariana Senne, will pursue these considerations in August 2019 in a militant investigation based on Pier Paolo Pasolini’s film »Comizi d’amore/ Love Meeting« (Italy, 1964), which at the same time represents an intervention in the public space of Wedding.

For his 1963 documentary Pasolini travelled through Italy for half a year and interviewed people in the countryside, in the city and on the beach, old and young, poor and rich, directly about »love« and its circumstances, for example: Where do the children come from? How important is sexual fulfillment in a partnership? What does homosexuality mean? Why is there prostitution? Etc.

Schmitt’s performative research, on the other hand, mainly examines the relationship between romantic love and capitalism, as well as the understanding and creation of solidarity as a social orbit yesterday and today. The dérives through the current and historical love landscape of Wedding are continuously mapped and performatively processed by the artists during the time of the research during the opening hours in the rooms of the Wedding Gallery. All interested parties are cordially invited to participate in this process either selectively or permanently.

Comizi d’amore takes up Konstanze Schmitt’s artistic engagement with reproduction, solidarity and self-organized (worker) culture. It is the first part of a three-part work on love in capitalism, which will conclude in February 2020 with an exhibition at Galerie Wedding.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen« and the working comittee of the communal galleries Berlin.

Eine Veranstaltung zur zweiteiligen Ausstellung 22 von Sissel Tolaas kuratiert von Solvej Helweg Ovesen, Galerie Wedding, in Kooperation mit Christina Landbrecht, Schering Stiftung

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen in der Galerie Wedding

Isabel Lewis, Künstlerin und Choreografin, ist bekannt für ihre Erkundungen des Körpers, der Intimität und der Sinne. Nicht zuletzt ist sie dafür bekannt, dass sie die fast unbenennbaren Aspekte dieser Beziehungen spielerisch zum Ausdruck bringt. In dem Gespräch werden wir über ihre Zusammenarbeit mit Sissel Tolaas sowie über ihre Arbeit mit Geruch (u. a. die fortlaufende Performance im Martin Gropiusbau „Expanded Viewing I + II (Garten der irdischen Freuden)“) sprechen, darüber wie sie ihre eigenen Nase benutzt oder Anderen beibringt ihre eigenen Nase zu gebrauchen und ebenso über die Gerüche in der aktuellen Ausstellung „22“ von Sissel Tolaas.

21.05.2019 um 18 Uhr kuratorischer Rundgang mit Kuratorin Solvej Helweg Ovesen und »22« Autorin Lauren van Vuuren und um 19 Uhr Gespräch zwischen Sissel Tolaas und Solvej Helweg Ovesen (die Veranstaltung findet in Englisch statt)

29.05.2019 um 19 Uhr Book Launch von POW & UP – Galerie Wedding, Berlin

Mit freundlicher Unterstützung von NORLA, Norwegian Literature Abroad, der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und dem IFF (International Flavours and Fragrances Inc.).

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02.05.2019 at 7pm I smell, so I am – Isabel Lewis in conversation with Solvej Helweg Ovesen

An Event as part of the two-part exhibition 22 by Sissel Tolaas curated by Solvej Helweg Ovesen, Galerie Wedding, in cooperation with Christina Landbrecht, Schering Stiftung

Within the frame of the programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen at Galerie Wedding

02.05.2019 at 7pm Isabel Lewis in conversation with Solvej Helweg Ovesen (the event will be in English)

19.04. – 01.06.2019

Isabel Lewis, artist, and a choreographer is known for her explorations of the body, intimacy, and the senses. Not least is she known for her playful voicing of the almost unnameable aspects of these relations. In the conversation, we will speak about her and Sissel Tolaas collaborations as well as her work with smell (ongoing performance at Martin Gropiusbau „Expanded Viewing I + II (Garden of Earthly Delights)“), on how she uses her own nose or train others to use theirs, as well her take on the smells in the current show „22“.

21.05.2019 at 6pm curatorial tour with Solvej Helweg Ovesen and »22« author Lauren van Vuuren followed by a conversation between Sissel Tolaas and Solvej Helweg Ovesen at 7pm (the event will be in English)

29.05.2019 at 7pm book launch of POW & UP – Galerie Wedding, Berlin

With the kind support of NORLA, Norwegian Literature Abroad, the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen«, and by IFF (International Flavours and Fragrances Inc.).

Eröffnung am 21.02. von 19 bis 22 Uhr mit einer performativen Lesung des Textes »Die Pauschalreise«

Die Ausstellung Arbeit, Arbeit, nichts als Arbeit von Alice Creischer bildet den Auftakt des diesjährigen Programms der Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity), gemeinsam konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen. SoS untersucht die tiefe Krise der Solidarität oder besser die Notwendigkeit, neue Formen von Solidarität zu erfinden. Die Ausstellung ist kuratiert von Nataša Ilić.

22.02.-06.04.2019

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

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Opening on 21.02. from 7 – 10pm with performative re-reading of the text Die Pauschalreise (»The Package Tour«)

Together with Eva Ďurovec (actor and costume), María Fernández Verdeja (actor and costume), Margarita Tsomou (actor) and Andreas Siekmann (»Blatt zu Bitcoin«).

Alice Creischer’s exhibition Arbeit, Arbeit, nichts als Arbeit (»Work, Work, Nothing but Work«) marks the beginning of the new yearly program of Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen. SoS (Soft Solidarity) explores the deep crises of solidarity, or rather the need to reinvent new forms of solidarity. The exhibition is curated by Nataša Ilić.

22.02. – 06.04.2019

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding and funds „Ausstellungsvergütungen“.

16.-22. November 2018

Eine Ausstellung von Ojudun Taiwo Jacob (feat. Viki Simone), Natalia Orendain del Castillo, Jumoke Adeyanju im Rahmen des Ausstellungsprogramms UP (Unsustainable Privilges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 15.11.2018 mit Live-Performance von Jumoke Adeyanju von 19-20 Uhr und Ojudun Taiwo Jacob von 20-21 Uhr

Live-Performance von Ojudun Taiwo Jacob am 22.11.2018 von 18-19 Uhr

DE
Um Künstlerinnen und Kuratoren aus Lagos und Berlin Einblicke in die Kunstwelt des jeweils anderen Landes zu ermöglichen und dort zu arbeiten, hat das Goethe-Institut Nigeria in Kooperation mit dem Amt für Weiterbildung und Kultur Berlin-Mitte, Galerie Wedding, ZK /U – Zentrum für Kunst und Urbanistik, dem Kunstraum SAVVY Contemporary Berlin sowie der Arthouse Foundation Lagos das Residenzprogramm für junge Künstler und Kuratorinnen aus Berlin und Lagos ins Leben gerufen. Zu den diesjährigen Stipendiaten 2018 gehören der nigerianische Künstler Ojudun Taiwo Jacob sowie die Berliner Künstlerinnen Natalia Orendain del Castillo und Jumoke Adeyanju.

Während ihrer Aufenthalte arbeiten die Stipendiatinnen und Stipendiaten an dem übergreifenden Thema des Residenzprogramms, bei dem es um eine künstlerische Reflexion über »unhaltbare Privilegien« geht. Im Fokus steht die Frage, was es heute bedeutet Privilegien zu besitzen, sie zu verlieren oder neu zu erwerben. Die Ergebnisse werden im Rahmen einer Ausstellung präsentiert, die die sich in das Programm der Galerie Wedding, UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, gliedert. Dabei werden gegenwärtige Parameter der Künstlerreise einschließlich ihrer Grenzen und Möglichkeiten betrachtet: die Chance zu Reisen und sich frei über Grenzen hinweg zu bewegen erscheint aus westlicher Sicht eine Selbstverständlichkeit zu sein. Die Einschränkung und Verhandlung dieser Freiheiten, die auch Teil eines post-kolonialen Erbes sind, fließt ebenso mit ein wie Erinnerungen und Ideen von Heimat, sowie die Möglichkeit verschiedene Zugänge zu fremden Orten zu finden.

Ojudun Taiwo Jacob (Lagos) entwickelt in Zusammenarbeit mit Viki Simone eine neue Video- und Performancearbeit, die an der Eröffnung uraufgeführt wird. Ausgehend von einer dezidiert afrikanischen Perspektive auf die Berliner Konferenz, in der westliche Kolonialmächte 1884 den afrikanischen Kontinent in Kolonialgebiete aufgeteilt haben, spielt Taiwo eine Aufteilung des geografischen Europas durch und führt somit das hohe Maß an Fremdbestimmtheit des Verfahrens vor. In einem abgetrennten Raum innerhalb der Ausstellung wird Taiwo für die Besucher*innen sichtbar die Teilung und Neuanordnung Europas vollziehen, wie es 1884-1885 getan wurde, worin auch eine Darstellung von Macht liegt. (Film: Viki Simone; Musik: Pete Nattrass and Blue Saloon; Landkarte: Sebastian Loerscher)

Natalia Orendain del Castillos (Berlin) künstlerische Forschung konzentriert sich auf Raumwahrnehmung und -produktion sowie Klang. Zudem verwendet sie immersive, installative und partizipative Formate bei den sie die Wahrnehmungserfahrungen des Publikums mitdenkt. Während ihres Aufenthaltes in Lagos forscht sie zum Hafen der Stadt. Sie nutzt unterschiedliche Formen von kartografischem Material der Handelsrouten bzw. des Warenverkehrs sowie verschiedene Audio- und Videoaufnahmen. Die gesamte Arbeit ist eher ein Zwischenbericht ihrer Reise, bei dem ihr Ansatz der nicht-objektiven Kartographierung vorführt wird, der auf der Übertragung von bestimmten visuellen Systemen in akustische oder Vice versa beruht und Fragen nach der Orientierung des Einzelnen und seinen Zugang zur, sowie seiner Wahrnehmung der Welt aufwirft.

Jumoke Adeyanju (Berlin) entwickelte das Konzept von {{{thirdspace(d)out}}} als eintägige, multimediale Performance-Reihe während ihres Aufenthalts in Lagos. Sie kombiniert Live-Painting (Thomyyas), Live-Writing (Candice Nembhard), Musik (Jack Mensah) und Tanz (Thomias Radin & Jumoke Adeyanju), um die vielen Stadien und Dimensionen diasporischer Nostalgie, postkolonialer transformativer Heilung und das Wiederaufleben verlorener Erinnerungen aufzuzeigen. {{{thirdspace(d)out}}} umfasst aufgezeichnete Interviews und eine Klanglandschaft, die die Liminalität, das Dazwischen, wechselseitiger Erinnerungen erforscht. Adeyanju geht über afrikanische Identitätsbildung hinaus und richtet den Blick auf die afrikanisch- und karibische Diaspora weltweit.

Das Residenzprogramm Berlin-Lagos wurde im Juli 2015 vom Goethe-Institut Lagos initiiert in Kooperation mit dem Fachbereich Kunst und Kultur in Berlin-Mitte, Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst, ZK/U – Zentrum für Kunst und Urbanistik, SAVVY Contemporary und Arthouse Foundation Lagos.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und des Fonds Ausstellungsvergütungen.

EN
During their stays either in Germany or Nigeria, Ojudun Taiwo Jacob, Natalia Orendain del Castillo and Jumoke Adeyanju have been working on the overarching theme of the residency programme Berlin-Lagos 2018, which deals with artistic reflection on questions of what it means today to own privileges, how to lose them or acquire new ones. The three positions come together in a presentation that is set within the exhibition programme »UP (Unsustainable Privileges)« curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung at Galerie Wedding, Berlin. Current parameters of an artist’s journey, including its limitations and possibilities, are considered: the possibilities to travel and move freely across borders seem to be taken for from the Western point of view. Restricting and negotiating these freedoms, which are part of a post-colonial legacy, is explored alongside memories and ideas of Heimat and the possibility of finding different approaches to foreign places.

Ojudun Taiwo Jacob (Lagos) develops in collaboration with Viki Simone a new video and performance work, which will be premiered at the opening. Based on a decidedly African perspective on the Berlin Conference, in which Western colonial powers divided the African continent into colonial territories in 1884, Taiwo plays through a division of geographical Europe and thus demonstrates the high degree of external determination of the procedure. In a separate space within the exhibition, Taiwo will visibly perform the division and reorganization of Europe as it was done from 1884-1885, in which there is also a representation of power. (Film: Viki Simone; Music: Pete Nattrass and Blue Saloon; Map: Sebastian Loerscher)

Natalia Orendain del Castillo’s (Berlin) artistic research focuses on spatial perception and production as well as sound. She uses immersive, installative and participatory formats in which she also thinks about the perceptions of the audience. During her stay in Lagos, she researches the port of the city. Her piece in Galerie Wedding uses different forms of cartographic material of trade routes or goods traffic as well as various audio and video recordings. The whole work is an interim report of her journey, showing her approach to non-objective mapping, which is based on the transfer of certain visual systems to acoustic or vice versa and questions about the orientation of the individual and his access to, as well as his perception of the world.

Jumoke Adeyanju (Berlin) developed the concept of {{{thirdspace(d)out}}} as a one-day, multimedia performance series during her stay in Lagos. She combines live painting (Thomyyas), live writing (Candice Nembhard), music (Jack Mensah) and dance (Thomias Radin & Jumoke Adeyanju) to explore the many stages and dimensions of diasporic nostalgia, postcolonial transformative healing and resurrection of lost memories. {{{thirdspace(d)out}}} includes recorded interviews and a soundscape that explore liminality, the in-between, of reciprocal memories. Adeyanju goes beyond African identity markers and focuses on African and Caribbean diaspora in the world.

Lagos – Berlin is a residency programme for young artists and curators from Berlin and Lagos initiated by the Goethe-Institut Lagos in cooperation with the Department for Art and Culture Berlin-Mitte, Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst, ZK/U – Zentrum für Kunst und Urbanistik, SAVVY Contemporary and Arthouse Foundation Lagos.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe and the Funds »Ausstellungsvergütungen«.

02.11. bis 08.11.2018

»A Class(y) Lecture by Elly Clarke« ist eine selbstreflektierende Geschichte über das Dazugehören und Nicht-Dazugehören; darüber wie Abstammung sowohl Hindernis als auch Privileg sein kann, und über die Anschauungen und Erwartungen, welche die Lebenswege von Individuen, die in bestimmte Familien hineingeboren werden, bestimmen. Wie und wo sind derartige Privilegien heute zu finden? Wo helfen sie, wo hindern sie – in Bezug auf den individuellen Kontext, als auch die Gesellschaft als Ganzes?

Clarkes Langzeit-Projekt über ihren viktorianischen Ur-ur-ur-Großvater George Richmond und die von ihm gemalten Porträts geben den zentralen Fokus. Audiosegmente und Bilder dieses Projektes werden neben Auszügen von Clarkes eigener Kindheit und Berichten aus ihrem Leben als Erwachsene gezeigt – als Versuch sich selbst, ihre eigene Familie und das ewig–anhaltende, und doch auf viele Weisen unhaltbare Klassensystem Großbritanniens im 21. Jahrhunderts, besser zu verstehen. Abstammung ist eine Form von Identität, welche die Lebenszeit des Einzelnen überdauert. Sie reicht von vergangenen Zeiten  bis hinein in eine Zukunft, welche noch nicht einmal existiert, verbunden durch die Blutsbande.

Wir sind hier seit 600 Jahren.

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»A Class(y) Lecture by Elly Clarke« is a self-exposing hi/story about belonging and not belonging; about the drag as well as the privilege of ancestry, and the objects and expectations that define and determine the life paths of individuals born into certain families. How and where does such privilege sit today? Where does it help and where does it hinder – both the individual and society at large?

Clarke’s long-term project about her Victorian great-great-great-grandfather George Richmond’s portraits provides the central focus. Audio and images from this project are presented alongside extracts from Clarke’s own childhood & adult diaries in an attempt to better understand herself, her family and the ever-sustaining, and yet in many ways unsustainable set up of the British Class system in the 21st century. Ancestry is an identity that spans beyond the lifetime of an individual. It reaches back into the past and looks forward to a future that is not yet here, with blood as the binding thread.

We have been here for six hundred years.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung.

Am 10.09.2018 von 18.00 bis 19.30 Uhr
Treffpunkt um 18.00 Uhr in der Schönwalder Straße 19, 13347 Berlin
Der Rundgang ist entgeldfrei jedoch wird um eine Registrierung gebeten: artistwalk@galeriewedding.de

Control Food and You Control the People (1) ist das Leitmotiv des Rundgangs, der um das deutsche Pharmaunternehmen Bayer in Berlin-Wedding stattfindet. Aus einer Kombination von künstlerischen Interventionen und performativen Aktionen führt Künstlerin Anaïs Héraud-Louisadat durch das Stadtviertel, das aktuell von politischen und künstlerischen Entkolonialisierungskämpfen geprägt ist. In Bezug auf die umstrittene und kürzlich erfolgte Fusionierung Bayers mit dem multinationalen Saatgutkonzern Monsanto zu einem der größten Agrarunternehmen der Welt, geht es darum, auf künstlerische Weise neue Formen des Kolonialismus und der Ausbeutung kritisch zu beleuchten und zu hinterfragen.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und des Ausstellungsfond für Kommunale Galerien.

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– Control Food and You Control the People –

An artistwalk with Anaïs Héraud-Louisadat within the frame of KGB artweek at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst

On 10.09.2018 from 6pm till 7.30pm
Meeting point at 6pm at Schönwalder Straße 19, 13347 Berlin
The tour is free of charge but please register by sending an e-mail to artistwalk@galeriewedding.de.

Control food and you control the people (1) the guiding theme of the tour that takes place around the German pharmaceutical company Bayer in Berlin-Wedding. Combining artistic intervention and performative action, artist Anaïs Héraud-Louisadat, guides through the neighborhood that is currently marked by political and artistic decolonisation struggles. Relating back to the controversial and recent merging of Bayer with the multinational seed company Monsanto to become one of the biggest agricultural companies in the world, it is the aim to look critically at and to question new modes of colonialism and exploitation from an artistic point of view.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe and funds of the Municipal Galleries Berlin.

