Führung in der Ausstellung »Die gesiezte Tochter. My Total Deconstruction of an Armenian Family« mit der Künstlerin Beatrice Moumdjian. Anhand der Werke die unter Anderem aus dem Familienarchiv der Künstlerin stammen werden historische und aktuelle Beziehungen und geopolitische Kontinuitäten aufgezeigt.

Die Führung vermittelt einen Überblick über die Ausstellung sowie ihre zentralen Themen und Zusammenhänge.

Führung in der Ausstellung »Die gesiezte Tochter. My Total Deconstruction of an Armenian Family« mit der Künstlerin Beatrice Moumdjian und Eylem Sengezer (Leitende Kuratorin / Sachgebietsleitung Gegenwartskunst). Anhand der Werke die unter Anderem aus dem Familienarchiv der Künstlerin stammen werden historische und aktuelle Beziehungen und geopolitische Kontinuitäten aufgezeigt.

Die Führung vermittelt einen Überblick über die Ausstellung sowie ihre zentralen Themen und Zusammenhänge.

DJ-Set von Punani

Moumdjians künstlerische Praxis verbindet autobiografische Recherche mit einer kritischen Perspektive auf Geschichte und ihre Überlieferungsformen. Sie macht sichtbar, wie eng persönliche Lebensgeschichten mit politischen und historischen Prozessen verwoben sind, und wie sich diese Verflechtungen durch künstlerische Verfahren befragen, verschieben und neu artikulieren lassen. Aus ihren verbliebenen Familienfotos, 150 Bildern, überführt sie herausgelöste fotografische Motive in dreidimensionale Objekte, die im Außen- und Ausstellungsraum neu arrangiert und fotografisch reinszeniert werden; die aus ihrem ursprünglichen Kontext herausgelösten Motive verlieren ihre repräsentative Funktion und verwandeln sich in eigenständige Bedeutungsträger und Beweismittel zwischen persönlicher Erinnerung und historischer Rekonstruktion. Beatrice Moumdjians Arbeit legt Spuren frei zwischen dem Genozid an den Armenier*innen, dem Exil in Bulgarien bis zur Migration in das Ost-Berlin der 1990er, und verknüpft Biografie und Geopolitik.

Führung in der Ausstellung »Die gesiezte Tochter. My Total Deconstruction of an Armenian Family« mit der Künstlerin Beatrice Moumdjian und Eylem Sengezer (Leitende Kuratorin / Sachgebietsleitung Gegenwartskunst). Anhand der Werke die unter Anderem aus dem Familienarchiv der Künstlerin stammen werden historische und aktuelle Beziehungen und geopolitische Kontinuitäten aufgezeigt.

Die Führung vermittelt einen Überblick über die Ausstellung sowie ihre zentralen Themen und Zusammenhänge. Im Anschluss findet eine Paneldiskussion statt.

Ahu Dural übersetzt in ihrer Lecture Performance Erinnerungen unterschiedlicher Intensität anekdotisch in neue räumliche Konstellationen und Narrative. Somit präsentiert sie bruchstückhafte Erlebnisse von Zeitzeuginnen eines Weddings der 1970er Jahre bis heute. Dabei destilliert sie Kurzinterviews und interpretiert Aussagen von Anwohnerinnen aus verschiedenen Generationen neu. Ehemalige »Weddingerinnen« (im Wedding sozialisierte oder im Wedding arbeitende Interviewpartnerinnen) erzeugen den Strang dieser Spiegelung und werden ergänzt durch ein persönliches Bildarchiv.

Die Performance beinhaltet einen kleinen Spaziergang von ca. 20 Minuten zur Malplaquetstraße.

Ahu Dural übersetzt in ihrer Lecture Performance Erinnerungen unterschiedlicher Intensität anekdotisch in neue räumliche Konstellationen und Narrative. Somit präsentiert sie bruchstückhafte Erlebnisse von Zeitzeuginnen eines Weddings der 1970er Jahre bis heute. Dabei destilliert sie Kurzinterviews und interpretiert Aussagen von Anwohnerinnen aus verschiedenen Generationen neu. Ehemalige »Weddingerinnen« (im Wedding sozialisierte oder im Wedding arbeitende Interviewpartnerinnen) erzeugen den Strang dieser Spiegelung und werden ergänzt durch ein persönliches Bildarchiv.

Die Performance beinhaltet einen kleinen Spaziergang von ca. 20 Minuten zur Malplaquetstraße.

Eröffnung 26.02.2026, 18 Uhr
Von 27.02.2026 bis 10.05.2026
Kuratiert von Eylem Sengezer

Galerie Wedding präsentiert im Frühjahr 2026 die Einzelausstellung »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« von Ahu Dural. Die Ausstellung nimmt eine Wohnung zum Ausgangspunkt einer künstlerischen Auseinandersetzung mit Familiengeschichte, Migration, Arbeit, weiblicher Solidarität und Aneignung. Montage erscheint hier nicht nur als manuelle Tätigkeit migrantischer Frauen, die in Produktionsstätten der Berliner Elektroindustrie im Akkord arbeiten, sondern auch als ästhetisches Verfahren und Prinzip: Die Skulpturen Durals bestehen aus Grundformen – häufig aus Holz oder industriellen Aluminiumleisten –, die mit Fotografien, Textilien oder Alltagsobjekten zusammengefügt und kombiniert werden. Montage wird zur Methode der Aneignung und zur Form des Denkens. Persönliche Erinnerung, fotografisches Detail und architektonische Referenz überlagern sich. Auch Farbe wird zu einem wichtigen Träger von Erinnerung und zum verbindenden Element zwischen Erzählung, Bild und Objekt. »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« ist eine Ausstellung über das Ankommen und das Arbeiten, über migrantische Lebenswelten, über industrielle Rhythmen und häusliche Lebensformen, über Erinnerung als fragmentarischen, montierten Prozess. 

In spring 2026, Galerie Wedding will present »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« (Malplaquetstraße 33 – Youth of a Female Assembly Worker), a solo exhibition by Ahu Dural. Taking an apartment as a starting point, the exhibition explores family history, migration, work, female solidarity and appropriation artistically. Here, assembly is not only presented as a manual activity carried out by migrant women employed on a piecework basis in Berlin’s electrical industry production facilities, but also as an aesthetic process and principle: Dural’s sculptures consist of basic forms – often made of wood or aluminium strips – which are assembled and combined with photographs, textiles or everyday objects. Assembly becomes a method of appropriation and a form of thinking. Personal memories, photographic details and architectural references overlap. Color also becomes an important vehicle for memory and a connecting element between narrative, image and object. »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« is an exhibition about arrival and work, migrant life worlds, industrial rhythms and domestic ways of life, and memory as a fragmented, assembled process.

Kuratorische Assistenz: Philipp Hennch, Kaya Peters

Fr, 12.09.2025, 2 – 3 pm

Wie können alternative Geschichtsschreibungen entstehen?
Mnyaka Sururu Mboro und Fogha Mc Refem beleuchten, wie koloniale Vergangenheit und postkoloniale Gegenwart in ihren Lebensrealitäten fortwirken – sowohl hier als auch dort.
Ihre Perspektiven eröffnen Räume für eine vielstimmige Erinnerungskultur jenseits hegemonialer Narrative.

16:00 – 17:30 Uhr – Stadtrundgang mit Mnyaka Sururu Mboro
Treffpunkt: U-Bahnhof Afrikanische Straße, Ausgang Swakopmunder Straße (Café Mistral)
maps.app.goo.gl/AUYhjJJaumhdToh76 

18:00 – 19:30 Uhr – Gespräch in der Galerie Wedding
Mboro im Gespräch mit Fogha Mc Refem

21.06.2025 von 10 bis 12 Uhr

Panel #3 in der Galerie Wedding: »Erinnerungskultur im Afrikanischen Viertel«
Kiez Ausflug*: Gespräch & Ausstellungsbesuch
Ibou Diop (SEN/DE) im Gespräch mit Nicolas Premier (F) und Anna Yeboah (DE)

Panel #3 at Galerie Wedding: »Culture of remembrance in the African Quarter«
Neighbourhood excursion*: Talk & exhibition visit
Ibou Diop (SEN/DE) in conversation with Nicolas Premier (F) and Anna Yeboah (DE)

Maj Smoszna und Adam Man führen durch die Ausstellung. Danach gibt es einen Artist Talk mit Adam und dem Philosophen Bernd Bösel (Uni Potsdam und Fellow am Käte-Hamburger-Kolleg Aachen: «Cultures of Research»).

Bernd und Adam verbindet eine lange Freundschaft, sie kennen einander seit der gemeinsamen Studienzeit in Wien. In einem informellen und persönlichen Gespräch miteinander und den Besucher*innen tauschen sie sich über Themen aus, die Adams Arbeiten zugrundeliegen: Körperlichkeit, Präsenz, Affekt; Bild, Sprache und Raum; Mythologie und Ökologie.

Je nach Bedarf findet das Gespräch auf Deutsch oder Englisch statt.

ACROSS Festival

Performance & Musik & Workshops

September bis Dezember 2024

Galerie Wedding & Rathausvorplatz Wedding

Eröffnung, 7.09.2024, 16 bis 21 Uhr

»ACROSS« ist ein Performance-, Konzert- und Workshop-Programm in Berlin-Wedding, das von September bis Dezember an jedem zweiten Wochenende stattfindet, kostenlos ist und allen offen steht. Mit mehr als 20 Künstler*innen bewegt sich »ACROSS« zwischen künstlerischen Genres und sozialen Praktiken, spricht verschiedene Generationen an und regt an, sich zu bewegen und gemeinsam Zeit zu verbringen, zu beobachten, zu staunen, zuzuhören, zu tanzen und über Unterschiede hinweg Gemeinsamkeiten zu teilen, ACROSS (über) Müllerstraße.

Die Galerie Wedding ist ab September auch sonntags offen, immer von 12 bis 19 Uhr. Jeden zweiten Sonntag werden Workshops mit Künstler*innen veranstaltet. Details zum Programm werden online veröffentlicht. 

Angeboten werden Workshops, Performances und Konzerte auf dem Rathausvorplatz und teilweise in der Galerie Wedding.

Der Eintritt ist immer frei.

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Performance & Music & Workshops

September until December 2024

Galerie Wedding & Rathausvorplatz Wedding

Opening, 7.09.2024, 4 to 9 pm

»ACROSS« is a performance, concert and workshop programme in Berlin-Wedding that takes place on every second weekend from September to December, free of charge and open to all. »ACROSS« features around 20 artists and moves between artistic genres and social practices, appealing to different generations and proposing to move and spend time together, to observe, to marvel, to listen, to dance and to share common ground across differences, ACROSS Müllerstraße.

Galerie Wedding will also be open on Sundays from September, from 12 to 7 pm. Workshops with artists are organised every second Sunday. Details of the programme will be published online.

Workshops, performances and concerts are offered on the square in front of the town hall and partly in the Galerie Wedding.
Admission is always free.

06.09. bis 08.09.2024

Freitag, Samstag und Sonntag von 12 bis 19 Uhr

Wir laden ein zu einem ersten Blick in die prozessorientierte Ausstellung mit Raquel van Haver und Chie Marquart-Tabel in der Galerie Wedding.

Samstag, 7.09.2024
16 Uhr Künstler*innengespräch
17 Uhr DJ-Sets

Weiteres Programm wird bald veröffentlicht.

Im Rahmen der Kunstwoche der Kommunale Galerien Berlin

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Open Studio 

06.09. to 08.09.2024

Friday, Saturday and Sunday from 12 to 7 pm

You are welcome to join us for a first glimpse into the process-based exhibition with artists Raquel van Haver and Chie Marquart-Tabel at Galerie Wedding.

Saturday, 07.09.2024

4 pm Artist Talk
5 pm DJ-Sets

More programme will be announced soon.

As part of the Art Week of Berlin’s District Galleries (Kommunale Galerien Berlin)

Thursday, 22.08.2024 from 5:00 to 6:00 pm Curatorial tour through the exhibition with Malte Pieper, Maja Smoszna, Maryna Makarenko and Anastasia Pilepchuk.

Friday, 21.06.2024 from 5:30 to 6:30 pm Curatorial tour through the exhibition on the day of the summer solstice with Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

12 – 14 Uhr Offener Vortrag und Austausch (in Englisch) im Rahmen des Gallery Weekend »Trading our sweat for their money«, über die Geschichte, Erfahrungen und kulturelle Produktion thailändischer Arbeitsmigrant*innen in Israel mit Shahar Shoham, moderiert von Rosalia Namsai Engchuan

»Tausch unseres Schweißes gegen ihr Geld« ist ein Zitat aus einem Lied thailändischer Feldarbeiter*innen in Israel. Das Lied ist Teil kollektiver Reflexionen und Ausdrucksformen ihrer Migrationserfahrungen vom Isaan, im Nordosten Thailands, zu den Obst-, Blumen- und Gemüsefarmen in Israel. Wenn man in einem deutschen Supermarkt nach Orangen oder Avocados aus Israel greift, ist die Wahrscheinlichkeit groß, dass sie von einem thailändischen Erntehelfer*innen geerntet wurden. Thailändische Arbeitsmigrant*innen sind für den israelischen Agrarsektor, der in den letzten vier Jahrzehnten von ihrer Arbeitskraft abhängig geworden ist, unverzichtbar. Die Aufnahme thailändischer Arbeitsmigrant*innen in Israel ist jedoch stark reglementiert und an bestimmte Bedingungen geknüpft: Sie dürfen nur für eine begrenzte Zeit in der Landwirtschaft arbeiten und werden durch eine Migrationspolitik kontrolliert, die darauf abzielt, ihre marginalisierte Position in Israel beizubehalten. Ihre Migrationswege sind konkrete Manifestationen größerer historischer und geopolitischer Verstrickungen: der amerikanische Krieg in Vietnam, die interne Kolonisierung des Isaan – einer Region im Nordosten Thailands – durch neoliberale Migrationspolitik, die als »Entwicklungs«-Initiativen ausgegeben wird, und die transnationale Produktion eines Stereotyps des »idealen« thailändischen Landarbeiter*innen als gefügig und gehorsam. In einem öffentlichen Vortrag wird Shahar Shoham, eine Anthropologin und Aktivistin, die mit thailändischen Landarbeitern in Israel und Thailand zusammenarbeitet, über ihre Forschungen und Bemühungen berichten, die Erzählungen und Erfahrungen von Migrant*innen in den Mittelpunkt zu stellen.

Shahar Shoham ist Doktorandin in Global and Area Studies am Institut für Asien- und Afrikastudien der Humboldt-Universität. Ihre ethnografische Forschung bietet eine neue Perspektive auf das thailändisch-israelische Arbeitsmigrationsregime, indem sie die Erfahrungen thailändischer Arbeitsmigrant*innen in Israel sowie die ihrer Herkunftsgemeinschaften in Thailand in den Mittelpunkt stellt. Shoham hat einen B.A. in Philosophie und Ostasienwissenschaften von der Universität Tel Aviv und einen M.A. in Global Studies von der Humboldt-Universität. Sie erhielt Stipendien des DAAD und der Hans-Böckler-Stiftung. Zuvor leitete Shoham die Abteilung für Migranten und Flüchtlinge bei der Nichtregierungsorganisation »Ärzte für Menschenrechte-Israel«.

15 – 17 Uhr Kurator*innenführung mit Sarnt Utamachote (in Englisch, Deutsch oder Thai)

17 – 19 Uhr Publikationsvorstellung von Mutating Kinship Lab 2023 (auf Englisch)

Mutating Kinship Lab (MKL) ist eine künstlerische Denkwerkstatt, die sich der Förderung des Dialogs und der Zusammenarbeit innerhalb der Künstler*innengemeinschaft der asiatischen Diaspora in Deutschland verschrieben hat. Der Schwerpunkt liegt dabei auf Archivierungsinitiativen, dem Aufbau eines Unterstützungsnetzwerks und dem Austausch von Ressourcen. Im Jahr 2022 reagierte die Initiative auf die drängenden Fragen der prekären Lebens- und Arbeitsbedingungen der asiatischen Diaspora mit einer Reihe von Workshops und der Veröffentlichung eines Kunstbuchs. Im Jahr 2023 konzentrierte sich die MKL auf das postpandemische Publikum, indem sie Anti-Fragilität und Brave Spaces erforschte, die den kritischen Diskurs mit dem weißen Publikum fördern.

Ariel William Orah ist ein in Berlin lebender indonesischer Künstler, Community-Katalysator und Kulturschaffender. Er ist Mitbegründer der kollaborativen Plattform und Künstlergruppe Soydivision, des auf Empathie ausgerichteten Klangkünstler*innenkollektivs L-KW und der von Künstler*innen der asiatischen Diaspora geleiteten Denkfabrik Mutating Kinship Lab. Hany Tea ist eine interdisziplinäre Künstlerin, Aktivistin und Community-Organisatorin. Sie ist Mitglied von DAMN*, einem Aktivist*innenkollektiv und einer politischen Plattform, die die Stimmen der asiatischen Diaspora in Deutschland gegen die sich überschneidende Diskriminierung durch politische Community-Organisation, Bildung und Empowerment verbindet, verstärkt und mobilisiert.

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Curator’s tour, open lecture and launch of a publication

12-2pm Open Lecture and Exchange (in English) as part of the Gallery Weekend »Trading our sweat for their money«, on the histories, experiences, and cultural production of Thai migrant workers in Israel with Shahar Shoham, moderated by Rosalia Namsai Engchuan

»Trading our sweat for their money« is a quote from a song by a Thai farmworker in Israel. The song is part of collective reflections and expressions of their migration experiences from Isaan in the Northeast of Thailand to the fruits, flowers and vegetables farms of Israel. When browsing the aisles of a German supermarket and reaching for oranges or avocados from Israel, there’s a high probability they were harvested by a Thai farmworker. Thai migrant workers are essential to the Israeli agricultural sector, which has become dependent on their labor in the past four decades. The welcoming of Thai migrants to Israel is however heavily regulated and extremely conditional: they are only allowed to work in the agricultural sector for a limited time and are controlled by migration policies which aim to maintain their marginalized position while in Israel. Their migration pathways are concrete manifestations of larger historical and geopolitical entanglements: the American war in Vietnam, the internal colonization of Isaan – a region in the Northeast of Thailand – through neoliberal migration policies framed as »development« initiatives and the transnational production of a stereotype of the »ideal« Thai farmworker as docile and obedient. In an open lecture, Shahar Shoham, an Anthropologist and activist working with Thai farmworkers in Israel and Thailand, will share on her research and efforts to center migrant narratives and experiences. 

Shahar Shoham is a doctoral candidate in Global and Area Studies at the Institute for Asian and African Studies at Humboldt University. Her ethnographic research provides a new perspective on the Thailand-Israel labor migration regime by centering the experiences of Thai migrant farmworkers in Israel as well as their sending communities in Thailand. Shoham holds a B.A in Philosophy and East Asia Studies from Tel Aviv University, and an M.A in Global Studies from Humboldt University. She received scholarships from the DAAD and the Hans-Böckler-Stiftung. Previously, Shoham managed the migrants and refugee department in the NGO »Physicians for human rights-Israel«.

3-5pm Curator’s tour with Sarnt Utamachote (in English, German or Thai)

5-7pm Publication Launch of Mutating Kinship Lab 2023 (in English)

Mutating Kinship Lab (MKL) is an artistic think-tank entitiy dedicated to fostering dialogue and collaboration within the Asian diaspora artist community in Germany with a primary focus on archival initiatives, building a network of support, and sharing resources. In 2022, the initiative responded to the pressing issues of precarious living and working conditions faced by the Asian diaspora through a series of workshop and art book publication. In 2023, MKL focused on the post-pandemic audienceship by exploring Anti-Fragility and Brave Spaces, which promote critical discourse with white audiences.

Ariel William Orah is a Berlin-based Indonesian artist, community catalysator, and cultural practitioner. He co-founded the collaborative platform and artist group Soydivision, the empathy-driven sound artist collective L-KW, and Asian-diaspora artist-led think thank entity Mutating Kinship Lab. Hany Tea is an interdisciplinary artist-activist and community organiser. She is a member of DAMN*, an activist collective and political platform that connects, amplifies and mobilises voices of the Asian diaspora in Germany against intersecting discrimination through political community organising, education and empowerment.

06. April 2024
11-13 Uhr Kuratorinnenführung mit Sarnt Utamachote (in Englisch, Deutsch oder Thai) mit Übersetzung in Filipino
13-14 Uhr »Somtam Manifesto« von Mon Sisu Satrawaha (in Englisch), eine Mitmach-Performance mit Essen Ort: Galerie Wedding

Diese Performance ist Teil der ausgestellten Installation. In Anlehnung an ein altes siamesisches Sprichwort, das besagt, dass »eine Frau nach dem Klang ihres Mörsers beurteilt wird«, wird die Künstlerin das Publikum einladen, mit ihr Papayasalat zu machen. Diese Strategie, Essen als Gemeinschaftsachse und Ausgangspunkt für Diskussionen über Rechte zu nutzen, wurde auch in der Vergangenheit von vielen Aktivistinnen angewandt. Durch das Zusammenkommen entstehen Klänge, die womöglich eine Revolte auslösen können.

15-18 Uhr »Rosas ng Digma« Musik-Jam-Workshop mit dem Kollektiv Gabriela
Germany (in Englisch und Filipino)
Ort: Galerie Wedding
Anmeldung erforderlich: post@galeriewedding.de

Lieder und Gedichte zur Feier und Ehrung der Frauen im Kampf für Freiheit und Demokratie. Bei dieser Veranstaltung werden Lieder und Gedichte vorgetragen, die den unermesslichen Beitrag der Frauen im Kampf für Freiheit und Demokratie auf den Philippinen und darüber hinaus herausstellen. In die Performances werden Kurzgeschichten und Erzählungen über die Auswirkungen dieser progressiven kulturellen Beiträge in diesem Kampf eingestreut. Der Titel der Veranstaltung „Rosas ng digma“ ist ein Lied, das 2001 von Musikang Bayan veröffentlicht wurde und eine Hommage an die Frauen ist, die ihr Leben dem Kampf widmen.

20-22 Uhr Lesung aus eigenem Gedicht und Buch (in Englisch und Deutsch) mit Analie Gepulani
Neiteler und Anika Baluran Schäfer
Ort: Galerie Wedding
Anmeldung erforderlich: Bitte hier anmelden

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6 April 2024
11am-1pm Curator’s tour (in English or German or Thai) with Filipino translation
1-2pm Food-related Participatory Performance »Somtam Manifesto« (in English) by
Mon Sisu Satrawaha
Location: Galerie Wedding

This performance is a part of the installation exhibited, based on the old Siamese proverb that »judges the women by the sounds of her mortar«, the artist will invite audiences to make papaya salad with her. This strategy of using food as a community axis and beginning point of discussion on rights has been utilised by many activists in the past as well. Creating sounds of, perhaps, revolt by coming together.

3-6pm »Rosas ng Digma« (Rose of the War/Struggle, in English and Filipino) Music
Jam Workshop by collective Gabriela Germany
Location: Galerie Wedding
Registration required: post@galeriewedding.de

Songs and poems to celebrate and honour the women in the struggle for freedom and democracy. This event showcases performances of songs and poems highlighting the invaluable contributions of women in advancing the struggle for freedom and democracy in the Philippines and beyond. Short stories as well as narratives on the impacts of these progressive cultural performances in the struggle will be interspersed in the performances. The event title »Rosas ng digma« is a song released by Musikang Bayan in 2001 that pays homage to the women who dedicate their lives to the struggle.

8-10pm Collective reading from poem and book (in English and German) with Analie Gepulani Neiteler and Anika Baluran Schäfer
Location: Galerie Wedding
Registration required: Please register here

Veranstaltungen als Teil der Woche gegen Rassismus

21. März 2024
16-18 Uhr Kurator*innenführung mit Sarnt Utamachote (in Englisch, Deutsch oder Thai)
18-20 Uhr Performance »What kind of woman?«, eine interaktive Langzeitperformance von Raksa Seelapan als Teil der Woche gegen Rassismus

Seelapan lädt das Publikum ein, mit ihren Auftritten zu interagieren, entweder aus der Ferne, indem sie auf das digitale Whiteboard schreibt, oder aus der Nähe, indem sie direkt auf einen zugeht. Hier wird sie selbst zu einer lebenden Leinwand, die es erlaubt, ihr Aussehen, ihre Kleidung und ihr Verhalten zu beurteilen und im Hinblick auf gesellschaftliche Normen, persönliche Interpretationen und die Angst vor Intimität zu erforschen, mit dem mittlerweile der Körper einer asiatischen Frau behaftet ist. Sie hinterfragt schließlich das Recht des Körpers, sexuell, sinnlich, einschüchternd und provokativ zu sein. Der Höhepunkt am Ende der Ausstellung zielt darauf ab, diese Ergebnisse in eine abschließende Darstellung auf der Finissage zu verwandeln.

