Am 29. Mai von 19 bis 22 Uhr in der Galerie Wedding mit Musik von Pauline Doutreluingne

Mit dem Programm POW – Post-Otherness-Wedding starteten die Kurator*innen Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen eine Ausstellungs- und Diskursreihe in der Galerie Wedding, für die in Berlin lebende Künstler*innen und Wissenschaftler eingeladen wurden, aktuelle Positionen zu präsentieren. Es entwickelte sich ein Dialog zwischen nichtwestlichen und westlichen Kulturen zu anthropologischen, gesellschafts- und umweltpolitischen, aber auch ökonomischen und ganz alltäglichen Fragen. Weitergeführt unter dem Thema UP – Unsustainable Privileges wurden darüber hinaus Möglichkeiten diskutiert, wie man Privilegien anders verteilen kann.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung.

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On 29th May from 7pm to 10 pm with music by Pauline Doutreluingne

With the program POW—Post-Otherness-Wedding the curators Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen initiated a series of exhibitions and discourses at the Galerie Wedding to which artists and scholars living in Berlin were invited to present contemporary positions. What developed is a dialogue between non-Western and Western cultures on anthropological, sociopolitical, and environmental as well as economics-related and day-to-day questions. The series continued with the topic UP—Unsustainable Privileges in which possibilities for how privileges might be distributed differently were also discussed.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, cross-disciplinary funding.

07.12.2018 – 09.02.2019

Eine Ausstellung von Antje Engelmann und Cyrill Lachauer  kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges)

This land is your land I This land is my land ist eine Ausstellung, die von der Nähe in der Ferne und der Unmöglichkeit von Abgrenzung berichtet. Es wird nicht von bestehenden binären Vereinfachungen der Welt ausgegangen, sondern vielmehr vom Denken in Kreuzungen, Wendepunkten, Überschneidungen und Verzweigungen handelt.
In Antje Engelmanns und Cyrill Lachauers Arbeiten sind Nähe und Distanz zu Land und Selbst ein zentrales Thema. In der dialogischen Kombination ihrer Arbeiten, die größtenteils auf gemeinsamen Reisen durch Nordamerika entstanden sind, geht es um die Einschreibung des Menschen in die Natur und der Unnatürlichkeit von menschlichen Grenzziehungen. Als Folksänger Woody Guthrie 1940 den Song »God Blessed America for Me« schrieb und später in »This Land Is Your Land« – von dem die Ausstellung  ihren Titel entliehen hat – umbenannte, tat er dies als sarkastische Antwort auf Irving Berlins »God Bless America«. Teil dieser Auseinandersetzung ist nicht nur die gegenwärtige politische Situation um die amerikanisch-mexikanische Grenze.  Die verschiedenen Phasen der Besiedlung des Kontinents in der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft stehen gelichberechtigt nebeneinander und sind Teil desselben Prozesses. Die Ironie des Schicksals ist, dass das Land, in dem This land is your land I This land is my land geboren wurde,  jenes Land ist, in dem indigene Völker durch spanische, holländische, französische und britische Kolonialherren ihres Landes zwangsenteignet wurden.
Für die Galerie Wedding haben die Künstler*innen eine mäanderartige Zusammenstellung aus einer Vielzahl neuer Arbeiten entwickelt, die sich dem Besitz von Land, welcher immer auch eine Behauptung von Macht ist, aus verschiedenen Perspektiven nähert und sich eine komplexe Erzählung über die Möglichkeiten in der Betrachtung von Landschaft entfaltet.

Ausstellungsrundgang am 17.01.2019 um 17:30 Uhr mit den Künstler*innen Antje Engelmann und Cyrill Lachauer und dem Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

EN
This land is your land I This land is my land is supposed to be an exhibition that is evidence of the nearness in the afar and the impossibility of demarcating and existing in the simplicities of binaries, but rather thinking or being in points of intersection, crossroads, and junctions.
In the works of Antje Engelmann and Cyrill Lachauer, proximity and distance to land and self are a central theme.  The dialogical combination of their works, most of which relate to their travels in North America, is about the inscription of the human innature and the unnaturality of man-drawn borders. Folk singer Woody Guthrie wrote  »God Blessed America for Me« in 1940 – later to be renamed as »This Land Is Your Land« from which the exhibition has lent its title – as a sarcastic response to Irving Berlin’s  »God Bless America«. Not only is the current political situation about the American-Mexican border part of this investigation. The various stages of settlement of the continent in the past, present and future stand side by side as part of the same process. The irony of destiny is that the land in which This land is your land I This land is my land was born is the land which was forcefully taken away from the native peoples of the lands by successions of Spanish, Dutch, French and British colonialists.
For Galerie Wedding the artists have developed a meandering compilation of a multitude of new works that approach land ownership, which is always an assertion of power, from different perspectives, and a complex narrative about the possibilities of viewing landscape.

Tour through the exhibition on 17^th of January 2019 at 5.30pm with the artists Antje Engelmann and Cyrill Lachauer and curator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Fonds für Ausstellungsvergütungen.