Im Rahmen der Installation Organic Decline von Ricardo Carioba
Ein Projekt von singuhr projekte berlin

Der brasilianischen Künstler Ricardo Carioba zählt zu den wichtigsten Vertretern der experimentellen Klang- und Videokunst seines Landes. Standen zu Beginn seiner künstlerischen Karriere reine Videoarbeiten im Vordergrund, so begann Carioba in den 2010er Jahren nach und nach auch Klänge in seine Videoinstallationen zu integrieren. Seine neuen Arbeiten sind oftmals großformatige Raumarbeiten, in denen er Licht, Klang und Video kombiniert. Sie sind inspiriert von Konkreter Kunst und Konstruktivismus. Die häufig abstrakt-minimalistischen Arbeiten verwandeln Ausstellungsräume in dynamische Gebilde, in denen intermediale Beziehungen thematisiert sind. Dekomposition, Abstraktion und Dynamik lassen amorphe Raumgebilde entstehen, in denen der Besucher in ein faszinierendes Spiel von Licht, Farbe und Klang eintaucht.

Auch die Installation Organic Decline, die er für die Räume der Galerie Wedding entwickelt hat, arbeitet mit diesen Motiven. Sie taucht den gesamten Galerieraum durch spezielle Lichtfilterfolien an den Fensterfronten in ein monochromes, tiefblaues Licht. Die visuelle Raumatmosphäre wird durch Klänge erweitert. Zu hören ist eine sich ständig weiterentwickelnde Komposition, die mit der Öffnung der Galerie am Mittag beginnt und bis zur Schließung am Abend andauert. Carioba arbeitet mit zwei aufeinander bezogenen klangliche Sphären, die über ein mehrkanaliges Lautsprechersystem in den Raum projiziert werden: Die erste stellt eine weite und fluide Räumlichkeit her, einen Klang, der sich im Raum bewegt und der trotz seiner Präsenz ein Gefühl der Stille schafft. Zudem sind hier Klänge integriert, die mithilfe eines Mikrofons im Außenraum aufgenommen werden und in Echtzeit in die Komposition einfließen. Die Geräusche dieser »Echtzeit«-Sphäre werden durch Klangereignisse einer zweiten Sphäre kontrapunktiert. Sie stammen von Synthesizern und anderen Tools für die Produktion von elektronischer und elektroakustischer Musik. Es sind rhythmische ebenso wie melodische, aber auch arhythmisch-dissonante Patterns und Strukturen, die den Raum zu besetzen scheinen und sich durch den Raum bewegen.

Die Klänge sind auch die eigentliche Ursache für die visuelle Dynamik der Installation. Ihre Entwicklung hat Einfluss auf die Videosignale, auf die Färbung des Lichts und auf den zeitlichen Ablauf der Veränderungen. Es entsteht ein räumlich-akustisches und visuelles Aggregat, in dem, so Carioba, »Aspekte unseres Verständnisses von konkreter und abstrakter Realität aufscheinen.«

Am Donnerstag, den 2. August, findet in der Installation eine Sound-Performance statt. Das 60-minütige Konzert von Ricardo Carioba startet eine Stunde vor Sonnenuntergang, um exakt 19:57 Uhr, genau dann also, wenn das Tageslicht sich langsam zurückzuziehen beginnt.

Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa: Bezirkskulturfonds, Ausstellungsfonds für kommunale Galerien, Fonds für Ausstellungsvergütungen.
Mit freundlicher Unterstützung des Fachbereichs Kunst und Kultur, Bezirksamt Mitte von Berlin.

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Sound Performance by Ricardo Carioba
2nd August 2018 from 7:57pm to 8:57pm

Within the frame of the Installation Organic Decline by Ricardo Carioba
A Projekt by singuhr projekte berlin

The Brazilian artist Ricardo Carioba is among the most prominent figures of experimental sound and video art in his native country. Carioba began his career focusing only on video works, and in 2010, gradually started integrating sounds into his video installations. Carioba’s recent works are often large-format in which he combines light, sound, and video. They are inspired by Concrete Art and Constructivism. The mainly abstract-minimalistic works transform exhibition spaces into dynamic entities in which intermedial relations are thematised. Decomposition, abstraction and dynamic allow the emergence of multi-sensory and amorphous spatial formations, whereby visitors are immersed in a fascinating game of light, color and sound.

The aforesaid elements are also deployed in the installation titled Organic Decline developed for the space of and exhibited at Galerie Wedding. The entire gallery is suffused by a monochrome deep-blue light that is created by customized blue foil wich is placed along the entire window facade. This atmospherically visual spatial-condition is expanded by means of sounds. A mellifluous composition starting with the gallery’s opening at midday and continuing through until the evening upon closing. Carioba works with two interrelated sonic spheres that are projected through a multi-channel sound system within the space: the first creates a far-reaching and fluid sense of space, a sound which travels three-dimensionally through the room, and despite its presence, instills a sense of calm. Sounds that are recorded with a microphone in the exterior space are also incorporated into these spheres, which then flow in real-time into the composition. The sounds of these »real-time« spheres are then counterpointed by sound events of a second sphere. These are sourced from synthesizers and other tools for the production of electronic and electroacoustic music. Both rhythmic and melodic as well as arhytmic-dissonant patterns and structures are present; the sound waves appear to occupy the space as they travel through it.

Initially veiled, it is the sounds themselves that facilitate the installation’s visual dynamic. Their development influences the video signal, the coloring of light as well as the time-flow of transformations. The result is a spacial-acoustic and visual aggregate wherein, Carioba remarks, »aspects of our understanding of concrete and abstract reality materialise«.

On Thursday, 2nd August, a sound-performance will take place within the installation space. The 60-minute long concert by Ricardo Carioba commences one hour before sunset (at exactly 7:57pm), just as the light of day begins to recede. A new visual atmosphere emerges, to which Carioba responds in real-time.

Organsied by singuhr e.V. in cooperation with Galerie Wedding.
www.singuhr.de

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe: “Bezirkuskulturfonds”, funds „Ausstellungsvergütungen“, and exhibition fund of the municipal galleries of Berlin. With kind support of the department of art and culture, Bezirksamt Mitte von Berlin.

Programmkoordination Galerie Wedding: Nadia Pilchowski
Presse & Kommunikation: Marie-Christin Lender
Produktionsleitung: Carolina Redondo
Aufbauassistenz und Mitarbeit: Jan Römer und Valentin Cernat
Praktikum: Alina Schmitt und Xiao Zhiyu

Eine Gruppenausstellung mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting und Marco Bruzzone kuratiert von Nadia Pilchowski im Rahmen des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 7. Juni 2018 von 19 bis 22 Uhr mit einer Begrüßung von Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und Kuratorin Nadia Pilchowski

Text von Nadia Pilchowski
Leben im Besonderen

Was ist es, das dem Leben einen Sinn zu geben scheint? Was verspricht heutzutage sozialen Erfolg auf dem Markt der schier unendlichen Möglichkeiten? Und wie gelingt die Selbstinszenierung in einer Zeit, in der das Besondere der Standard ist? Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

In Bezug auf den übermodernen Lifestyle, wie er in den neunziger Jahren von Marc Augé definiert wurde, werden Fragen nach der individuellen Sinnproduktion als Resultat des Zerfließens kollektiver Orientierungsmarken aufgeworfen. Das Streben nach Einzigartigkeit als Ausdruck der individuellen Persönlichkeit findet sich aber vor allem auch bei dem Soziologen Andreas Reckwitz, der von einer »Kuration des eigenen Lebens« spricht und von dem die These stammt, dass sich unsere heutige Gesellschaft als Ansammlung von Singularitäten begreifen lässt. »Eigenkomplexität« entstehe durch eine Komposition zunächst äußerlicher Lebensbereiche, die wiederum den oder die Erlebende*n besonders machten. Michaela Ott wählte dafür die Bezeichnung des »Dividuums«, wobei gerade ihr Begriff das Augenmerk auf das Spannungsverhältnis zwischen Privileg und Fremdbestimmung legt.

Wie sich diese gestaltet, verdeutlicht ein Blick in die sozialen Medien: Die Inszenierung des Selbst durch das Zu-eigen-Machen von Attributen, die assoziiert werden mit bestimmten Mode- und Sporttrends, Musik und Kunstausstellungen, der Wahl von Speisen und Orten, an die man mit einem auserwählten Kreis an Freund*innen oder Bekannten geht. Der bewussten Entscheidung und Wahl wird eine intensive Auseinandersetzung und Wissensaneignung zugrunde gelegt, bei der es um das Verstehen und Nicht-Verstehen kultureller Codes geht. Doch was davon entspricht wirklich der eigenen Persönlichkeit und was ist letztendlich fremdbestimmt durch die Orientierung am vorgegebenen sozialen Rahmen?

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht. Dass all diese Phänomene nicht nur auf die Sphäre des Individuellen begrenzt sind, zeigt der Ort der Ausstellung, die Galerie Wedding, selbst, der in seiner alltäglichen Identitäts- und Standortpolitik durchaus ähnlichen Herausforderungen unterworfen ist.

Begleitveranstaltungen

Performance Yuan Fang 遠方 von Liping Ting am 24.06.2018 von 16 bis 17.30 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Nadia Pilchowski am 28.06.2018 von 17 bis 18 Uhr

Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag,  24.06., 08. und 15.07.2018

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

Mit freundlicher Unterstützung Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien

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I Am Large, I Contain Multitudes
8th June – 15th Juli 2018

A group exhibition with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone curated by Nadia Pilchowski within the frame of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Opening 7th June 2018 from 7pm until 10pm with Dr. Ute Müller-Tischler, head of Galerie Wedding and curator Nadia Pilchowski

Text by Nadia Pilchowski
Living in Particularity

What is it that seems to give meaning to life? What is it that promises social success today on the market of endless possibilities? And how does self-staging work when specialness is the standard? The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

With regard to the super-modern lifestyle as defined by anthropologist Marc Augé in the 1990s, questions are raised concerning the individualised mode of producing meaning that has resulted from a dissolution of reference points for collective identification. A striving for uniqueness as the expression of individuality has been more recently addressed in the writings of sociologist Andreas Reckwitz, who speaks of the »curation of one’s own life« and has introduced a concept that considers our contemporary society as an accumulation of singularities. »Self-complexity« arises from a sort of composition of external areas of life, which, in turn, render the experiencing subject special. In describing this, Michaela Ott has coined the term »dividual«, which focuses on the complex tensions between the notions of privilege and heteronomy.

How this all plays out is revealed by taking a look at social media: the staging of the self takes place through the appropriation of attributes associated with certain trends in fashion, sports, music and art exhibitions, choices of food and places visited with a selected group of others. Conscious choice-making is based on careful examination and an acquisition of knowledge that involves either understanding or not understanding cultural codes. But which aspects finally correspond to one’s own personality, and which are in fact guided by the search for orientation within a given social framework?

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically. The fact that these phenomena are not limited to the sphere of the individual is demonstrated by Galerie Wedding itself, as the exhibition space is subject to similar challenges regarding its own everyday identity and locational politics.

Further events
Performance Yuan Fang 遠方 by Liping Ting on 24th June 2018 from 4pm to 5.30pm

Tour through the exhibition with curator Nadia Pilchowski on 28th June 2018 from 5pm until 6pm

Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian T M Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

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Photo: Donna Huanca, MELTY AVARI, 2016, Courtesy Peres Projects, Berlin. Photographer: Matthias Kolb

Eine Gruppenausstellung mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting und Marco Bruzzone kuratiert von Nadia Pilchowski im Rahmen des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung          

8. Juni – 15. Juli 2018

Text von Nadia Pilchowski
Leben im Besonderen

Was ist es, das dem Leben einen Sinn zu geben scheint? Was verspricht heutzutage sozialen Erfolg auf dem Markt der schier unendlichen Möglichkeiten? Und wie gelingt die Selbstinszenierung in einer Zeit, in der das Besondere der Standard ist? Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

In Bezug auf den übermodernen Lifestyle, wie er in den neunziger Jahren von Marc Augé definiert wurde, werden Fragen nach der individuellen Sinnproduktion als Resultat des Zerfließens kollektiver Orientierungsmarken aufgeworfen. Das Streben nach Einzigartigkeit als Ausdruck der individuellen Persönlichkeit findet sich aber vor allem auch bei dem Soziologen Andreas Reckwitz, der von einer »Kuration des eigenen Lebens« spricht und von dem die These stammt, dass sich unsere heutige Gesellschaft als Ansammlung von Singularitäten begreifen lässt. »Eigenkomplexität« entstehe durch eine Komposition zunächst äußerlicher Lebensbereiche, die wiederum den oder die Erlebende*n besonders machten. Michaela Ott wählte dafür die Bezeichnung des »Dividuums«, wobei gerade ihr Begriff das Augenmerk auf das Spannungsverhältnis zwischen Privileg und Fremdbestimmung legt.

Wie sich diese gestaltet, verdeutlicht ein Blick in die sozialen Medien: Die Inszenierung des Selbst durch das Zu-eigen-Machen von Attributen, die assoziiert werden mit bestimmten Mode- und Sporttrends, Musik und Kunstausstellungen, der Wahl von Speisen und Orten, an die man mit einem auserwählten Kreis an Freund*innen oder Bekannten geht. Der bewussten Entscheidung und Wahl wird eine intensive Auseinandersetzung und Wissensaneignung zugrunde gelegt, bei der es um das Verstehen und Nicht-Verstehen kultureller Codes geht. Doch was davon entspricht wirklich der eigenen Persönlichkeit und was ist letztendlich fremdbestimmt durch die Orientierung am vorgegebenen sozialen Rahmen?

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht. Dass all diese Phänomene nicht nur auf die Sphäre des Individuellen begrenzt sind, zeigt der Ort der Ausstellung, die Galerie Wedding, selbst, der in seiner alltäglichen Identitäts- und Standortpolitik durchaus ähnlichen Herausforderungen unterworfen ist.

Begleitveranstaltungen

Performance Yuan Fang 遠方 von Liping Ting am 24.06.2018 von 16 bis 17.30 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Nadia Pilchowski am 28.06.2018 von 17 bis 18 Uhr

Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian TM Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag,  24.06., 08. und 15.07.2018

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

Mit freundlicher Unterstützung Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien

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I Am Large, I Contain Multitudes
Opening 7th June 2018 from 7pm until 10pm

A group exhibition with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone  curated by Nadia Pilchowski within the frame of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

8th June – 15th Juli 2018

Text by Nadia Pilchowski
EN_Living in Particularity

What is it that seems to give meaning to life? What is it that promises social success today on the market of endless possibilities? And how does self-staging work when specialness is the standard? The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

With regard to the super-modern lifestyle as defined by anthropologist Marc Augé in the 1990s, questions are raised concerning the individualised mode of producing meaning that has resulted from a dissolution of reference points for collective identification. A striving for uniqueness as the expression of individuality has been more recently addressed in the writings of sociologist Andreas Reckwitz, who speaks of the »curation of one’s own life« and has introduced a concept that considers our contemporary society as an accumulation of singularities. »Self-complexity« arises from a sort of composition of external areas of life, which, in turn, render the experiencing subject special. In describing this, Michaela Ott has coined the term »dividual«, which focuses on the complex tensions between the notions of privilege and heteronomy.

How this all plays out is revealed by taking a look at social media: the staging of the self takes place through the appropriation of attributes associated with certain trends in fashion, sports, music and art exhibitions, choices of food and places visited with a selected group of others. Conscious choice-making is based on careful examination and an acquisition of knowledge that involves either understanding or not understanding cultural codes. But which aspects finally correspond to one’s own personality, and which are in fact guided by the search for orientation within a given social framework?

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically. The fact that these phenomena are not limited to the sphere of the individual is demonstrated by Galerie Wedding itself, as the exhibition space is subject to similar challenges regarding its own everyday identity and locational politics.

Further events
Performance Yuan Fang 遠方 by Liping Ting on 24th June 2018 from 4pm to 5.30pm

Tour through the exhibition with curator Nadia Pilchowski on 28.06.2017 from 5pm until 6pm

Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian TM Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

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Photo: FORT, »The Shining«, 2013, 08:57 Min. looped Video HD / Sound.

Die Teilnahme ist kostenfrei jedoch ist eine Anmeldung vorab erforderlich. Bitte senden Sie dafür eine E-Mail an: performance_laurynyouden@galeriewedding.de

Eine Performance von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig im Rahmen der Gruppenausstellung I Am Large, I Contain Multitudes mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Liping Ting, Hanne Lippard, Lauryn Youden und Marco Bruzzone, kuratiert von Nadia Pilchowski

Im Kontext des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Lauryn Youdens Performance You Say I For Me ist eine Zusammenarbeit mit dem Musiker und Künstler Florian T M Zeisig. Zu seinen subtilen Modulationen von Synthesizer- und Klangschalen spielt Youden »crystal singing bowls« und trägt ihren Text »Nocebo« vor. »Nocebo« ist Beleg ihres offenen persönlichen Ansatzes, sich in zunehmend schwierigen Zeiten um das eigene körperliche und seelische Wohlbefinden zu sorgen. Die Künstlerin erzählt darin über die Krankheit »Seasonal Affective Disorder«, auch bekannt als Winterdepression, und dessen Behandlung durch von Beifußtee induzierten Klarträumen sowie die Konfrontation mit den eigenen Dämonen. Dazu gehört auch eine Zeitachse von Diagnosen, die speziell auf die sich verändernde Wahrnehmung des weiblichen Körpers und der pflanzlichen Medizin während die Ausbreitung der monotheistischen Religionen und des Kapitalismus bezogen sind.