Siehe auch: IN NOBODY’S SERVICE | What kind of woman? – Stiftung gegen Rassismus (stiftung-gegen-rassismus.de)

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Events as part of the Week Against Racism

21. March 2024
4-6pm Curator’s tour with Sarnt Utamachote (in English or German or Thai)
6-8pm Performance »What kind of woman?« Durational interactive piece by Raksa Seelapan as part of Week Against Racism

Raksa invites the audience to interact with her appearances, either from afar by writing on the digital whiteboard, or from nearby by directly approaching her. Here she becomes a living canvas, allowing her appearance, dress, and behaviour to be judged and explored in terms of societal norms, personal interpretations, fear of intimacy, now embedded in the Asian women body. She questions ultimately the bodily rights to be sexual, sensual, intimidating, and provocative. The culmination at the exhibition’s end aims to transform these outcomes into a final presentation at the Finissage.

See also: IN NOBODY’S SERVICE | What kind of woman? – Stiftung gegen Rassismus (stiftung-gegen-rassismus.de)

ที่นี่ไม่เปิดให้บริการ

Sa Serbisyo sa Walang Sinuman

08.03. bis 18.05.2024

28.04.2024 von 12 – 14 Uhr Offener Vortrag und Austausch (in Englisch) im Rahmen des Gallery Weekend »Trading our sweat for their money«, über die Geschichte, Erfahrungen und kulturelle Produktion thailändischer Arbeitsmigrant*innen in Israel mit Shahar Shoham, moderiert von Rosalia Namsai Engchuan, 15-17 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA) anlässlich des Gallery Weekend, 17-19 Uhr Launch der Publikation »Mutating Kinship Lab 2023« (ENG)

02.05.2024 von 15-17 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA), 20-22 Uhr »Heartbound – A different kind of love story« (2018) Filmvorführung (DA & THA, OmeU) und Online-Gespräch (ENG) mit Sine Plambech und Sommai Molbaek im Sinema Transtopia

03.05.2024 von 20-22 Uhr »We don’t dance for nothing« (2022) Filmvorführung (ENG, FIL, Kantonesisch, OmeU) und Online-Gespräch mit Stefanos Tai (ENG) im Sinema Transtopia

04.05.2024 von 14-16 Uhr Interaktiver Wedding-Stadtrundgang mit Vertreter*innen von Ban Ying (DE, ENG), 18-20 Uhr »Westwärts« (1992), Filmvorführung und Gespräch (DE) mit Susanne Wycisk im Sinema Transtopia, 20-22 Uhr »BOON RAWD« (ผู้หญิงคนนั้นชื่อบุญรอด 1985) Filmvorführung (THA, ENG, OmeU) im Sinema Transtopia                                                              

18.05.2024 von 14-15 Uhr Performance »The Brainless Dancer« von Fah Passion-Asasu, 15-17 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA) mit philippinischer Verköstigung, 18-19 Uhr Performance »Unidentified« von Liad Hussein Kantoworicz, 20-21 Uhr Perfomance von Raksa Seelapan

Vergangene Veranstaltungen

07.03.2024 von 17-22 Uhr Vernissage mit Führung von Sarnt Utamachote und Künstler*innengespräch (ENG) mit thailändischer Verköstigung.

21.03.2024 von 16-18 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA), 18-20 Uhr: Performance »What kind of woman?«, eine interaktive Langzeitperformance von Raksa Seelapan als Teil der Woche gegen Rassismus 

06.04.2024 von 11-13 Uhr Kurator*innenführung (in ENG, DE oder THA) mit Übersetzung in Filipino, 13-14 Uhr »Somtam Manifesto« von Mon Sisu Satrawaha (ENG), eine Mitmach-Performance mit Essen, 15-18 Uhr »Rosas ng Digma« Musik-Jam-Workshop mit dem Kollektiv Gabriela Germany (ENG & FIL), 20-22 Uhr Lesung aus eigenem Gedicht und Buch (ENG & DE) mit Analie Gepulani Neiteler und Anika Baluran Schäfer 

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EVENTS IN NOBODY’S SERVICE

ที่นี่ไม่เปิดให้บริการ

Sa Serbisyo sa Walang Sinuman

28.04.2024 12-2pm Open Lecture and Exchange (in English) as part of the Gallery Weekend »Trading our sweat for their money«, on the histories, experiences, and cultural production of Thai migrant workers in Israel with Shahar Shoham, moderated by Rosalia Namsai Engchuan, 3-5pm Curator’s tour (ENG, GER or THA) during Gallery Weekend and 5-7pm publication launch »Mutating Kinship Lab 2023« (ENG)

02.05.2024 3-5pm Curator’s tour at Galerie Wedding (ENG, GER or THA) and 8-10pm »Heartbound – A different kind of love story« (2018) Film (DA & THA, with English subtitles) and online conversation with Sine Plambech and Sommai Molbaek (ENG) at Sinema Transtopia

03.05.2024 8-10pm »We don’t dance for nothing« (2022) film (ENG, FIL & Cantonese, with English Subtitles) and online-conversation with Stefanos Tai (English) at Sinema Transtopia

04.05.2024 2-4pm interactive Wedding City Tour and conversation with representatives of Ban Ying (GER, ENG), 6-8pm »Westwärts« (1992) film und conversation (GER) with Susanne Wycisk at Sinema Transtopia and 8-10pm »BOON RAWD« (ผู้หญิงคนนั้นชื่อบุญรอด 1985) film screening (THA & ENG, with English subtitles) at Sinema Transtopia

18.05.2024 2-3pm Public Durational Performance »The Brainless Dancer« by Fah Passion-Asasu, 3-5pm Curator’s tour (ENG, GER or THA) with Filipino food, 6-7pm Durational Performance »Unidentified« by Liad Hussein Kantoworic and 8-9pm Closing Durational Performance by Raksa Seelapan

Past Events

07.03.2024 5-10pm Opening with curator’s tour and artists talk (ENG) and Thai food

21.03.2024 4-6pm Curator’s tour (ENG, GER or THA) and 6-8pm Performance »What kind of woman?« Durational interactive piece by Raksa Seelapan as part of Week Against Racism

06.04.2024 11am-1pm Curator’s tour (ENG, GER or THA) with Filipino translation, 1-2pm Food-related Participatory Performance »Somtam Manifesto« by Mon Sisu Satrawaha (ENG), 3-6pm »Rosas ng Digma« (Rose of the War/Struggle) Music Jam Workshop by collective Gabriela Germany (ENG & FIL), 8-10pm Reading from poem and the book (regiospectra 2022) (ENG & GER) with Analie Gepulani Neiteler and Anika Baluran Schäfer 

In dieser Ausstellung wird der Raum als Lounge oder als „Downtime Salon“ dargestellt, der widerspiegelt, wie Klang, Licht und räumliches Mapping eingesetzt werden, um für den*die Besucher*in Sphären der Resonanz zu schaffen. Diese Sphären verbinden physische Wesen in einer öffentlichen Umgebung und formen einen performativen Zeit-Raum von Zwischenmomenten, in dem sich ein gleichzeitiges Gefühl von Nichts und Alles entfaltet.“ Nile Koetting

Gewinne noch mehr Einblick in unsere aktuelle Ausstellung bei der kuratorischen Führung am 20.02. um 19 Uhr mit Nile Koetting und Nitsan Margaliot.

[EN]
“In this show, the space is rendered as a lounge or a „Downtime Salon,“ reflecting how sound, light, and spatial mapping are used to create spheres of resonance for the visitor. These spheres interconnect physical beings in a public setting, shaping a performative time-space of in-between moments where a simultaneous sense of nothing and everything unfolds.” Nile Koetting

Learn more about our current exhibition by taking part in the exhibition tour with Nile Koetting and Nitsan Margaliot on February 20th at 7 pm.

07.12.2023 von 19 Uhr bis 22 Uhr Ausstellungseröffnung POLYHARMONY mit »Introspective Étude« Live Intervention von Mari Sawada (Violine)

09.12.2023 um 15 Uhr Gespräch und Führung mit Nile Koetting und Nitsan Margaliot und 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Antoine Mermet (Saxofon)

16.12.2023 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Antoine Mermet (Saxofon)

06.01.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Antoine Mermet (Saxofon)

13.01.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Mari Sawada (Violine)

20.01.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Antoine Mermet (Saxofon)

27.01.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Mari Sawada (Violine)

03.02.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Antoine Mermet (Saxofon)

10.02.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Mari Sawada (Violine)

17.02.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Mari Sawada (Violine)

20.02.2024 um 19 Uhr Gespräch und Führung mit Nile Koetting und Nitsan Margaliot

24.02.2024 von 15 bis 18 Uhr »Introspective Étude« Live Intervention von Mari Sawada (Violine)

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Events POLYHARMONY

07.12.2023 from 7pm until 10pm Opening POLYHARMONY and »Introspective Étude« Live Intervention with Mari Sawada (Violin)

09.12.2023 at 3 pm Artist Talk with Nile Koetting and Nitsan Margaliot and 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention von Antoine Mermet (Saxofon)

16.12.2023 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Antoine Mermet (Saxophone)

06.01.2024 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Antoine Mermet (Saxophone)

13.01.2024 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Mari Sawada (Violin)

20.01.2024 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Antoine Mermet (Saxophone)

27.01.2024 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Mari Sawada (Violin)

03.02.2024 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Antoine Mermet (Saxophone)

10.02.2024 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Mari Sawada (Violin)

17.02.2024 from 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Mari Sawada (Violin)

20.02.2024 at 7pm Artist Talk with Nile Koetting and Nitsan Margaliot 

24.02.2024 at 3pm until 6pm »Introspective Étude« Live Intervention with Mari Sawada (Violin)

*English version below

12.10.2023 von 19 bis 21 Uhr AevtarDeprogram: Debugging the Program
Workshop mit Cibelle Cavalli Bastos in der Galerie Wedding. In englischer Sprache. Eintritt frei. Anmeldung an post@galeriewedding.de. Die Platzzahl für Drop-Ins ist begrenzt.

18.10.2023 um 18 Uhr Kuratorinnenführung POLY. A Fluid Show mit Solvej Helweg Ovesen und der Künstler*in Cibelle Cavalli Bastos im KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst, im Maschinenhaus M2. In englischer Sprache. Eintritt frei. Anmeldung vorab online über kindl-berlin.de/diskursprogramm.

– Individuelle Fahrt vom KINDL zur Galerie Wedding –

18.10.2023 um 20 Uhr Kuratorinnenführung POLYMORPH mit Solvej Helweg Ovesen und der Künstler*in Cibelle Cavalli Bastos in der Galerie Wedding. In englischer Sprache. Eintritt frei. Keine Anmeldung erforderlich.

08.11.2023 um 19:30 The Flow Equation/SelfDefrag: Performance von Cibelle Cavalli Bastos im KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst. In englischer Sprache. Eintritt frei. Keine Anmeldung erforderlich.

16.11.2023 von 17 bis 19 Uhr Debinarize/Debinarizing
Workshop mit Cibelle Cavalli Bastos in der Galerie Wedding. In englischer Sprache. Eintritt frei. Anmeldung an post@galeriewedding.de. Die Platzzahl für Drop-Ins ist begrenzt. (Änderung der Uhrzeit wird vorbehalten).

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POLY Events

12.10.2023 from 7 to 9 pm AevtarDeprogram: Debugging the Program
Workshop with Cibelle Cavalli Bastos at Galerie Wedding. In English language. Free admission. Send registration to post@galeriewedding.de. The number of places for drop-ins is limited.

18.10.2023 at 6 pm guided tour POLY. A Fluid Show with curator Solvej Helweg Ovesen and artist Cibelle Cavalli Bastos at KINDL – Centre for Contemporary Art, in Maschinenhaus M2. In English language. Free admission. Sign-up online via kindl-berlin.de/diskursprogramm.

– independent commute from KINDL to Galerie Wedding –

18.10.2023 at 8 pm guided tour POLYMORPH with curator Solvej Helweg Ovesen and artist Cibelle Cavalli Bastos at Galerie Wedding. In English language. Free admission. No registration required.

08.11.2023 at 7:30 pm The Flow Equation/SelfDefrag: Performance by Cibelle Cavalli Bastos at KINDL – Centre for Contemporary Art. In English. Free admission. No registration required.

16.11.2023 from 5 to 7 pm Debinarize/Debinarizing
Workshop with Cibelle Cavalli Bastos at Galerie Wedding. In English language. Free admission. Send registration to post@galeriewedding.de. The number of places for drop-ins is limited. (The time might be subject to change).

POLYCHROME
The Myth of Karukera and Cibuqueira

Eine Ausstellung von Thomias Radin

Kuratiert von Malte Pieper

Finissage am 26.08.2023

15 Uhr – Ausstellungsrundgang in englischer Laut- und deutscher Gebärdensprache

Installation mit Klang und Video von Oscar Ngu Atanga und Phillipp Och (afro.bahn Kollektiv)
19 Uhr – Performance von Thomias Radin
20 Uhr – DJ Set von Oscar Ngu Atanga

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

In der Ausstellung stellt Thomias Radin in der Galerie Wedding sein neu geschaffenes Wandgemälde „Der Mythos von Karukera und Cibuqueira” vor. Der Titel lehnt an die Eigennamen der beiden Hauptinseln von Guadeloupe an. Mit dem Wandgemälde knüpft Radin eine Geschichte rund um die Bedingung des Menschseins, die Kraft der Bewegung und die fortwährende Bedeutung von Mythen für unser Weltbild.

Um 19 Uhr wird Radin das Wandbild im Rahmen der Finissage durch Klang und Bewegung in einer Performance aktivieren. Um 15 Uhr führen Thomias Radin und Malte Pieper durch die Ausstellung. Der Ausstellungsrundgang findet auf englischer Lautsprache und deutscher Gebärdensprache (DGS) statt. Auch eine Übersetzung in deutsche Lautsprache ist möglich. 

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POLYCHROME
The Myth of Karukera and Cibuqueira

An exhibition by Thomias Radin

Curated by Malte Pieper

Part of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in collaboration with KINDL – Centre for Contemporary Art
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Finissage on 26.08.2023

3 pm – Exhibition Tour in English spoken and German sign language

Visual and sonic installation by Oscar Ngu Atanga and Phillip Och (afro.bahn collective)
7 pm – Performance by Thomias Radin
8 pm – DJ Set by Oscar Ngu Atanga

Thomias Radin premieres his newly created mural ›The Myth of Karukera and Cibuqueira‹, inspired by the two native names of the main islands of Guadeloupe. Radin weaves a story exploring the human condition, the power of movement, and the enduring relevance of myth in shaping our understanding of the world.

For the finissage ceremony, at 7 pm Radin activates the work in a performance with sound and movement. At 3 pm, Thomias Radin and Malte Pieper propose a tour in the exhibition in English spoken language and German sign language. Translation to German spoken language available.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Freitag 18. November um 17 Uhr Führung durch die Ausstellung Grounded Outer Space People mit der Kuratorin Solvej Helweg Ovesen und dem Künstler Anton Kats

„Die Unterbringung des GOSP Ensembles in der Galerie Wedding und die Bereitstellung unserer Räumlichkeiten für ihre Proben und vor allem auch für Veranstaltungen und improvisierte Konzerte haben uns in einen Raum eingeladen – ähnlich wie die alten Jazzsalons -, in dem die Musik zu einem Wegbegleiter wird, zu einem Asyl für uns, während wir uns verwandeln.“ Solvej Ovesen

Je nach Bedarf kann die Führung auf Englisch oder Deutsch gegeben werden

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Exhibition Tour Grounded Outer Space People

Friday November 18 at 5 pm guided tour through the exhibition Grounded Outer Space People with curator Solvej Helweg Ovesen and artist Anton Kats

„Hosting the GOSP Ensemble at Galerie Wedding and making our space available for their rehearsals and especially for events and improvised concerts has invited us into a space – much like the old jazz salons – where music becomes a companion, an asylum for us as we transform.“ Solvej Ovesen

Depending on demand, the tour can be given in English or German

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

14.10. bis 19.11. 2022

Performative Ausstellung mit Künstler*innenresidenz und Musikensemble von Anton Kats

mit Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh,
Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy,
Aiko Okamoto, und Ziggy Zeitgeist

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung mit DJ am 13.10. 2022, 18 bis 22 Uhr

Am 13.10.2022 von 18 bis 22 Uhr eröffnet »Grounded Outer Space People« von Anton Kats, eine performative Ausstellung in der Galerie Wedding, die die neuste Ausgabe des nomadischen Projekts mit Live-Performances und DJs präsentiert. 

»Grounded Outer Space People« ist eine nomadische Künstler*innenresidenz und ein Musikensemble, das die Beziehung zwischen »transmigration« und Musik untersucht. Die in einem temporären Studio arbeitende Künstler*innengruppe bespielt den Galerieraum und erweitert den ausstellungsartigen Rahmen durch Ensembleproben, Konzerte, Präsentationen, Performances, Klang- und Bildarbeiten sowie Workshops. 

Raumgreifende Partituren und Zeichnungen erstrecken sich über die Wände der Galerie und kündigen den Launch des Vinyls »Vostok 7« an, ein Hörspiel, das als Reenactment des noch zu bauenden Raumschiffs konzipiert ist. Ausgehend von einer Wahrnehmungsverschiebung vom Visuellen zum Klanglichen betreibt das Projekt ein mobiles Soundsystem, eine Radiostation und einen Hörraum voller Musikinstrumente und akustischer Geräte. 

Anton Kats (*1983 in Cherson) ist ein ukrainischer bildender Künstler, Musiker und Tänzer. In einem Moment, in dem die meisten politischen Konzepte scheitern, wendet sich der Künstler den Protagonist*innen des ukrainischen Kosmismus wie Fedir Tetyanych zu und lässt sich auch von Musiker*innen, Improvisator*innen und Künstler*innen wie Don Cherry und Mocki Cherry inspirieren. Diese Synthese bietet einen dynamischen Ausgangspunkt, um das Konzept der Seelenwanderung als performative, künstlerische und kollektive Praxis zu erforschen. »Grounded Outer Space People« lädt multidisziplinäre Künstler*innen mit unterschiedlichem Hintergrund ein, das zeitgenössische Verständnis von Migration mit Hilfe eines ephemeren Musikensembles zu erweitern, und schlägt ein kritisches Mapping vor, aus dem die Poetik geographischer Verdrängung hervorgehen könnte.

Für das Publikum öffnet zum ersten Mal auch die »Transmigration Library«, eine sich ständig wandelnde Sammlung von Büchern, die speziell auf der Grundlage von Kats‘ Forschungsinteressen im Bereich Klang und Musik, ebenso wie aus einer politisch engagierten künstlerischen Praxis heraus, ausgewählt wurden. Indem das Projekt spielerisch die Idee der Seelenwanderung aufgreift und ein Leben nach dem anderen annimmt, verweist es auf die sehr konkreten Dimensionen eines Körpers, einer Familie, eines Landes, eines Planeten und einer Geschichte. Diese kosmische Landschaft, die furchtlos mit Geist und Mythos, dem Akt des Storytellings, verwoben ist, kommt den Besucher*innen auf halbem Weg entgegen und lädt dazu ein, vorgegebene Beziehungsmodelle zu verlernen.

Ein offenes Veranstaltungsprogramm aus Präsentationen, Konzerten, Listening Session und Ausstellungsführung begleitet das Projekt im Oktober und November. 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Grounded Outer Space People

14.10. – 19.11. 2022

Artist residency and Music ensemble by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt,
Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening with DJ on 13.10. 2022, 6 to 10 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

On 13.10.2022 »Grounded Outer Space People« by Anton Kats opens from 6 to 10 pm a performative exhibition at Galerie Wedding marking the latest iteration of the nomadic project with live performances and DJs.

»Grounded Outer Space People« is a nomadic artist residency/music ensemble investigating the relationship between transmigration and music. Operating in a temporary studio the group of artists inhabits the gallery space and expands the exhibition-like frame through ensemble rehearsals, concerts, presentations, performances, sound- and visual works, and workshops. Upscaled scores and drawings extend over the gallery walls setting forth the launch of »Vostok 7« vinyl, a radio play conceived as a reenactment of the spaceship that has yet to be built. Driven through the perceptual shift from the visual to the sonic, the project operates a mobile sound system, a radio station, and a listening space full of musical instruments and sonic devices.

Anton Kats (*1983 in Kherson) is a Ukrainian visual artist, musician, and dancer. At a moment when most political concepts fail, the artist turns to the protagonists of Ukrainian cosmism such as Fedir Tetyanych, also drawing inspiration from musicians, improvisers, and artists such as Don Cherry and Mocki Cherry. This synthesis offers a dynamic starting point to explore and expand the concept of transmigration as a performative, artistic, and collective practice. Inviting multidisciplinary artists from different backgrounds to explore and expand the contemporary understanding of migration through an ephemeral music ensemble, »Grounded Outer Space People« propose a critical mapping from which the poetics of displacement might emerge.

Opening doors to the first iteration of the »Transmigration Library« the audience is invited to engage with an ever-changing collection of books curated through Kats‘ practice in sound, music, and politically engaged artistic practice. Playfully embracing the notion of reincarnation, taking one lifetime at a time, the project points towards the very concrete dimensions of a body, family, country, planet, and history. Fearlessly entangled with spirit and mythos, the act of storytelling, this cosmic landscape meets the visitor halfway and invites to unlearning of predetermined relational models.

An event program with presentations, concerts, a listening session, and an exhibition tour accompanies the project in October and November. 

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

<Fahrradtour abgesagt> 04.09.2022 Die Fahrradtour fällt leider aus, offen ist die Galerie dennoch: Diesen Sonntag hat sie ihre Türen für Besucher*innen von 14 bis 19Uhr geöffnet.

Am Sonntag, den 4.9. 2022 findet von 15 bis 18:30 Uhr eine Fahrradtour während der KGB-Kunstwoche mit Station in der Galerie Wedding und anschließender Ausstellungsführung statt.

Während der Touren lernen Sie die Arbeit der 35 kommunalen Galerien Berlins kennen. Vor Ort begrüßen Sie Galerieleiter:innen, Kurator:innen und Künstler:innen, präsentieren die laufenden Ausstellungen und stellen Programmschwerpunkte der Galerien vor.

Jede Tour schließt mit einem Überraschungsevent ab.

Die Teilnahme ist kostenfrei.

Die Touren sind bedingt barrierefrei.
Anmeldung bis 31.8. 2022 unter: mail@kgberlin.net

Moderation: Malte Pieper, Dr. Sabine Ziegenrücker

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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04.09. 2022 (KGB Art Week)
A bicycle tour in German language during the „KGB-Kunstwoche“ with a stop at Galerie Wedding followed by an exhibition tour. Please register until 31.8.2022 at: mail@kgberlin.net

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

28.04.2022 um 16 Uhr Ausstellungsführung mit Solvej Helweg Ovesen, Irene Fernández Arcas und anderen Künstler*innen; um 17 Uhr Buchpräsentation von „Earnestly“ mit Monilola Olayemi Ilupeju; um 18 Uhr Ritual mit Irene Fernández Arcas und Victoria Fechtner.

Im Rahmen des Ausstellung Existing Otherwise – Inner Jungle von Irene Fernández Arcas in der Galerie Wedding – kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

»Der Grund, warum ich Kunst mache, ist eigentlich, dass ich dem Ganzen einen Sinn geben will. Die Kunstwerke verschmelzen und verwandeln sich, wenn wir viele Menschen zusammenbringen. Ich schaffe Räume mit kleinen Innenräumen, und sie sind nichts, wenn sie nicht gelebt werden. (…) Diese und andere Veranstaltungen, die in der Ausstellung geplant sind, machen den Raum lebendig: Rituale, Happenings, Tänze, Abendessen, Lesungen und Konzerte. Die von mir geschaffenen Räume sind Materialisierungen unseres inneren Dschungels. Es sind Räume, um anders zu existieren, rein und im Moment«. 

Irene Fernández Arcas im Gespräch mit Solvej Helweg Ovesen

Am 28. April (Donnerstag) um 16 Uhr führen die Kuratorin Solvej Helweg Ovesen und die Künstlerin Irene Fernández Arcas die Besucher*innen durch die Ausstellung „Existing Otherwise – Inner Jungle“ von Irene Fernández Arcas und erläutern in einer Dialogführung mit anderen eingeladenen Künstlern die Hintergründe des Projekts.

Um 17 Uhr lädt die Künstlerin und Autorin Monilola Olayemi Ilupeju zur Präsentation ihrer neuen Textsammlung „Earnestly“. Die transdisziplinäre Praxis von Ilupeju konfrontiert mit den Verzerrungen systemischer Strukturen und bietet gleichzeitig Wege zur kollektiven und körperlichen Heilung. Während sie sich mit persönlichen Themen auseinandersetzt, hinterfragt sie auch die breiteren politischen Kontexte, in denen diese Themen und Beobachtungen liegen. 

Um 18 Uhr werden die Künstlerinnen, Irene Fernández Arcas und Victoria Fechtner, ein Ritual „Ritual a la Alegria“ in der Ausstellung durchführen. Für weitere Informationen melden Sie sich an: hello@irenefernandezarcas.com. 

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Gallery Weekend

28.04.2022 at 4 pm Guided tour of the exhibition with Solvej Helweg Ovesen, Irene Fernández Arcas and other artists; at 5 pm Book presentation of „Earnestly“ with Monilola Olayemi Ilupeju; at 6 pm Ritual with Irene Fernández Arcas and Victoria Fechtner.

Within the framework of the exhibition
Existing Otherwise – Inner Jungle by Irene Fernández Arcas at Galerie Wedding – curated by Solvej Helweg Ovesen.

„The reason why I do art is actually to make sense of it all. The art works melt and transform when we bring a lot of people together. I create spaces with smaller rooms inside and they are nothing if they are not lived. (…) This and other events planned in the exhibition make the space lively: rituals, happenings, dances, dinners, readings, and concerts. The rooms I create are materializations of our inner jungle. These are spaces to exist otherwise, purely and in the moment.“

Irene Fernández Arcas in conversation with Solvej Helweg Ovesen

On 28 April (Thursday) at 4 pm, the curator Solvej Helweg Ovesen and the artist Irene Fernández Arcas will guide visitors through the exhibition „Existing Otherwise – Inner Jungle“ by Irene Fernández Arcas and explain the background of the project with other invited artists in a dialogue tour.

At 5 pm, the artist and author Monilola Olayemi Ilupeju invites you to the presentation of her new text collection Earnestly. Ilupeju’s transdisciplinary practice confronts the distortions of systemic structures while offering avenues toward collective and embodied healing. As she works through personal subject matter, she also interrogates the broader, political contexts in which these issues and observations lie.

At 6 pm, the artists Irene Fernández Arcas and Victoria Fechtner will perform a ritual „Ritual a la Alegria“ in the exhibition. Register here for more information: hello@irenefernandezarcas.com.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

08.04. bis 21.05. 2022

Eine Ausstellung von Irene Fernández Arcas

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 07.04 2022, 19 bis 22 Uhr

Hot shot de Yoggaton + DJ Set mit Maque Pereyra ab 19 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Die Künstlerin bietet mit farbenfrohen und humorvollen Gemälden, Keramiken, Filmen und Ritualen einen alternativen mentalen und physischen Raum zu dem rauen Großstadtdschungel. Die Ausstellung  spricht Menschen in jeden Alters an und bietet ein sanftes Ankommen im Frühling, trotz der Turbulenzen, die sich seit Winter ereignen.

Irene Arcas Fernandéz beschreibt den Inner Jungle (Innerer Dschungel) als „ein utopischer innerer Schutzraum, ein Zufluchtsort, vielleicht voller Licht, Landschaftserinnerungen oder einfach ein imaginärer Ort. Wir alle können solche inneren Räume mit sehr wenig Mitteln schaffen – auch Kinder, es ist kein spezielles Lernen nötig. Wenn man sich einen inneren Dschungel schafft und dorthin bewegt, findet man alles, was man sucht, z. B. Ruhe oder Entspannung“. 

Der Altar ist ein zentrales Gestaltungsmittel in Fernández Arcas Installationen, auch im „Inneren Dschungel“. Hier verwandelt sich der Ausstellungsort in einen physisch weichen Raum, in dem es sowohl Platz für Trauer als auch für Erleichterung oder gar körperliche Auflösung gibt. Es gibt einen Altar, keinen religiösen, aber einen Ort, der eine Menge Schönheit und heilende Energien in sich vereint. 

So viel ihr die Malerei und Keramik auch bedeutet, für Irene Fernández Arcas ist die Zusammenarbeit mit anderen die höchste Form der Kunst. Mit der Ausstellung Inner Jungle versucht sie mit einer Reihe von Mitgestalter*innen sowie dem Team der Galerie Wedding ein Gesamtkunstwerk zu entfalten. Zahlreiche Veranstaltungen werden die Ausstellung begleiten: Yoggaton zur Eröffnung, Künstlerin/Kuratorinnenn-Führung, Lesung und Ritual sowohl als Flamenco zum Gallery Weekend, Kindertanz auf dem Rathausvorplatz, und ein Konzert als Finissage. Irene Fernández Arcas erklärt zur farbenprächtigen, einladenden Ausstellung umhüllender Malerei : „Die von mir geschaffenen Räume sind Materialisierungen unseres inneren Dschungels. Es sind Räume, um anders zu existieren, rein und im Moment.“ 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Existing Otherwise – Inner Jungle

08.04. – 21.05. 2022

Exhibition by Irene Fernández Arcas

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening on 07.04. 2022, 7 to 10 pm

Hot shot de Yoggaton + DJ Set with Maque Pereyra, 7 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

With her colourful and humorous paintings, ceramics, films and rituals, the artist provides an alternative mental and physical space out of the harsh urban jungle. The exhibition addresses people of all ages and offers a soft landing into spring, despite the turbulences that have been happening since winter. 

Irene Fernandéz Arcas describes the Inner Jungle as „a utopian inner safe space, a refuge, full of lights maybe, landscape memories, or simply an imaginary place. We can all create such inner spaces with very little tools – also children, there is for specific learning. If you create an inner jungle and go there, you can find whatever you want to find, such as peace or relaxation.“ 

The altar is a vital design element in Fernández Arcas’s installations in general, and in the Inner Jungle in particular. Here, the exhibition space is transformed into a tangible soft space where there is room for both mourning and relief, or even a sense of bodily dissolution. There is an altar, not a religious one, but a site that holds a lot of beauty and healing energies. 

As much as painting and ceramics mean to her, for Irene Fernández Arcas, collaboration with others is the highest form of art. With the exhibition Inner Jungle, she is attempting to unfold a „Gesamtkunstwerk“, a total work of art, in cooperation with a number of co-creators and the team at Galerie Wedding. Various events will accompany the exhibition: Yoggaton at the opening, a guided tour by the artist and curator, a reading and ritual as well as flamenco for the Gallery Weekend, kids‘ dance on the square in front of the town hall, and a concert at the finissage. Irene Fernández Arcas comments on the colourful, enveloping exhibition of paintings: „The spaces I create are materialisations of our inner jungle. They are spaces to exist otherwise, pure and in the moment.“

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

*see English version below

14.01. bis 30.04. 2022

Ausstellung und Re-Schooling Programm

The Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA Tamale), Red Clay und Nkrumah Voli-ni, Tamale, Ghana

Das einjährige Kunstprojekt begann 2021 in Berlin und gipfelt in einer internationalen Ausstellung im Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA Tamale) in Tamale, Ghana, die im Januar 2022 eröffnet wird. Ausgehend von der Idee, dass wir nicht zu einer „Normalität“ vor der Krise zurückkehren wollen, wurden die Künstler*innen Isabel Lewis (The Institute for Embodied Creative Practices, Callie’s, Berlin) und Ibrahim Mahama (Savannah Centre for Contemporary Art/ SCCA Tamale) eingeladen, das Projekt mit zu kuratieren und zu moderieren. Während Lewis‘ Performances, situative Arbeiten und Choreografien unsere Beziehung und Vorstellung von Zusammensein verändern, um uns zu mehr Intimität untereinander zu verhelfen, überdenkt Mahama unsere Beziehung zu Material und Geschichte. Das Kuratorinnenteam hat mit allen eingeladenen Künstler*innen zusammengearbeitet, um eine Vision davon zu entwickeln, wie wir in materieller und relationaler Hinsicht anders existieren können.

mit Ana Alenso (VZ), Ato Jackson (GH), Bernard Akoi-Jackson (GH), Cecilia Vicuña (CL), Eli Cortiñas (ES), Emily Hunt (AU), Ernest Sackitey(GH), Hannah Toticki(DK), Jem Bendell (GB), Rosemary Esinam Damalie (GH), Rüzgâr Buşki (TR), Sarah Ama Duah (DE), Sandra Kyeraa (GH), Selom Kudjie (GH), Sikarnt Skoolisariyaporn (TH), Tracy Naa Koshie Thompson (GH)

Künstlerische Leitung Existing Otherwise & Galerie Wedding
Solvej Helweg Ovesen
Co-Kurator, Gründer SCCA Tamale, Ghana
Ibrahim Mahama
Kuratorische Beratung, Gründerin von The Institute of Embodied Creative Practises, Berlin
Isabel Lewis

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Existing Otherwise
The Future of Coexistence

14.01. to 30.04. 2022

Exhibition and Re-Schooling Programme

The Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA Tamale), Red Clay and Nkrumah Voli-ni, Tamale, Ghana

The one-year-long art project started in Berlin in 2021 and culminates in an international final exhibition at Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA Tamale) in Tamale, Ghana, opening in January 2022. Based on the idea that we do not want to return to any „normality“ before the crisis, the artists Isabel Lewis (The Institute for Embodied Creative Practices, Callie’s, Berlin) and Ibrahim Mahama (Savannah Centre for Contemporary Art/ SCCA Tamale) have been invited to co-curate and co-host the project. Whereas Lewis‘ performances, hostings, and choreographies transform our relation and idea of being together in order to help us to gain more intimacy among each other, Mahama rethinks our relation with material and history. The curatorial team have been working among all invited artists to form a vision of how we can exist otherwise, materially and relationally.

with Ana Alenso (VZ), Ato Jackson (GH), Bernard Akoi-Jackson (GH), Cecilia Vicuña (CL), Eli Cortiñas (ES), Emily Hunt (AU), Ernest Sackitey(GH), Hannah Toticki(DK), Jem Bendell (GB), Rosemary Esinam Damalie (GH), Rüzgâr Buşki (TR), Sarah Ama Duah (DE), Sandra Kyeraa (GH), Selom Kudjie (GH), Sikarnt Skoolisariyaporn (TH), Tracy Naa Koshie Thompson (GH)

Artistic Director
Solvej Helweg Ovesen
Co-curator, founder SCCA, Tamale, Ghana
Ibrahim Mahama
Curatorial advisor, founder The Institute of Embodied Creative Practises, Berlin, Germany
Isabel Lewis

Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses
is funded by the German Federal Cultural Foundation, kindly supported by the DAAD Artists-in- Berlin Program with Funds of the Federal foreign Office and executed and directed by XO Curatorial Projects (Kathrin Pohlmann & Solvej Helweg Ovesen) in close collaboration with Galerie Wedding – Space for Contemporary Art, Berlin, The Institute for Embodied Creative Practices, Berlin and Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA), Tamale.

*English version below

Führung in der Ausstellung auf deutscher Sprache mit Solvej Helweg Ovesen und Dirk Bell

Freitag, 10.12. 2021 um 17 Uhr

Danke für eine kurze Anmeldung per Email an post@galeriewedding.de

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Führung in der Ausstellung INTIM/E mit der künstlerischen Leitung Solvej Helweg Ovesen und dem Künstler Dirk Bell zu den unterschiedlichen Werken, Texten und Aspekten der gemeinsamen Unternehmen von Isabel Lewis und Dirk Bell. Dirk Bell wir präsent sein und seine Arbeiten erläutern. Zum Schluss gibt es eine Überleitung zu REIF (DJ Kollektiv ), die dann ab 18 Uhr den ganzen Abend auflegen zum Anlass ihrer ersten Plattenveröffentlichung REIF 01.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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INTIM/E

Exhibition tour in German language with Solvej Helweg Ovesen und Dirk Bell

Friday, 10.12. 2021 at 5 pm

To reserve a spot, please email us at post@galeriewedding.de

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

In the exhibition INTIM/E by Dirk Bell and Isabel Lewis, artistic director Solvej Helweg Ovesen and Dirk bell offer a guided tour in German language in the exhibition INTIM/E on the different works, texts and aspects of the joint ventures of Isabel Lewis and Dirk Bell. Dirk Bell will be present and discuss his work. Finally, there will be an introduction to REIF (DJ Kollektiv), who will then be playing the whole evening from 6 pm onwards on the occasion of their first record release REIF 01. 

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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“Existing Otherwise | Anders Existieren” (XO) ist ein Programm der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit XO Curatorial Projects, Berlin. “Existing Otherwise | Anders Existieren” wird realisiert in enger Partnerschaft mit The Institute for Creative Embodied Practices, Callie’s, Berlin, und Savannah Center for Contemporary Art (SCCA), Tamale (Ghana).

Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Bezirkskulturfonds.

Das Programm „Existing Otherwise I Anders Existieren. For a New Politics of the Senses“ ist gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Gespräch zwischen nora chipaumire und Isabel Lewis zur Eröffnung um 18 Uhr

Ausstellungseröffnung mit Live-DJ-Set von zz fya bby um 19 Uhr

Ausstellung von Isabel Lewis und Dirk Bell

26.11. 2021 – 12.02. 2022

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

In der Ausstellung INTIM/E von Dirk Bell und Isabel Lewis, die am 25. November 2021 beginnt, verfolgen die Künstler*innen einen anderen Ansatz zu Fragen der Zweisamkeit und zeitgenössischen Intimität. INTIM/E nimmt die beiden Räume der Galerie Wedding ein und erforscht Formen des begehrenden, verkörperten Seins, die nicht mit den üblicherweise geradlinigen Maßstäben des alltäglichen Lebens übereinstimmen. Die moderierten Situationen („hosted situations“) in der Galerie eröffnen das Potenzial für kollektives Spiel und gesteigerte Empfänglichkeit, die zu Strategien des Widerstands gegen die Standardisierung, Entfremdung und Hyper-Individualisierung des gegenwärtigen urbanen Lebens werden. Während die moderne romantische Liebe und ihre Ausprägung auf dem „Heiratsmarkt“ und in der Produktion der Kleinfamilie von zeitgenössischen Soziolog*innen als Faktor des Modernisierungsprozesses selbst analysiert und theoretisiert wurde, konzentriert sich diese Arbeit auf die romantische Liebe und das Begehren, wie sie in den Lücken von Zeit(en) und Distanz(en) zwischen Menschen und Dingen funktionieren. Lewis und Bell erforschen die Qualitäten, die Ästhetik und die Zeitlichkeit der Liebe und ihrer Ausdrucksformen sowohl in der entfremdeten Gegenwart und Nähe als auch unter den Bedingungen der Distanz, d. h. der durch Zeit und Umstände auseinander gerissenen Liebe. In diesen Lücken, Irritationen und Entgleisungen des Verstehens findet sich vielleicht das, was sich der Quantifizierung und Kommerzialisierung widersetzt, Seins- und Gefühlsweisen, die sich ausweiten, überlaufen, aus der Zeit, aus der Geschichte heraus treten und fragile und temporäre Alternativen in unserem urbanen Leben bilden.

In der Ausstellung von Bell und Lewis entfaltet sich ein Programm, das über die Rolle der Sprache bei der Bildung von Intimitäten nachdenkt. Wissenschaftler*innen zufolge sind 70 % der Kommunikation zwischen Menschen nonverbal. Das bedeutet, dass wir ohne Körpersprache, Gesten, Geruch, Berührung, Kleidungsstil und Stimmung so gut wie gar nicht kommunizieren. Die qualitativen Aspekte der Kommunikation wie das Timbre der Stimme, die Energie oder die „Chemie“ zwischen Menschen oder das Fehlen derselben lassen sich nicht in quantitative und virtuell übertragbare Daten umwandeln. Wir müssen dringend nach Wegen suchen, wie wir weiterhin reichhaltig und umfassend kommunizieren können, um unsere Menschlichkeit zu bewahren und weiter zu entfalten. JUICE: Language Futures reflektiert die Entwicklung der menschlichen Sprache und experimentiert mit Ansätzen, um die Besonderheiten, Möglichkeiten und Grenzen sowohl der verbalen als auch der nonverbalen Kommunikation hervorzuheben und zu betonen. Das Programm präsentiert die Arbeitsweisen von nora chipaumire, Branden Jacobs-Jenkins und Nora Turato.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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INTIM/E

Opening on 25.11. 2021

Conversation with nora chipaumire and Isabel Lewis at 6 pm

Exhibition Opening with live DJ set by zz fya bby at 7pm

Exhibition by Isabel Lewis and Dirk Bell

26.11. 2021 to 12.02. 2022

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

In the exhibition INTIM/E by Dirk Bell and Isabel Lewis starting on the 25th of November, 2021, the artists pursue yet other approaches to questions togetherness and contemporary intimacy. INTIM/E occupies both spaces of Galerie Wedding and explores forms of desirous, embodied being that are out of sync with the ordinarily linear measurements of everyday life. Hosted situations in the gallery open up the potential for collective playfulness and heightened receptivity to become strategies of resistance to the standardization, alienation, and hyper-individualization of contemporary urban life. While modern romantic love and its manifestation in the “marriage market” and production of the family unit have been analyzed and theorized by contemporary sociologists as an agent of the modernisation process itself, this work focuses on romantic love and desire as it operates in the gaps of time(s) and distance(s) between people and things. Lewis and Bell explore the qualities, aesthetics, and temporalities of love and its modes of expression in both the alienating present and proximal as well as in conditions of distance i.e. loves thrown apart by time and circumstance. In these gaps, discomforts, and slippages of understanding are perhaps to be found that which resists quantification and commodification, modes of being and feeling that spill over, out of time, out of historicization forming fragile and temporary alternatives within our urban lives. Within the exhibition of Bell and Lewis a program unfolds that reflects on the role language plays in the intimacies we form. According to scientists 70% of communication between humans is non-verbal. That means that without body language, gestures, smell, touch, dress code and ambience we are hardly communicating at all. The qualitative aspects of communication such as the timbre of voice, the energy or “chemistry” between people, or lack thereof, cannot be made into quantitative data to be transmitted virtually. It is urgent that we explore ways to continue to communicate, richly and fully, in order to preserve and continue to exercise our humanity. JUICE: Language Futures reflects on the evolution of human language and experiments with ways to highlight and emphasize the particularities, possibilities, and limitations of both verbal non-verbal communication and features the artist practices of nora chipaumire, Branden Jacobs-Jenkins, and Nora Turato

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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“Existing Otherwise | Anders Existieren” (XO) ist ein Programm der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit XO Curatorial Projects, Berlin. “Existing Otherwise | Anders Existieren” wird realisiert in enger Partnerschaft mit The Institute for Creative Embodied Practices, Callie’s, Berlin, und Savannah Center for Contemporary Art (SCCA), Tamale (Ghana).

Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Bezirkskulturfonds.

Das Programm „Existing Otherwise I Anders Existieren. For a New Politics of the Senses“ ist gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Eine Recherche-Residenz und Ausstellungsintervention von Dmitry Paranyushkin
Eingeladen von Isabel Lewis

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021-22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg OvesenB

Der Titel „EightOS“ bezieht sich auf das Unendlichkeitssymbol und die Zahl Acht, die aus Kreisen und Kurven besteht – ∞ / 8. Es handelt sich um eine Bewegungspraxis, die oft kollektiv und im öffentlichen Raum durchgeführt wird und in dieser Zeit in der Galerie Wedding zu erleben wird. Die Praxis verbindet dynamische Systemwissenschaft, Kampfkunst, Musik, Software und Technologie. Lange vor der Pandemie wurde sie von dem Künstler Dmitry Paranyushkin und seinen Mitarbeiter*innen entwickelt, um Schnittstellen zwischen künstlichen und natürlichen Intelligenzen zu erforschen. „Anders existieren“ bedeutet hier, sich mit anderen Menschen und Intelligenzen besser abzustimmen, zu trainieren um sich dann den aktuellen Gegebenheiten anpassen zu können.

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EightOS | Cross-contextual confluence

A research residency and exhibition intervention by Dmitry Paranyushkin
Invited by Isabel Lewis

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

The title „EightOS“ refers to the infinity symbol and the number eight, which consists of circles and curves – ∞ / 8. It is a movement practice that is often performed collectively and in public space, and can be experienced at Galerie Wedding during this period. The practice combines dynamic systems science, martial arts, music, software and technology. Long before the pandemic, it was developed by artist Dmitry Paranyushkin and his collaborators to explore interfaces between artificial and natural intelligences. „Existing otherwise“ here means to be more in tune with other people and intelligences, to train and then to be able to adapt to current circumstances.

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“Existing Otherwise | Anders Existieren” (XO) ist ein Programm der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit XO Curatorial Projects, Berlin. “Existing Otherwise | Anders Existieren” wird realisiert in enger Partnerschaft mit The Institute for Creative Embodied Practices, Callie’s, Berlin, und Savannah Center for Contemporary Art (SCCA), Tamale (Ghana).

Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Bezirkskulturfonds.

Das Programm „Existing Otherwise I Anders Existieren. For a New Politics of the Senses“ ist gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Eröffnung am 14.10. 2021 von 15 bis 21 Uhr

Führungen von Dmitry Paranyushkin um 16 und 19 Uhr

Eine Recherche-Residenz und Ausstellungsintervention von Dmitry Paranyushkin
Eingeladen von Isabel Lewis

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021-22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Dmitry Paranyushkin präsentiert seine interaktiven Bewegungsübungen und eine Ausstellungsintervention in dem vom Sozialamt eingerichteten Büro im Hauptausstellungsraum der Galerie Wedding. Er ist der letzte Künstler, der unter diesen Bedingungen ausstellt.

Der Titel „EightOS“ bezieht sich auf das Unendlichkeitssymbol und die Zahl Acht, die aus Kreisen und Kurven besteht – ∞ / 8. Es handelt sich um eine Bewegungspraxis, die oft kollektiv und im öffentlichen Raum durchgeführt wird und in dieser Zeit in der Galerie Wedding zu erleben wird. Die Praxis verbindet dynamische Systemwissenschaft, Kampfkunst, Musik, Software und Technologie. Lange vor der Pandemie wurde sie von dem Künstler Dmitry Paranyushkin und seinen Mitarbeiter*innen entwickelt, um Schnittstellen zwischen künstlichen und natürlichen Intelligenzen zu erforschen. „Anders existieren“ bedeutet hier, sich mit anderen Menschen und Intelligenzen besser abzustimmen, zu trainieren um sich dann den aktuellen Gegebenheiten anpassen zu können.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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EightOS | Cross-contextual confluence

Opening on 14.10. 2021 from 3 to 9 pm

A research residency and exhibition intervention by Dmitry Paranyushkin
Invited by Isabel Lewis

Guided tours by Dmitry Paranyushkin at 4pm and 7pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Dmitry Paranyushkin presents his interactive movement exercises and exhibition intervention in the office set up by the Social Welfare Office in the main exhibition space of Galerie Wedding. He is the last artist to exhibit under these conditions.

The title „EightOS“ refers to the infinity symbol and the number eight, which consists of circles and curves – ∞ / 8. It is a movement practice that is often performed collectively and in public space, and can be experienced at Galerie Wedding during this period. The practice combines dynamic systems science, martial arts, music, software and technology. Long before the pandemic, it was developed by artist Dmitry Paranyushkin and his collaborators to explore interfaces between artificial and natural intelligences. „Existing otherwise“ here means to be more in tune with other people and intelligences, to train and then to be able to adapt to current circumstances..