Zu Beginn der Performance wird Beifußtee (Artemisia vulgaris) serviert und die Besucher sind dazu eingeladen, es sich gemütlich zu machen, diesen zu trinken oder sich hinzulegen und die Augen zu schließen. Bitte beachten Sie, dass Beifußtee nicht von schwangeren oder stillenden Frauen getrunken werden soll.

Bei erfolgreicher Anmeldung erhalten Sie eine Bestätigung. Außerdem ist es empfehlenswert bequeme Kleidung zu tragen und gut hydriert zu kommen.

Website Lauryn Youden

Foto: Lauryn Youden, You Say I For Me. A performative reading and sound bath, 2018, Stedelijk Museum Amsterdam. Foto von Ernst Van Deursen.

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag, 24.06., 08.07. und 15.07.2018
Bitte beachten Sie, dass die Ausstellung I Am Large I Contain Multitudes am Sonntag, den 8. Juli 2018  von 12 bis 21 Uhr geöffnet ist.

Weitere Informationen zur Ausstellung und zum Programm finden sie unter www.galeriewedding.de

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfond für Kommunale Galerien und der Botschaft von Kanada.

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You Say I For Me
8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Please note that this event is free of charge but in order to participate you are kindly asked to register RSVP ASAP by sending an E-Mail to: performance_laurynyouden@galeriewedding.de

A performance by Lauryn Youden in cooperation with Florian T M Zeisig within the framework of the group exhibition I Am Large, I Contain Multitudes with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone curated by Nadia Pilchowski

In the context of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Lauryn Youden’s performance You Say I For Me is a collaboration with musician and artist Florian T M Zeisig. His »modulated binaural beats« comprise the background for Youden playing »crystal singing bowls« and reciting her text »Nocebo« – an illness narrative and historical essay that depicts the artist’s personal relationship with Seasonal Affective Disorder (SAD), lucid dreaming as a form of treatment and confronting of personal demons. As well, a timeline of diagnoses specifically related to the changing perception of the female body and plant-based medicine during the growth of monotheistic religions and capitalism.

At the beginning of the performance Mugwort (Artemisia vulgaris) tea will be served. The audience is invited to enjoy the tea during the performance while taking a comfortable seat, laying down and closing their eyes. Please note that the Mugwort should not be ingested by any pregnant women or women who are breast-feeding.

You will receive a confirmation when the registration was successful. Further it is advised to wear something comfortable and to come well hydrated.

Website Lauryn Youden

Photo: Lauryn Youden, You Say I for me. A performative reading and sound bath, 2018, Stedelijk Museum Amsterdam. Photo by Ernst Van Deursen.

Special opening hours
Sunday, 24th June, 8th and 15. July 2018
On Sunday  8th of July 2018  the exhibition I Am Large I Contain Multitudes will open from 12 to 9 pm

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen«, funds »Kommunale Galerien Berlin« and the Embassy of Canada.

24. Juni 2018 von 16 bis 17.30 Uhr

Eine Performance von Liping Ting im Rahmen der Gruppenausstellung I Am Large, I Contain Multitudes mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Liping Ting, Hanne Lippard, Lauryn Youden und Marco Bruzzone, kuratiert von Nadia Pilchowski

Im Kontext des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

In Liping Tings entschleunigten Performances entsteht das Gefühl, einem schamanischen Ritual beizuwohnen. Sie selbst steht dabei im Zentrum und ist mit ihrer eigenen Ikonografie – zu der die immer wieder auftauchenden Attribute Stein und Feder gehören – das spirituelle Medium, das aus dem Publikum aktiv partizipierende Teilnehmer*innen macht. Dies geschieht mittels dialogischer Sinneserfahrungen – ausgelöst etwa durch Berührungen oder synchrone Atempraktiken –, wodurch eine basale körperliche Intersubjektivität entsteht. Die Künstlerin, die in Taipeh Philosophie und in Paris Theaterwissenschaften studierte, bindet die Fragen über ein »Selbst ohne das Selbst« über ein »Lösen des Egos« an eine intensive Erfahrung der Sinne. Ting formuliert aus ihrer eigenen Leiblichkeit heraus eine Beziehung zum Umfeld der Zuschauer*innen. Ihre Bewegungen enthalten Elemente aus der chinesischen Tanztradition, sind mal ekstatisch, mal minimal und gerade in den Momenten, in denen sie einen Ast eindrucksvoll auf dem Kopf balanciert, erahnt man, wie viel Disziplin ihre Synthese von Körper und Geist abverlangt: Ting meditiert sieben Stunden, bevor sie eine Stunde performt – sie muss ganz bei sich sein, bevor sie sich öffnen kann.

Die Performance Yuan Fang 遠方 (Dt. Weit entfernt) findet in der Galerie und vor ihren Fenstern auf dem Rathausvorplatz statt.

Weitere Begleitveranstaltungen

Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Nadia Pilchowski am 28.06.2018 von 17 bis 18 Uhr
Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag, 24.06., 08. und 15.07.2018

Weitere Informationen zur Ausstellung und zum Programm finden sie unter www.galeriewedding.de

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien.

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Yuan Fang 遠方

A performance by Liping Ting within the frame of the group exhibition I Am Large, I Contain Multitudes with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone curated by Nadia Pilchowski

In the context of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Liping Ting’s decelerated performances convey the impression that one is witnessing a shamanistic ritual. She herself constitutes the focal point of her work, and, employing self-styled iconography (among which the stone and feather are consistently recurring motifs), she adopts the role of a spiritual medium, who enables the beholders to become active participants. The process of dialogical sensory perception that ensues, either through touch or synchronised breathing, gives rise to a basal, physical inter-subjectivity. The artist, who studied Philosophy in Taipei and Theatre in Paris, adeptly correlates the questions of ‘Self without the Self’ and ‘Unlocking the Ego’ in an intensely sensual experience. In Ting’s work, identity is, to be sure, experienced through the physical form. Ting formulates, through her own physicality, a relationship to the surroundings of the observer. Her movements incorporate elements of traditional Chinese dance and are as ecstatic at times as they are minimal at others. Yet in certain moments, such as those in which she impressively balances the branch of a tree upon her head, one begins to intuit how much discipline her synthesis of body and spirit in fact demands.

The performance Yuan Fang 遠方 (Engl. distant) takes place at the gallery and in front of the window front at Rathausvorplatz.

Further events

Tour through the exhibition with curator Nadia Pilchowski on 28.06.2017 from 5pm until 6pm
Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian TM Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

Photo by the team of festival GUYU China Xian

6. – 7. April 2018
Eröffnungsperformance am 5. April 2018 von 19 bis 22 Uhr

Eine Live-Performance-Installation von Ibrahim Quraishi gestaltet mit Özgür Erkök Moroder, Binta Diaw und Olani Ewunnet im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Ibrahim Quraishi erforscht die Effekte, die mit der Enthüllung verborgener Paradoxien verbunden sind. Dabei sind solche gemeint, die sich offenbaren, wenn vorgeblich Geheimnisse enthüllt, aber niemals aufgedeckt werden.

Der in Kenia geborene Künstler setzte sich mit den Handlungsrahmen, die von ideologischen Grenzen vorgegeben werden, auseinander. Auffassungen von Zeit, die der konventionellen Abfolge von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft folgen, werden in Frage gestellt. Wie lassen sich Träume, die all diesem trotzen und in einer faszinierenden Freiheit existieren, in die Realität holen?

Innerhalb von Stories of Almost Everyone ist es das Ziel, Gesetzte zu schaffen, die größtenteils als Verlust von Geschichte, Kultur und Identität verstanden werden. Ihm geht es darum herauszustellen, was es bedeutet in der heutigen Welt ein Mensch zu sein, der nicht von ihrem/seinem geografischen und gedanklichen Umfeld geprägt ist.

Weitere Performances am 6. und 7. April 2018 von 19 bis 21 Uhr

Das Werk von Ibrahim Quraishi wird unterstützt durch die Mondriaan Fonds, Niederlande.

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Stories of Almost Everyone

6th – 7th April 2018
Opening performance on 5th April 2018 from 7pm till 10pm

A live performance installation by Ibrahim Quraishi created with Özgür Erkök Moroder, Binta Diaw and Olani Ewunnet
within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

Ibrahim Quraishi investigates the effects associated with the revelation of distorted paradoxes. Those paradoxes that are exposed when secrets are pretended to be laid bare while they are never revealed.

Recurrent themes in the artist’s work are the frameworks of action that are given by physical and ideological boundaries. Conceptions of time that follow the conventional sequence of past, present and future are called into question. How can dreams that defy all this and claim an aspiring freedom be put in reality?

Within Stories of Almost Everyone it is the aim to codes that usually mean the loss of history, culture, and identity – an exploration of being a person who is not affected by her/his geographical and intellectual environment.

Further Performances on 6th and 7th April 2018 from 7pm until 9pm

The Work of Ibrahim Quraishi is supported by the Mondriaan Fonds, The Netherlands.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

6. – 7. April 2018
Eröffnungsperformance am 5. April 2018 von 19 bis 22 Uhr

Eine Live-Performance-Installation von Ibrahim Quraishi gestaltet mit Özgür Erkök Moroder, Binta Diaw und Olani Ewunnet im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Ibrahim Quraishi erforscht die Effekte, die mit der Enthüllung verborgener Paradoxien verbunden sind. Dabei sind solche gemeint, die sich offenbaren, wenn vorgeblich Geheimnisse enthüllt, aber niemals aufgedeckt werden.

Der in Kenia geborene Künstler setzte sich mit den Handlungsrahmen, die von ideologischen Grenzen vorgegeben werden, auseinander. Auffassungen von Zeit, die der konventionellen Abfolge von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft folgen, werden in Frage gestellt. Wie lassen sich Träume, die all diesem trotzen und in einer faszinierenden Freiheit existieren, in die Realität holen?

Innerhalb von Stories of Almost Everyone ist es das Ziel, Gesetzte zu schaffen, die größtenteils als Verlust von Geschichte, Kultur und Identität verstanden werden. Ihm geht es darum herauszustellen, was es bedeutet in der heutigen Welt ein Mensch zu sein, der nicht von ihrem/seinem geografischen und gedanklichen Umfeld geprägt ist.

Weitere Performances am 6. und 7. April 2018 von 19 bis 21 Uhr

Das Werk von Ibrahim Quraishi wird unterstützt durch die Mondriaan Fonds, Niederlande.

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Stories of Almost Everyone

6th – 7th April 2018
Opening performance on 5th April 2018 from 7pm till 10pm

A live performance installation by Ibrahim Quraishi created with Özgür Erkök Moroder, Binta Diaw and Olani Ewunnet
within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

Ibrahim Quraishi investigates the effects associated with the revelation of distorted paradoxes. Those paradoxes that are exposed when secrets are pretended to be laid bare while they are never revealed.

Recurrent themes in the artist’s work are the frameworks of action that are given by physical and ideological boundaries. Conceptions of time that follow the conventional sequence of past, present and future are called into question. How can dreams that defy all this and claim an aspiring freedom be put in reality?

Within Stories of Almost Everyone it is the aim to codes that usually mean the loss of history, culture, and identity – an exploration of being a person who is not affected by her/his geographical and intellectual environment.

Further Performances on 6th and 7th April 2018 from 7pm until 9pm

The Work of Ibrahim Quraishi is supported by the Mondriaan Fonds, The Netherlands.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

6. – 7. April 2018
Performances von 19 bis 21 Uhr

Eine Live-Performance-Installation von Ibrahim Quraishi gestaltet mit Özgür Erkök Moroder, Binta Diaw und Olani Ewunnet im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Ibrahim Quraishi erforscht die Effekte, die mit der Enthüllung verborgener Paradoxien verbunden sind. Dabei sind solche gemeint, die sich offenbaren, wenn vorgeblich Geheimnisse enthüllt, aber niemals aufgedeckt werden.

Der in Kenia geborene Künstler setzte sich mit den Handlungsrahmen, die von ideologischen Grenzen vorgegeben werden, auseinander. Auffassungen von Zeit, die der konventionellen Abfolge von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft folgen, werden in Frage gestellt. Wie lassen sich Träume, die all diesem trotzen und in einer faszinierenden Freiheit existieren, in die Realität holen?

Innerhalb von Stories of Almost Everyone ist es das Ziel, Gesetzte zu schaffen, die größtenteils als Verlust von Geschichte, Kultur und Identität verstanden werden. Ihm geht es darum herauszustellen, was es bedeutet in der heutigen Welt ein Mensch zu sein, der nicht von ihrem/seinem geografischen und gedanklichen Umfeld geprägt ist.

Das Werk von Ibrahim Quraishi wird unterstützt durch die Mondriaan Fonds, Niederlande.

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Stories of Almost Everyone

6th – 7th April 2018
Performances from 7pm until 9pm

A live performance installation by Ibrahim Quraishi created with Özgür Erkök Moroder, Binta Diaw and Olani Ewunnet
within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

Ibrahim Quraishi investigates the effects associated with the revelation of distorted paradoxes. Those paradoxes that are exposed when secrets are pretended to be laid bare while they are never revealed.

Recurrent themes in the artist’s work are the frameworks of action that are given by physical and ideological boundaries. Conceptions of time that follow the conventional sequence of past, present and future are called into question. How can dreams that defy all this and claim an aspiring freedom be put in reality?

Within Stories of Almost Everyone it is the aim to codes that usually mean the loss of history, culture, and identity – an exploration of being a person who is not affected by her/his geographical and intellectual environment.

The Work of Ibrahim Quraishi is supported by the Mondriaan Fonds, The Netherlands.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

18. Januar – 1. Februar 2018
Finissage am 1. Februar 2018 um 19 Uhr

Eine Performancewoche von Abrie Fourie im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Abrie Fourie verwandelt die Galerie Wedding in ein Atelier, das den vorbeigehenden Leuten zum Besuch offen steht. Der aus Südafrika stammende und in Berlin lebende Künstler setzt sich während der Performancewochen mit dem Thema der (unhaltbaren) Privilegien auseinander, indem er poetische Erkundungen mit Worten, Redewendungen und Bildern vornimmt. Wie bei unangekündigten Atelierbesuchen, erfährt man nicht im Vorhinein, woran der Künstler gerade arbeitet. Den vorbeigehenden Besucher*innen bleibt nicht anderes, als sich von dem aktuellen Geschehen überraschen zu lassen.

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Studio Visit: A Poetic Investigation of (Unsustainable) Privilege Through Words, Phrases and Images. A Metaphor of Memories That Soon Will Be Lost! But What Happens When You Test Metaphor as Fact?

18th January – 1st February 2018
Finissage on 1st Februar 2018 at 7pm

A Performanceweek by Abrie Fourie within the frame of UP (Unsustainable Privileges), curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

Abrie Fourie transforms the space of Galerie Wedding into an artist’s studio, that is open to everyone who passes by. Within the performance week the southafrican born and berlin based artist will deal with the issue of (unsustainable) privileges by investigating them through words, phrases and images. Similar to an unnanounced studio visit, you won’t know beforehand what the artist is working on the moment you come by the space. The visitors will have no choice but to be surprised by the current events.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

18. Januar – 1. Februar 2018
Finissage am 1. Februar 2018 um 19 Uhr

Eine Performancewoche von Abrie Fourie im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Abrie Fourie verwandelt die Galerie Wedding in ein Atelier, das den vorbeigehenden Leuten zum Besuch offen steht. Der aus Südafrika stammende und in Berlin lebende Künstler setzt sich während der Performancewochen mit dem Thema der (unhaltbaren) Privilegien auseinander, indem er poetische Erkundungen mit Worten, Redewendungen und Bildern vornimmt. Wie bei unangekündigten Atleierbesuchen, erfährt man nicht im Vorhinein, woran der Künstler gerade arbeitet. Den vorbeigehenden Besucher*innen bleibt nicht anderes, als sich von dem aktuellen Geschehen überraschen zu lassen.

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Studio Visit: A Poetic Investigation of (Unsustainable) Privilege Through Words, Phrases and Images. A Metaphor of Memories That Soon Will Be Lost! But What Happens When You Test Metaphor as Fact?

18th January – 1st February 2018
Finissage on 1st Februar 2018 at 7pm

A Performanceweek by Abrie Fourie within the frame of UP (Unsustainable Privileges), curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

Abrie Fourie transforms the space of Galerie Wedding into an artist’s studio, that is open to everyone who passes by. Within the performance week the southafrican born and berlin based artist will deal with the issue of (unsustainable) privileges by investigating them through words, phrases and images. Similar to an unnanounced studio visit, you won’t know beforehand what the artist is working on the moment you come by the space. The visitors will have no choice but to be surprised by the current events.

Im Rahmen der Ausstellung

Orient Express
Laufzeit 17. November 2017 bis 13. Januar 2018

Eine Ausstellung von Dafna Maimon im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Wie schon bei der Eröffnung aktiviert Dafna Maimon ihre Installation in der Galerie Wedding erneut, allerdings zum letzten Mal. Die Performance „After Hours“, die während der Ausstellung und innerhalb der Installation entwickelt wurde, bespielt das Ende einer Restaurant-Schicht. Zwei Arbeiterinnen verkörpern und verarbeiten in fragmentierter Form die Nachwirkung der Schicht, die auf vergangenen Ereignissen und autobiografischem Material der Familie der Künstlerin basieren. In „After Hours“ zieht Maimon eine bewusste Parallele zum Tanzstück „Café Müller“ von Pina Bausch, in dem die renommierte Choreografin ebenfalls Kindheitserinnerungen ihres Vaters, der ein Café führte, verarbeitet. Indem Maimon verschiedene Zeitfenster auf einmal öffnet, überwindet sie zeitliche Distanzen und lässt Vergangenheit und Gegenwart verschmelzen.

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Performance ‚After Hours‘ by Dafna Maimon on 11th and 13th January 2018 both days at 7pm

Within the frame of

Orient Express

17th November 2017 until 13th January 2018

An exhibition by Dafna Maimon within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Like at the opening, Dafna Maimon activates her installation at Galerie Wedding again but for the last time. The performance „After Hours“ which was developed during the exhibition and within the installation plays out the end of a restaurant shift. Two female workers embody and process a fragmented aftermath based on past events taken from autobiographies of the artist’s family. Within „After Hours“ Maimon draws a conscious parallel to the dance piece ‘Café Müller’ by Pina Bausch, in which the renowned choreographer also processes childhood memories of her father working in his café. By opening up different time frames at once, Maimon overcomes distance in time and brings together past and present.

27. August bis 23. September 2017

Eine Ausstellung von Surya Gied im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 26. August um 19 Uhr mit Performance des Geigers Ali Moraly um 20:30 Uhr

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
Looking into the Distance Becomes Difficult_deutsch
Looking into the Distance Becomes Difficult_englisch

Im Rahmen der Ausstellungsreihe UP (Unsustainable Privileges) widmet sich die Ausstellung Looking Into The Distance Becomes Difficult der Malerin Surya Gied den Narrativen der  sogenannten »privilegierten Medien«. Die Berichterstattung des westlichen Europas ruft bei immer mehr Zuschauenden eine immer größer werdende Distanz zu den aktuellen Weltgeschehnissen hervor , seien diese die Situation von Geflüchteten, der Anschlag in Manchester oder eine Anti-Trump-Demonstration.

Ausgangspunkt für die Arbeiten der Künstlerin ist die »Hypervisibilität« und Allgegenwärtigkeit  von Krisensituationen in den Massenmedien.Surya Gieds Serie »Looking into the Distance Becomes Difficult« zeugt von der eingängigen Beschäftigung mit der Frage, wie man diese Realitäten thematisieren kann, ohne die Gewalt der zirkulierenden Bilder zu reproduzieren und die betroffenen Menschen damit zu verdinglichen. Wie lässt sich angesichts solch fataler Momente eine Bildsprache finden, ohne die Würde der Beteiligten zu verletzen?

Gieds Auseinandersetzung mit fotojournalistischem Material aus dem Internet, das zumeist ein direktes oder indirektes Zeugnis von Menschen auf der Flucht vor Krieg, Verfolgung, Folter, Vergewaltigung und Hoffnungslosigkeit ablegt, führt sie zu einer eigenen Sprache der Fragmentierung und Abstraktion. , Der Künstlerin geht es darum, das zu enthüllen, was sich hinter dem Bild versteckt; das hervorzuheben, was in dem Dazwischen existiert: die zwischenräumliche Fragmente. In der Fragmentierung und Abstraktion erforscht sie die Räume zwischen Formen, Farben, Ideen, Beziehungen, Ideologien, Politik, Geografien und Geschichte(n). Sie gelangt dadurch zu einem universelleren, aber nicht universalisierenden Verständnis von tiefen und fundmentalen Emotionen, die in den von ihr als Ausgangspunkt verwendeten Bildern enthalten sind.

Über den „dokumenta 14“-Violinisten Ali Moraly

auf deutschlandfunk:
http://www.deutschlandfunk.de/documenta-echo-ali-moraly-ross-birrell-der-klang-des-boesen.3259.de.html?dram%3Aarticle_id=388643

und in der ARD-Mediathek:
http://www.ardmediathek.de/radio/Cluster-Das-Musikmagazin/Der-Geiger-Ali-Moraly-Von-Damaskus-nach/SWR2/Audio-Podcast?bcastId=12855006&documentId=35068574

Sonderöffnungszeiten
An den Sonntagen, 27.08., 10.09 und 17.09.2017 ist die Ausstellung von 12- 19 Uhr geöffnet

Begleitveranstaltungen während der KGB-Kunstwoche:

Nothing Ever Comes Together –  ein performatives Gespräch mit Choonok Gied-Lee, Surya Gied und Toby Ashraf über neue Heimaten, Anwerbeabkommen und koreanische Töchter am 09.09.2017 um 18 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Künstlerin Surya Gied und Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung am 14.09.2017 um 17 Uhr

Ton / Schritt / Wedding – Akustische Entdeckungen der architektonischen Landschaft um den Leopoldplatz – ein Soundwalk mit Surya Gied und Tobias Purfürst am 16.09.2017 um 15 Uhr

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

Ein Talk zur Ausstellung Mapping Berlin: Eine kollektive Erzählung von imaginären und neu entstehenden Räumen mit anschließender Soundperformance

Die ausstellenden Künstlerinnen und Künstler Roland Fuhrmann, Michael Johansson, Margret Holz, Christine Kisorsy, Katrin von Lehmann, Sara Wallgren und Marcelina Wellmer werden ihre Arbeiten im Rahmen von Mapping Berlin vorstellen und diskutieren. Moderiert wird das Gespräch von Andrzej Raszyk, Initiator und Kurator des Projekts. Im Fokus wird die Frage stehen, welche Recherchemethoden die Künstlerinnen und Künstler in ihre Arbeitsprozesse eingebunden haben. Ab 20 Uhr findet die analoge Soundperformance Sonusurbis II von Ame Zek statt.

Ausgangspunkt der Ausstellung und des Veranstaltungsprogramms Mapping Berlin ist die Vorstellung von Städten als räumliche Archive, die eine Vielzahl an Bedeutungen, nebeneinandergestellten Narrativen und sich verschiebenden Hierarchien umfassen. Die künstlerischen Arbeiten umfassen individuell konstruierte Systeme des Kartografierens von Raum, Zeit und urbaner Geschichte. Damit eröffnen sie Raum für neue Interpretationen, einen dialogischen Kontext, in dessen Rahmen zeitgenössische, imaginäre und neu entstehende Geschichten/Narrationen gesammelt, visualisiert, erinnert wie auch aus unserem täglichen Leben gelöscht werden.

Das Konzept für Mapping Berlin wurde von Andrzej Raszyk entworfen und stellt eine Weiterentwicklung früherer Projekte um das Thema der Visualisierung von Daten und Geschichte dar, das vom kuratorischen Team Berlinerpool Arts Network (Andrzej Raszyk & Paz Ponce) recherchiert wurde.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds und der Ausstellungsvergütung für Kommunale Galerien und in Kooperation mit Associazione 22:37.

am 28.07.2017 um 19 Uhr

*For English version please scroll down*

Die Künstlerspaziergänge sind ein urbanes Interventions-Projekt, welches sich mit dem Spaziergang als ästhetisches Werkzeug im Kontext von öffentlicher Kunst beschäftigt. Die Idee für diese Spaziergänge besteht in der Schaffung eines geteilten Raums für Debatten und Forschungen, in dem die Pluralität von Perspektiven und Subjektivitäten ein gemeinsamer Nenner für Austausch und Inspiration darstellt. Ein Projekt von Associazione 22:37.

Rednerinnen:
Rebecca Agnes, Sandra Božić, Iva Kontić, Irina Novarese, Stephanie Schairer, Dragan Strunjaš und Viola Thiele

Moderation:
Stefania Migliorati

Für mehr Informationen und für den Erwerb des Katalogs Email an: news22e37@gmail.com

walkwiththeartist word press
http://mapping.berlinerpool.de/walk-with-the-artist/

Der Walk ist Teil des Projektes Mapping Berlin: Eine kollektive Erzählung von imaginären und neu entstehenden Räumen und ist realisiert mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds und der Ausstellungsvergütung für Kommunale Galerien und in Kooperation mit Associazione 22:37

Book Launch of »Walk with the Artist« by Associazione 22:37

on 28.07.2017 at 7 p.m.

Walk with the artist is an urban intervention project that explores the concept of a walk as an aesthetic tool within the framework of public art. The idea behind these walks is to create a shared space of debate and research where the plurality of perspectives and subjectivities can find a common denominator of exchange and inspiration. Project by Associazione 22:37.

Speakers:
Rebecca Agnes, Sandra Božić, Iva Kontić, Irina Novarese, Stephanie Schairer, Dragan Strunjaš and Viola Thiele

Moderation:
Stefania Migliorati
For more information about how to get the catalogue please write to news22e37@gmail.com

walkwiththeartist word press
http://mapping.berlinerpool.de/walk-with-the-artist/

The walk is part of the program Mapping Berlin: Collective Narration on Imaginary and Emergent Spaces and is realised with kind support of the Berlin Senate Administration for Culture and Europe, the Exhibition Fund and the Exhibition Remuneration for Municipal Galleries and in cooperation with Associazione 22:37

Im Kontext der Ausstellung BARE LIVES von Mario Rizzi, kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) laden wir Sie herzlich ein zu einem Live-Konzert der syrischen Tarab-Band MUSIQANA aus Berlin.

Am Samstag, den 29. April um 17 Uhr im Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin)

*Der Eintritt ist frei* (Spenden willkommen, wir bitten um frühes Kommen wegen begrenzter Raumkapazität)

Vor dem Konzert wird in der Galerie Wedding um 15 Uhr eine Führung durch Mario Rizzis Ausstellung BARE LIVES angeboten, in deren Anschluss die Gruppe geschlossen zum Konzert im Silent Green Kulturquartier gehen wird.

MUSIQANA – Syrische Tarab-Musik aus Berlin

Abdallah Rahhal, Syrien Gesang
Alaa Zaitouna, Syrien Oud
Amjad Adam Oudeh, Syrien E-Bass
Adel Sabawi, Syrien E-Gitarre
Serdar Saydan, Deutschland Riq, Darbuka, Bendir
Markus Vassiliou, Lebanon Schlagzeug

MUSIQANA ist eine syrische Tarab-Band aus Berlin. Sie bringt die Atmosphäre und Musik von Syrien vor dem Krieg mit in den Konzertraum. Tarab bedeutet ›Euphorie‹ und sowie der Name schon besagt, möchten die Musiker durch ihre hochpoetischen Texte sowie Melodien das Publikum in eine musikalische Euphorie versetzen. 

MUSIQANA wird von der internationalen Presse als Symbol der integrativen Kraft der Musik in Deutschland gefeiert (New York Times, Associated Press, USA Today…).
Syrische Sänger Abdallah Rahhal, syrischer Oud Spieler Alaa Zaitouna und die schottische Kulturmanagerin Rachel Clarke gründeten die Band im Januar 2015 zusammen. 30 Konzerte in 2016 gipfelten in einem Konzert an der Berliner Philharmonie und in der Veröffentlichung ihrer ersten CD El Helwa Di – Das Schöne Wesen. Mit dem Perkussionisten Serdar Saydan und Schlagzeuger Markus Vassiliou sind z.B. Musiker aus aller Welt dazu gekommen, die ihre Liebe zur Tarab Musik teilen.

www.musiqana.eu / musiqana@gmail.com

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Within the context of the exhibition BARE LIVES by Mario Rizzi within the frame of UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, we cordially invite you to a live concert by the  Syrian Tarab-Ensemble MUSIQANA from Berlin.

Om Saturday, April 29, 5 pm at Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin)

*Free entrance* (donations welcome, please come early, the capacity of the room is limited)

Please note: before the concert there will be a tour of the exhibition BARE LIVES by Mario Rizzi taking place at Galerie Wedding at 3 p.m., followed by a walk to Silent Green Kulturquartier.

MUSIQANA – Syrian Tarab Music from Berlin

Abdallah Rahhal Voice
Alaa Zaitouna Oud
Adel Sabawi  Electric Guitar
Amjad Adam Oudeh Electric Bass
Serdar Saydan Riq, Darbuka, Bendir
Markus Vasiliou Drums

MUSIQANA is a Syrian Tarab-Ensemble from Berlin. The band brings the atmosphere and music of their home country Syria – from before the war – to the concert space. Tarab means euphoria and as the name suggests, the musicians want to transport the audience through their highly poetic lyrics and beauty of their melodies into a state of musical euphoria. The singer and the musicians evoke this in their performance.

MUSIQANA are celebrated by the International Press als a symbol of the integrative power of music in Germany (New York Times, Associated Press, USA Today…).
The Syrian singer, Abdallah Rahhal, Syrian Oud player Alaa Zaitouna and Scottish arts manager Rachel Clarke founded the band together in January 2016. 30 concerts in 2016 culminated in a lunchtime concert at the Berlin Philharmonie in December and the release of their first CD El Helwa Di – The Beautiful One.

Now very much at home in the Berlin music scene, they have been joined by Berliner percussionist Serdar Saydan and Lebanese-Greek drummer Markus Vassiliou, who both share the band’s love of Tarab music

www.musiqana.de / musiqana@gmail.com

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien. Das Ausstellungsprogramm UP wird durch die Unterstützung des Bezirksamtes Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur, Fachbereich Kunst und Kultur ermöglicht.

Ein Symposium in Kooperation mit dem Goethe-Institut Bogotá in der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische
Kunst am Samstag, den 17.06.2017, von 14:00 bis ca. 21:00 Uhr

Citizen Art Days wird kuratiert von den Künstler*innen Oscar Ardila, Stefan Krüskemper, Kerstin Polzin

Wie verändern die verschiedenen kulturellen Hintergründe, zum Beispiel in der Arbeit mit Geflüchteten, die von kreativen Arbeitsgruppen? Welche Gemeinsamkeiten bestehen und wie unterscheiden sich die Modelle der community building in einer informellen Siedlung Bogotás und im Weddinger Kiez?

Wie entsteht aus dem künstlerisch tätigen Miteinander von Bürger*innen, Akteur*innen und Künstler*innen Kunst und welche gesellschaftlichen Rückwirkungen lassen sich darauf beziehen?

Künstlerische Projektinitiativen, die sich im Themenfeld sozial engagierter und partizipativer Kunst bewegen, diskutieren die Frage, wie sich inhaltlich verbundene Gemeinschaften von Menschen durch die auslösenden Impulse der Kunst nachhaltig und qualitätsvoll gestalten lassen. Ob sich die Kunst mit ihren Ansprüchen an der Funktionalisierung ihrer selbst zerreibt oder ob neue Ansätze in der Gestaltung im sozialen Raum entstehen, wird in einem Erfahrungsaustausch aus der Praxis heraus untersucht.

Eng im Rahmen solcher Projektinitiativen verbunden ist der Bereich der kulturellen Bildung und der selbstorganisierten Wissensaneignung. Ein Schwerpunkt der Veranstaltung bildet die Sicht der kolumbianischen Projektinitiative »Casa Mayaelo«, die sich als Preisträger »Premio a agentes artísticos y culturales que trabajan la cultura ciudadana y democrática« in Berlin aufhält.

Die Citizen Art Days bieten in Berlin seit 2012, in einem verdichteten Zeitraum von 5 –10 Tagen, Workshops, Vorträge, Dialogformen, Aktionen und Performances, Diskussionen sowie Stadterkundungen. Erprobt werden neue Beteiligungsformen, welche die kreativen Potentiale von Bürger*innen, Stadtakteur*innen und Künstler*innen zur Formung des gemeinsamen Öffentlichen aktivieren. Mit dem Zwischenformat der market places werden spezielle Themen in kompakten Veranstaltungen beleuchtet.

Programm
14.00 – 14.15 Begrüßung
14.15 – 14.40 Impulsvortrag
14.40 – 14.45 Pause
14.45 – 15.30 Performatives Dialog-Format von Casa Mayaelo (Beschreibung folgt)
15.30 – 16.00 Kaffeepause mit Kuchen

16.00 – 18.00 Projektpräsentationen und Podiumsgespräch
Bi`bak /
Kunst im Kontext, UdK mit Kristina Leko /
Atelier Global mit Henrik Mayer (REINIGUNGSGESELLSCHAFT) / Casa Mayaelo mit Fernando Cuervo /
Citizen Art Days, CAD e.V.

Ab 18.30 Uhr Dj-Set von Paul Welch Guerra: Cumbia meets Hummus

www.citizenartdays.de
info@citizenartdays.de

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und des Goethe-Instituts.

An exhibition by Mario Rizzi within the frame of UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Save the date!
Opening 27. April, 7 p.m. Tour of the exhibition with Solvej Helweg Ovesen und Mario Rizzi

8 p.m. Arabic poetry reading with Syrian-born Palestinian poet Ramy Al Asheq (Editor in Chief of Abwab newspaper)
Afterwards DJ Set by KHMGNFF (Sub Saharan | Jazz | World Music)

The curatorial text by Solvej Helweg Ovesen for download: Giving shape to Life Society and Oneself….

(Für die deutsche Version bitte nach unten scrollen)

Within the frame of this year’s exhibition program UP (Unsustainable Privileges) the exhibition BARE LIVES focuses on the Arab uprisings and on how they have radically altered the geopolitics of the region.
However the Italian-born Berlin-based artist and filmmaker Mario Rizzi chooses a personal and privileged viewpoint: the role of the woman in the family and the changing Islamic society. Women have been taking part at the forefront of the region’s revolutions since the early days of the so-called Arab Spring. Rizzi’s works opt for the generally disregarded impact on the bare life of unknown people in this context.

Together with the films »Kauther« (2014)  and »Al Intithar« (Das Warten) (2013), the exhibition presents the series of photographic portraits »August 3rd« (2016) and the 80-image slideshow »Bare Lives« (2017). These images raise questions about the reception of refugees in western societies like Berlin and remind of our communal responsibilities towards those in need of a new normality and against media-instigated fears or spectacle. Rizzi’s intimate approach to the theme of bare life suggests that art can create social change through means of poetry and instate human values.

Mario Rizzi has often worked with individuals living on the edge of society, excluded by the law and from protection by the state. Over the last 25 years, he has developed a practice of interacting with internally displaced people, refugees, and activists living in places where the state of exception has become normality. He has spent many years working in refugee camps (Bosnia, Palestine, Jordan, Iraqi Kurdistan, the Netherlands, Italy, and Greece).