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced on our website.

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“Existing Otherwise | Anders Existieren” (XO) ist ein Programm der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit XO Curatorial Projects, Berlin. “Existing Otherwise | Anders Existieren” wird realisiert in enger Partnerschaft mit The Institute for Creative Embodied Practices, Callie’s, Berlin, und Savannah Center for Contemporary Art (SCCA), Tamale (Ghana).

Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Bezirkskulturfonds.

Das Programm „Existing Otherwise I Anders Existieren. For a New Politics of the Senses“ ist gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

15.10. bis 10.11. 2021

Eine Recherche-Residenz und Ausstellungsintervention von Dmitry Paranyushkin
Eingeladen von Isabel Lewis

Eröffnung am 14.10. 2021 von 15 bis 21 Uhr

Führungen von Dmitry Paranyushkin um 16 und 19 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021-22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Dmitry Paranyushkin präsentiert seine interaktiven Bewegungsübungen und eine Ausstellungsintervention in dem vom Sozialamt eingerichteten Büro im Hauptausstellungsraum der Galerie Wedding. Er ist der letzte Künstler, der unter diesen Bedingungen ausstellt.

Der Titel „EightOS“ bezieht sich auf das Unendlichkeitssymbol und die Zahl Acht, die aus Kreisen und Kurven besteht – ∞ / 8. Es handelt sich um eine Bewegungspraxis, die oft kollektiv und im öffentlichen Raum durchgeführt wird und in dieser Zeit in der Galerie Wedding zu erleben wird. Die Praxis verbindet dynamische Systemwissenschaft, Kampfkunst, Musik, Software und Technologie. Lange vor der Pandemie wurde sie von dem Künstler Dmitry Paranyushkin und seinen Mitarbeiter*innen entwickelt, um Schnittstellen zwischen künstlichen und natürlichen Intelligenzen zu erforschen. „Anders existieren“ bedeutet hier, sich mit anderen Menschen und Intelligenzen besser abzustimmen, zu trainieren um sich dann den aktuellen Gegebenheiten anpassen zu können.

Ab dem 15. Oktober 2021 werden Paranyushkin und seine regelmäßigen Teilnehmer*innen eine einmonatige Residency in der Galerie Wedding durchführen, bei der die Besucher*innen der Galerie eingeladen sind, die theoretischen und praktischen Aspekte von „EightOS“ zu erkunden. Der Schwerpunkt liegt auf der Beziehung zwischen Vielfalt und Anpassungsfähigkeit und deren Bedeutung für nachhaltige Arbeitsabläufe auf persönlicher und kollektiver Ebene.

Während des Künstleraufenthalts wird die Galerie Wedding mehrere Videoarbeiten und eine Reihe von Büchern über kontextübergreifende Praktiken ausstellen. Die Besucher*innen werden eingeladen, die Konzepte, Ideen und Inspirationen hinter der Praxis von „EightOS“ zu erleben.

Teilnahme: Dmitry Paranyushkin, der Erfinder des Körper-Geist-Operationssystems „EightOS“, wird in regelmäßigen Abständen in der Galerie Wedding und auf dem Rathausvorplatz neben der Galerie Praxissitzungen durchführen. Dort werden theoretische Arbeit und körperliche Aktivität miteinander verbunden.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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EightOS | Cross-contextual confluence

15.10. to 10.11. 2021

A research residency and exhibition intervention by Dmitry Paranyushkin
Invited by Isabel Lewis

Opening on 14.10. 2021 from 3 to 9 pm

Guided tours by Dmitry Paranyushkin at 4pm and 7pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Dmitry Paranyushkin presents his interactive movement exercises and exhibition intervention in the office set up by the Social Welfare Office in the main exhibition space of Galerie Wedding. He is the last artist to exhibit under these conditions.

The title „EightOS“ refers to the infinity symbol and the number eight, which consists of circles and curves – ∞ / 8. It is a movement practice that is often performed collectively and in public space, and can be experienced at Galerie Wedding during this period. The practice combines dynamic systems science, martial arts, music, software and technology. Long before the pandemic, it was developed by artist Dmitry Paranyushkin and his collaborators to explore interfaces between artificial and natural intelligences. „Existing otherwise“ here means to be more in tune with other people and intelligences, to train and then to be able to adapt to current circumstances..

From 15 October 2021, Paranyushkin and his regular participants will conduct a month-long residency at Galerie Wedding, where gallery visitors will be invited to explore the theoretical and practical aspects of „EightOS“. The focus will be on the relationship between diversity and adaptability and its importance for sustainable workflows on both a personal and collective level.

During the artists‘ residency, Galerie Wedding will exhibit several video works and a series of books on cross-contextual practices. Visitors will be invited to enter and experience the concepts, ideas and inspirations behind the practice of „EightOS“.

Participation: Sessions by Paranyushkin, the inventor of the body-mind-operation system „EightOS“, will be held on a regular basis at Galerie Wedding and on the Rathausvorplatz next to the gallery. Theoretical work and physical activity will be combined there.

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced on our website.

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“Existing Otherwise | Anders Existieren” (XO) ist ein Programm der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit XO Curatorial Projects, Berlin. “Existing Otherwise | Anders Existieren” wird realisiert in enger Partnerschaft mit The Institute for Creative Embodied Practices, Callie’s, Berlin, und Savannah Center for Contemporary Art (SCCA), Tamale (Ghana).

Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Bezirkskulturfonds.

Das Programm „Existing Otherwise I Anders Existieren. For a New Politics of the Senses“ ist gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Donnerstag, 03.12.2020 um 19 Uhr (online)

Ana Alenso im Gespräch mit Anna Dobelmann, Politik- und Sozialwissenschaftlerin
Eine Veranstaltung in Zusammenarbeit mit Urbane Künste Ruhr
Moderiert von Christina Danick (UKR) und
kommentiert von Kuratorin Solvej Helweg Ovesen (GW)

Folgt dem Gespräch hier

Wo kommen eigentlich unsere Rohstoffe her? Wie werden sie abgebaut? Und was für Auswirkungen hat der Export in den globalen Norden für die Abbaubedingungen und die Menschen im globalen Süden? Mit diesen Fragen beschäftigen sich die Künstlerin Ana Alenso und die Politikwissenschaftlerin Anna Dobelmann. In ihren künstlerischen Arbeiten nimmt Ana Alenso konkrete Fallbeispiele in den Blick, etwa die Erdölförderung oder den Goldabbau in Lateinamerika. Die Ergebnisse ihrer intensiven Recherchen und Gespräche mit Aktivist*innen und Wissenschaftler*innen präsentiert sie in großformatigen Installationen. Für die Ausstellung Ruhr Ding: Klima von Urbane Künste Ruhr arbeitet Alenso an einer Arbeit über den Goldabbau im venezolanischen Orinoco-Gebiet.

Anna Dobelmann ist studierte Politikwissenschaftlerin und promovierte Soziologin und hat an der Freien Universität Berlin und der Philipps-Universität Marburg zu Landkonflikten und Rohstoffausbeutung geforscht und gelehrt. Sie setzt sich wissenschaftlich mit den Auswirkungen von Rohstoffreichtum und -ausbeutung sowie den globalen Zusammenhängen, in die sie eingebunden sind, auseinander und ist Mitherausgeberin des Wörterbuchs Land und Rohstoffkonflikte (transkript 2019).

Gemeinsam diskutieren sie mit Solvej Ovesen, Kuratorin der Galerie Wedding | Raum für zeitgenössische Kunst anhand von Ana Alensos Arbeit über Ressourcenförderung, Rohstoffpolitik und die Möglichkeiten von künstlerischer Forschung und Aktivismus.

Die Veranstaltung wird auf YouTube gestreamt.

Ausstellung im Fenster
Die Mine gibt, die Mine nimmt
04.12.2020 bis 27.02.2021 (verlängert)
Eine Ausstellung mit Arbeiten von Ana Alenso
kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
SoS (Soft Solidarity)
konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

„Die Mine gibt, die Mine nimmt“, 2020, wurde ko-produziert von Urbane Künste Ruhr für das Ruhr Ding: Klima, 2021

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Thursday, 03.12.2020 at 7 pm (online)
Wandersalon on Air:
Ana Alenso in conversation with Anna Dobelmann, political scientist
An evening in collaboration with Urbane Künste Ruhr
Moderated by Christina Danick (UKR) and
commented by curator Solvej Helweg Ovesen (GW)

Join the conversation here

Where do our raw materials actually come from? How are they mined? And what impact does export to the global North have on the mining conditions and people in the global South? These are the questions that artist Ana Alenso and the political scientist Anna Dobelmann deal with.

In her artistic works, Ana Alenso focuses on concrete case studies, such as oil production or gold mining in Latin America. She presents the results of her intensive research and discussions with activists and scientists in large-format installations. For the exhibition ‚Ruhr Ding: Klima‘ by Urbane Künste Ruhr, Alenso is currently working on a new work about gold mining in the Venezuelan Orinoco region.

Anna Dobelmann studied political science and holds a doctorate in sociology. She has researched and taught on land conflicts and the exploitation of raw materials at the Freie Universität of Berlin and the Philipps-Universität of Marburg. She scientifically examines the effects of resource wealth and exploitation and the global contexts in which they are embedded. She is co-editor of the dictionary Land and Resource Conflicts (transkript 2019).

Based on Ana Alenso’s work, we will discuss resource extraction, resource policies, and the possibilities of artistic research and activism together with Solvej Ovesen, curator at Galerie Wedding | Raum für zeitgenössische Kunst.

The event will be streamed on YouTube.

Exhibition in the window
The mine gives, the mine takes
04.12.2020 until 27.02.2021 (extended)
An exhibition by Ana Alenso
curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the frame of the exhibition program
SoS (Soft Solidarity),
conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

„The mine gives, the mine takes“, 2020, was co-produced by Urbane Künste Ruhr for Ruhr Ding: Klima, 2021

11. Juni bis 25. Juli 2020

Ausstellungsführung mit dem Künstler Julian Irlinger und Kurator Jan Tappe für max. 5 Personen findet am 25. Juli um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die Präsentation wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit außerhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

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An Exhibition by Julian Irlinger

11 June until 25 July 2020

Exhibition tours with the artist Julian Irlinger and curator Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on July 25, 2020 at 5 pm.

RSVP to post@galeriewedding.de.

Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity. Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

Eine Ausstellung mit Arbeiten von Burak Delier, Ieva Epnere und Runo Lagomarsino

Dialogische Führung mit den Kurator*innen am 28.08. um 14 Uhr
Die Zahl der Teilnehmer*innen ist auf max. 5 Personen begrenzt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

In der Gruppenausstellung And That Song Is Our Amulet (Und dieser Gesang ist unser Amulett) wird das künstlerische Schaffen von drei Stipendiat*innen des Berliner Künstlerprogramms des DAAD – Burak Delier (*1977, Türkei), Ieva Epnere (*1977, Lettland) und Runo Lagomarsino (*1977, Schweden) – dem Berliner Publikum vorgestellt. Im Mittelpunkt steht die Frage nach den Möglichkeiten der Widerständigkeit von Kunst und Poesie gegenüber den vorherrschenden Systemen der Politik, Religion und Wirtschaft. In dem titelgebenden Roman „Amuleto“ Roberto Bolan͂os von 1998 wird die Kraft des künstlerischen Schaffens, der Erinnerung und der Phantasie beschworen. Sie stellt sich der Realität entgegen – ungeachtet der Härten und Ungleichheiten, die das Leben bewirkt. Widerstand kann in diesem Sinne verstanden werden als ein beobachtender, poetischer Akt, geleitet von Überzeugung und Nachdruck; aber gleichzeitig auch von Behutsamkeit und Zuversicht.

Auch in den hier gezeigten Arbeiten werden Fragen gestellt, nach Möglichkeiten des Zusammenschlusses zwischen ausgegrenzten Identitäten, der Erinnerung an vergangene Formen des Widerstands und des Träumens von alternativen Lebensentwürfen. Welchen Raum können wir bewahren für Ideen und Ausdrucksformen, die sich nicht nur unterordnen oder verstecken wollen? Wie können wir über diese Räume sprechen, ohne dabei eine einseitige, starre Position zu beziehen, die jede Form des Utopischen ausschließt?

Die hier versammelten Kunstwerke machen Angebote, Widerständigkeit und Schutz in unsicheren Zeiten eher in losen, weichen, verletzlichen, temporären Formen von Gemeinschaft und Solidarität zu suchen als in heroischen Gesten und ideologischen Gewissheiten. Gerade heute, in Zeiten der „neuen Normalität“ existentieller Ungewissheiten, erscheint es uns wichtig, die Kraft der Kunst, der Worte und der Bilder zu betonen. Auch wenn wir uns – wie im ersten Satz von Bolan͂os Buch – in einer „Horrorgeschichte“ befinden, so endet diese hoffentlich ebenso wie die Erzählung der Protagonistin Auxilio. Am Ende ihrer Tour de Force durch die lateinamerikanische Literaturgeschichte und die traumatischen Ereignisse der gewaltsamen Niederschlagungen der Studentenproteste im Mexiko City der 1960er und 1970er Jahre schließt sie mit den Worten: „Dieses Lied (…) es sang vor allem von Tapferkeit, den Spiegeln, der Sehnsucht, der Freude (…), es ist das Zeichen unserer Erinnerung, unser Amulett“.   

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An exhibition of works by Burak Delier, Ieva Epnere and Runo Lagomarsino

06.08. – 03.09.2020

Conversational tour with the curators on 28.08. at 2 pm
The number of participants is limited to max. 5 people
RSVP to post@galeriewedding.de.

The group show And That Song Is Our Amulet showcases the work of three guests of the DAAD Artists-in-Berlin Program: Burak Delier (*1977, Turkey), Ieva Epnere (*1977, Latvia) und Runo Lagomarsino (*1977, Sweden). This presentation explores the power of art and poetry to resist prevailing political, religious and economic systems. The title is borrowed from Roberto Bolan͂o’s novel “Amulet” (1998), in which the power of artistic creation, as well as that of memory and imagination is invoked. This energetic force confronts and resists reality, undeterred by the challenges and inequalities that life can present. Resistance can be understood in this sense as an observational, lyrical act driven by conviction and vigour, but also by circumspection and assurance.

The possibility of forming alliances between marginalised or excluded identities, of recalling past forms of resistance, and of imagining alternative lifestyles is also investigated in the works on show here. What space can we preserve for ideas and forms of expression that are not prepared to subordinate or conceal themselves? How can we talk about such spaces without taking a one-sided, rigid stance that excludes any kind of utopian thinking?

The featured artworks offer ways to find resistance and protection in uncertain times in loose, soft, vulnerable or temporary forms of community and solidarity, rather than in heroic gestures or ideological convictions. Now, above all, as we face a ‘new normality’ of existential uncertainty, we feel that it is important to emphasise the power of art, words and images. Even if we find ourselves in a “horror story” – as we are warned in the opening sentence of Bolan͂o’s book – then it will hopefully end like the experience of his protagonist Auxilio. Following a tour de force through the history of Latin American literature and the trauma of the violently suppressed student protests in Mexico City during the 1960s and 70s, she concludes: “[T]he song that I heard (…) above and beyond all (…) was about courage and mirrors, desire and pleasure. And that song is our amulet“.

11. Juni bis 25. Juli 2020

Ausstellungsführung mit dem Künstler Julian Irlinger und Kurator Jan Tappe für max. 5 Personen findet am 13. Juni um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit außerhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

Weitere Termine:

27. Juni und 25. Juli

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An Exhibition by Julian Irlinger

11 June until 25 July 2020

Exhibition tours with the artist Julian Irlinger and curator Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on 13 June 2020 at 5 pm. RSVP to post@galeriewedding.de. Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity. Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

Further dates:

27 June and 25 July

11. Juni bis 25. Juli 2020

Ausstellungsführung mit dem Künstler Julian Irlinger und Kurator Jan Tappe für max. 5 Personen findet am 27. Juni um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die Präsentation wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit außerhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

Weitere Termine:

25. Juli

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An Exhibition by Julian Irlinger

11 June until 25 July 2020

Exhibition tours with the artist Julian Irlinger and curator Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on 27 June 2020 at 5 pm.

RSVP to post@galeriewedding.de.

Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity. Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

Further dates:

25 July

Love Meetings oder Liebe in Zeiten des Kapitalismus

Ausstellungsrundgang am 07.02.2020 um 17 Uhr mit Konstanze Schmitt und Solvej Helweg Ovesen

Eine Ausstellung von Konstanze Schmitt kuratiert von Solvej Helweg Ovesen
Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

Ausstellung: 07.02. until 28.03.2020

Funktioniert die Liebe so wie der Markt und ist die romantische Liebe eine Legende? Muss man hart (an sich) arbeiten um geliebt zu werden? Wie zeigt sich die Liebe heute in Berlin, Wedding?

»Die Dekonstruktion des Konzepts der romantischen Liebe lenkt (…) die Aufmerksamkeit darauf, wie wir unsere Beziehungen zueinander gestalten, nicht nur zwischen Freund*innen und Liebenden, sondern auch im gesellschaftlichen Leben.« (Konstanze Schmitt, 2019)

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Love Meetings or Love in Times of Capitalism

Exhibition Tour on 02.07.2020 at 5pm with Konstanze Schmitt and Solvej Helweg Ovesen

An exhibition by Konstanze Schmitt curated by Solvej Helweg Ovesen
within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

Exhibition: 07.02. until 28.03.2020

Is love nowadays a market and romantic love a legend? Do you have to work hard (on ourselves) to be loved by others? What is love today in Berlin, Wedding?

»Deconstructing the concept of romantic love (…) directs the focus on how we construct relationships between each other – not only between friends and lovers, but in society.«
(Konstanze Schmitt in conversation with Solvej Helweg Ovesen, December 2019)

Eine Ausstellung von Rajkamal Kahlon kuratiert von Nataša Ilić
Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

16.01.2020 um 19 Uhr Gespräch mit Künstlerin Rajkamal Kahlon und Autorin und Kulturtheoretikerin Ana Teixeira Pinto

Rajkamal Kahlon beschäftigt sich in ihrem Werk mit einem Umgang mit Geschichte aus postkolonialer Perspektive. Die Künstlerin fordert Zeugnisse der Vergangenheit heraus, vor allem Sprache und Bilder. Sie unterzieht sie einem Perspektivwechsel und versucht dabei ein Bewusstsein für die jeweiligen Entstehungskontexte zu erzeugen. Kahlon interessiert, wie Bildern aus Archiven, die wir (re)produzieren und konsumieren, Hierarchien und Machtstrukturen eingeschrieben sind. Mit ihren Übermalungen und bildnerischen Transformationen untersucht die Künstlerin welche identitätsstiftenden und politischen Implikationen mit solchen inszenierten Abbildungen verbunden sind.

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Are my hands clean?

An exhibition by Rajkamal Kahlon curated by Nataša Ilić
within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

16.01.2020 at 7 pm talk with artist Rajkamal Kahlon and author and cultural theorist Ana Teixeira Pinto

In her work, Rajkamal Kahlon deals with history from a postcolonial perspective. The artist challenges testimonies from the past, especially language and images. She subjects them to a change of perspective, trying to create an awareness of the respective contexts in which they were created. Kahlon is interested how hierarchies and power structures are inscribed in images from archives that we (re)produce and consume. With her overpaintings and pictorial transformations, the artist examines which identity-creating and political implications are associated with such staged images.

Eine Ausstellung von Rajkamal Kahlon kuratiert von Nataša Ilić
Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

07.12.2019 um 16 Uhr Ausstellungsrundgang mit Künstlerin Rajkamal Kahlon und Kuratorin Nataša Ilić

Rajkamal Kahlon beschäftigt sich in ihrem Werk mit einem Umgang mit Geschichte aus postkolonialer Perspektive. Die Künstlerin fordert Zeugnisse der Vergangenheit heraus, vor allem Sprache und Bilder. Sie unterzieht sie einem Perspektivwechsel und versucht dabei ein Bewusstsein für die jeweiligen Entstehungskontexte zu erzeugen. Kahlon interessiert, wie Bildern aus Archiven, die wir (re)produzieren und konsumieren, Hierarchien und Machtstrukturen eingeschrieben sind. Mit ihren Übermalungen und bildnerischen Transformationen untersucht die Künstlerin welche identitätsstiftenden und politischen Implikationen mit solchen inszenierten Abbildungen verbunden sind.

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Are my hands clean?

An exhibition by Rajkamal Kahlon curated by Nataša Ilić
within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

07.12.2019 at 4 pm exhibition tour with the artist Rajkamal Kahlon and curator Nataša Ilić

In her work, Rajkamal Kahlon deals with history from a postcolonial perspective. The artist challenges testimonies from the past, especially language and images. She subjects them to a change of perspective, trying to create an awareness of the respective contexts in which they were created. Kahlon is interested how hierarchies and power structures are inscribed in images from archives that we (re)produce and consume. With her overpaintings and pictorial transformations, the artist examines which identity-creating and political implications are associated with such staged images.

Eine Ausstellung von Peter Voss-Knude kuratiert von Solvej Helweg Ovesen. Im Rahmen des Ausstellungsprogrammes SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen.

05.10.19, 15 Uhr Präsentation eines Interviews mit dem Autor von KRISØV17 “War Exercise” in der Galerie Wedding und gefolgt von einer Tour zu Drehorten von Homeland in Berlin begleitet von Peter Voss-Knudevon

„Mir haben persönliche Diskurse in denen die Wir-und-die-Anderen-Rhetorik jede Art von Fortschritt in der Auseinandersetzung im Keim erstickte, zunehmend Angst gemacht. Ich stellte fest, dass der Preis, den ich für einen Lösungsansatz zahlen musste, darin bestand, mich und mein Studio innerhalb des Körpers zu positionieren, dem ich eigentlich kritisch gegenüberstand – dem Militär“, erklärt der dänische Künstler Peter Voss-Knude. Vorausgehend dieser Ausstellung arbeitete er über mehrere Jahre mit den dänischen Streitkräften zusammen um sowohl patriarchische Strukturen als auch emotionale Seiten im Leben der Soldaten zu erforschen. Auf seinen Feldstudien lernte er Soldaten persönlich kennen, die ihm ihre Geschichten anvertrauten. Später vertonte er diese Geschichten zu zwei musikalischen Kompositionen („Peter & the Danish Defense, 2017“). Die beiden Platten drehen sich um die Frage der Wechselseitigkeit in der Sprache: Ist es uns möglich, etwas zu verstehen, das wir nicht selbst erlebt haben?

In der Ausstellung der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst konzentriert sich Voss-Knude auf die Sprache, die in einem Dokument mit dem Namen “KRISØV17” („Crisis Exercise 2017”) genutzt wird. Aufgrund des oben genannten Projekts wurde ihm der exklusive Zugang gewährt. Bei dem Text handelt es sich um eine Erzählung, die für eine nationale Militärs-Übung geschrieben wurde: In diesem Szenario wird Dänemark von einer fiktiven, multilateralen Terror Attacke getroffen. Die Arbeiten der Ausstellung wurden als Reaktion darauf eigens für diese Ausstellung entwickelt; viele davon sind als Text Fragmente im Ausstellungsraum verteilt. Der Künstler schlägt vor, dass das Auffinden dieses Dokuments sowie die Weise, in der wir über Terror sprechen, diesen auch forciert. Die drei Sprachen des Terrors, die er in der Ausstellung kritisiert sind die Sprache der Medien, die architektonischen Barrikaden sowie vorurteils-behaftete Vorstellungen wie “KRISØV17”.

Kernstück ist ein bombastischer 1,1 Tonnen schwerer Rosenquarz, den der Künstler vor der Galerie platziert hat. Rosenquarz ist ein Material, dem bekanntlich heilende Kräfte zugeschrieben werden. In diesem Fall würde der Kristall tatsächlich einen Menschen vor einem Fahrzeug Angriff schützen. Mit dieser Geste schlägt der Künstler Parallelen zwischen den Methoden des Geschichtenerzählens der Sicherheitsbehörden und denen einer Hellseherin vor, die in die Zukunft schaut. Lässt sich die Logik von Mauern und Barrikaden aushebeln, indem man einen schweren Kristall auf einem öffentlichen Platz aufstellt? Das Vorstellbare mit dem Realen verbindend, fragt die Skulptur, ob Widerstand zum Terror generierten Hass in den Sprachen der Achtsamkeit gefunden werden kann.