»Bare life« as a concept (conceived by Giorgio Agamben in his book »Homo Sacer« from 1995) refers to a body, a human being, who exists outside of politics and the law, outside protection, who can be killed by anyone without legal repercussions. »Bare life« is a life not politically defined as life outside any nation state. The term describes a form of existence, one that Rizzi attempts to approach and reflect about with his films and photographs.

In his photographic series »August 3rd« shot in a Yazidi camp for internally displaced people in Iraqi Kurdistan, the date »3/8/2014« is graffitied on many tents. On August 3rd 2014, Daesh, the Islamic State, started the genocide of the Yazidi minority in the town of Sinjar in Iraqi Kurdistan, with the massacre of men and ongoing enslavement and systematic abduction and abuse of women and children. Daesh justified the killing, occupation, kidnapping, the trading and mass rape of women and girls of the Yazidi minority because they are not Muslim. Rizzi’s intimate portraits of Yazidi women, with their straight looks into the camera, interrogate us, our silences, our hurried judgments, our preconceptions. While the massacre is still happening, other thousands of Yazidis live in camps in Iraqi Kurdistan and Jordan, but also in Greece and Germany.

The slideshow »Bare Lives« consists of 80 photographs shot in two different geographical areas and human conditions: the improvised camps which were unofficially forming throughout 2016 in Idomeni at the border between Greece and Macedonia, and the long-standing state-established camps for Yazidi IDP (internally displaced people) in Iraqi Kurdistan. All images depict a life of impermanence and uncertainty. But emotions are very different in the two camps. In Idomeni people seem hopeful and they look forward to a new chance in their life. They expect the border to open so that they can continue their way towards the wealthier European countries. The border never opened and, in the end, they were placed in different camps throughout Greece. In the Yazidi IDP camp in Iraqi Kurdistan people do not feel safe nor hopeful. People have lost everything, not only their homes and families, some of the women are still in the hands of Daesh.

Mario Rizzi’s 30-minute film »Al Intithar« (The Waiting), which is also presented in the exhibition, premiered at Berlinale Film Festival 2013. It was shot during the artist’s seven-week stay in Zaatari refugee camp in the Jordanian desert. The film, which presents itself as an excerpt, follows the life of a Syrian woman, Ekhlas, translating the tragic macrocosm of the Syrian war to the intimate microcosm of a relentless woman and her three children.

The film »Kauther«, is a long monologue, in a bare room, over the course of a few days. The protagonist is Kauther Ayari, the first activist to give a passionate voice to Tunis rioters, on Jan 8, 2011, precariously speaking from a window of the Trade Union’s central building. She incited her comrades to stand up for freedom, social justice and democratic change. With absolute openness and unconcealed intimacy, Kauther tells about herself and also addresses the build-up of 2011 and the conditions of being a woman in present day Arab society. The latter she has spent her life challenging.

Accompanying events:

Live Performance by Syrian Tarab-Ensemble MUSIQANA from Berlin on 29.04.2017, 5 p.m., at Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin), free of charge (donations welcome, please come early as the capacity of the room is limited)
Before the concert: tour of the Exhibition at Galerie Wedding at 3 p.m.

Artist talk and presentation of the book BARE LIVES with Mario Rizzi, Solvej Helweg Ovesen, Charlotte Bank  Ramy Al Asheq, Jonas Tinius and other participants on 01.06.2017, 5 p.m.

With friendly support by the Senate Department for Culture and Europe, by the Spartenübergreifende Förderung and the Exhibition Fund for Municipal Galleries

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BARE LIVES
28. April bis 10. Juni 2017

Eine Ausstellung von Mario Rizzi im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Save the Date!
Eröffnung am 27. April 19 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Solvej Helweg Ovesen und Mario Rizzi um 19 Uhr
Arabische Dichterlesung mit dem in Syrien geborenen palästinensischen Poeten Ramy Al Asheq um 20 Uhr 
DJ-Set von KHMGNFF (Sub Saharan | Jazz | World Music) anschließend

Der kuratorische Text von Solvej Helweg Ovesen steht hier als Pdf zum Download zur Verfügung:
Dem Leben der Gesellschaft und dem eigenen Ich eine Form geben…

Im Rahmen der Ausstellungsreihe UP (Unsustainable Privileges) setzt die Ausstellung BARE LIVES ihren Fokus auf die arabischen Aufstände und wie diese die Geopolitik dieser Region radikal verändert haben. Der in Italien geborene und in Berlin lebende Künstler und Filmemacher Mario Rizzi wählt einen persönlichen und individuellen Standpunkt: Er ruft die Rolle der Frauen innerhalb der Familie und einer sich wandelnden islamischen Gesellschaft ins Bewusstsein, sowie die Tatsache, dass Frauen in den frühen Tagen des sogenannten Arabischen Frühlings an der Spitze der Revolutionen standen.
Die Ausstellung präsentiert die Filme »Kauther« (2014) und »Al Intithar« (Das Warten) (2013) sowie die Fotoserie »August 3rd« (2016) und die aus 80 Bildern bestehende Slideshow »Bare Lives« (2017). Die Bilder werfen Fragen auf bezüglich der Wahrnehmung von geflüchteten Menschen in westlichen Gesellschaften und der damit zusammenhängenden medial gesteuerten Paranoia. Gleichzeitig erinnern sie an unsere gemeinsame Verantwortung gegenüber jenen Menschen, die nicht das Privileg besitzen, eigene Alltagsstrukturen zu haben.

Mario Rizzis Arbeiten zeigen, wie sich die Bedingungen in den Geflüchtetenlagern auf das »bare life«, das nackte Leben der Menschen, auswirken. Damit stellt er die Verbindung her zu Giorgio Agambens Konzept von »bare life« in dessen Buch »Homo sacer« (1995), welches sich auf ein menschliches Wesen bezieht, das abseits von Politik und Gesetz existiert. Eine Person genießt keinen Schutz und könnte von jedem ohne Konsequenzen getötet werden. Der Begriff beschreibt eine Art von Existenz, über die Mario Rizzi mit seinen Filmen und Fotografien reflekiert. Rizzis intime Herangehensweise an dieses Thema versucht mit Hilfe von Kunst als einem Mittel der Poesie und Menschlichkeit, einen sozialen Wandel herbeizuführen.

Rizzi hat bereits mit vielen Menschen zusammengearbeitet, die am Rande der Gesellschaft stehen und vom Schutz durch den Staat und das Gesetz ausgeschlossen sind. Während der letzten 25 Jahre interagierte er mit internen Vertriebenen sowie Geflüchteten und Aktivist*innen, die in Orten leben, in denen der Ausnahmezustand zur Normalität geworden ist. Er hat mehrere Jahre in Geflüchtetencamps in Bosnien, Palästina, Jordanien, Irak, in Kurdistan, Finnland, den Niederlanden, Italien und Griechenland verbracht und dort gearbeitet. Die acht Bilder aus der Fotoserie »August 3rd« porträtieren jesidische Frauen in einem Camp in der Autonomen Region Kurdistan in Irak. Der Titel der Fotoreihe geht auf den 3. August 2014 zurück, an dem der Islamische Staat in Sinjar, Irak, mit dem Massenmord der Jesiden-Minderheit begann, gefolgt von Versklavung und systematischem Missbrauch von Frauen und Kindern. Der Islamische Staat rechtfertigte die Taten damit, dass die Jesiden-Minderheit nicht muslimisch ist.

Die Slideshow »Bare Lives« zeigt in 80 Fotografien das »camp life« in mehreren Geflüchtetenlagern. Bilder zum einen aus den improvisierten Camps, die 2016 inoffiziell in Idomeni, an der Grenze zwischen Griechenland und Mazedonien, errichtet wurden, und in denen Menschen unter prekären Bedingungen leben. Zum anderen aus den Camps, die offiziell vom Staat für intern vertriebene Menschen eingerichtet wurden. Gemeinsam ist den porträtierten Menschen die Hoffnung darauf, dass die Grenze bald geöffnet wird und sie ihre Reise in wohlhabendere europäische Länder, nach Deutschland oder Schweden, fortsetzen können. Um dann nicht weiter zu kommen als in über ganz Griechenland verteilte offizielle Camps.

Mario Rizzis 30-minütiger Film »Al Intithar« (Das Warten), der im Februar 2013 erstmals im Wettbewerb der Berliner Filmfestspiele gezeigt wurde, wurde während seines siebenwöchigen Aufenthalts im syrischen Geflüchtetenlager Zaatari in der jordanischen Wüste aufgenommen. Rizzi dokumentiert darin aus der Perspektive einer syrischen Frau namens Ekhlas und ihrer Familie die Schaffung einer Alltagsstruktur in dem – für inzwischen Hunderttausende von Geflüchteten – anhaltenden Warte- und Ausnahmezustand.

Neben »Al Intithar« wird Rizzis in Tunesien gedrehter Film »Kauther« gezeigt, der die Geschichte von Kauther Ayari erzählt, der ersten – heute fast vergessenen– Aktivistin, die 2011 in Tunis am zentralen Muhammad-Ali-Platz die Stimme erhob und den damaligen Präsidenten Ben Ali anklagte, der sechs Tage später angesichts der öffentlichen Proteste sein Amt abgab und das Land verließ.

Begleitveranstaltungen:

Am Samstag, den 29. April Live-Performance der syrischen Tarab-Band MUSIQANA aus Berlin um 17 Uhr im Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin), Eintritt frei, Spenden willkommen
Für Konzertteilnehmer*innen vorher Rundgang durch die Ausstellung um 15 Uhr in der Galerie Wedding

Donnerstag, den 1. Juni, 17 Uhr Künstlergespräch und Präsentation des Buches BARE LIVES mit Mario Rizzi und Solvej Helweg Ovesen, Charlotte Bank, Ramy Al Asheq, Jonas Tinius und weiteren Gesprächsteilnehmer*innen

Die diesjährige Ausstellungsreihe UP – Unsustainable Privileges 2017 in der Galerie Wedding widmet sich mit vier Einzelausstellungen und einem Performance- und Diskussionsprogramm weiter dem Thema Migration, aber auch den Möglichkeiten, wie unsere Privilegien in Nordeuropa anders zu verteilen wären. Den Anfang machte der deutsch-türkische Künstler Viron Erol Vert, dessen Anordnung aus zwölf Betten die Galerie in eine Art Schlaflabor transformierte – in einen geschützten, demokratischen Raum zum träumen. Nach Mario Rizzi wird die Ausstellungsreihe mit einer Ausstellung von Künstlerin Surya Gied fortgesetzt, die sich den Narrationen der »privilegierten Medien« widmet, die bei Zuschauenden im Westen eine immer größer werdende Distanz zu den derzeitigen Weltgeschehnissen schaffen und besonders die Situationen von Geflüchteten verallgemeinern. In der vierten Einzelausstellung des Programms wird sich die aus Mexiko stammende Künstlerin Mariana Castillo Deball mit der brisanten Frage auseinandersetzen, wer in der museologischen Forschung das Privileg des Zugangs zu archäologischen Objekten besitzt.

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Eine Ausstellung von Viron Erol Vert im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von
Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence_ deutsch
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence_english

Eröffnung am 09.02. um 19 Uhr
Begrüßung Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Live Performance »Morpheus« von Driftmachine von 20 bis 23 Uhr

Das diesjährige Ausstellungspogramm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding widmet sich mit vier Einzelausstellungen und einem Performance- und Diskussionsprogramm weiter dem Thema Migration, aber auch den Möglichkeiten, wie unsere Privilegien in Nordeuropa anders zu verteilen wären. Den Anfang macht der deutsch-türkische Künstler Viron Erol Vert, der die Galerie in ein »Dreamatory«, eine Art Schlaflabor oder Trauminstitut verwandelt. Das Performanceduo Driftmachine entwirft dafür eigens sphärische Klänge, die auf Schlafgötter wie Morpheus, Phobetor und Phantasos Bezug nehmen.

Viron Erol Vert nutzt diesen Hintergrundsound für seine Ausstellungsanordnung von zwölf verschiedenen Betten mit jeweils passenden Nachttischen und Lampen, die zugeschnitten auf die verschiedenen Komfortbedürfnisse unterschiedlicher Schläfer*innen ist und die Galerie in einen geschützten, demokratischen Raum zum Träumen verwandelt. In diesem künstlich geschaffenen Schlaflabor können Leute zusammenkommen und sich bewusst die Zeit nehmen, ihre Träume aus der letzten Nacht zu erzählen und aufzuschreiben. Sie können sich hier sogar zu einer Siesta hinlegen und sich ausruhen.

Zu bestimmten Terminen werden Traumdeuter*innen eingeladen, die auf Wunsch die Träume der Besucher*innen interpretieren. Täglich wird im »Dreamatory« ein Traum des Tages ausgewählt und veröffentlicht, so dass die Träume Raum im Alltag bekommen. Die Ausstellung verfügt über eine angeschlossene Bibliothek, dem  »Dreamatory Wisdom Center«, dort wird Fachliteratur zum Thema Traum in Wissenschaft und Mythologie angeboten, in die man sich im schummrigen Licht von Leselampen vertiefen kann.

Vert stellt uns das »Dreamatory« in einer Zeit zur Verfügung, in der wir angesichts von Kriegen, von terroristischen Gewaltakten und rechtspopulistischer Hetze durch Angst zum Schweigen gebracht werden und verstummen, in der sowohl die Worte als auch die Räume fehlen, um uns auszudrücken und miteinander zu sprechen. Er bietet somit einen Zufluchtsraum, in dem wir uns für einen Moment der Außenwelt entziehen können, um uns einzulassen auf unsere Träume und Ängste und um unsere Erlebnisse zu verarbeiten.

So wie der Ausstellungstitel einem Gedicht von Viron Erol Vert entstammt, so stellt die Ausstellung eine Transkription seiner Poesie in den Raum dar. Im Kontext des Unterbewusstseins von Schlaf und Traum zielt die Ausstellung darauf ab, Reflexionen und Widerstände aus dem gesellschaftspolitischen Raum zusammenzubringen. Sie schlägt einen Raum vor, in dem eine Gemeinschaft geschaffen wird, in der Nicht-Angst und Nicht-Schweigen erforscht und praktiziert wird. Dabei zieht sie auch die Tatsache in Betracht, dass wir zwar alle die Fähigkeit zum Träumen besitzen, aber dass es auch ein Luxus ist, sich an die eigenen Träume zu erinnern, da durch die Brutalität der Realität unsere Träume zum Schweigen gebracht werden können.

»Dreamatory« Begleitveranstaltungen
Am 16.02.2017 um 19 Uhr: Filmabend Kino Morph mit Yusuf Etiman
Am 03.03.2017 um 19 Uhr: Talk_about_Dreams mit Viron Erol Vert und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, moderiert von Dr. Elena Agudio und Dr. Joerg Fingerhut (AoN_Platform for Art and Neuroscience)
Umrahmt von der Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor« von Driftmachine (Um 18 Uhr und  von 21 Uhr bis 23 Uhr)
Am 23.03.2017 um 17 Uhr: Oneiro Trilogy Live Performance No.3 »Phantasos« von Driftmachine mit Live Drawing Performance von Viron Erol Vert 

Traumdeuterinnen-Sessions Ankündigung der Termine folgt an dieser Stelle, Anmeldung unter post@galeriewedding.de

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Viron Erol Vert
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence
From 10.02.2017 to 08.04.2017

An exhibiton by Viron Erol Vert, curated by Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the frame of UP (Unsustainable Privileges)

Opening on 09.02., at 7 pm
Welcome notes Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Oneiro Trilogy Live Performance No.1 »Morpheus« by Driftmachine from 8 to 11 pm

This year’s UP Wedding Program (Unsustainable Privileges) from Galerie Wedding continues its devotion the subject of migration with four individual exhibitions and a performance & discussion program, as well as exploring the possibilities for how our privileges in Northern Europe could be alternatively distributed. We begin with the German-Turkish artist Viron Erol Vert, who transforms the gallery into a »Dreamatory«, a kind of sleep laboratory (Schlaflabor) or dreamstitute (Traumstitut). The Performance duo Driftmachine creates peculiar ‘spherical’ sounds which reference the gods of Sleep, namely, Morpheus, Phobetor and Phantasos.

Viron Erol Vert utilizes these background sonorities in his exhibition arrangement of twelve different beds, each with matching bedside tables and lamps, tailored to the varying comfort needs of individual sleepers and transforms the gallery into a protected, democratic space for dreaming. In this artificially created sleep lab, people can gather and consciously take the time to share their dreams from the past night, and jot them down. You can even lay down for a siesta and rest here.

On specific dates, dream interpreters are invited to interpret the visitor’s dreams upon request. Each day, a dream of the day is selected and published in the »Dreamatory«, thus the dreams are given space to drift into everyday life. The exhibition features a connected library, the »Dreamatory Wisdom Center«, where specialist literature is offered on the subject of dreams in science and mythology, into which one can delve with its dimly lit reading lamps.

Vert provides us with the »Dreamatory«, at a time when we are silenced in the face of war, acts of terrorism, and right-wing populism, in which both the words, as well as the spaces, are missing for us to express ourselves and communicate with one another. It thus offers a refuge in which we are able to momentarily escape the outside world, to engage with our dreams and fears and process our experiences.

Just as the exhibition title is taken from a poem by Viron Erol Vert, the exhibition presents a transcription of his poetry within the space. In the context of the subconsciousness of sleep and dreams, the exhibition aims to bring together reflections and resistances from the socio-political sphere. It proposes a space in which a community is created where non-angst and non-silence can be explored and practiced. Furthermore, the exhibition brings into consideration the fact that while we all have the ability to dream, it is also a luxury to remember our own dreams, as the brutality of reality can result in the silencing of them.