Mit dieser Ausstellung im Rahmen von SoS (Soft Solidarity) in der Galerie Wedding möchten wir alternative Lösungsansätze aufzeigen die sich gegen die gegenwärtigen militärischen und medialen Abwehrmechanismen in Diskussionen um Terror Konflikte positionieren. Wie können wir vermeiden, Bilder einer Wir-und-die-anderen-Rhetorik sowie Orte der Angst zu erzeugen, indem wir auf andere Art und Weise auf Terrorkonflikte reagieren?

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THE LANGUAGE OF TERROR IS TERROR ITSELF
THE TERROR OF LANGUAGE IS TERROR ITSELF
THE TERROR OF TERROR IS LANGUAGE ITSELF

An exhibition by Peter Voss-Knude curated by Solvej Helweg Ovesen within the frame of the programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen at Galerie Wedding

05.10.2019 at 3pm Presentation of an interview with the author of KRISØV17 “Crises Exercise” at Galerie Wedding followed by a tour to the sets of Homeland in Berlin accompanied by Peter Voss-Knude

“I had grown increasingly afraid of political discussions in which us-and-them rethorics short circuited any sort of progression in arguments. As a solution, I figured that the price I had to pay would be to position myself and my studio within the body of what I was critical towards, the military,” says the Danish artist Peter Voss-Knude. Advancing this exhibition Voss-Knude had collaborated with the Danish Armed Forces for several years to explore the patriarchy as well as the emotional sides of life with the soldiers. The artist was doing fieldwork and met soldiers who agreed to trust their stories with him. He later musically composed these stories into two records. (“Peter & the Danish Defense”, 2017).  Both records center around the question of mutuality within language: is it possible to understand something you have not experienced yourself?

In the exhibition at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst, Voss-Knude focuses on the use of language in a document called “KRISØV17” („Crisis Exercise 2017”) that he has, as a result of his above mentioned project, gained access to. The text is a narrative written for a national military exercise, wherein Denmark is hit by a fictive, multilateral terrorist attack. The works in the exhibition are all developed as a critical reaction to this narrative; many of them spread as text fragments all around the exhibition space. The artist suggests that by discovering this special document, which he also translated (DK/ENG), as well as the way we talk about terror, is part of creating terror. The three languages of terror criticized in the exhibition are the news media language, the architectural measures of protection, as well as popular prejudiced imaginations like “KRISØV17”.

One core work is a bombastic 1.1-ton rose quartz crystal stone placed in front of the gallery. Rose quartz is a material commonly attributed with healing qualities and here, given its extraordinary size, it indeed would physically protect a body from a vehicle attack. With this gesture, the artist suggests parallels between the methods of storytelling used by national security agencies and those of a psychic medium, who is looking into the future. Can one ‘crystallize’ the logic of walls and barricades by placing a heavy crystal on a public square? Weaving together the imagined with the real this sculpture proposes that resistance to the hate that terrorists aim to incite, could be found in the insistence on languages of care.

With this exhibition in the context of the framework of Soft Solidarity (SoS) at Galerie Wedding, we wish to ask if it is possible to think of other caring responses than the known military and media defense mechanisms to the conflicts that terrorism deters from? How can we avoid creating images of them and us as well as places of fear by reacting differently towards terror conflicts?

Begleitveranstaltungen

Workshops für Schulklassen mit Barbara Campaner in Kooperation mit Jugend im Museum e.V. Termine auf Anfrage

Further Events

Workshops for schools with Barbara Campaner in cooperation with Jugend im Museum e.V. Dates on request

Eine Ausstellung von Peter Voss-Knude kuratiert von Solvej Helweg Ovesen. Im Rahmen des Ausstellungsprogrammes SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen.

14.09.19, 16 Uhr, Ausstellungsrundgang mit Peter Voss-Knude und Solvej Helweg Ovesen sowie eine Diskussion über Sprache und Terror mit Ibrahim Quraishi und Carrie Hampel

„Mir haben persönliche Diskurse in denen die Wir-und-die-Anderen-Rhetorik jede Art von Fortschritt in der Auseinandersetzung im Keim erstickte, zunehmend Angst gemacht. Ich stellte fest, dass der Preis, den ich für einen Lösungsansatz zahlen musste, darin bestand, mich und mein Studio innerhalb des Körpers zu positionieren, dem ich eigentlich kritisch gegenüberstand – dem Militär“, erklärt der dänische Künstler Peter Voss-Knude. Vorausgehend dieser Ausstellung arbeitete er über mehrere Jahre mit den dänischen Streitkräften zusammen um sowohl patriarchische Strukturen als auch emotionale Seiten im Leben der Soldaten zu erforschen. Auf seinen Feldstudien lernte er Soldaten persönlich kennen, die ihm ihre Geschichten anvertrauten. Später vertonte er diese Geschichten zu zwei musikalischen Kompositionen („Peter & the Danish Defense, 2017“). Die beiden Platten drehen sich um die Frage der Wechselseitigkeit in der Sprache: Ist es uns möglich, etwas zu verstehen, das wir nicht selbst erlebt haben?

In der Ausstellung der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst konzentriert sich Voss-Knude auf die Sprache, die in einem Dokument mit dem Namen “KRISØV17” („Crisis Exercise 2017”) genutzt wird. Aufgrund des oben genannten Projekts wurde ihm der exklusive Zugang gewährt. Bei dem Text handelt es sich um eine Erzählung, die für eine nationale Militärs-Übung geschrieben wurde: In diesem Szenario wird Dänemark von einer fiktiven, multilateralen Terror Attacke getroffen. Die Arbeiten der Ausstellung wurden als Reaktion darauf eigens für diese Ausstellung entwickelt; viele davon sind als Text Fragmente im Ausstellungsraum verteilt. Der Künstler schlägt vor, dass das Auffinden dieses Dokuments sowie die Weise, in der wir über Terror sprechen, diesen auch forciert. Die drei Sprachen des Terrors, die er in der Ausstellung kritisiert sind die Sprache der Medien, die architektonischen Barrikaden sowie vorurteils-behaftete Vorstellungen wie “KRISØV17”.

Kernstück ist ein bombastischer 1,1 Tonnen schwerer Rosenquarz, den der Künstler vor der Galerie platziert hat. Rosenquarz ist ein Material, dem bekanntlich heilende Kräfte zugeschrieben werden. In diesem Fall würde der Kristall tatsächlich einen Menschen vor einem Fahrzeug Angriff schützen. Mit dieser Geste schlägt der Künstler Parallelen zwischen den Methoden des Geschichtenerzählens der Sicherheitsbehörden und denen einer Hellseherin vor, die in die Zukunft schaut. Lässt sich die Logik von Mauern und Barrikaden aushebeln, indem man einen schweren Kristall auf einem öffentlichen Platz aufstellt? Das Vorstellbare mit dem Realen verbindend, fragt die Skulptur, ob Widerstand zum Terror generierten Hass in den Sprachen der Achtsamkeit gefunden werden kann.

Mit dieser Ausstellung im Rahmen von SoS (Soft Solidarity) in der Galerie Wedding möchten wir alternative Lösungsansätze aufzeigen die sich gegen die gegenwärtigen militärischen und medialen Abwehrmechanismen in Diskussionen um Terror Konflikte positionieren. Wie können wir vermeiden, Bilder einer Wir-und-die-anderen-Rhetorik sowie Orte der Angst zu erzeugen, indem wir auf andere Art und Weise auf Terrorkonflikte reagieren?

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THE LANGUAGE OF TERROR IS TERROR ITSELF
THE TERROR OF LANGUAGE IS TERROR ITSELF
THE TERROR OF TERROR IS LANGUAGE ITSELF

An exhibition by Peter Voss-Knude curated by Solvej Helweg Ovesen within the frame of the programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen at Galerie Wedding

14.09.19, 4pm, Exhibition Tour with Peter Voss Knude and Solvej Helweg Ovesen as well as discussion about language and Terror with Ibrahim Quraishi and Carrie Hampel

“I had grown increasingly afraid of political discussions in which us-and-them rethorics short circuited any sort of progression in arguments. As a solution, I figured that the price I had to pay would be to position myself and my studio within the body of what I was critical towards, the military,” says the Danish artist Peter Voss-Knude. Advancing this exhibition Voss-Knude had collaborated with the Danish Armed Forces for several years to explore the patriarchy as well as the emotional sides of life with the soldiers. The artist was doing fieldwork and met soldiers who agreed to trust their stories with him. He later musically composed these stories into two records. (“Peter & the Danish Defense”, 2017).  Both records center around the question of mutuality within language: is it possible to understand something you have not experienced yourself?

In the exhibition at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst, Voss-Knude focuses on the use of language in a document called “KRISØV17” („Crisis Exercise 2017”) that he has, as a result of his above mentioned project, gained access to. The text is a narrative written for a national military exercise, wherein Denmark is hit by a fictive, multilateral terrorist attack. The works in the exhibition are all developed as a critical reaction to this narrative; many of them spread as text fragments all around the exhibition space. The artist suggests that by discovering this special document, which he also translated (DK/ENG), as well as the way we talk about terror, is part of creating terror. The three languages of terror criticized in the exhibition are the news media language, the architectural measures of protection, as well as popular prejudiced imaginations like “KRISØV17”.

One core work is a bombastic 1.1-ton rose quartz crystal stone placed in front of the gallery. Rose quartz is a material commonly attributed with healing qualities and here, given its extraordinary size, it indeed would physically protect a body from a vehicle attack. With this gesture, the artist suggests parallels between the methods of storytelling used by national security agencies and those of a psychic medium, who is looking into the future. Can one ‘crystallize’ the logic of walls and barricades by placing a heavy crystal on a public square? Weaving together the imagined with the real this sculpture proposes that resistance to the hate that terrorists aim to incite, could be found in the insistence on languages of care.

With this exhibition in the context of the framework of Soft Solidarity (SoS) at Galerie Wedding, we wish to ask if it is possible to think of other caring responses than the known military and media defense mechanisms to the conflicts that terrorism deters from? How can we avoid creating images of them and us as well as places of fear by reacting differently towards terror conflicts?

Begleitveranstaltungen

04.10.2019 um 17 Uhr Workshop: Wie bilden wir unser eigenes Krisenmanagement – »Pandora, the Forward looking cell« 

05.10.2019 um 15 Uhr Präsentation eines Interviews mit dem Autor von KRISOV »War Exercise« in der Galerie Wedding und gefolgt von einer Tour zu Drehorten von Homeland in Berlin begleitet von Peter Voss-Knude

Workshops für Schulklassen mit Barbara Campaner in Kooperation mit Jugend im Museum e.V. Termine auf Anfrage

Further Events

04.10.2019 at 5 pm Workshop: How to build your own crisis management – Pandora, the forward looking cell with Peter Voss-Knude.

05.10.2019 at 3pm Presentation of an interview with the author of KRISØV17 “Crises Exercise” at Galerie Wedding followed by a tour to the sets of Homeland in Berlin accompanied by Peter Voss-Knude

Workshops for schools with Barbara Campaner in cooperation with Jugend im Museum e.V. Dates on request

01.08.2019 um 19 Uhr (in Deutsch)

Im Rahmen der Gruppenausstellung Sitting Circles mit Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen, kate-hers RHEE kuratiert von Marie-Christin Lender
Als Teil des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen 

*please scroll down for English version*

Kreise und Kreisläufe als Praxis, als Sinnbild und Visualisierung von komplexen, wichtigen Fragestellungen und Auseinandersetzungen – in welcher Beziehung stehen wir sowie die Objekte und Materialien unserer Umwelt zu politischen, sozialen, ökologischen und individuellen Themen und Diskursen?

In intensiver Auseinandersetzung mit dieser Frage haben fünf Künstlerinnen für die aktuelle Ausstellung »Sitting Circles« Arbeiten entwickelt: Ana Alenso greift in ihrer Installation »Vertikal Waters« (2019) das Thema der Umweltverschmutzung durch Industrie und Massenproduktion auf. Bei Ada Van Hoorebekes »Daisy Chain« (2019) liegt der Focus auf der künstlerischen Produktion und der Verkettung aufeinanderfolgender Stationen im Prozess der Gestaltung. Okka-Esther Hungerbühlers »Stimmungskanone« (2019) lädt uns ein, die Perspektive zu wechseln und uns auf eine Welt der Fantasie einzulassen. Cosima zu Knyphausen beleuchtet das Thema der Darstellung von Frauen in der (Kunst-) Geschichte und hinterfragt klassische, ikonografische Referenzen und Konventionen. kate-hers RHEE erforscht basierend auf ihrer eigenen Geschichte festgeschriebene Bedeutungen und Normen in den Debatten um Gender, Migration und globale Ungerechtigkeit, fordert diese heraus und erzählt sie neu.

In der Gesprächsrunde am 01. August werden Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler sowie Cosima zu Knyphausen in den Ausstellungsräumen über ihre Positionen, Arbeitsweisen und die für sie wichtigen Themen reflektieren.

kate-hers RHEE ist momentan im Rahmen einer Künstlerinnenresidenz in Südkorea und kann daher leider nicht an dem Gespräch teilnehmen.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien. kate-hers RHEE in Kooperation mit der Heinrich-Böll-Stiftung.

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Artist Talk
with Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler and Cosima zu Knyphausen

01.08.2019 at 7pm (in German)

Within the frame of the exhibition Sitting Circles with Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen, kate-hers RHEE curated by Marie-Christin Lender
As part of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen 

Circles and cycles as practice, a symbol and a tool for visualization of complex, important issues and debates – how do we and the objects and materials of our environment relate to political, social, ecological and individual themes and discourses?

In an intensive examination of this question, five artists have developed works for the current exhibition »Sitting Circles«: In her installation »Vertikal Waters« (2019), Ana Alenso takes up the theme of environmental pollution through industry and mass production. In Ada Van Hoorebeke’s »Daisy Chain« (2019), the focus is put on the artistic process and the linking of subsequent stations in the production. Okka-Esther Hungerbühler’s »Stimmungskanone« (2019) invites us to change perspectives and enter a world of fantasy. Cosima zu Knyphausen examines the theme of representation of women in (art) history and questions classical iconographic references and conventions. Based on her own history, kate-hers RHEE explores, challenges and retells fixed meanings and norms around the debates on gender, migration and global injustice.

Within the frame of the artist talk on August 1^st at Galerie Wedding, Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler and Cosima zu Knyphausen will reflect on their positions, working methods and themes that have been relevant in this context.

kate-hers RHEE is currently on residency in South Korea and can therefore unfortunately not participate in the conversation.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen« and exhibition funds for communal galleries. kate-hers RHEE in cooperation with Heinrich-Böll-Stiftung.

Abbildung / Image:
Okka-Esther Hungerbühler, H&M bei Nacht von oben, 2019, Öl-Acryl auf Baumwolle, 90x100cm
© Galerie Wedding 2019 & Okka-Esther Hungerbühler 2019

Im Rahmen der Gruppenausstellung mit Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen, kate-hers RHEE kuratiert von Marie-Christin Lender

Teil des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen 

*please scroll down for English version*

Das Im-Kreis-Zusammenkommen sowie die kreisförmige Anordnung dienen seit jeher in diversen Praktiken und Kontexten als Methode und Hilfsmittel bei der Betrachtung vielschichtiger Zusammenhänge und der Lösung komplexer Probleme. Der Titel der Ausstellung Sitting Circles ist daher im doppelten Sinne zu verstehen: räumlich durch die Anordnungen der künstlerischen Arbeiten und die darin bestehenden Verbindungen von Materialien und Elementen sowie als Metapher und Konzept für soziale und kulturelle Interaktionen, Strukturen und Zirkulationen.

Das Jahresprogramm der Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity) ruft dazu auf, über neue Formen und Motivationen von Solidarität in der heutigen Zeit nachzudenken. Vor diesem Hintergrund kommen in der Gruppenausstellung Sitting Circles fünf künstlerische Positionen zusammen, die sich auf unterschiedliche Weise damit auseinandersetzen, wie unsere materielle Umwelt in engem Austausch mit sozialen, ökologischen, kulturellen und individuellen Prozessen steht.

Es kommen Themen und Praktiken auf, gewinnen und verlieren wieder an Aktualität, werden vergessen, um dann erneut im Bewusstsein aufzutauchen. Dinge werden für einen Zweck geschaffen, wiederverwendet oder in einen neuen Kontext gesetzt. Eine sich ständig verändernde und komplexe Umgebung fordert uns kontinuierlich heraus, auf sie zu reagieren und aktiv zu werden. Veränderungen bedingen Austausch.

In den Arbeiten von Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen und kate-hers RHEE werden Verbindungen geschaffen, die Alternativen bieten und neue Perspektiven eröffnen. Auf welche Weise können künstlerische Positionen, die mit Materialien und Gegenständen arbeiten, unsere Gedanken und Emotionen in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft reflektieren? Und wie kommen diese schließlich in den Räumen der Galerie Wedding zusammen?

Besonderen Dank für das Mentoring an Solvej Helweg Ovesen und Dr. Ute Müller-Tischler.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien. kate-hers RHEE in Kooperation mit der Heinrich-Böll-Stiftung.

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Sitting Circles

16.07.2019 at 6pm tour through the exhibition with curator Marie-Christin Lender

Within the frame of the group exhibition with Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen, kate-hers RHEE curated by Marie-Christin Lender

Part of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen 

The act of coming together in a circle, as well as arranging objects in circles, has long served as a method for finding solutions to complex problems and as a tool for dealing with many-faceted contexts. Sitting Circles, the title of the exhibition, is to be understood ambiguously: it refers to the spatial arrangement of the artistic works and the existing relations of materials and elements within them, butit is also a metaphor and concept for social and cultural interactions, structures and circulations.

The yearly programme of Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity) explores the current need to reinvent new forms and motivations of solidarity. Against this backdrop, the group exhibition Sitting Circles brings together works by five artists that examine how objects and our material environment are in close interaction with social, ecological, cultural and individual processes. Topics and practices emerge, attain and lose currency, are forgotten and then reappear in consciousness. Things are created for a purpose, are reused or placed in a new context. An ever-changing and complex environment continually challenges us to respond to it and to become active. Changes require exchange.

The works by Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen and kate-hers RHEE draw connections that offer options for action and new perspectives. In which way could visual artistic practices, working with materials and objects, reflect our thoughts and emotions in the past, present and future? And how do they come together in the space of Galerie Wedding?

Special thanks for the mentoring to Solvej Helweg Ovesen and Dr. Ute Müller-Tischler.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen« and exhibition funds for communal galleries. kate-hers RHEE in cooperation with Heinrich-Böll-Stiftung.

Eine zweiteilige Ausstellung von Sissel Tolaas kuratiert von Solvej Helweg Ovesen, Galerie Wedding, in Kooperation mit Christina Landbrecht, Schering Stiftung

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen in der Galerie Wedding

27.04.2019 um 14.30 Uhr »2 x 22« – Kuratorische Führung mit Solvej Helweg Ovesen und Christina Landbrecht, beginnend in der Galerie Wedding mit einer Fortführung ab 15.30 Uhr in der Schering Stiftung, Unter den Linden 32, 10117 Berlin (die Veranstaltung findet in Deutsch statt)

Eine Ausstellung jenseits des Sehens und für die Nase: In der Galerie Wedding erzählt Sissel Tolaas die unsichtbaren, olfaktorischen Geschichten der lebendigen und sich ständig im Wandel befindende Müllerstraße in Berlin Wedding. Die präsentierte Geruchslandschaft geht über das Hier und Jetzt hinaus und lädt die Besucher*innen ein, in die verschiedenen Geruchsstrukturen und -schichten die vergangenen, gegenwärtigen und zukünftigen molekularen Informationen einzutauchen. Die Düfte werden von 22 Ventilatoren in den Raum gewirbelt, die durch Wind von der Müllerstraße in Echtzeit aktiviert werden. Die erfassten Geruchs- und Windstandorte verweisen auf die Positionen der 22 Windmühlen, die von 1809 an die Müllerstraße säumten und im 18. und 19. Jahrhundert betrieben wurden. Sie gaben der heutigen Hauptverkehrsachse ihren Namen gaben.

Bislang hat Tolaas 52 Geruchsprofile von internationalen Metropolen erstellt und erforscht darüber hinaus die Geruchslandschaften von Küsten, Ozeanen und ausgestorbenen Pflanzenarten. Für die Ausstellung 22 ermittelte Tolaas den Duft der Berliner Müllerstraße, wo sich im Zuge der Industrialisierung größere Unternehmen, wie der Pharmakonzern Schering AG niederließen. Zuvor hatte sich eine linke Arbeiterschaft angesiedelt, die den Bezirk neben seiner kulturellen Vielfalt bis heute prägt. Die in Berlin Wedding lebende Autorin Lauren van Vuuren hat die Erforschung der Müllerstraße aus einer sprachlichen Perspektive begleitet, die in Form von Doku-Fiktion-Texten ebenfalls in der Ausstellung zu finden sind. Darüber hinaus unterstützt das »Smell Coding Lexicon Nasalo 1997_2050« die Besucher*innen, eine Sprache für Gerüche zu finden.

22 ist in Kooperation mit der Schering Stiftung entstanden, wo der zweite Teil der Ausstellung am 10.04.2019 eröffnete. Während die Galerie Wedding den Fokus auf die künstlerische Arbeit mit Düften legt, richtet die Schering Stiftung ihre Aufmerksamkeit auf Tolaas als Chemikerin und eine Installation mit Objekten aus Scherings historischem Chemielabor bietet dort einen Einblick in ihre wissenschaftliche Arbeit. Sowohl dampfende als auch leise Glaskolben laden die Besucher*innen zum intensiven Riechen einzelner Kerngeruchsmoleküle ein, die ebenfalls von Geruchsaufnahmen aus der Müllerstraße stammen.

02.05.2019 um 19 Uhr Isabel Lewis im Gespräch mit Solvej Helweg Ovesen (die Veranstaltung findet in Englisch statt)

21.05.2019 um 18 Uhr kuratorischer Rundgang mit Kuratorin Solvej Helweg Ovesen und »22« Autorin Lauren van Vuuren und um 19 Uhr Gespräch zwischen Sissel Tolaas und Solvej Helweg Ovesen (die Veranstaltung findet in Englisch statt)

29.05.2019 um 19 Uhr Book Launch von POW & UP – Galerie Wedding, Berlin

Workshops für Schulklassen mit Barbara Campaner in Kooperation mit Jugend im Museum e. V. Termine auf Anfrage

Die Künstlerin dankt Richard Forster, Jan Römer, Rene Spierling, Fritz Strempel, Mickaël Wiesengrün und Clemens Klein. Darüber hinaus geht ein Dank an Alexander Egger und Andreas Lueder von AEQ-WEB.

Mit freundlicher Unterstützung von NORLA, Norwegian Literature Abroad, der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und dem IFF (International Flavours and Fragrances Inc.).

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22

A two-part exhibition by Sissel Tolaas curated by Solvej Helweg Ovesen, Galerie Wedding, in cooperation with Christina Landbrecht, Schering Stiftung

Within the frame of the programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen at Galerie Wedding

27.04.2019 at 2.30pm »2 x 22« – curatorial tour with Solvej Helweg Ovesen and Christina Landbrecht, starting at Galerie Wedding and continuing at 3.30pm at Schering Stiftung, Unter den Linden 32, 10117 Berlin (the event will be in German)

An exhibition beyond looking and for the nose: At Galerie Wedding, Sissel Tolaas communicates the invisible, olfactory stories and realities of the vivid and constantly evolving Müllerstraße in Berlin’s district Wedding. The presented smell- and landscape of the main street goes beyond the here and now and invites the visitors to immerse themselves in the various smells structures and layers of the past, present and future molecular information. The smells are blown into the space by 22 ventilators, which are activated by wind from Müllerstraße in real-time. The recorded smell and wind sites refer to the locations of the 22 windmills that were grinding grains there in the 18th and 19th century and lined Müllerstraße from 1809 onwards. They gave the street – today a central artery of the city – its name.

So far Tolaas has created 52 olfactory profiles of international metropolises and is also researching the olfactory landscapes of coastlines, oceans, and extinct plant species. For the exhibition 22, she has investigated the scents of Müllerstraße, where in the course of industrialization, larger companies such as the pharmaceutical group Schering AG, began to establish themselves. Earlier, a left-wing working class had settled there and continues to shape the district, which is very culturally diverse today. The Wedding-based author Lauren van Vuuren accompanied the exploration of Müllerstraße from a linguistic perspective. Her docu-fiction texts can also be found in the exhibition. Furthermore, the »Smell Coding Lexicon Nasalo 1997_2050« supports the visitors to find language for smells.

22 was created in cooperation with the Schering Stiftung, where the second part of the exhibition opened on April 10th, 2019. While Galerie Wedding focuses on Tolaas‘ artistic olfactory work, the Schering Stiftung highlights her as a chemist and objects from Scherings‘ historical chemistry laboratory provide an insight into her scientific work. Both, steaming and silent glass bulbs, invite the audience to intense smelling of individual core smell molecules also from smell recordings in Müllerstraße.

02.05.2019 at 7pm Isabel Lewis in conversation with Solvej Helweg Ovesen (the event will be in English)

21.05.2019 at 6pm curatorial tour with Solvej Helweg Ovesen and »22« author Lauren van Vuuren followed by a conversation between Sissel Tolaas and Solvej Helweg Ovesen at 7pm (the event will be in English)

29.05.2019 at 7pm book launch of POW & UP – Galerie Wedding, Berlin

Workshops for schools with Barbara Campaner in cooperation with Jugend im Museum e. V.

The artist thanks Richard Forster, Jan Römer, Rene Spierling, Fritz Strempel, Mickaël Wiesengrün and Clemens Klein. Furthermore, thanks to Alexander Egger and Andreas Lueder from AEQ-WEB.

With the kind support of NORLA, Norwegian Literature Abroad, the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen«, and by IFF (International Flavours and Fragrances Inc.).

Eine zweiteilige Ausstellung von Sissel Tolaas kuratiert von Solvej Helweg Ovesen, Galerie Wedding, in Kooperation mit Christina Landbrecht, Schering Stiftung

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen in der Galerie Wedding

21.05.2019 um 18 Uhr kuratorischer Rundgang mit Kuratorin Solvej Helweg Ovesen und »22« Autorin Lauren van Vuuren und um 19 Uhr Gespräch zwischen Sissel Tolaas und Solvej Helweg Ovesen (die Veranstaltung findet in Englisch statt)

19.04. – 01.06.2019

Eine Ausstellung jenseits des Sehens und für die Nase: In der Galerie Wedding erzählt Sissel Tolaas die unsichtbaren, olfaktorischen Geschichten der lebendigen und sich ständig im Wandel befindende Müllerstraße in Berlin Wedding. Die präsentierte Geruchslandschaft geht über das Hier und Jetzt hinaus und lädt die Besucher*innen ein, in die verschiedenen Geruchsstrukturen und -schichten die vergangenen, gegenwärtigen und zukünftigen molekularen Informationen einzutauchen. Die Düfte werden von 22 Ventilatoren in den Raum gewirbelt, die durch Wind von der Müllerstraße in Echtzeit aktiviert werden. Die erfassten Geruchs- und Windstandorte verweisen auf die Positionen der 22 Windmühlen, die von 1809 an die Müllerstraße säumten und im 18. und 19. Jahrhundert betrieben wurden. Sie gaben der heutigen Hauptverkehrsachse ihren Namen gaben.

Bislang hat Tolaas 52 Geruchsprofile von internationalen Metropolen erstellt und erforscht darüber hinaus die Geruchslandschaften von Küsten, Ozeanen und ausgestorbenen Pflanzenarten. Für die Ausstellung 22 ermittelte Tolaas den Duft der Berliner Müllerstraße, wo sich im Zuge der Industrialisierung größere Unternehmen, wie der Pharmakonzern Schering AG niederließen. Zuvor hatte sich eine linke Arbeiterschaft angesiedelt, die den Bezirk neben seiner kulturellen Vielfalt bis heute prägt. Die in Berlin Wedding lebende Autorin Lauren van Vuuren hat die Erforschung der Müllerstraße aus einer sprachlichen Perspektive begleitet, die in Form von Doku-Fiktion-Texten ebenfalls in der Ausstellung zu finden sind. Darüber hinaus unterstützt das »Smell Coding Lexicon Nasalo 1997_2050« die Besucher*innen, eine Sprache für Gerüche zu finden.

22 ist in Kooperation mit der Schering Stiftung entstanden, wo der zweite Teil der Ausstellung am 10.04.2019 eröffnete. Während die Galerie Wedding den Fokus auf die künstlerische Arbeit mit Düften legt, richtet die Schering Stiftung ihre Aufmerksamkeit auf Tolaas als Chemikerin und eine Installation mit Objekten aus Scherings historischem Chemielabor bietet dort einen Einblick in ihre wissenschaftliche Arbeit. Sowohl dampfende als auch leise Glaskolben laden die Besucher*innen zum intensiven Riechen einzelner Kerngeruchsmoleküle ein, die ebenfalls von Geruchsaufnahmen aus der Müllerstraße stammen.

Die Künstlerin dankt Richard Forster, Jan Römer, Rene Spierling, Fritz Strempel, Mickaël Wiesengrün und Clemens Klein. Darüber hinaus geht ein Dank an Alexander Egger und Andreas Lueder von AEQ-WEB.

Mit freundlicher Unterstützung von NORLA, Norwegian Literature Abroad, der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und dem IFF (International Flavours and Fragrances Inc.).

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22

A two-part exhibition by Sissel Tolaas curated by Solvej Helweg Ovesen, Galerie Wedding, in cooperation with Christina Landbrecht, Schering Stiftung

Within the frame of the programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen at Galerie Wedding

21.05.2019 at 6pm curatorial tour with Solvej Helweg Ovesen and »22« author Lauren van Vuuren followed by a conversation between Sissel Tolaas and Solvej Helweg Ovesen at 7pm (the event will be in English)

19.04. – 01.06.2019

An exhibition beyond looking and for the nose: At Galerie Wedding, Sissel Tolaas communicates the invisible, olfactory stories and realities of the vivid and constantly evolving Müllerstraße in Berlin’s district Wedding. The presented smell- and landscape of the main street goes beyond the here and now and invites the visitors to immerse themselves in the various smells structures and layers of the past, present and future molecular information. The smells are blown into the space by 22 ventilators, which are activated by wind from Müllerstraße in real-time. The recorded smell and wind sites refer to the locations of the 22 windmills that were grinding grains there in the 18th and 19th century and lined Müllerstraße from 1809 onwards. They gave the street – today a central artery of the city – its name.

So far Tolaas has created 52 olfactory profiles of international metropolises and is also researching the olfactory landscapes of coastlines, oceans, and extinct plant species. For the exhibition 22, she has investigated the scents of Müllerstraße, where in the course of industrialization, larger companies such as the pharmaceutical group Schering AG, began to establish themselves. Earlier, a left-wing working class had settled there and continues to shape the district, which is very culturally diverse today. The Wedding-based author Lauren van Vuuren accompanied the exploration of Müllerstraße from a linguistic perspective. Her docu-fiction texts can also be found in the exhibition. Furthermore, the »Smell Coding Lexicon Nasalo 1997_2050« supports the visitors to find language for smells.

22 was created in cooperation with the Schering Stiftung, where the second part of the exhibition opened on April 10th, 2019. While Galerie Wedding focuses on Tolaas‘ artistic olfactory work, the Schering Stiftung highlights her as a chemist and objects from Scherings‘ historical chemistry laboratory provide an insight into her scientific work. Both, steaming and silent glass bulbs, invite the audience to intense smelling of individual core smell molecules also from smell recordings in Müllerstraße.

The artist thanks Richard Forster, Jan Römer, Rene Spierling, Fritz Strempel, Mickaël Wiesengrün and Clemens Klein. Furthermore, thanks to Alexander Egger and Andreas Lueder from AEQ-WEB.

With the kind support of NORLA, Norwegian Literature Abroad, the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen«, and by IFF (International Flavours and Fragrances Inc.).

Eröffnung am 21.02. von 19 bis 22 Uhr mit einer performativen Lesung des Textes »Die Pauschalreise«
22.02.-09.02.2019

Die Ausstellung Arbeit, Arbeit, nichts als Arbeit von Alice Creischer bildet den Auftakt des diesjährigen Programms der Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity), gemeinsam konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen. SoS untersucht die tiefe Krise der Solidarität oder besser die Notwendigkeit, neue Formen von Solidarität zu erfinden. Die Ausstellung ist kuratiert von Nataša Ilić.

Die Wertschöpfungsketten einer kapitalistischen Gesellschaft basieren immer auf einem Machtgefälle, das das arbeitende Subjekt als Ressource versteht und es zu Effizienz drängt. Zur gleichen Zeit werden die Arbeitsbedingungen immer weiter flexibilisiert und münden in eine Unsicherheit, die sich sogenannten flexibilisierten Arbeitsverträgen spiegeln. Alice Creischer interessiert sich genau für dieses zunehmend prekärer werdende Verhältnis zwischen dem Individuum, Arbeit und den Möglichkeiten einer arbeitsfreien Gesellschaft:

»Wir können einen Eindruck von einer Gesellschaft ohne Arbeit bekommen, wenn wir uns spezielle Situationen anschauen, vielleicht auch Situationen zum Verzweifeln. Das ist es, was wir in Argentinien nach der Krise von 2001 und in der Zeit von neuen sozialen Bewegungen erfahren haben. Es gab sehr viele Situationen in denen die zusammen gearbeitet, kommuniziert, geschrieben, protestiert und sogar gesungen haben. Auf völlig neue und kollektive Weise.« (Alice Creischer)

In ihrer Arbeit beschäftigt Alice Creischer sich hauptsächlich mit Themen wie Wirtschaft und Geld, Macht und Machtlosigkeit, so wie Armut und Reichtum. Das zentrale Thema ihrer künstlerischen und theoretischen Arbeit ist die akribische und komplexe Darstellung von Prozessen und Mechanismen in Politik, Wirtschaft und Kultur. Dabei geht sie oft von realen historischen oder gegenwärtigen Ereignissen aus und bettet sie in neue und freiere Erzählungen ein.

Die letzte Recherche von Alice Creischer (zusammen mit Andreas Siekmann) widmete sich dem Bitcoin, einer alternativen Währung, die aus einer anti-staatlichen und anti-monopolistischen digitalen Bewegung heraus entstanden ist. In ihrem neuen Film Schlüsselbund, Zähne, Knochen und Falschgeld (2017) untersucht Creischer zu was es führt, wenn die Blockchain-Technologie auf den Mythos der absoluten und dezentralen Transparenz trifft. Die Auswirkungen der Blockchain-Technologie folgend auf die neue Form der staatlichen und privaten Kontrolle, sowie der Erfassung von Daten entwickelt Creischer einen spekulativen Vorschlag gegen den zerstörerischen Trend der Wertschöpfung und übersetzt ihn in eine komplexe Formsprache.

Der zweite Teil der Ausstellung bezieht sich auf die Aufführung Die Pauschalreise, die 1989 im Kunstraum Wuppertal stattfand. Der Text wird in einer Installation vorgelesen. Der Prolog dazu wird in einem Video gezeigt. Der Text handelt von drei Arbeiterinnen einer Spinnerei, die als Los eine Pauschalreise nach Griechenland gewinnen. Aber dort – in diesem imaginären Ort – fühlen sie sich überflüssig, weil sie nicht arbeiten. Unter dem Titel Arbeit, Arbeit, nichts als Arbeit reflektiert die Ausstellung über die zunehmende Entfremdung immer komplexer werdender Arbeitsprozesse und Formen von Wertschöpfungen, sowie einem möglichen Ausweg über die Kollektivierung und Solidarität.

Weitere Begleitveranstaltungen

Ausstellungsrundgang am 19. März um 17:30 mit Alice Creischer und Nataša Ilić

Weitere Führungen sind auf Anfrage möglich

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

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Arbeit, Arbeit, nichts als Arbeit

Alice Creischer

22.02. – 06.04.2019.

Together with Eva Ďurovec (actor and costume), María Fernández Verdeja (actor and costume), Margarita Tsomou (actor) and Andreas Siekmann (»Blatt zu Bitcoin«).

Opening: 21.02. 7pm – 10pm with performative re-reading of the text Die Pauschalreise (»The Package Tour«)

Alice Creischer’s exhibition Arbeit, Arbeit, nichts als Arbeit (»Work, Work, Nothing but Work«) marks the beginning of the new yearly program of Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen. SoS (Soft Solidarity) explores the deep crises of solidarity, or rather the need to reinvent new forms of solidarity. The exhibition is curated by Nataša Ilić.

The value chains of a capitalist society are always based on power relations which understand the working subject as a resource and pushes it constantly towards more efficiency. At the same time, contemporary conditions of labor result in increasing insecurity, which is reflected in more flexible limited-time contracts. Alice Creischer is particularly interested in the increasingly precarious relationship between the individual and labor and possibilities of a post-work society:

»We can get a perspective on the society without labor when we are in special situations, maybe also in desperate situations. That is what we experienced in Argentina after the 2001 crisis and in the time of the new social movements. There were so many situations in which people were working, communicating, writing, protesting, even singing, in new and collective ways.« (Alice Creischer)

In her practice Alice Creischer deals mainly with topics such as economy and money, power and powerlessness, as well as poverty and wealth. The central theme of her artistic and theoretical work is the meticulous and complex visualization of processes and machinations in politics, economics and culture. Creischer often chooses a real historical or present point of reference and embeds it in a new and freer narrative.

Her latest research focus (in collaboration with Andreas Siekmann) is the bitcoin, an alternative currency that emerged from an anti-state and anti-monopolistic digital movement. In her film Schlüsselbund, Zähne, Knochen und Falschgeld (»Keyring, teeth, bones and funny money«, 2017) Creischer examines to what extent the blockchain technology overlaps with the myth of absolute and decentralized transparency. Following the impact of blockchain technologies on the new design of state and private control, as well as the recording of information, the artist makes a speculative suggestion against the destructive trend of value creation today and translates it into a complex visual language.

The second part of the exhibition is based on the piece Die Pauschalreise (»The Package Tour«), which premiered in 1989 at the Kunstraum Wuppertal. The text will be read in an installation and the prologue to it will be shown in a video. The text is about three workers in a spinning mil, who win a package tour to Greece in a lottery. But there, in this imaginary place, they feel superfluous because they are not working. Under the title Arbeit, Arbeit, nichts als Arbeit (»Work, Work, Nothing but Work«), the exhibition reflects on the increasing alienation in more complex work processes and creation of values, as well as on possible ways out of it through collectivization and solidarity.

Other additional events:

Film screening of Episoden zur arbeitsbefreiten Gesellschaft“ (Episodes of a society free of work), 1996-2002 accompanied by a panel discussion with Alice Creischer, Andreas Siekmann and Margarita Tsomou, moderated by Nataša Ilić on 7th of March at 6pm.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding and funds „Ausstellungsvergütungen“.

07.12.2018 – 09.02.2019

Eine Ausstellung von Antje Engelmann und Cyrill Lachauer  kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges)

This land is your land I This land is my land ist eine Ausstellung, die von der Nähe in der Ferne und der Unmöglichkeit von Abgrenzung berichtet. Es wird nicht von bestehenden binären Vereinfachungen der Welt ausgegangen, sondern vielmehr vom Denken in Kreuzungen, Wendepunkten, Überschneidungen und Verzweigungen handelt.
In Antje Engelmanns und Cyrill Lachauers Arbeiten sind Nähe und Distanz zu Land und Selbst ein zentrales Thema. In der dialogischen Kombination ihrer Arbeiten, die größtenteils auf gemeinsamen Reisen durch Nordamerika entstanden sind, geht es um die Einschreibung des Menschen in die Natur und der Unnatürlichkeit von menschlichen Grenzziehungen. Als Folksänger Woody Guthrie 1940 den Song »God Blessed America for Me« schrieb und später in »This Land Is Your Land« – von dem die Ausstellung  ihren Titel entliehen hat – umbenannte, tat er dies als sarkastische Antwort auf Irving Berlins »God Bless America«. Teil dieser Auseinandersetzung ist nicht nur die gegenwärtige politische Situation um die amerikanisch-mexikanische Grenze.  Die verschiedenen Phasen der Besiedlung des Kontinents in der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft stehen gelichberechtigt nebeneinander und sind Teil desselben Prozesses. Die Ironie des Schicksals ist, dass das Land, in dem This land is your land I This land is my land geboren wurde,  jenes Land ist, in dem indigene Völker durch spanische, holländische, französische und britische Kolonialherren ihres Landes zwangsenteignet wurden.
Für die Galerie Wedding haben die Künstler*innen eine mäanderartige Zusammenstellung aus einer Vielzahl neuer Arbeiten entwickelt, die sich dem Besitz von Land, welcher immer auch eine Behauptung von Macht ist, aus verschiedenen Perspektiven nähert und sich eine komplexe Erzählung über die Möglichkeiten in der Betrachtung von Landschaft entfaltet.

Ausstellungsrundgang am 17.01.2019 um 17:30 Uhr mit den Künstler*innen Antje Engelmann und Cyrill Lachauer und dem Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

EN
This land is your land I This land is my land is supposed to be an exhibition that is evidence of the nearness in the afar and the impossibility of demarcating and existing in the simplicities of binaries, but rather thinking or being in points of intersection, crossroads, and junctions.
In the works of Antje Engelmann and Cyrill Lachauer, proximity and distance to land and self are a central theme.  The dialogical combination of their works, most of which relate to their travels in North America, is about the inscription of the human innature and the unnaturality of man-drawn borders. Folk singer Woody Guthrie wrote  »God Blessed America for Me« in 1940 – later to be renamed as »This Land Is Your Land« from which the exhibition has lent its title – as a sarcastic response to Irving Berlin’s  »God Bless America«. Not only is the current political situation about the American-Mexican border part of this investigation. The various stages of settlement of the continent in the past, present and future stand side by side as part of the same process. The irony of destiny is that the land in which This land is your land I This land is my land was born is the land which was forcefully taken away from the native peoples of the lands by successions of Spanish, Dutch, French and British colonialists.
For Galerie Wedding the artists have developed a meandering compilation of a multitude of new works that approach land ownership, which is always an assertion of power, from different perspectives, and a complex narrative about the possibilities of viewing landscape.

Tour through the exhibition on 17^th of January 2019 at 5.30pm with the artists Antje Engelmann and Cyrill Lachauer and curator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Fonds für Ausstellungsvergütungen.

Eine Ausstellung von Antje Engelmann und Cyrill Lachauer  kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges)

Ausstellungsrundgang am 17.01.2019 um 17:30 Uhr mit den Künstler*innen Antje Engelmann und Cyrill Lachauer und dem Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

This land is your land I This land is my land ist eine Ausstellung, die von der Nähe in der Ferne und der Unmöglichkeit von Abgrenzung berichtet. Es wird nicht von bestehenden binären Vereinfachungen der Welt ausgegangen, sondern vielmehr vom Denken in Kreuzungen, Wendepunkten, Überschneidungen und Verzweigungen handelt.
In Antje Engelmanns und Cyrill Lachauers Arbeiten sind Nähe und Distanz zu Land und Selbst ein zentrales Thema. In der dialogischen Kombination ihrer Arbeiten, die größtenteils auf gemeinsamen Reisen durch Nordamerika entstanden sind, geht es um die Einschreibung des Menschen in die Natur und der Unnatürlichkeit von menschlichen Grenzziehungen. Als Folksänger Woody Guthrie 1940 den Song »God Blessed America for Me« schrieb und später in »This Land Is Your Land« – von dem die Ausstellung  ihren Titel entliehen hat – umbenannte, tat er dies als sarkastische Antwort auf Irving Berlins »God Bless America«. Teil dieser Auseinandersetzung ist nicht nur die gegenwärtige politische Situation um die amerikanisch-mexikanische Grenze.  Die verschiedenen Phasen der Besiedlung des Kontinents in der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft stehen gelichberechtigt nebeneinander und sind Teil desselben Prozesses. Die Ironie des Schicksals ist, dass das Land, in dem This land is your land I This land is my land geboren wurde,  jenes Land ist, in dem indigene Völker durch spanische, holländische, französische und britische Kolonialherren ihres Landes zwangsenteignet wurden.
Für die Galerie Wedding haben die Künstler*innen eine mäanderartige Zusammenstellung aus einer Vielzahl neuer Arbeiten entwickelt, die sich dem Besitz von Land, welcher immer auch eine Behauptung von Macht ist, aus verschiedenen Perspektiven nähert und sich eine komplexe Erzählung über die Möglichkeiten in der Betrachtung von Landschaft entfaltet.

EN
Tour through the exhibition on 17^th of January 2019 at 5.30pm with the artists Antje Engelmann and Cyrill Lachauer and curator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

This land is your land I This land is my land is supposed to be an exhibition that is evidence of the nearness in the afar and the impossibility of demarcating and existing in the simplicities of binaries, but rather thinking or being in points of intersection, crossroads, and junctions.
In the works of Antje Engelmann and Cyrill Lachauer, proximity and distance to land and self are a central theme.  The dialogical combination of their works, most of which relate to their travels in North America, is about the inscription of the human innature and the unnaturality of man-drawn borders. Folk singer Woody Guthrie wrote  »God Blessed America for Me« in 1940 – later to be renamed as »This Land Is Your Land« from which the exhibition has lent its title – as a sarcastic response to Irving Berlin’s  »God Bless America«. Not only is the current political situation about the American-Mexican border part of this investigation. The various stages of settlement of the continent in the past, present and future stand side by side as part of the same process. The irony of destiny is that the land in which This land is your land I This land is my land was born is the land which was forcefully taken away from the native peoples of the lands by successions of Spanish, Dutch, French and British colonialists.
For Galerie Wedding the artists have developed a meandering compilation of a multitude of new works that approach land ownership, which is always an assertion of power, from different perspectives, and a complex narrative about the possibilities of viewing landscape.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Fonds für Ausstellungsvergütungen.

Eine Ausstellung von Anne Duk Hee Jordan im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Die Galerie Wedding verwandelt sich in eine immersive Landschaft aus amorphen, organischen Skulpturen, die sich durch den Raum bewegen. Die unbekannte Beschaffenheit und Herkunft dieser macht uns bewusst, was wir alles nicht über die Unterwasserwelt wissen – das Meer ist ein anderes Universum voller Schönheit und Fremdheit, geprägt von Veränderung und Anpassung. Deswegen fragt die Ausstellung: Welche Arten von Tiermutationen werden in naher Zukunft passieren und welche Arten werden in diesem Zusammenhang der sich weltweit verändernden Ökologie leistungsfähig sein?

Weitere Führungen sind auf Anfrage während der Ausstellungslaufzeit möglich

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Ziggy on the Land of Drunken Trees
Tour through the exhibition on 27.09.2018 at 4.30pm with artist Anne Duk Hee Jordan and curator Solvej Helweg Ovesen

An exhibition by Anne Duk Hee Jordan within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Galerie Wedding tranforms into an immersive landscape consisting of amorphous organic sculptures that move through the space. An unknown texture and origin reminds us of what we do not know about the marine world – the ocean being another universe full of beauty and strangeness, of changes and adaption. The exhibition asks: What kind of animal mutations will happen in the near future, what species will be efficient in the context of the worldwide changing ecology?

Further guided tours are also available on request.

Am 10.09.2018 von 18.00 bis 19.30 Uhr
Treffpunkt um 18.00 Uhr in der Schönwalder Straße 19, 13347 Berlin
Der Rundgang ist entgeldfrei jedoch wird um eine Registrierung gebeten: artistwalk@galeriewedding.de

Control Food and You Control the People (1) ist das Leitmotiv des Rundgangs, der um das deutsche Pharmaunternehmen Bayer in Berlin-Wedding stattfindet. Aus einer Kombination von künstlerischen Interventionen und performativen Aktionen führt Künstlerin Anaïs Héraud-Louisadat durch das Stadtviertel, das aktuell von politischen und künstlerischen Entkolonialisierungskämpfen geprägt ist. In Bezug auf die umstrittene und kürzlich erfolgte Fusionierung Bayers mit dem multinationalen Saatgutkonzern Monsanto zu einem der größten Agrarunternehmen der Welt, geht es darum, auf künstlerische Weise neue Formen des Kolonialismus und der Ausbeutung kritisch zu beleuchten und zu hinterfragen.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und des Ausstellungsfond für Kommunale Galerien.