Accompanying »Dreamatory« events

16.02.2017, 7 pm: Film screening Kino Morph by Yusuf Etiman
03.03.2017, 7pm: Talk_about_Dreams with Viron Erol Vert, Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, presented by Dr. Elena Agudio  and Dr. Joerg Fingerhut (AoN_Platform for Art and Neuroscience) Framed by Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor« by Driftmachine (at 6pm and from 9 to 11 pm)
23.03.2017 Oneiro Trilogy Live Performance No.3 »Phantasos« with Live Drawing Performance by Viron Erol Vert

Oneirocritics sessions Dates tba, registration via post@galeriewedding.de

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Website Viron Erol Vert
www.vironerolvert.com

Driftmachine videos
https://youtu.be/tn8wkO7Eqco
https://youtu.be/m9vZe5lOmTc

Driftmachine soundcloud
https://soundcloud.com/driftmachine

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Die Dreamatory Live Performances finden im Rahmen der Ausstellung The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence von Viron Erol Vert statt, kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen im Kontext von UP (Unsustainable Privileges)

Laufzeit der Ausstellung vom 10.02.2017 bis 08.04.2017

*for English version please scroll down*

In diesem letzten Konzert aus ihrer Oneiro Trilogie in der Galerie Wedding verweben Driftmachine die einzelnen, sich auf die drei Schlafgötter aus Ovids Metamorphosen beziehenden Klangstücke zu einem großen, vibrierenden Werk mit quasi vollständiger Schlafgötter-Besetzung.

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Beginn des Live Konzerts »Phantasos« von Driftmachine zwischen 17 und 18 Uhr

Beginn der Live Drawing Performance von Viron Erol Vert um 19 Uhr

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Live Performance No.3 »Phantasos« from the Oneiro Trilogy by Driftmachine with Live Drawing Performance by Viron Erol Vert

The Dreamatory live performances are brought to you within the frame of the exhibition The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence by Viron Erol Vert, curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the context of UP (Unsustainable Privileges)

Exhibition from 10.02.2017 to 08.04.2017

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Start of the live concert by Driftmachine between 5 and 6 pm

Start of the Live Drawing Performance by Viron Erol Vert at 7 pm

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Oneirocritics sessions, registration via post@galeriewedding.de

Website Viron Erol Vert
www.vironerolvert.com

Driftmachine videos
https://youtu.be/tn8wkO7Eqco
https://youtu.be/m9vZe5lOmTc

Driftmachine soundcloud
https://soundcloud.com/driftmachine

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP

Bild: Nicolas Beatrizet (before 1520- c. 1562) after Michelangelo, The Dream, Rijksmuseum Amsterdam.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Kommenden Freitagabend findet in Viron Erol Vert Dreamatory die erste Traumdeuter-Session statt. Der renommierte Traumspezialist Dr. Michael Mollura wird via Skype-Call live aus Beverly Hills Kalifornien in die Galerie Wedding geschaltet.

Die Teilnehmer*innen sind zu einem Tee und einem etwa 15 minütigen Gespräch mit Dr. Mollura eingeladen, in dem sie ihre Träume (auf Englisch) erzählen können, die der Traumexperte dann analysieren wird. Die Traumdeuter-Session mit Dr. Mollura wird angeleitet durch Viron Erol Verts Assistentin Ghislaine Spelsberg.

Einige wenige Plätze sind noch frei. Teilgenommen werden kann nur nach Anmeldung unter: post@galeriewedding.de

Diese Traumdeuter-Session wird präsentiert von

Viron Erol Vert
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence

Eine Ausstellung von Viron Erol Vert im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von
Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

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This Friday we´ll have our first oneirocritic /dream reading session with the renowned dream specialist Dr. Michael Mollura at Viron Erol Vert’s Dreamatory. Via Skype-call Dr. Mollura will be transmitted live from Beverly Hills California to Galerie Wedding. Participants are invited to have some tea and about 15-minutes to tell their dreams, which will be analyzed by the dream expert. The dream reader session takes place in the presence of the artist’s executive assistant Ghislaine Spelsberg.

There are still a few places available. Please register at: post@galeriewedding.de

This oneirocritic session is brought to you by:

Viron Erol Vert
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence
From 10.02.2017 to 08.04.2017

An exhibiton by Viron Erol Vert, curated by Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the frame of UP (Unsustainable Privileges)

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Eine Ausstellung von Viron Erol Vert im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence_ deutsch
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence_english

Eröffnung am 09.02. um 19 Uhr
Begrüßung Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Oneiro Trilogy Live Performance No.1 »Morpheus« von Driftmachine von 20 bis 23 Uhr

Das diesjährige Ausstellungspogramm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding widmet sich mit vier Einzelausstellungen und einem Performance- und Diskussionsprogramm weiter dem Thema Migration, aber auch den Möglichkeiten, wie unsere Privilegien in Nordeuropa anders zu verteilen wären. Den Anfang macht der deutsch-türkische Künstler Viron Erol Vert, der die Galerie in ein »Dreamatory«, eine Art Schlaflabor oder Trauminstitut verwandelt. Das Performanceduo Driftmachine entwirft dafür eigens sphärische Klänge, die auf Schlafgötter wie Morpheus, Phobetor und Phantasos Bezug nehmen.

Viron Erol Vert nutzt diesen Hintergrundsound für seine Ausstellungsanordnung von zwölf verschiedenen Betten mit jeweils passenden Nachttischen und Lampen, die zugeschnitten auf die verschiedenen Komfortbedürfnisse unterschiedlicher Schläfer*innen ist und die Galerie in einen geschützten, demokratischen Raum zum Träumen verwandelt. In diesem künstlich geschaffenen Schlaflabor können Leute zusammenkommen und sich bewusst die Zeit nehmen, ihre Träume aus der letzten Nacht zu erzählen und aufzuschreiben. Sie können sich hier sogar zu einer Siesta hinlegen und sich ausruhen.

Zu bestimmten Terminen werden Traumdeuter*innen eingeladen, die auf Wunsch die Träume der Besucher*innen interpretieren. Täglich wird im »Dreamatory« ein Traum des Tages ausgewählt und veröffentlicht, so dass die Träume Raum im Alltag bekommen. Die Ausstellung verfügt über eine angeschlossene Bibliothek, dem »Dreamatory Wisdom Center«, dort wird Fachliteratur zum Thema Traum in Wissenschaft und Mythologie angeboten, in die man sich im schummrigen Licht von Leselampen vertiefen kann.

Vert stellt uns das »Dreamatory« in einer Zeit zur Verfügung, in der wir angesichts von Kriegen, von terroristischen Gewaltakten und rechtspopulistischer Hetze durch Angst zum Schweigen gebracht werden und verstummen, in der sowohl die Worte als auch die Räume fehlen, um uns auszudrücken und miteinander zu sprechen. Er bietet somit einen Zufluchtsraum, in dem wir uns für einen Moment der Außenwelt entziehen können, um uns einzulassen auf unsere Träume und Ängste und um unsere Erlebnisse zu verarbeiten.

So wie der Ausstellungstitel einem Gedicht von Viron Erol Vert entstammt, so stellt die Ausstellung eine Transkription seiner Poesie in den Raum dar. Im Kontext des Unterbewusstseins von Schlaf und Traum zielt die Ausstellung darauf ab, Reflexionen und Widerstände aus dem gesellschaftspolitischen Raum zusammenzubringen. Sie schlägt einen Raum vor, in dem eine Gemeinschaft geschaffen wird, in der Nicht-Angst und Nicht-Schweigen erforscht und praktiziert wird. Dabei zieht die Ausstellung auch die Tatsache in Betracht, dass wir zwar alle die Fähigkeit zum Träumen besitzen, aber dass es auch ein Luxus ist, sich an die eigenen Träume zu erinnern, da durch die Brutalität der Realität unsere Träume zum Schweigen gebracht werden können.

»Dreamatory« Begleitveranstaltungen

Am 16.02.2017 um 19 Uhr: Filmabend Kino Morph mit Yusuf Etiman

Am 03.03.2017 um 19 Uhr: Talk_about_Dreams mit Viron Erol Vert und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, moderiert von Dr. Elena Agudio und Dr. Joerg Fingerhut (AoN_Platform for Art and Neuroscience)
Umrahmt von der Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor« von Driftmachine (Um 18 Uhr und von 21 Uhr bis 23 Uhr)

Am 23.03.2017 um 17 Uhr: Oneiro Trilogy Live Performance No.3 »Phantasos« von Driftmachine mit Live Drawing Performance von Viron Erol Vert 

Oneirocritics-Sessions Ankündigung der Termine folgt an dieser Stelle, Anmeldung unter post@galeriewedding.de

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Viron Erol Vert
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence
From 10.02.2017 to 08.04.2017

An exhibiton by Viron Erol Vert, curated by Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the frame of UP (Unsustainable Privileges)

Opening on 09.02., at 7 pm
Welcome notes Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Oneiro Trilogy Live Performance No.1 »Morpheus« by Driftmachine from 8 to 11 pm

This year’s UP Wedding Program (Unsustainable Privileges) from Galerie Wedding continues its devotion the subject of migration with four individual exhibitions and a performance & discussion program, as well as exploring the possibilities for how our privileges in Northern Europe could be alternatively distributed. We begin with the German-Turkish artist Viron Erol Vert, who transforms the gallery into a »Dreamatory«, a kind of sleep laboratory (Schlaflabor) or dreamstitute (Traumstitut). The Performance duo Driftmachine creates peculiar ‘spherical’ sounds which reference the gods of Sleep, namely, Morpheus, Phobetor and Phantasos.

Viron Erol Vert utilizes these background sonorities in his exhibition arrangement of twelve different beds, each with matching bedside tables and lamps, tailored to the varying comfort needs of individual sleepers and transforms the gallery into a protected, democratic space for dreaming. In this artificially created sleep lab, people can gather and consciously take the time to share their dreams from the past night, and jot them down. You can even lay down for a siesta and rest here.

On specific dates, dream interpreters are invited to interpret the visitor’s dreams upon request. Each day, a dream of the day is selected and published in the »Dreamatory«, thus the dreams are given space to drift into everyday life. The exhibition features a connected library, the »Dreamatory Wisdom Center«, where specialist literature is offered on the subject of dreams in science and mythology, into which one can delve with its dimly lit reading lamps.

Vert provides us with the »Dreamatory«, at a time when we are silenced in the face of war, acts of terrorism, and right-wing populism, in which both the words, as well as the spaces, are missing for us to express ourselves and communicate with one another. It thus offers a refuge in which we are able to momentarily escape the outside world, to engage with our dreams and fears and process our experiences.

Just as the exhibition title is taken from a poem by Viron Erol Vert, the exhibition presents a transcription of his poetry within the space. In the context of the subconsciousness of sleep and dreams, the exhibition aims to bring together reflections and resistances from the socio-political sphere. It proposes a space in which a community is created where non-angst and non-silence can be explored and practiced. Furthermore, the exhibition brings into consideration the fact that while we all have the ability to dream, it is also a luxury to remember our own dreams, as the brutality of reality can result in the silencing of them.

Accompanying events in the »Dreamatory«

16.02.2017, 7 pm: film screening Kino Morph with Yusuf Etiman

03.03.2017, 7pm: Talk_about_Dreams with Viron Erol Vert, Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, presented by Dr. Elena Agudio  and Dr. Joerg Fingerhut (AoN_Platform for Art and Neuroscience) Framed by Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor« by Driftmachine (at 6pm and from 9 to 11 pm)

23.03.2017, 5 pm: Oneiro Trilogy Live Performance No.3 »Phantasos« with Live Drawing Performance by Viron Erol Vert on

Oneirocritics sessions dates tba, registration via pow@galeriewedding.de

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und der Spartenübergreifenden Förderung

Am 27.10.2016, um 19 Uhr in der Galerie Wedding

Begrüßung: Solvej Ovesen (künstlerische Leiterin des POW –Programms) und Constanze Fischbeck (Koordinatorin des Residency-Programms)

*please scroll down for English version*

Eröffnung am 30.09.2016 von 19 Uhr bis 22 Uhr
Ausstellung am 01.10. bis 08.10.2016

Mittels Skulptur, Performance und Film wird die ›letzte innerstädtische Sanddüne Deutschlands‹ in der Scharnweberstraße 159 als Düne Wedding symbolisch in die Galerieräume übertragen. Die Düne wird von der geschützten Natur zu einem Zeichen für Natur und ist als temporäres Monument gleichzeitig nur ein Haufen Sand – Material, aus dem etwas gebaut werden kann.

Die Straßennamen im benachbarten Afrikanischen Viertel sind kolonialrevisionistisch motiviert zum Teil begründet in einem landschaftlichen Missverständnis: Carl Hagenbeck hatte das Gelände in den Rehbergen um 1900 gekauft, um einen »Zukunftstierpark« zu errichten. Später dienten die wüstenartig erscheinenden Sanddünen als Filmset für den frühen Weimarer Stummfilm. In den Filmen der John Hagenbeck-Film GmbH wurden die ehemaligen Kolonien im Format von Raubtier-Sensationsfilmen im Geiste des Exotismus nachrekonstruiert. Die Sanddünen der Rehberge dienten als Projektionsfläche für Phantasmen exotischer Ferne und Konstruktionen des »Anderen«.

In der Ausstellung bildet die Düne als Mittelpunkt eines fiktiven Filmsets den Bezugspunkt für das Zusammensehen der widersprüchlichen topografischen Inszenierungen, die das Areal von Afrikanischem Viertel und Volkspark Rehberge hervorgebracht haben. Die Kamera bestimmt den Ausschnitt und inszeniert die Gegenwart im Wedding als Frage an Konstruktion und Benennung von städtischer Umwelt.

Die Ausstellung Düne Wedding wird von Constanze Fischbeck im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) kuratiert.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten, dem Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und der miKrOPROJEKTE 2016

Eröffnung am 11. August um 19 Uhr

ab 20 Uhr
Still Life II Liveprobe der Band Luci Lippard
WG-Willkommensgetränk „Flower Water“ von Marisa Benjamim

Eine Ausstellung mit Dominique Baron-Bonarjee, Marisa Benjamim, Nathalie Mba Bikoro, Lucinda Dayhew, Andrés Galeano, Surya Gied, Fadi al-Hamwi, Funda Özgünaydin, Timea Anita Oravecz, Marijana Radovic

Zehn neue »MitbewohnerInnen«, die dem Open Call »Vacancies! In Post-Otherness-Flatshare« (»Zimmer frei! in Post-Otherness-WG«) gefolgt waren, wurden ausgewählt und ziehen nun mit ihren künstlerischen Ideen, Konzepten, Arbeiten, Objekten, diskursiven Strategien und performativen Ansätzen in die WG/Galerie Wedding ein. Der Ausstellungsraum – das »freie« Zimmer – wird dabei zu einem Möglichkeitsraum, um mittels Imagination, Inspiration, Widersprüchen und Unordnung Momente der »Post-Otherness« zu erzeugen. Nach dem von der Anthropologin Regina Römhild geprägten Begriff des »Post-Other« und gleichnamigen Diskurs werden auf unterschiedlichste Weise Praktiken oder nicht beachtete Politiken des urbanen Alltags in unsere Wahrnehmung geholt.

In der Ausstellung Vacancies! verstehen wir »Post-Otherness«  ganz explizit als die Vielzahl und Diversität von Lebensentwürfen, -erfahrungen und –strategien, die wiederum eine (auch innere) Vielfalt künstlerischer und sozialer Verortungen in sich tragen und mitbringen.  So steht die Gemeinschaft im Kunstraum (öffentlich) und in der WG (privat) – für das Verhandeln kollektiver Wirklichkeiten und Utopien, individueller Bedürfnisse und Ansprüche, aber auch für das Aushalten von Differenzen, Disharmonien und Widersprüchen. In der Gesamtschau entwerfen sie schließlich einen ganz eigenen sozialen Mikrokosmos.

Ausstellung: 12 . August – 24. September 2016

Kuratiert im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) von Kathrin Pohlmann und Julia Zieger

english version:

Opening: August 11, 7 pm
from 8 pm
‚Benjamim‘s Kitchen‘ – Performance by Marisa Bemjamim
‚Still Life II‘ – A live practice with Luci Lippard

Vacancies!
An exhibition with the artists:
Dominique Baron-Bonarjee, Marisa Benjamim, Nathalie Mba Bikoro, Lucinda Dayhew, Andrés Galeano, Surya Gied, Fadi al-Hamwi, Funda Özgünaydin, Timea Anita Oravecz, Marijana Radovic

Vacancies!
Ten new »flatmates«, who have responded our open call for »Vacancies! In Post-Otherness-Flatshare« have been selected for the exhibition and will now move into the flat share/Galerie Wedding with their artistic ideas, concepts, works, objects, discursive strategies and performative approaches. The exhibition space – the »vacant« room – is turned into a space of possibilities, in order to create instances of »Post-Otherness« through imagination, inspiration, contradictions and disorder. In reference to the discourse surrounding the term »Post-Other«, as coined by anthropologist Regina Römhild, various practices or unacknowledged politics of urban everyday life will be brought to light in different ways.

In the context of the Vacancies! exhibition we explicitly understand “Post-Otherness” as the abundance and diversity of ways of life, of experiences and strategies, which in turn bear an (also inner) variety of artistic and social positions. The community in the exhibition space (as public) and within the flat share (as private) thus comes to stand for the negotiation of collective realities and Utopias, individual needs and demands, but also for the endurance of differences, disharmonies and contradictions. The exhibition as a whole creates a very particular social microcosm.

Exhibition: August 12 – September 24, 2016

Curated in the frame of POW (Post-Otherness-Wedding) by Kathrin Pohlmann and Julia Zieger

Vacancies! Text von Kathrin Pohlmann und Julia Zieger

Photo: Al Sol, Andrés Galeano, 2016

Erstmals im Kontext der Ausstellungsreihe von Post-Otherness-Wedding POW öffnet sich die Galerie Wedding für eine Vielzahl künstlerischer Positionen. Die Gruppenausstellung wird dem Programm POW folgend den Ausstellungsraum erneut vollkommen verändern und einen neuen Bildraum erzeugen.