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– Control Food and You Control the People –

An artistwalk with Anaïs Héraud-Louisadat within the frame of KGB artweek at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst

On 10.09.2018 from 6pm till 7.30pm
Meeting point at 6pm at Schönwalder Straße 19, 13347 Berlin
The tour is free of charge but please register by sending an e-mail to artistwalk@galeriewedding.de.

Control food and you control the people (1) the guiding theme of the tour that takes place around the German pharmaceutical company Bayer in Berlin-Wedding. Combining artistic intervention and performative action, artist Anaïs Héraud-Louisadat, guides through the neighborhood that is currently marked by political and artistic decolonisation struggles. Relating back to the controversial and recent merging of Bayer with the multinational seed company Monsanto to become one of the biggest agricultural companies in the world, it is the aim to look critically at and to question new modes of colonialism and exploitation from an artistic point of view.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe and funds of the Municipal Galleries Berlin.

Eine Gruppenausstellung mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting und Marco Bruzzone kuratiert von Nadia Pilchowski im Rahmen des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung          

8. Juni – 15. Juli 2018

Text von Nadia Pilchowski
Leben im Besonderen

Was ist es, das dem Leben einen Sinn zu geben scheint? Was verspricht heutzutage sozialen Erfolg auf dem Markt der schier unendlichen Möglichkeiten? Und wie gelingt die Selbstinszenierung in einer Zeit, in der das Besondere der Standard ist? Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

In Bezug auf den übermodernen Lifestyle, wie er in den neunziger Jahren von Marc Augé definiert wurde, werden Fragen nach der individuellen Sinnproduktion als Resultat des Zerfließens kollektiver Orientierungsmarken aufgeworfen. Das Streben nach Einzigartigkeit als Ausdruck der individuellen Persönlichkeit findet sich aber vor allem auch bei dem Soziologen Andreas Reckwitz, der von einer »Kuration des eigenen Lebens« spricht und von dem die These stammt, dass sich unsere heutige Gesellschaft als Ansammlung von Singularitäten begreifen lässt. »Eigenkomplexität« entstehe durch eine Komposition zunächst äußerlicher Lebensbereiche, die wiederum den oder die Erlebende*n besonders machten. Michaela Ott wählte dafür die Bezeichnung des »Dividuums«, wobei gerade ihr Begriff das Augenmerk auf das Spannungsverhältnis zwischen Privileg und Fremdbestimmung legt.

Wie sich diese gestaltet, verdeutlicht ein Blick in die sozialen Medien: Die Inszenierung des Selbst durch das Zu-eigen-Machen von Attributen, die assoziiert werden mit bestimmten Mode- und Sporttrends, Musik und Kunstausstellungen, der Wahl von Speisen und Orten, an die man mit einem auserwählten Kreis an Freund*innen oder Bekannten geht. Der bewussten Entscheidung und Wahl wird eine intensive Auseinandersetzung und Wissensaneignung zugrunde gelegt, bei der es um das Verstehen und Nicht-Verstehen kultureller Codes geht. Doch was davon entspricht wirklich der eigenen Persönlichkeit und was ist letztendlich fremdbestimmt durch die Orientierung am vorgegebenen sozialen Rahmen?

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht. Dass all diese Phänomene nicht nur auf die Sphäre des Individuellen begrenzt sind, zeigt der Ort der Ausstellung, die Galerie Wedding, selbst, der in seiner alltäglichen Identitäts- und Standortpolitik durchaus ähnlichen Herausforderungen unterworfen ist.

Begleitveranstaltungen

Performance Yuan Fang 遠方 von Liping Ting am 24.06.2018 von 16 bis 17.30 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Nadia Pilchowski am 28.06.2018 von 17 bis 18 Uhr

Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian TM Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag,  24.06., 08. und 15.07.2018

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

Mit freundlicher Unterstützung Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien

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I Am Large, I Contain Multitudes
Opening 7th June 2018 from 7pm until 10pm

A group exhibition with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone  curated by Nadia Pilchowski within the frame of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

8th June – 15th Juli 2018

Text by Nadia Pilchowski
EN_Living in Particularity

What is it that seems to give meaning to life? What is it that promises social success today on the market of endless possibilities? And how does self-staging work when specialness is the standard? The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

With regard to the super-modern lifestyle as defined by anthropologist Marc Augé in the 1990s, questions are raised concerning the individualised mode of producing meaning that has resulted from a dissolution of reference points for collective identification. A striving for uniqueness as the expression of individuality has been more recently addressed in the writings of sociologist Andreas Reckwitz, who speaks of the »curation of one’s own life« and has introduced a concept that considers our contemporary society as an accumulation of singularities. »Self-complexity« arises from a sort of composition of external areas of life, which, in turn, render the experiencing subject special. In describing this, Michaela Ott has coined the term »dividual«, which focuses on the complex tensions between the notions of privilege and heteronomy.

How this all plays out is revealed by taking a look at social media: the staging of the self takes place through the appropriation of attributes associated with certain trends in fashion, sports, music and art exhibitions, choices of food and places visited with a selected group of others. Conscious choice-making is based on careful examination and an acquisition of knowledge that involves either understanding or not understanding cultural codes. But which aspects finally correspond to one’s own personality, and which are in fact guided by the search for orientation within a given social framework?

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically. The fact that these phenomena are not limited to the sphere of the individual is demonstrated by Galerie Wedding itself, as the exhibition space is subject to similar challenges regarding its own everyday identity and locational politics.

Further events
Performance Yuan Fang 遠方 by Liping Ting on 24th June 2018 from 4pm to 5.30pm

Tour through the exhibition with curator Nadia Pilchowski on 28.06.2017 from 5pm until 6pm

Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian TM Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

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Photo: FORT, »The Shining«, 2013, 08:57 Min. looped Video HD / Sound.

Eine Führung mit Kuratorin Nadia Pilchowski durch die Gruppenausstellung I Am Large, I Contain Multitudes mit Arbeiten von Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Liping Ting, Hanne Lippard, Lauryn Youden und Marco Bruzzone

Im Kontext des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht.

Weitere Begleitveranstaltungen
Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag, 24.06., 08. und 15.07.2018

Weitere Informationen zur Ausstellung und zum Programm finden sie unter www.galeriewedding.de

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien.

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28th June 2018, 5pm till 7pm

A tour with curator Nadia Pilchowski through the group exhibition I Am Large, I Contain Multitudes with works by Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone

In the context of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically.

Further events
Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian TM Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

Simon Fujiwara
Joanne
21. April – 26. Mai 2018

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung im Kontext des Ausstellungsprogramms UP (Unsustainable Privileges)

Mit der kuratorischen Absicht, »unhaltbare Privilegien« (Unsustainable Privileges) in Bezug auf Staatsbürgerschaft, Patriarchat, Ökologie, Kolonialismus, Sprache, Medienpräsenz, Verwaltung, Gastro-Politik und neoliberale Ökonomie zu thematisieren oder auszustellen, ist diese unbeirrt kapitalistisch anmutende Ausstellung eine Konfrontation mit dem Profil des Ausstellungsprogramms der Galerie Wedding. »Joanne« von Simon Fujiwara rückt die menschlichen Marke ins Zentrum und stellt die Frage, ob zeitgenössische Kunst außerhalb des herrschenden kapitalistischen Systems agieren kann. Andererseits wird hinterfragt, ob man mit dem System arbeitend, tatsächlich in der Realität aktiv werden kann und somit dem betreffenden Subjekt Großzügigkeit entgegen bringt.

Der immaterielle Wert, der heutzutage den höchsten Profit bringt, ist die Entwicklung vom Menschen zum Produkt und zur Marke – Autobiographie, die für ein Publikum systematisiert, materialisiert und vermarktet wird. Fujiwara’s künstlerische Praxis verlagerte sich von der Arbeit mit seiner eigenen Biographie hin zu der mit Geschichten über andere. Er griff in die Repräsentation von bekannten Frauen in der Achse der Authentizität und des Markenauftritts ein und arbeitete sie um. Vor und nach »Joanne« hat Fujiwara 2015 »Masks (Merkel)« und 2017/18 »Hope House« geschaffen. »Masks (Merkel)« bestand aus einer Reihe von großformatigen Gemälden, die mit dem Make-up von Angela Merkel gemalt wurden. Das HD-Makeup soll die Kanzlerin authentisch aussehen lassen, um sie als »eine von uns« zu zeigen, ganz im Sinne ihrer Marke als Politikerin. »Hope House« im Kunsthaus Bregenz ist der originalgetreue und menschliche Nachbau eines Modell des Anne-Frank-Hauses wie man es im Anne-Frank-Museum in Amsterdam kaufen kann. Diese Arbeit fand seinen Ausgangspunkt in dem Hinterfragen von Prozess der Kommerzialisierung und Disneyfizierung von kulturellem Trauma und kulturellem Erbe. Wie vereinen sich Erzählung und Materialität in dem, was hier als authentisches Produkt erscheint? Und warum glauben wir, dass wir eine Erzählung, eine Erfahrung oder eine Person besitzen können? Noch wichtiger aber ist, dass Fujiwara mit »Hope House« und »Joanne« verdeutlicht, dass der Begriff des Individualismus, der westlichen Idee von individueller Freiheit und Authentizität, sich auflöst, während wir sprechen. Die philosophische und ethische Definition davon, dass ein Mensch amoralischen Wert besitzt, war ursprünglich die ultimative Vorstellung von Freiheit, wie sie im 18. Jahrhundert erfunden wurde. Heute können wir danach fragen, ob das Individuum dank der Macht der Repräsentation das ultimative Produkt ist.

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

»Joanne« wurde vom Film and Video Umbrella, The Photographers‘ Gallery und der Ishikawa Foundation in Auftrag gegeben. Unterstützt vom Arts Council England. Herzlichen Dank an Galerie Esther Schipper, Berlin, für die Unterstützung bei der Ausstellungstechnik.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Spartenoffene Förderung und Fonds Ausstellungsvergütungen.

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A tour through the exhibition with curator Solvej Helweg Ovesen on April 28th at 4pm
within the frame of

Simon Fujiwara
Joanne
21st April – 26th May 2018

curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung within the context of the exhibition program UP (Unsustainable Privileges)

With the curatorial intention, that is to thematise or exhibit »Unsustainable Privileges« in terms of citizenship, patriarchy, ecology, colonialism, language, media presence, administration, gastro-politics and Neo-Liberal Economy, this unflinchingly capitalist-looking exhibition »Joanne« by Simon Fujiwara with the subject of the human brand, states a confrontation to the profile of the program at Galerie Wedding. The visual intervention questions, if contemporary art can perform agency outside of the ruling system of Capitalism. On the other hand it asks, if working with the system, agency within reality can actually be enabled and thus appear more generous to the subject in question.

One of the transformations of immaterial value that brings the highest profit today, is the shift from being a person to being a product and a brand. Autobiography that is systematised, materialised and marketed for an audience. Fujiwara shifted from doing artwork around his own biography to appropriating stories about others, such as known women by reworking their representation within the axis of authenticity and brand appearance. Before and after »Joanne« he made »Masks (Merkel)« in 2015 and »Hope House« in 2017/18. »Masks (Merkel)« consisted of a series of scaled up paintings made with the make-up used by Angela Merkel. The HD makeup is applied to make the Chancellor look authentic, as her brand as a politician is to be »one of us«. In »Hope House« shown at Kunsthaus Bregenz, Fujiwara reworked the Anne Frank house in real architectural scale based on a model of the house one can purchase from the Anne Frank Museum gift-store in Amsterdam. Here Fujiwara started by questioning the commodification and disneyfication of cultural trauma and heritage – how does narrative and materiality integrate in what comes across as an authentic product here? And why do we think we can own a narrative, an experience or a person? More importantly however, what Fujiwara makes clear with »Hope House« and »Joanne« is that the notion of individualism, western idea of individual freedom, and authenticity, is disintegrating as we speak. Individualism, the philosophical and ethical idea that a person has amoral worth, was originally the ultimate idea of freedom as it was invented in the 18th century. Today we may ask if the individual is the ultimate product thanks to the power of representation.

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

»Joanne« was commissioned by Film and Video Umbrella, The Photographers‘ Gallery and Ishikawa Foundation, supported by Arts Council England. Many thanks to gallery Esther Schipper, Berlin, for the support regarding the exhibition technology.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding and funds „Ausstellungsvergütungen“.

Kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) 

Rundgang durch die Ausstellung mit Künstler Azin Feizabadi und Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung am 08.03.2018 um 17 Uhr 

Das UP (Unsustainable Privileges) Ausstellugsprogramm setzt sich in 2018 mit einer Einzelausstellung des Filmemachers und Künstlers Azin Feizabadi fort. Seine Arbeiten stammen aus einem Langzeitprojekt mit dem Titel A COLLECTIVE MEMORY, das seit 2009 einen Recherche- und Produktionsrahmen stellt, innerhalb dessen er sich mit alternativen Formen der Geschichtsschreibung auseinandersetzt. Mit filmischen und installativen Mitteln greift Feizabadi diesen Diskurs in der Galerie Wedding auf und stellt ihn in Bezug zu Fragen der Konstruktion von Zeit und Identität; Fragen die auch in seinem neuen Erzählfilm »Uchronia« thematisiert werden. Es ist der Versuch, das Verständnis von kultureller und nationaler Identität aus seiner ausschließlich historischen Begründung zu hinterfragen. Wie sehen alternative Formen von Geschichtsschreibung aus, die sich außerhalb institutioneller und ideologischer Vorgaben bewegen?

Feizabadi geht es darum Wege zu finden, Geschichten abzukapseln und sie durch den Gebrauch poetischer und experimenteller Ausdrucksformen darzustellen, während er auf wissenschaftliche und ideologische Mittel verzichtet. Wie viele Künstler*innen, Dichter*innen und Denker*innen vor ihm spekuliert Feizabadi über das mögliche Ende von Layla und Majnuns Liebesaffäre, im Sinne einer Fortsetzung der klassischen, orientalischen Geschichte arabischen Ursprungs. Darüber hinaus ist die deutsche Schauspielering Brigitte Mira in dem neu produzierten Werk Feizabadis in der Galerie Wedding auf multiple Weise präsent.

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Azin Feizabadi
Once Upon A Time, Once Upon No Time
12th February – 29th March 2018

Curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the frame of UP (Unsustainable Privileges) 

Tour through the exhibition with artist Azin Feizabadi and curator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung on 8th March 2018 at 5pm 

The exhibition program UP (Unsustainable Privileges) continues in 2018 with a solo exhibition by filmmaker and artist Azin Feizabadi. The presented artworks stem from the long-term project called A COLLECTIVE MEMORY, which has provided since 2009 a research and production framework within which Feizabadi deals with alternative forms of historiography. This discourse is picked up in cinematic and installation means at Galerie Wedding and placed in relation to questions of the construction of time and identity; questions that are also addressed in Feizabadis new and narrative film »Uchronia«. It is an attempt to question the understanding of cultural and national identity from its purely historical justification. What are alternative forms of historiography that are used outside of institutional and ideological prescriptions?

Feizabadi’s aim is to find ways to encapsulate stories and depict them through the use of poetic and experimental expressions while renouncing scientific and ideological means. Like many artists, poets, and thinkers before him, Feizabadi speculates on the possible end of Layla and Majnun’s love affair, in the sense of a continuation of the classical, oriental history of Arab origin. In addition, the German actress Brigitte Mira is present in multiple ways in the newly produced work by Feizabadis at Galerie Wedding.

Rundgang durch die Ausstellung mit Künstlerin Dafna Maimon am 15.12.2017 um 17 Uhr 

Eine Ausstellung von Dafna Maimon kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) in Kooperation mit Nordwind Festival 2017

17. November 2017 – 13. Januar 2018

In der Galerie Wedding hat Dafna Maimon, eine in Helsinki, Finnland, aufgewachsenen Künstlerin mit einem israelischen Vater und einer finnischen Mutter das Kebab Restaurant ihres Vater rekonstruiert. Dies allerdings nicht in seiner vollen Funktionsfähigkeit, wie in der vorangehenden Performance „Orient Express, Yourself“ im Lilith Performance Studio in Malmö, Schweden, sondern als geschlossenen und verlassenen Raum. Außerdem wird ein überarbeiteter Werbefilm aus den 1980er Jahren, den Maimons Vater für das Restaurant in Auftrag gegeben hat, Banner mit Sprüchen und autobiografisches Textmaterial gezeigt. In einem detailorientierten und raumgreifenden Arbeitsprozess schuf die Künstlerin eine Installation, die spielerisch erkundet werden kann und gleichzeitig tiefe Emotionen und gesellschaftliche Themen anspielt. Dieser parafiktionale Raum der Erinnerungen, zeigt die Perspektive der erwachsenen Künstlerin auf ihre Vergangenheit, wie sie durch ihren Vater geprägt wurde und öffnet sich gleichzeitig für die individuellen Projektionen der Besucher. 

Weitere Veranstaltungen

After Hours – Performance zur Finissage am 11.01. und 13.01.2018, jeweils um 19 Uhr

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Orient Express

Tour through the exhibition with artist Dafna Maimon December 14th at 5pm

An Exhibition by Dafna Maimon curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung within the frame of UP (Unsustainable Privileges)

17th November 2017 – 13th January 2018

In her exhibition “Orient Express” Berlin-based artist Dafna Maimon, who grew up in Helsinki, Finland, with an Israeli father and a Finish mother, re-establishes the interior of her father’s Kebab and Falafel restaurant, “Orient Express,” which has been the first of its kind in Finland. The restaurant installation is combined with a reworked advertising film, slogans and autobiographical texts that are placed within in the gallery space. In a detailoriented and spacegrapping process, Maimon created an installation wich can be explored in a playful manner while it refers to deep emotions and sociopolitical subjects. This parafictional space of memories shows Maimon’s perspective from the standpoint of an adult on her past as it has been marked by her father while at the same time it opens up for personal projections from the audience.

Further Events

After Hours – Finissage Performance on 11.01. und 13.01.2018, 7pm

Im Rahmen der Ausstellung Pleasures of Association, and Poissons, such as Love–
Laufzeit 6. Oktober bis 4. November 2017

Eine Ausstellung von Mariana Castillo Deball im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Die Auseinandersetzung mit evolutionären Entwicklungen in Relation zur menschlichen Erfahrbarkeit ist ein wiederkehrendes Motiv in der künstlerischen Arbeit Mariana Castillo Deballs. Die Annäherung an Evolutionsprozesse geschieht dabei aus vielerlei wissenschaftlicher und praktischer Richtungen: die der Archäologie, Paläontologie, Ethnografie und Geschichte. Was prägt unser Verständnis von Zeit und unseren Blick auf die Entstehungsgeschichte?

Der Rundgang durch die Ausstellung lädt ein, gemeinsam mit der Künstlerin und der Kuratorin den Entwicklungsprozess vom Fisch zum Vogel zu erkunden, der durch die Installation ‚Pleasures of Association, and Poissons, such as Love‘ in den Räumen der Galerie Wedding erfahrbar ist. Diese begehbare Darstellung eines Zeitraumes von über 200 Millionen Jahren fragt nach den hinterlassenen Spuren eines Prozesses jenseits der Menschheitsgeschichte und der Einordnung ihrer Bedeutung.

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On October 19th at 5pm artist Mariana Castillo Deball and curator Solvej Helweg Ovesen give a tour through the exhibition Pleasures of Association, and Poissons, such as Love–. The exhibition is staged within the frame of UP (Unsustainable Privileges) and curated by Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung.

The examination of evolutionary processes in relation to human understanding is a reoccurring theme in Mariana Castillo Deball’s artistic practice. The artist’s approach incorporates several scientific perspectives such as the archeological, paleontological, ethnographic and historical. What shapes our understanding of time and our perspective on the development of species?

The tour through the exhibition invites you to explore together with the artist and the curator the development from fish to bird that is presented within the installation of ‚Pleasures of Association, and Poissons, such as Love‘ at Galerie Wedding. Thee experience of a timeframe expanding over 200 Million years questions the traces of a process that has happened long before human existence and the classification of its meaning.

Weitere Begleitveranstaltungen/Further Events:

Eine Konversation am 26.10.2017 zwischen der Künstlerin Mariana Castillo Deball und Evolutionsbiologin Gabriela Aguileta in Englischer Sprache um 20 Uhr und Liveperformance von Coco Maria von 21.30 bis 23 Uhr /

A conversation between Artist Mariana Castillo Deball and evolutionary biologist Gabriela Aguileta in English takes place on October 26th at 8pm followed by a live performence by Coco Maria from 9.30pm until 11pm

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

Im Rahmen der Ausstellung

Looking into the Distance Becomes Difficult
Laufzeit 27. August bis 23. September 2017

Eine Ausstellung von Surya Gied im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Surya Gieds Ausstellung »Looking Into The Distance Becomes Difficult« der Malerin Surya Gied den Narrativen der sogenannten »privilegierten Medien«. Die Berichterstattung des westlichen Europas ruft bei immer mehr Zuschauenden eine immer größer werdende Distanz zu den aktuellen Weltgeschehnissen hervor, seien diese die Situation von Geflüchteten, der Anschlag in Manchester oder eine Anti-Trump-Demonstration.

Weitere Begleitveranstaltungen während der KGB-Kunstwoche:
Ton / Schritt / Wedding – Akustische Entdeckungen der architektonischen Landschaft um den Leopoldplatz – ein Soundwalk mit Surya Gied und Tobias Purfürst am 16.09.2017 um 15 Uhr

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

Am Freitag, dem 04.08.2017 und Samstag, dem 05.08.2017 finden zwei Spaziergänge mit den italienischen Künstlerinnen Stefania Migliorati und Rebecca Agnes im Rahmen der aktuellen Ausstellung Mapping Berlin: Eine kollektive Erzählung von imaginären und neu entstehenden Räumen statt.

Die in Bergamo und Berlin lebende und arbeitende Künstlerin Stefania Migliorati legt den Schwerpunkt ihrer Forschung auf Gefühle für einen Ort, den Sinn für lokale Verwurzelung, das Zusammenspiel zwischen öffentlichem und privatem Raum, das Konzept des unerlaubten Betretens, Geografie und die Positionierung zur heutigen Welt. Eine zentrale Komponente ihres Arbeitsprozesses ist der Akt des Vergleichs, der durch das Schaffen von Räumen für Zusammenarbeiten und von Plattformen für Experimente entsteht.

Der Spaziergang In all directions | In alle Richtungen am Freitag (04.08.2017) ist ein partizipatives Projekt, bei dem die Teilnehmer gebeten werden, eine persönliche Route zu erstellen, bei der sie simple Instruktionen befolgen müssen. Das Ziel der Instruktionen ist es, den Teilnehmern zu ermöglichen, sich in der Umgebung zu verlieren und sie dadurch auf eine experimentelle Art und Weise neu zu erfahren und mit den Bewohnern der Nachbarschaft und ihren Gewohnheiten in Kontakt zu kommen und sich selber als bedeutsame Individueen in der Beziehung zu anderen zu sehen.

Die Arbeiten von Rebecca Agnes können mit drei Schlüsselbegriffe umschrieben werden: Narration, Gedächtnis und Zusammenarbeit. Mit verschiedenen Techniken sammelt sie Geschichten von anderen Menschen. Ihre Arbeit entsteht aus der Überschneidung von persönlichen Erfahrungen und denen von anderen. Die Perspektivenvielfalt wird als unabdingbares Werkzeug verstanden, um Realität zu erfassen, zu verstehen und zu hinterfragen. Die seit 2006 in Berlin lebende Künstlerin interessiert sich in ihrem Spaziergang Displaced monuments and Disappeared Places am Samstag (05.08.2017) für nicht mehr existierende Orte, die den Bezirk Berlin Mitte durch Vernachlässigung, Entfernung oder Umschichtung verwandelt haben.

Freitag, den 04.08.2017
In all directions | In alle Richtungen mit Stefania Miglorati

Wo: Der Spaziergang kann jederzeit begonnen werden. Danach lädt die Künstlerin zu einem Treffen um 16 Uhr in der Galerie Wedding, Müllerstraße 146/147, 13353 Berlin, ein.

Die Instruktionen können hier als .pdf-Datei heruntergeladen werden: http://mapping.berlinerpool.de/wp-content/uploads/2017/06/directions_mapping_berlin_SM.pdf

Sign up: https://goo.gl/forms/9GYQ0ua9M037DxFf1

Das offene und partizipative Projekt begann im Jahr 2014 und wird immer weiter entwickelt. Die Form des Projekts ist eine Art relationaler Spaziergang, bei dem die Teilnehmer gebeten werden, eine persönliche Route zu erstellen, bei der sie simple Instruktionen befolgen müssen, die einer .pdf-Datei auf der Facebook-Seite des Projekts zu entnehmen sind. Das Ziel der Instruktionen ist es, den Teilnehmern zu ermöglichen, sich in der Umgebung zu verlieren und sie dadurch auf eine experimentelle Art und Weise neu zu erfahren und mit den Bewohnern der Nachbarschaft und ihren Gewohnheiten in Kontakt zu kommen und sich selber als bedeutsame Individueen in der Beziehung zu anderen zu sehen. Am Ende des Spaziergangs wird eine Dokumentation anhand von Fotografien und Karten erstellt und auf der Facebook-Seite gepostet. So können alle Teilnehmer ihre eigenen Gedanken und ihre persönliche Reise teilen. Inspirationsquelle für das Projekt ist das Buch „Perdersi“ von Franco La Cecla, welches die Idee des Sich-Verlaufens untersucht – das Verlaufen als ein Auslöser von Zugehörigkeitsgefühlen und gleichzeitiger Distanz; sesshaft werden, sich die Umgebung einprägen und kognitive Landkarten erstellen.

Samstag, den 05.08.2017
Displaced monuments and Disappeared Places mit Rebecca Agnes

Meeting Point: um 14:00 Uhr am Rosenthaler Platz, Berlin.

Der Stadtrundgang beginnt an einem meiner Lieblingsorte, dem Rosenthaler Platz. Seit ich 2006 nach Berlin gezogen bin, habe ich bis 2013 in der Nähe des Platzes gewohnt. Komischerweise existiert der Ort, den ich immer so mochte, nicht mehr wirklich – außer in meinem Gedächtnis. Die ganzen Spätkäufe und Gallerien, das besetzte Haus in der Brunnenstraße 183 oder die Wilhelm-Pieck-Straße sind alle nicht mehr da, aber jetzt können wir Heinrich Heine im Weinbergspark begegnen. In der Rosenthaler Straße stolpern wir über zahlreiche Stolpersteine, in die Namen eingraviert sind, um sie vor dem Vergessen zu bewahren. Unser Blick streift über den Eingang meiner ehemaligen Wohnung, wir machen einen Stopp bei der Druckerei von Theodore Görner und betreten dann das Haus Schwarzenberg, in dem Otto Weidt seine Pinselwerkstatt für Blinde betreibt. Wir nähern uns dem historischen Stadtkern und treffen auf eine Reihe von Menschen: Marx und Engels schauen immer noch auf die Brache, auf der der Geist des Palast des Republiks weiterlebt. Bei der Neuen Wache zählen wir auf, wie oft der Ort schon seine Funktion und seinen Namen geändert hat. Und dann neben der Universität verabschieden wir uns in der Nähe des Klons von Heinrich Heine.

Sign up: https://goo.gl/forms/OaOPBYfFSQufLPQq1

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Teil des Projektes Mapping Berlin: Eine kollektive Erzählung von imaginären und neu entstehenden Räumen realisiert mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds und der Ausstellungsvergütung für Kommunale Galerien und in Kooperation mit Associazione 22:37.

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Walks with artists on 4th and 5th of August

Friday, 04.08.2017
In all directions | In alle Richtungen with Stefania Miglorati

Start your walk wherever and whenever you want. When you are done with it, please join the artist at 16:00 o’clock at Galerie Wedding, Müllerstraße 146/147, 13353 Berlin.

Download the instructions pdf: http://mapping.berlinerpool.de/wp-content/uploads/2017/06/directions_mapping_berlin_SM.pdf

Sign up: https://goo.gl/forms/9GYQ0ua9M037DxFf1

An open and participative project started in 2014 that is still in progress. It takes the form of a relational walk where the participants are asked to create a personal itinerary in which they are required to carry out the very simple actions indicated in a PDF file linked on the Facebook page of the project. The goal of the instructions is to lead the participants in experiencing the possibility of becoming lost within the environment and to perceive the surroundings in terms of experimental knowledge, coming into contact with the population, its culture and themselves as significant individuals in relation with the others. At the end of the walk, the documentation collected through photographs and maps will be posted on the Facebook page and everybody can share their own reflections on their personal journey. The project was inspired by the book Perdersiby Franco La Cecla, which explores the concept of getting lost, creating a sense of home, belonging and alienation as well as the processes of settling down and familiarizing that design and draft our mental maps.

Saturday, 05.08.2017
Displaced monuments and Disappeared Places with Rebecca Agnes
Meeting Point: 2pm at Rosenthaler Platz, Berlin.

The walk begins from one of my favorite places, Rosenthaler Platz. From the time I moved to Berlin in 2006 I always lived nearby this square, until 2013. Strangely, the place that I liked so much no longer exists, except in my memory. Here we can no longer find all of the kiosks and galleries, or the Squat house of Brunnenstraße 183, or Wilhelm-Pieck-Straße, but we can meet Heinrich Heine in Weinbergspark. Along RosenthalerStraße, we stumble over numerous Stolpersteine, where a name is engraved against forgetfulness on every stone, we glance at the entrance of my former studio apartment, we stop at the print shop of Theodore Görner and we enter Haus Schwarzenberg, where Otto Weidt runs his brush factory for the blind. Approaching the historical center of the city, we meet a group of people, Marx and Engels are still looking at an empty lot where the ghost of the Palast der Republik still resides. At the Neue Wache, we list how many times the place has changed function and name. And, at the side of the university, we say goodbye near the clone of Heinrich Heine

Sign up: https://goo.gl/forms/OaOPBYfFSQufLPQq1

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Part of the program Mapping Berlin: Collective Narration on Imaginary and Emergent Spaces realised with kind support of the Berlin Senate Administration for Culture and Europe, the Exhibition Fund and the Exhibition Remuneration for Municipal Galleries and in cooperation with Associazione 22:37

am 28.07.2017 um 19 Uhr

*For English version please scroll down*

Die Künstlerspaziergänge sind ein urbanes Interventions-Projekt, welches sich mit dem Spaziergang als ästhetisches Werkzeug im Kontext von öffentlicher Kunst beschäftigt. Die Idee für diese Spaziergänge besteht in der Schaffung eines geteilten Raums für Debatten und Forschungen, in dem die Pluralität von Perspektiven und Subjektivitäten ein gemeinsamer Nenner für Austausch und Inspiration darstellt. Ein Projekt von Associazione 22:37.

Rednerinnen:
Rebecca Agnes, Sandra Božić, Iva Kontić, Irina Novarese, Stephanie Schairer, Dragan Strunjaš und Viola Thiele

Moderation:
Stefania Migliorati

Für mehr Informationen und für den Erwerb des Katalogs Email an: news22e37@gmail.com

walkwiththeartist word press
http://mapping.berlinerpool.de/walk-with-the-artist/

Der Walk ist Teil des Projektes Mapping Berlin: Eine kollektive Erzählung von imaginären und neu entstehenden Räumen und ist realisiert mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds und der Ausstellungsvergütung für Kommunale Galerien und in Kooperation mit Associazione 22:37

Book Launch of »Walk with the Artist« by Associazione 22:37

on 28.07.2017 at 7 p.m.

Walk with the artist is an urban intervention project that explores the concept of a walk as an aesthetic tool within the framework of public art. The idea behind these walks is to create a shared space of debate and research where the plurality of perspectives and subjectivities can find a common denominator of exchange and inspiration. Project by Associazione 22:37.

Speakers:
Rebecca Agnes, Sandra Božić, Iva Kontić, Irina Novarese, Stephanie Schairer, Dragan Strunjaš and Viola Thiele

Moderation:
Stefania Migliorati
For more information about how to get the catalogue please write to news22e37@gmail.com

walkwiththeartist word press
http://mapping.berlinerpool.de/walk-with-the-artist/

The walk is part of the program Mapping Berlin: Collective Narration on Imaginary and Emergent Spaces and is realised with kind support of the Berlin Senate Administration for Culture and Europe, the Exhibition Fund and the Exhibition Remuneration for Municipal Galleries and in cooperation with Associazione 22:37

Eine Ausstellung von Mwangi Hutter im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

»Einssein« ist ein Thema, das seit langem schon eine wichtige Rolle in der Arbeit des Künstlerpaares spielt. Ingrid Mwangis und Robert Hutters kreative und private Partnerschaft schlägt Brücken zwischen kenianischen und deutschen »verkörperten Seelen«. Sie führen eine internationale, kosmopolitische Beziehung, wie so viele Menschen im multikulturellen und von Migration geprägten Stadtteil Wedding, in dem sich die Galerie befindet.

Die beiden Videoinstallationen von Mwangi Hutter reflektieren den performativen und kollektiven Charakter ihrer Arbeiten, in denen sie meist selbst und ihre beiden Töchter als Performer*innen agieren. In der Installation greift die schwarz-weiße Bemalung der großen Glasfassade der Galerie Wedding eine Signatur in der Kunst von Mwangi Hutter auf – die Farbkombination Schwarz und Weiß als Symbol einerseits für einen Kontrast und andererseits für den Austausch zwischen Menschen unterschiedlicher Herkunft. Die auf den ersten Blick undurchdringliche visuelle Barriere stellt sich bald als eine durchlässige Oberfläche heraus; die schwarze und weiße Kreidefarbe kann leicht von außen abgewischt werden, so dass der Blick frei wird auf das, was sich im Ausstellungsraum selbst abspielt: die Projektion einer Frau und eines Mannes, auf getrennten Betten ruhend.

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Tour through the exhibition with Solvej Helweg Ovesen (curator), 12.01.2017, 4 pm  for individuals and families

An exhibition by Mwangi Hutter in the context of POW (Post-Otherness-Wedding), curated by Solvej Helweg Ovesen und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Mwangi Hutters’ exhibition Circling Around Oneness focuses on unity, a longterm subject of their artistic collaboration as an artist duo in a process to constantly form a unity anew. They see the creation of oneness as a process of getting close, uniting and distancing oneself from one another. A whole, oneness must be created over and over again. Therefore, this is a circular movement.

The two video works by Mwangi Hutter reflect on the performative and collective nature of the duo’s endeavour, as they also involve themselves as performers as well as one of their daughters. In the installation the black and white colour sprayed window facade of the gallery takes up the signature of Mwangi Hutter – the colour combination of black and white connoting difference, opposition, exchange between people from different origins. As it turns out, the colour sprayed facade of Galerie Wedding is not a blocking, but a permeable surface; the black and white chalk is easily washed away from outside. Looking inside one sees the projection of a man and a woman who are resting on their separate beds.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Das Ausstellungsprogramm POW wird durch die Unterstützung des Bezirksamtes Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur, Fachbereich Kunst und Kultur ermöglicht.

Die großen Fenster der Galerie Wedding sind derzeit zwecks Abdunkelung mit schwarzer und weißer Sprühkreide bemalt. Passanten haben von außen bereits Graffiti ähnliche Einritzungen vorgenommen. Die so entstandenen Freiflächen ermöglichen Blicke in den Ausstellungsraum: auf zwei Videoarbeiten und eine große Fotografie. Es sind Arbeiten des kenianisch-deutschen Künstlerpaars Mwangi Hutter. Das Paar führt eine transkulturelle Beziehung, sowohl beruflich als auch privat. Sie sind Eltern von Zwillingen, eine weitere Ebene der Einheit. Ingrid Mwangi und Robert Hutter fragen in ihren Arbeiten nach diesem Einssein. Was bedeutet ein jahrelanger gemeinsamer künstlerischer Schaffensprozess, in den sogar die Kinder mit eingeschlossen sind? Fragen des allgemeinen Miteinanders des eigenen Ichs in Familie, Freundschaft und Beziehung stellen sich uns.

Praktisch künstlerisch besteht das Angebot, gemeinsam zu arbeiten. In bereits beschichtete Platten ritzen die Schülerinnen und Schüler persönliche Spuren und Ornamente. Die halbfertigen Arbeiten werden untereinander getauscht oder weiter gegeben und vervollständigt. Abschließend dürfen die Schwarz-Weiß Zeichnungen nach kurzer Belichtung im dunklen Videoraum zum Leuchten gebracht werden.

Ort: Galerie Wedding, Müllerstrasse 146–147, 13353 Berlin
Teilnahme: Für Schüler ab Altersstufe 6: bis 28 Teilnehmer
Termine: 3 Stunden: Montag bis Freitag 10:00 – 13:00 Uhr
Kosten: Die Veranstaltungen sind kostenfrei
Kursleitung: Daniela Herr, Kunsthistorikerin/Kunstvermittlung

Buchungstermine:
Im Dezember 2016: Do 15.12. und Fr 16.12.2016
Im Januar 2017: Di 10.01., Mi 11.01., Fr 13.01.2017 und Mo 16.01., Di 17.01., Do 19.01.2017

Anmeldung:
Mo–Do 9:00–15:00 Uhr
unter Tel.: 266 42 22 42/(44) Email: schule@jugend-im-museum.de

Die Ausstellung Circling Around Oneness wurde kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding).

Mit freundlicher Unterstützung der Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien. Das Ausstellungsprogramm POW wird durch die Unterstützung des Bezirksamtes Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur, Fachbereich Kunst und Kultur ermöglicht. 

02.- 04.09.2016
We do the rest!  3-tägiger Workshop mit Andrés Galeano (Pro Tag ca. 4 Stunden, Max. 10 Personen)

Specials zur KGB-Kunstwoche & Berlin Art Week
10.09. bis 18.09.2016

10.09.2016 von 15 bis 17 Uhr
It`s time to eat flowers! Workshop mit Marisa Benjamim*

11.09.2016 ab 13 Uhr
Den Kilimanjaro hinabsteigen: Koloniale Trümmer & Erinnerungen im Wedding Artist Walk mit Nathalie Mba Bikoro (Dauer ca. 3 Stunden)*

16.09.2016 von 17 Uhr bis 19 Uhr
Artist Talk mit Fadi al-Hamwi, Funda Özgünaydin, dem treuen Freund und Partnerperformer Macbook pro von Marijana Radovic und den beiden Kuratorinnen von Vacancies! Julia Zieger & Kathrin Pohlmann

16.09.2016 um 20 Uhr
Live-Konzert mit Namosh (Beat Electronic/Electroclash)

17.09.2016 von 12 bis 19 Uhr
Cleaning ROTA Performance von Dominique Baron-Bonarjee

*in englischer Sprache, max. 15 Personen
Anmeldungen bis 07.09.2016 an pow@galeriewedding.de

Kuratorische Führung durch die Ausstellung Vacancies! mit den Kuratorinnen Julia Zieger & Kathrin Pohlmann

13 Uhr findet zudem ein Artist Walk mit der Künstlerin Nathalie Mba Bikoro statt. Treffpunkt: Galerie Wedding.

Anlässlich der KGB-Kunstwoche ist die Galerie Wedding am 11.09.2016 von 12 bis 19 Uhr geöffnet.

11.09.2016 ab 13 Uhr, Dauer ca. 3 Stunden
in englischer Sprache, max. 15 Personen, Anmeldungen bis 07.09.2016 an pow@galeriewedding.de

»We always believed that testimonies should come from the dead, but what about the living? are their testimonies not part of forming visible monuments? Are our voices signs of cannibalist processions of the fauna we are ingesting into our bodies? How do we apply these memories of sounds as testimonies of a changing neighbourhood? what do these sounds reveal about our diversity and immigration? Last Barometz collection form a station of live feeds collecting the diversity of the elastic histories tied to colonial debris for over a century. They form part of an uprooted plantation whose debris is an archival memory of digital sounds performed as a radio station. they are urban myths of all the histories they have collected becoming fractal seeds splitting into different embryos. for every time these plants would get uprooted, the plants would regrow by mixed pollination and human alterations.« (Nathalie Anguezomo Mba Bikoro)

Der Artist Walk findet im Rahmen der KGB-Kunstwoche statt,
vom 09. – 18. September 2016, eine Aktionswoche der Kommunalen Galerien in Berlin zur Berlin Art Week 2016.

Foto: Performance by Nathalie Anguezomo Mba Bikoro. Foto: Joe Kniesek, 2016

Jan-Peter E.R. Sonntag ist Künstler, Theoretiker und Komponist. Außerdem ist er Mitherausgeber der gesammelten Schriften des 2011 verstorbenen Medientheoretikers und Literaturwissenschaftlers Friedrich Kittler.
Für die Ausstellung NYMPHAE_M RAUSCH ECK »verrauscht« er den Hauptraum der Galerie Wedding mittels zweier speziell entwickelter Hornsysteme. Er bezieht sich auf die Forschung und künstlerische Darstellung des Mythos Nymphe und fügt nach seiner Auseinandersetzung mit Aby Warburgs Bildatlas »Mnemosyne« dieser eine eigene Interpretation hinzu – die der Nymphe als Mänade.

Kristoffer Gansing ist seit 2012 künstlerischer Leiter der Transmediale, die dieses Jahr unter dem Titel »Conversationpiece« stattfand. Als Kurator und Wissenschaftler interessiert er sich für die Schnittstellen von Medien, Kunst und Aktivismus.

NYMPHAE_M RAUSCH ECK (29. Januar bis 19. März 2016) ist Teil des kuratorischen Programms POW (Post-Otherness-Wedding) der Kurator*innen Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

29.01. bis 19.03.2016
Eine Ausstellung im Rahmen von POW, kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 28.01.2016 um 19 Uhr
Begrüßung
Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur

Preview Führung durch die Ausstellung um 18 Uhr mit Jan-Peter E. R. Sonntag, Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Die Galerie Wedding ist Kooperationspartner der Transmediale Berlin und die Ausstellung NYMPHAE_M RAUSCH ECK Teil des Transmediale-Programms »Vorspiel 2016«.

Stadtwanderung des Künstlers Heimo Lattner mit dem Politologen Reinhard Wenzel und dem Kurator und Autor Jochen Becker im Rahmen der KGB-Kunstwoche

Treffpunkt: vor der Galerie Wedding
Dauer: ca. 5 Stunden
Anmeldung bis 18.09. unter: presse@galeriewedding.de

Die Wanderung beginnt mit einer Verabredung: Eine Umrundung des Weddings entlang seiner Stadtteilgrenze von 2001. Ein ambitioniertes Vorhaben, zudem ohne abgesicherter Narration: Keine Stadtführung, kein Kiezspaziergang, keine Performance, keine künstlerische Intervention. Die Dramaturgie schreibt sich unterwegs unter Beteiligung der Wanderer. Das Durchwandern des Stadtraums ist zunächst eine Einladung, Raum zu durchstreifen, Teil einer Stadtkultur, obgleich im Alltag marginalisiert. Es ist keine Interaktion mit einem entlebten Raum. Genau das Gegenteil ist der Fall.

»Angenommen, und sei es nur aus Freude am Denken einer Möglichkeit, dass die vermeintlichen (Stadt)Ränder nicht dem Wunsch Zentrum sein zu wollen folgen, sondern sich aus einem ganz eigenen Selbstverständnis heraus definieren, – sich einer Verwertungslogik entziehen -, wo kommen wir denn da hin? Welche Regeln, welche Grenzen und subtilen Gesetze gelten, welche Bedürfnisse, Sehnsüchte, welche Verabredungen mit dem Glück werden denn getroffen, in der Kleinteiligkeit urbanen Lebens? Kiez, Stadtteil, Bezirk, Stadt, Land, Staat, Kontinent – wenn Orte definiert werden, entstehen Ränder. Übergangsorte. Sie markieren einen Zwischenraum von hier und noch nicht dort. An den Rändern – eine Frage der Perspektive – werden Begriffe flüssig. Dass sie einen nur peripher betreffen – auch das eine Frage der Perspektive -, ist aber vermutlich weit weniger weit gedacht, als man zu meinen glaubt.« (Zitat Heimo Lattner)

Heimo Lattner ist Künstler und lebt in Berlin. Ausstellungen und Projekte u.a.: ICA London;
MoMA PS1, New York; Sharjah Biennale; Massachusetts Museum of Contemporary Arts; Wexner Center for the Arts, Columbus Ohio; Akademie der Künste, Berlin; Whitechapel Gallery, London; Hebbel Theater, Berlin; Musikprotokoll im Steirischen Herbst, Graz; Festspielhaus Hellerau, Dresden.
Reinhard Wenzel ist Diplom-Politologe, Bildungsreferent beim August Bebel Institut, Berlin, Spezialist für die Geschichte der Arbeiterbewegung, speziell in Berlin und Brandenburg,
Stadtverordneter in Königs Wusterhausen.
Jochen Becker ist Autor, Kurator und Mitbegründer von metroZones- Center for Urban Affairs. Herausgeber von u.a. »BIGNES? –Größe zählt, Image/Politik, Städti- sches Handeln« , sowie Mitherausgeber der metroZones-Buchreihe. Jüngste Projekte: »GlobalPrayers – Redemption and Liberation in the Cities« ; »Self Made Urbanism Rome« .

Die Kommunalen Galerien in Berlin präsentieren parallel zur BERLIN ART WEEK gemeinsam die
KGB – KUNSTWOCHE (11. September – 20. September 2015) mit Ausstellungen, Rundgängen, Vorträgen, Performances, Workshops und Konzerten von mehr als 200 Künstlerinnen und Künstlern in allen Berliner Stadtteilen.

Künstlerwebseite/ website of the artist
www.heimolattner.com
www.heimolattner.com/Wanderungen.html

Rundgang durch die Ausstellung Unsichtbare Manöver – Interpretationsreservate und Definitionsreviere mit der Kuratorin Sabine Winkler

Um Voranmeldung bei Frau Julia Zieger wird gebeten: presse@galeriewedding.de
Treffpunkt:
Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst

Öffentliche Präsentation
12.07. 2015
von 16 bis 18 Uhr

Präsentation des durch den Projektkulturfonds des Bezirksamt Mitte geförderten Projektes unter der Leitung von Paz Ponce mit Künstlern aus dem Berlinerpool Netzwerk und Kindern aus dem Hort der Albert-Gutzmann-Schule.

Wie prägt sich die Stadt in den Geist eines Kindes ein? Durch die Orte ihrer Kindheit. Walter Benjamin glaubt, dass die Stadt anhand der Bilder des Kindes – in verkörperter Form – in Erscheinung tritt. Das Buch von Walter Benjamin, »Berliner Kindheit um neunzehnhundert«, ist eine Expedition in die Tiefen der Erinnerung; der sogenannten Topografie der Erinnerung. Das Projekt baut auf die Struktur seines Buches auf, welches 30 Collagen versammelt. Der Autor arbeitet mit einer Form von Vignetten (Medien), um das synästhetische und poetische Lesen zu verstärken. Das Projekt »Meine Kindheit in Berlin um 2015« wird als 3-tägiger-Workshop mit Hort-Kindern der Albert-Gutzmann-Schule in Wedding entwickelt. Während des Workshops wird die Gruppe Orte ihres Alltags beobachten, sie beschreiben, dokumentieren und durch verschiedene künstlerische Medien in Form einer psychisch-geographischen Karte der Nachbarschaft in der Ausstellung präsentieren. Schließlich werden diese Orte des Alltags der Kinder, zu Orten ihrer Erinnerung.

Paz Ponce
Projektleiterin, Kuratorin

Webseite der Kuratorin Paz Ponce
http://pazponce.com/

Webseiten der beteiligten Künstler:
Marianne Ramsay-Sonneck http://clubrealblog.com
Steffi Weissman http://www.steffiweismann.de
Georg Klein http://www.georgklein.de

Webseite von Berlinerpool e.V.
https://www.berlinerpool.de/

Ausstellungsrundgang mit der Kuratorin der Ausstellung Solvej Helweg Ovesen und dem Künstler Ilja_Karilampi

Die Ausstellung »Hauptstadrevier« ist Teil des Ausstellungsprogramms POW

Im Anschluss:
15 – 16 Uhr  Seminar »Is Techno Conservative?«