Die Ausstellung Vacancies! (Zimmer frei!) verwandelt die Galerie Wedding in eine meist im Privaten verborgene Einheit kollektiven Zusammenlebens – die Wohngemeinschaft. Zehn künstlerische Positionen ziehen als neue »Mitbewohner*innen« ein. Mit ihren künstlerischen Ideen, Konzepten, Arbeiten, Objekten, diskursiven Strategien und performativen Ansätzen verhandeln sie Aspekte des Zusammenlebens im Privaten und Öffentlichen Raum.

Nach dem von der Anthropologin Regina Römhild geprägten Begriff des »Post-Other« und dem gleichnamigen Diskurs lassen sich im urbanen Alltag (noch) nicht beachtete Praktiken und Politiken des heterogenen Zusammenlebens und schließlich Momente von »Post-Otherness« entdecken. Die WG als ein Mikrokosmos will in der Gesamtschau der künstlerischen Positionen eben jene Momente erfahrbar machen. Der Ausstellungsraum – das »freie« Zimmer – wird zu einem Möglichkeitsraum für Imaginationen, Inspirationen, Widersprüche und Unordnung.

Die Gruppenausstellung Vacancies! wird im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) von Kathrin Pohlmann und Julia Zieger kuratiert.

Vacancies! Text von Kathrin Pohlmann und Julia Zieger (english / deutsch)

Presse
RBB Kulturradio

TAZ Plan Galerie Wedding 18.August

02.- 04.09.2016
We do the rest!  3-tägiger Workshop mit Andrés Galeano (Pro Tag ca. 4 Stunden, Max. 10 Personen)

Specials zur KGB-Kunstwoche & Berlin Art Week
10.09. bis 18.09.2016

10.09.2016 von 15 bis 17 Uhr
It`s time to eat flowers! Workshop mit Marisa Benjamim*

11.09.2016 ab 13 Uhr
Den Kilimanjaro hinabsteigen: Koloniale Trümmer & Erinnerungen im Wedding Artist Walk mit Nathalie Mba Bikoro (Dauer ca. 3 Stunden)*

16.09.2016 von 17 Uhr bis 19 Uhr
Artist Talk mit Fadi al-Hamwi, Funda Özgünaydin, dem treuen Freund und Partnerperformer Macbook pro von Marijana Radovic und den beiden Kuratorinnen von Vacancies! Julia Zieger & Kathrin Pohlmann

16.09.2016 um 20 Uhr
Live-Konzert mit Namosh (Beat Electronic/Electroclash)

17.09.2016 von 12 bis 19 Uhr
Cleaning ROTA Performance von Dominique Baron-Bonarjee

*in englischer Sprache, max. 15 Personen
Anmeldungen bis 07.09.2016 an pow@galeriewedding.de

11.09.2016 ab 13 Uhr, Dauer ca. 3 Stunden
in englischer Sprache, max. 15 Personen, Anmeldungen bis 07.09.2016 an pow@galeriewedding.de

»We always believed that testimonies should come from the dead, but what about the living? are their testimonies not part of forming visible monuments? Are our voices signs of cannibalist processions of the fauna we are ingesting into our bodies? How do we apply these memories of sounds as testimonies of a changing neighbourhood? what do these sounds reveal about our diversity and immigration? Last Barometz collection form a station of live feeds collecting the diversity of the elastic histories tied to colonial debris for over a century. They form part of an uprooted plantation whose debris is an archival memory of digital sounds performed as a radio station. they are urban myths of all the histories they have collected becoming fractal seeds splitting into different embryos. for every time these plants would get uprooted, the plants would regrow by mixed pollination and human alterations.« (Nathalie Anguezomo Mba Bikoro)

Der Artist Walk findet im Rahmen der KGB-Kunstwoche statt,
vom 09. – 18. September 2016, eine Aktionswoche der Kommunalen Galerien in Berlin zur Berlin Art Week 2016.

Foto: Performance by Nathalie Anguezomo Mba Bikoro. Foto: Joe Kniesek, 2016

(see English version below)

Dominique Baron Bonarjees Performance Cleaning ROTA (»rota« bedeutet etymologisch »Rad«) stellt eine scheinbar profane, aber äußerst wichtige Komponente innerhalb des Zusammenlebens in einer WG heraus – das Putzen und seine tieferliegende soziale und psychologische Bedeutung. Sie transportiert mittels einer scheinbar banalen Tätigkeit und deren Eigenschaft des zirkulären Wiederholens eine dieser innewohnende Botschaft: Die Künstlerin eignet sich Territorium an, gibt es wieder frei, schafft Chaos, dann wieder Ordnung und hinterlässt Spuren ihrer vermeintlich ephemeren Präsenz. Unter Einsatz des Geschirrspülers der Galerie, als Zeitgeber und Mitarbeiter in diesem Kreislauf, verwebt ROTA Mensch/Belebtes, Technik/Lebloses, Vergangenheit/Gegenwart und Rhythmen. Sie untersucht die kaum oder nicht wahrnehmbaren Resonanzen, die im tagtäglichen Austausch innerhalb geselliger Räume entstehen. Reinigung, oder besser: das Putzen ist hier ein Weg, um zu »deterritorialisieren«, Spuren zu entfernen beziehungsweise aufzuzeigen.

ROTA is a durational performance which takes place as part of the Vacancies! exhibition at the WG / Galerie Wedding. The performance lasts from opening time at 12 pm until closing time at 19pm. This event explores cycles of spaces and attempts to establish a temporal order which connects the body to various elements within the gallery. The cleaning rota examines, the time of labour, leisure, collaboration, and conviviality and so…
You are warmly invited to join the artist and her guest for a »tea break« discussion and artist’s talk from approximately 17:00h/ 5pm as well as throughout the day.
ROTA will run all day and can be experienced at any time until the gallery closes.

Webseite der Künstlerin/ Website of the artist
https://dominiquebaronb.wordpress.com

LE BROTHERS (Le Ngoc Thanh & Le Duc Hai)

Geboren 1975, Bình Trị Thiên, Vietnam, leben und arbeiten in Hue City, Vietnam

Le Brothers are twin brothers who are forging a truly remarkable art career. Their unique approach to history, identity and the interpretation of the past in the present produces works that accelerate our understanding of unforgettable events which are presented as refined and dignified accounts that invite the viewer’s reflection, realization and a deeper respect for culture and custom.

Their practice explores an aesthetic where their art can for example, examine, dissect and question the post-war consciousness of North and South Vietnam.

www.newspacearts.com

Le Brothers (b. 1975, Bình Trị Thiên, Vietnam) are twin brothers whose work dissect and question the post-war consciousness of North and South Vietnam. The »Other Side Project« solo videos in HDLU museum, Zacrep – Croatia (2015). »Secret Archipelago« in  Palais de Tokyo, Paris (2015). Do Disturb Contemporary arts festival in Palais De Tokyo, Paris (2015). »Budi Daya« video art  »Into The Sea« in Malay Heritage – Singapore. »Red project« 2014 and »The glimmer that we see / Vietnam« in Taipei, Taiwan 2014. Selected for Singapore Biennale 2013, selected projects include »The Bridge II«, performance at DMZ Gang Hwa, Korea (2012), »Before ‘86«, Cheongju Complex Cultural Center, Korea (2012) and »Communicate with me«, Saigon Open City, Vietnam (2006), »Window to Asian« Vietnam (2001).

im Rahmen der Ausstellung Aufbau Ost von Henrike Naumann

am 30.4.2016 ab 14 Uhr

Donnerstag, 10. März 2016, 19.30 Uhr

Im Zentrum des Konzertes in der Installation NYMPHAE_M RAUSCH ECK stehen zwei EXTENSIONEN von Jan-Peter E.R. Sonntag:
Eine gedehnte Komposition aus dem 3. Akt seiner Kammeroper SINUS für den für sie entwickelten sonH-Vowel-Synth, sowie eine Komposition für ein und zwei Kontrabässe mit einer für den 2. Akt von SINUS neu entwickelten Spieltechnik – ein »deep listening space«.

Da wir nur einer limitierten Zahl von Zuhörern einen Platz in dem Setting für die Uraufführungen einrichten können, bitten wir um eine verbindliche Anmeldung bis einschließlich 9. März via e-mail: pow@galeriewedding.de.

Programm

Einführung

#1 NYMPHAE_M für 2 Kanal-Sound-System für die Architektur der Galerie Wedding
(UA, 11min)

#2 EXTENSION für sonH-Vowel-Synth
(UA, 55min)

Pause

#3 EXTENSION für ein und zwei Kontrabässe
(UA, 34min), Kontrabass – Lars Gühlcke

Die Frage nach einer »unerhörten Musik« mit bis jetzt auch noch ungehörten Schallereignissen – ein Phantasma nicht nur in der Neuen Musik der Moderne und darüber hinaus – ist für Jan-Peter E.R. Sonntag keine Glaubensfrage, sondern in erster Linie eine körpertechnische, mechanische, bautechnische, elektrotechnische und programmiertechnische – also erst einmal eine Frage nach Techniken beziehungsweise technischen Möglichkeiten. Für einen architektonischen Raum, der als hüllender Filter, Reflektor, Absorber oder Verstärker den Klang maßgeblich bestimmt extra ein Soundsystem zu entwickeln ist genauso Teil der Komposition für ihn, wie die Entwicklung von Instrumenten und Schaltungen. In den 90er Jahren standen in Sonntags Forschen und Entwickeln vor allem Fragen der Raumwahrnehmung unter Einbeziehung von Wissens-Feldern der Hörpsychologie und Kognitionswissenschaft im Vordergrund. 1993 produzierte Jan-Peter E.R. Sonntag erstmals zusammen mit dem Programmierer Jörg Spix für seine Installation im Treppenhaus des Ministeriums für Wissenschaft und Kultur in Hannover ein endlos steigendes wie auch fallendes Rauschen – eine bis dahin noch nicht realisierte Raumtäuschung an einer IRCAM Workstation –, das Ausgangspunkt der Raum-Klang-Komposition NYMHAE_M – ein psychoakustischer, kommunaler Rauschraum ist.

Nach seiner ersten Kammeroper N-Spiral (UA Kampnagel Fabrik, Hamburg 1999; pro musica nova, Bremen 2000) rückte bei ihm das Phantasma der elektronischen Klangerzeugung in den Vordergrund und so entwickelte er basierend auf seinen Medienarchäologischen Forschungen zu William Duddel, Lew Thermen und Nicola Tesla seine ersten sonArcs – domestizierte Blitze –  erste rein elektrisch/ elektronische Systeme, deren Schall – und Sende-Interfaces codierte Hochspannungsplasmen sind. 2006 kam im TESLA in Berlin Sonntags zweite Kammeroper sonArc::ion auf der Suche nach dem Wesen Elektrizität und den Anfängen der elektronischen Musik zur Uraufführung.

Als Reaktion auf den Tod Friedrich Kittlers im Herbst 2011 initiierte Sonntag apparatus operandi#1 – der Synthesizer des Friedrich A. Kittler (u.A. zkm, Karlsruhe 2012; transmediale, Berlin 2013). »Auf Kittlers Schreibspuren, mit scharfem Blick und wachem Ohr, mit und gegen Kittler an Nietzsche und über Foucault gilt es nicht schlicht den Modularsynthesizer einer Vivisektion zu unterziehen. Über das Denken und Dichten von Hardware betreiben wir an den nachgelassenen »Corpora« Philologie, Kittler-Exegese. Schaltungsgrammatologie. ›Sie haben Recht – unser Schreibzeug arbeitet mit an unseren Gedanken.‹ (Colli/Montinari, KSB III, 1, 172)«, so beschreibt eine weibliche Tonbandstimme im Herbst 2012 im ZKM die Anfänge des Projektes vor der Videoprojektion der ersten Anatomie. Zusammen werden Sebastian Döring und Jan-Peter E.R. Sonntag auch im Rahmen der gesammelten Schriften die Schaltungsnotationen zu Kittlers Synthesizer im Fink Verlag herausgeben.

Die jahrelange Auseinandersetzung des Sohnes, Enkels und Urenkels von HNO-Medizinern mit den Schriften von Herman von Helmholtz führte zur Entwicklung des sonH-Vowel-Synth´ und um ihn seine dritte Kammeroper SINUS, die er im letzten Jahr für das Tieranatomische Theater an der Humboldt Universität in Berlin komponierte. Der obertonlose, »einfache Ton« nach Hermann, dessen Wellenform mathematisch durch eine Sinusfunktion beschrieben werden kann, ist das poetische Kontinuum der Oper. Für Sonntag ist die Tonlehre Helmholtz’ nicht nur ein historischer Versuch aus der Mitte des 19. Jahrhunderts ein physiologische Grundlage der Musik zu schaffen, sondern es beschreibt und schafft zugleich die geistigen und apparativen Grundlagen der Ästhetik der Neuen und experimentellen Musik des 20. Jahrhunderts sowie die Technologien der elektronischen und digitalen Musik bis heute. So ist der Apparat zur »Synthese von Vocalen«, den Helmholtz zur experimentell sinnlichen Überprüfung seiner Theorien von König bauen lässt, wirklich ein erster elektroakustischer Synthesizer noch vor der Erfindung der Röhren, Transistoren und elektrodynamischen Schallwandler / Lautsprecher, die die so genannte elektronischen Musik im 20sten Jahrhundert erst technologisch ermöglichten. Nach mehreren Jahren Forschung und Entwicklung entstand im Herbst 2015 ein erster sonH-Vowel-Synth – ein computergesteuertes, akustisches Instrument mit dem zwei Partial Tonreihen aus insgesamt 20 »einfachen Tönen« zu Klängen mit verschiedenen Vokal-Charakteristiken und Schwebungen gemischt werden können.

Stadtwanderung des Künstlers Heimo Lattner mit dem Politologen Reinhard Wenzel und dem Kurator und Autor Jochen Becker im Rahmen der KGB-Kunstwoche

Treffpunkt: vor der Galerie Wedding
Dauer: ca. 5 Stunden
Anmeldung bis 18.09. unter: presse@galeriewedding.de

Die Wanderung beginnt mit einer Verabredung: Eine Umrundung des Weddings entlang seiner Stadtteilgrenze von 2001. Ein ambitioniertes Vorhaben, zudem ohne abgesicherter Narration: Keine Stadtführung, kein Kiezspaziergang, keine Performance, keine künstlerische Intervention. Die Dramaturgie schreibt sich unterwegs unter Beteiligung der Wanderer. Das Durchwandern des Stadtraums ist zunächst eine Einladung, Raum zu durchstreifen, Teil einer Stadtkultur, obgleich im Alltag marginalisiert. Es ist keine Interaktion mit einem entlebten Raum. Genau das Gegenteil ist der Fall.

»Angenommen, und sei es nur aus Freude am Denken einer Möglichkeit, dass die vermeintlichen (Stadt)Ränder nicht dem Wunsch Zentrum sein zu wollen folgen, sondern sich aus einem ganz eigenen Selbstverständnis heraus definieren, – sich einer Verwertungslogik entziehen -, wo kommen wir denn da hin? Welche Regeln, welche Grenzen und subtilen Gesetze gelten, welche Bedürfnisse, Sehnsüchte, welche Verabredungen mit dem Glück werden denn getroffen, in der Kleinteiligkeit urbanen Lebens? Kiez, Stadtteil, Bezirk, Stadt, Land, Staat, Kontinent – wenn Orte definiert werden, entstehen Ränder. Übergangsorte. Sie markieren einen Zwischenraum von hier und noch nicht dort. An den Rändern – eine Frage der Perspektive – werden Begriffe flüssig. Dass sie einen nur peripher betreffen – auch das eine Frage der Perspektive -, ist aber vermutlich weit weniger weit gedacht, als man zu meinen glaubt.« (Zitat Heimo Lattner)

Heimo Lattner ist Künstler und lebt in Berlin. Ausstellungen und Projekte u.a.: ICA London;
MoMA PS1, New York; Sharjah Biennale; Massachusetts Museum of Contemporary Arts; Wexner Center for the Arts, Columbus Ohio; Akademie der Künste, Berlin; Whitechapel Gallery, London; Hebbel Theater, Berlin; Musikprotokoll im Steirischen Herbst, Graz; Festspielhaus Hellerau, Dresden.
Reinhard Wenzel ist Diplom-Politologe, Bildungsreferent beim August Bebel Institut, Berlin, Spezialist für die Geschichte der Arbeiterbewegung, speziell in Berlin und Brandenburg,
Stadtverordneter in Königs Wusterhausen.
Jochen Becker ist Autor, Kurator und Mitbegründer von metroZones- Center for Urban Affairs. Herausgeber von u.a. »BIGNES? –Größe zählt, Image/Politik, Städti- sches Handeln« , sowie Mitherausgeber der metroZones-Buchreihe. Jüngste Projekte: »GlobalPrayers – Redemption and Liberation in the Cities« ; »Self Made Urbanism Rome« .

Die Kommunalen Galerien in Berlin präsentieren parallel zur BERLIN ART WEEK gemeinsam die
KGB – KUNSTWOCHE (11. September – 20. September 2015) mit Ausstellungen, Rundgängen, Vorträgen, Performances, Workshops und Konzerten von mehr als 200 Künstlerinnen und Künstlern in allen Berliner Stadtteilen.

Künstlerwebseite/ website of the artist
www.heimolattner.com
www.heimolattner.com/Wanderungen.html

Mit der Performance »Seriti se« richtet die südafrikanische Künstlerin Lerato Shadi den Blick auf das Unsichtbarmachen der historischen Bedeutung von Frauen, insbesondere der weiblichen People of Color (POC) und ihrer Leistungen in Gesellschaft, Kultur, Wissenschaft und Politik. »Seriti se« thematisiert jene politische Gewalt innerhalb institutioneller Strukturen. An- und Abwesenheit, Subjekt und Objekt, Aufschreiben und Löschen sowie ihre Transformation durch den performativen Körper bilden die zentralen Themen der Performance.

Lerato Shadi erforscht in ihren künstlerischen Arbeiten die Sichtweisen über den weiblichen Körper. In ihrer künstlerischen Arbeit platziert sie sich selbst als Frau, Südafrikanerin und POC, wobei ihr eigener Körper ihr als Medium dient. Diesem verleiht sie eine Handlungsmacht, um mit Annahmen, Stereotypen und Geschichte zu brechen.

Entsprechend der architektonischen Besonderheit der Galerie Wedding, deren breite Fensterfronten für Durchlässigkeit und Transparenz stehen, widmet sich die Performance dem »Sichtbarmachen« des Verborgenen, in Vergessenheit geratenen. Das Publikum wird eingeladen die Namen jener historisch bedeutenden jedoch weitgehend unbekannten Frauen mit Techniken der Erinnerung zu Markieren und zu Demarkieren um sich durch diese aktive Beteiligung der eigenen Bedeutung in diesem Akt bewusst zu werden.

»Seriti se« ist Teil des kuratorischen Programms von POW (Post-Otherness-Wedding) von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung in der Galerie Wedding und wird durch die Unterstützung des Fachbereich Kunst und Kultur – Bezirk Mitte – Amt für Kultur und Weiterbildung ermöglicht.

Webseite von Lerato Shadi:
http://www.lerato-shadi.net/

Pressemappe Lerato Shadi

Presseartikel/ Press Reviews
Making a mark. Names to erase and to recall (Times Live, 22.09.2015)
Seriti Se (3Bigs)
Performance in Wedding Galerie (Berliner Woche, 13.08.2015)

Performance von Herma Auguste Wittstock

In Anlehnung an Marina Abramovics berühmte Performance »THE ARTIST IS PRESENT – THE HARDEST THING TO DO IS CLOSE TO NOTHING« wird die Künstlerin und ehemalige Meisterschülerin von Marina Abramovic Herma Auguste Wittstock eine dreistündige Performance in der Galerie Wedding aufführen.

Ihre Arbeiten basieren auf Performance-Kunst, zumeist Live-Performances oder Living-Installations, aber auch Video- und Film-Performances und performative Malerei. Wittstock stellte unter anderem schon bei der Biennale in Helsinki,  dem National Museum Reina Sofía in Madrid, dem Le Générateur in Paris, dem Theatre Works in Singapore, der Biennale di Venezia, dem Ex Teresa Arte Actual in México, dem X-Space in Toronto, dem Van Gogh Museum in Amsterdam, dem PAC Milan, dem P.S.1 in New York, dem Fridericianum in Kassel, den Kunst-Werken in Berlin und dem Irish Museum of Modern Art in Dublin aus.
Wittstock sagt über ihre Kunst, dass Menschen, Dinge und Räume ihre eigene Logik haben. Jede Situation kann eine Performance sein, so wie Wittstock selbst eine Performance ist. Alles kann Kunst sein oder zu Kunst werden. Wittstock versucht das Alltagsleben zu vereinfachen und es in einen neuen Kontext zu stellen. Sie spielt mit dem Zusammenhang zwischen Zeit und Konzentration, Grenzen des Publikums und ihren eigenen mentalen und physischen Grenzen, Energie und neuen Wegen, Stärke und Schmerz. Der Ort an dem ihre Kunst stattfindet ist von großer Bedeutung und wird oft mit in ihre Arbeit einbezogen.

Herma Auguste Wittstock ist 1977 in Peine, Niedersachsen geboren. Heute lebt sie in Berlin und arbeitet weltweit.

Webseite der Künstlerin
www.hermaauguste.de

Referring to the famous piece of Marina Abramovic »THE ARTIST IS PRESENT – THE HARDEST THING TO DO IS CLOSE TO NOTHING« the artist and former student of Marina Abramovic Herma Auguste Wittstock presents a three hours performance at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst.

Wittstock’s works are based on performance art, mostly live performances or living installations, but as well she works at video- and film performances and performative paintings. Wittstock has exhibited at  Biennale Helsinki, National Museum Reina Sofía Madrid, Le Générateur Paris, Theatre Works Singapore, Biennale di Venezia, Ex Teresa Arte Actual México, X-Space Toronto, Van Gogh Museum Amsterdam, PAC Milan, P.S.1 New York, Fridericianum Kassel, Kunst-Werke Berlin and Irish Museum of Modern Art Dublin.
About her art Wittstock says that people, things and spaces have an inner logic. Every situation can be a performance, as well as she is a performance herself. Everything may be art or can become art. Wittstock tries to simplify everyday life and puts it into a new context. She’s playing with the context between time and concentration. She explores the audience’s and her own limits – between strength and pain. For Wittstock it is important to use the energy of her performance and to pass these energy to the audience. The space her piece is taking place is often as an important part of the performance included in her works.
Herma Auguste Wittstock was born 1977 in Peine, Niedersachsen, Germany. She lives in Berlin and works in the whole world.

website of the artist
www.hermaauguste.de

Parallel zum Gallery Weekend Berlin
01.05.2015
15 – 16 Uhr Radioshow »Downtown Ilja 1. Mai Spezial« Live aus der Galerie Wedding
17 – 19 Uhr DJ Set Rupert, YYAA und Überraschungsgäste

Karilampi moderiert die wöchentliche Radiosendung Downtown Ilja im Berlin Community Radio. Die Übertragung von Downtown Ilja live aus der Galerie Wedding ist eine der wichtigen Aktivitäten des Ausstellungsprogramms.
»Thematische Shows mit Gesprächen über Musik und  über die Songs selbst – vom schwedischen Viking-Trance-Rap über Two Step aus den 90ern bis zu R’n’B, Instrumentals und anderen Clubhits aus den Charts«, so lautet die offizielle Beschreibung des Downtown Ilja-Radiomixes. Die Präsenz ausgewählter aktueller Musik in der Ausstellung eröffnet die Möglichkeit eines Dialogs zwischen Popmusik und Kunst. Das ist wichtig für die Arbeit des Künstlers.

Downtown Ilja wird Konzerte und Gespräche mit Leuten aus der Nachbarschaft veranstalten, welche an der Schnittstelle zwischen bildender Kunst und progressiver Popmusik arbeiten. Die Musiker/-innen, die Karilampi inspirieren, sind Faze Miyake (GB), der Instrumental Dub-Musik macht und dem Karilampi seine letzte Show in Stockholm widmete, Madi Banja (SE), den er als »Dr Alban-Future sounding trance RnB« bezeichnet, Polisens (SE) mit »inventive deephouse« und Giggs (GB) mit »Grime«. Für das Radioprogramm wählt Karilampi Künstler/-innen aus, die Musik und Kunst zusammenbringen, so zum Beispiel Nuzia (DE), ein Rapper/Sänger mit ghanaischen Wurzeln, TCF (DE/NO), ein norwegischer Musiker und Performer, der »algorithmic techno« produziert, und Dan Bodan (DE/CA), ein Künstler, der »crooner dance music« macht.

Auf die Frage, warum das Radioprogramm und die Musikstile relevant seien, antwortet Karilampi:

»Wie bei anderen Dingen auch sind Erneuerung und Veränderung das Wichtigste, und ich fühle mich zu moderner, progressiver Musik generell hingezogen. Techno kann manchmal konservativ sein, weil die deutsche Szene nur Vinyl oder eine bestimmte Art von Partys zulässt und alles, was wegen der Klangqualität oder dem Format nicht berücksichtigt wird, ignoriert.«

Die Ausstellung „Hauptstadrevier“ ist Teil des Ausstellungsprogramms POW

11.02.2015 – 04.04.2015
Kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Verwobene Klänge – Von rasenden Himmelsschiffen und dem Erforschen versetzter
Geschichten ist der erste Teil einer einjährigen Ausstellungsserie, die sich mit der
Epistemologie von Objekten beschäftigt und die vielen Narrative erkundet, die diese
Objekte innerhalb ihrer oder in anderen Kulturen begleiten. Der Afrokamm dient in all
seinen Farben und Formen, mit all seinen Bedeutungen als Ausgangspunkt und gleichzeitig
als Schlüssel zur Erkundung der Vielfalt an Narrativen in der Vergangenheit und Gegenwart.
Die Beziehungen, die Satch Hoyt knüpft, sind facettenreich. Ein zentrales Werk der
Ausstellung ist »Hair Combing Cycle #14«, ein gemeinsamer Akt der Körperpflege von
14 Frauen aus Afrika und der afrikanischen Diaspora, welche in einem Kreis sitzen und ihr
Haar in einer choreografierten Performance kämmen. Die Mikrofonanlage nimmt die Töne
des Kämmens auf, während Hoyt in der Mitte des Kreises sitzt und die Klänge bearbeitet
und mixt, die zeitgleich in der Galerie zu hören sind.

Text von/by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
Verwobene Klänge Riding Celestial Chariots

Biografie/ Biography
Satch Hoyt

Presseartikel/ Press Review
Satch Hoyt – talkingaboutart.de (02/ 2015)
Vom Zerbrechen und wieder Zusammensetzen – lonam.de (02/ 2015)
Die Parallelität der Kulturen – Tagesspiegel (03/2015)
Peigne à Cheveux et Black Power – mouvement.net (05/2015)
Kunst. Sonic Text – Theater der Zeit(03/2015) (PDF)

Künstlerwebseite/ website of the artist
www.satchhoyt.com

In »Displacement of a cultural self portrait« / »Versetzung eines kulturellen Selbst-Portraits«, zeigt die Künstlerin ihre Verbundenheit mit den jeweils ausgewählten ideologischen Vorgängern. Sie betont in der Video-Serie zwar einerseits den zeitlichen und kulturellen Abstand zu ihnen, solidarisiert sich aber zugleich – wenn auch nicht kritiklos. Die »Displacement«-Serie, eine Reihe von Schwarz-Weiß-Videos, zeigt Aufnahmen von Özgünaydın selbst, die sie in Musikvideos türkischer Popikonen und Fassbinder- Filmszenen geschnitten beziehungsweise darauf projiziert hat. Ihr stummes, manchmal geisterhaftes Auftreten in jeweils unterschiedlicher Aufmachung ist so sichtbar über den Originalfilm gelegt, dass es den zeitlichen Abstand spürbar betont. Obwohl sie sich in jedem Displacement – Video derselben Technik bedient, erscheint die Verbindung der agierenden Künstlerin zur ursprünglichen Szene jedes Mal anders – zuschauend, abwartend oder lernend –, als würde sie ständig ihre Rolle als marginale Figur in Relation zum jeweils unterschiedlichen Hintergrund austaxieren.

»Versetzung eines kulturellen selbst-portraits I.«
Performance Video-Collage, 4´12 min (2008)
Cem Karaca – »Namus Belasi« / Music Clip 1974
»Versetzung eines kulturellen selbst-portraits III.«
Performance Video-Collage, 1´18 min (2011)
Auszug von »Katzelmacher«, R.W. Fassbinder, 1969
»Versetzung eines kulturellen selbst-portraits II.«
Performance Video-Collage, 4´5 min (2008)
Baris Manco – »Sari Cizmeli Mehmet Aga« / Musik Clip 1978
»Versetzung eines kulturellen selbst-portraits VII.«
Performance Video-Collage, 1´05 min (2011)
Auszug von »Katzelmacher«, R.W. Fassbinder, 1969
»Versetzung eines kulturellen selbst-portraits X.«
Performance Video-Collage, 3´24 min (2015)
Tanzen mit Julian Assange

Künstlerwebseite/ website of the artist
www.fundaozgunaydin.com

Sie sind an beiden Tagen herzlich zu den Künstlergesprächen mit Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen eingeladen. Hier haben Sie auch die Gelegenheit, das neue Kuratorenduo persönlich kennenzulernen sowie ihr geplantes Ausstellungsprogramm POW
( Post-Otherness-Wedding ).

Außerdem finden am 30. Januar um 19.30 Uhr eine Filmperformance der Künstlerin Funda Özgünaydin und eine Live - Performance der Künstlerin Emma Waltraud Howes statt.

Im Anschluss wird an beiden Abenden eine kleine Weinbar geöffnet sein.

KünstlerInnen

www.ivalofrank.com

www.silvia-breitwieser-berlin.de

www.emekaogboh.com

www.janpoetter.com

www.stattbad.net

www.katjasehl.de

www.konstanzeschmitt.net

www.artward.de/project/michel-aniol

www.imkewagener.wix.com

www.satchhoyt.com

www.kulturfund.org/index.php/Ulrika_Segeberg

www.jiwarbarcelona.com/
artist-residence-hanako-geierhos

www.redaktionundgestaltung.de/profil.html

www.paulhuf.de

www.iwalewa.uni-bayreuth.de/de/archiv-ausstellungen
/2009-2010/Neue_Nachbarschaften/biographie/index.html

www.henrikenaumann.com

www.kristinaleko.net

www.ezramo.com

www.lysannbuschbeck.de

www.tehnicaschweiz.com

www.katiaengel.com

www.sigurdlarsen.eu

www.gritwirkriegendich.blogspot.de

www.antjemajewski.de

www.karilampi.se

www.cyrilllachauer.net

www.fernandaporto.com

www.sonarc-ion.de

www.satchhoyt.com

Liveperformance von Emma Waltraud Howes w/ Kim Berit Heppelmann (Container)

»Subcutaneous Polymorphic Animalcules« ist eine Studie über die vergängliche und chaotische »Natur« von Organismen und deren sensorische und kommunikative Fähigkeiten. Um mittels wissenschaftlicher Forschungsmethoden die vermeintlich unversöhnlichen Gegensätze von Körper und Geist zu untersuchen, unternimmt ein Wesen geleitet von Geschichten eine Feldforschung und setzt sich zugleich kritisch mit seiner gegenwärtigen Umgebung auseinander.
Das allgemeine Verständnis von wissenschaftlicher Versachlichung wird umgekehrt, um eine subjektive Wahrnehmung von Konstanten und Variablen der menschlichen Existenz zu befördern. Die Ergebnisse der genauen Beobachtung dieser Mikro- und Makrosysteme werden durch Bewegung in ihrer ganzen Größe sichtbar. Und so absurd die Lösung auf ein Problem auch manchmal scheint, bei seinem Versuch sich seiner Umwelt anzupassen, zeigt sich das Wesen stets lösungsorientiert.
Emma Waltraud Howes entwickelte diese Herangehens- und Arbeitsweise in einer Reihe von Performances im öffentlichen Stadtraum, u.a. in Alberta (Subtle Architectures, 2007), Montreal, Granby (Subtle Architectures Subtiles, 2008 – 2009), und London (Subcutaneous ›Ha-has‹ and the Evolution of Polymorphic Animalcules, 2014). Diese teils choreographierten teils improvisierten Performances waren durch den Ort und seine Umgebung gesetzt und mussten sich ihm schrittweise einfügen und anpassen.
Zuletzt fand diese Performance in Innenräumen von Galerien statt, u.a. im Me Collectors Room, Berlin (»Exotica and 4 other cases of the self«, 2014). Galerie Wedding wird im Rahmen ihres programmatischen Neustarts vorübergehend zur »Zweiten Heimat« für die Weiterentwicklung der Arbeit. POW ermöglicht diesen »Blick aus dem Augenwinkel« (peripheres Sehen) auf die stetigen Anstrengungen im Prozess der Inkorporation und Adaptation und lässt die Situation als amorphen Zustand denken.

Künstlerwebseiten/ websites of the artists
www.emmawaltraudhowes.com
www.kimberit.com

13.01.2015 um 19 Uhr

Politische Diskussion über Förderung, Transparenz und Pflegesysteme

Forum for political discussion about funding, transparency and systems of care

Zum Diskurs über Förderung, Transparenz und Pflegesysteme haben wir Vertreter von Künstlerorganisationen, der staatlichen Seite und Künstler eingeladen.

Die Podiumsdiskussion dreht sich um folgende Fragen:
Who cares? Wer kümmert sich?
Worauf richtet sich Ihre Pflege? Um was/wen kümmern Sie sich?
Wie kümmern Sie sich? Womit unterstützen Sie?
Wie haben Sie Ihr Pflegesystem erweitert?
Ist Ihr Pflegesystem transparent?
Wie reagieren Sie mit Ihrem Pflegesystem auf neu auftretende Bedürfnisse?

Teilnehmer Podium:
Tiny Domingos – Netzwerk freier Berliner Projekträume und -initiativen
Sandra Klöss – LAFT – Landesverband freie darstellende Künste Berlin e.V.
Dr. Ute Müller-Tischler – Bezirksamt Mitte von Berlin / Amt für Weiterbildung und Kultur
Sabine Schneider – Verein Berliner Künstler
Heidi Sill – Deutscher Künstlerbund
Dr. Ingrid Wagner – Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten Berlin

Moderation:
Birgit Rieger (Tagesspiegel)
(Veranstaltungssprache: Deutsch)

Performances (Ab 19 Uhr):

Doris Koch – Mobile Kochscheinausgabestelle
Die Mobile Kochscheinausgabestelle ist eine am Körper tragbare Ausgabestelle für Kochscheine, die im öffentlichen Raum oder bei Veranstaltungen zum Einsatz kommt.
Sie dient nicht allein der Ausgabe von Kochscheinen, vielmehr wird das Gespräch über Themen des Wirtschaftens angeregt. Was veranlasst uns zu (wirtschaftlichen, künstlerischen) handeln? Was hat Einfluss auf unser (wirtschaftliches, künstlerisches) Handeln?

Club Real – ZIMMERPFLANZENSOZIOLOGIE
Diskursive Performance zu politischen Künstlerorganisationen – und initiativen vermittelt im Rahmen der Präsentation und Vermehrung von in Berlin beliebten Zimmerpflanzen zwischen 1841 und 2015.

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