Eine Ausstellung von Antje Engelmann und Cyrill Lachauer  kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges)

Ausstellungsrundgang am 17.01.2019 um 17:30 Uhr mit den Künstler*innen Antje Engelmann und Cyrill Lachauer und dem Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

This land is your land I This land is my land ist eine Ausstellung, die von der Nähe in der Ferne und der Unmöglichkeit von Abgrenzung berichtet. Es wird nicht von bestehenden binären Vereinfachungen der Welt ausgegangen, sondern vielmehr vom Denken in Kreuzungen, Wendepunkten, Überschneidungen und Verzweigungen handelt.
In Antje Engelmanns und Cyrill Lachauers Arbeiten sind Nähe und Distanz zu Land und Selbst ein zentrales Thema. In der dialogischen Kombination ihrer Arbeiten, die größtenteils auf gemeinsamen Reisen durch Nordamerika entstanden sind, geht es um die Einschreibung des Menschen in die Natur und der Unnatürlichkeit von menschlichen Grenzziehungen. Als Folksänger Woody Guthrie 1940 den Song »God Blessed America for Me« schrieb und später in »This Land Is Your Land« – von dem die Ausstellung  ihren Titel entliehen hat – umbenannte, tat er dies als sarkastische Antwort auf Irving Berlins »God Bless America«. Teil dieser Auseinandersetzung ist nicht nur die gegenwärtige politische Situation um die amerikanisch-mexikanische Grenze.  Die verschiedenen Phasen der Besiedlung des Kontinents in der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft stehen gelichberechtigt nebeneinander und sind Teil desselben Prozesses. Die Ironie des Schicksals ist, dass das Land, in dem This land is your land I This land is my land geboren wurde,  jenes Land ist, in dem indigene Völker durch spanische, holländische, französische und britische Kolonialherren ihres Landes zwangsenteignet wurden.
Für die Galerie Wedding haben die Künstler*innen eine mäanderartige Zusammenstellung aus einer Vielzahl neuer Arbeiten entwickelt, die sich dem Besitz von Land, welcher immer auch eine Behauptung von Macht ist, aus verschiedenen Perspektiven nähert und sich eine komplexe Erzählung über die Möglichkeiten in der Betrachtung von Landschaft entfaltet.

EN
Tour through the exhibition on 17^th of January 2019 at 5.30pm with the artists Antje Engelmann and Cyrill Lachauer and curator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

This land is your land I This land is my land is supposed to be an exhibition that is evidence of the nearness in the afar and the impossibility of demarcating and existing in the simplicities of binaries, but rather thinking or being in points of intersection, crossroads, and junctions.
In the works of Antje Engelmann and Cyrill Lachauer, proximity and distance to land and self are a central theme.  The dialogical combination of their works, most of which relate to their travels in North America, is about the inscription of the human innature and the unnaturality of man-drawn borders. Folk singer Woody Guthrie wrote  »God Blessed America for Me« in 1940 – later to be renamed as »This Land Is Your Land« from which the exhibition has lent its title – as a sarcastic response to Irving Berlin’s  »God Bless America«. Not only is the current political situation about the American-Mexican border part of this investigation. The various stages of settlement of the continent in the past, present and future stand side by side as part of the same process. The irony of destiny is that the land in which This land is your land I This land is my land was born is the land which was forcefully taken away from the native peoples of the lands by successions of Spanish, Dutch, French and British colonialists.
For Galerie Wedding the artists have developed a meandering compilation of a multitude of new works that approach land ownership, which is always an assertion of power, from different perspectives, and a complex narrative about the possibilities of viewing landscape.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Fonds für Ausstellungsvergütungen.

Eine Ausstellung von Antje Engelmann und Cyrill Lachauer im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

This land is your land I This land is my land ist eine Ausstellung, die von der Nähe in der Ferne und der Unmöglichkeit von Abgrenzung berichtet. Es wird nicht von bestehenden binären Vereinfachungen der Welt ausgegangen, sondern handelt vielmehr vom Denken in Kreuzungen, Wendepunkten, Überschneidungen und Verzweigungen.
In Antje Engelmanns und Cyrill Lachauers Arbeiten sind Nähe und Distanz zu Land und Selbst ein zentrales Thema. In der dialogischen Kombination ihrer Arbeiten, die größtenteils auf gemeinsamen Reisen durch Nordamerika entstanden sind, geht es um die Einschreibung des Menschen in die Natur und die Unnatürlichkeit von menschlichen Grenzziehungen. Als Folksänger Woody Guthrie 1940 den Song »God Blessed America for Me« schrieb und später in »This Land Is Your Land« – von dem die Ausstellung ihren Titel entliehen hat – umbenannte, tat er dies als sarkastische Antwort auf Irving Berlins »God Bless America«. Teil dieser Auseinandersetzung ist nicht nur die gegenwärtige politische Situation um die amerikanisch-mexikanische Grenze. Die verschiedenen Phasen der Besiedlung des Kontinents in der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft stehen gelichberechtigt nebeneinander und sind Teil desselben Prozesses. Die Ironie des Schicksals ist, dass das Land, in dem This land is your land I This land is my land geboren wurde, jenes Land ist, in dem indigene Völker durch spanische, holländische, französische und britische Kolonialherren ihres Landes zwangsenteignet wurden.
Für die Galerie Wedding haben die Künstler*innen eine mäanderartige Zusammenstellung aus einer Vielzahl neuer Arbeiten entwickelt, die sich dem Besitz von Land, welcher immer auch eine Behauptung von Macht ist, aus verschiedenen Perspektiven nähert und sich eine komplexe Erzählung über die Möglichkeiten in der Betrachtung von Landschaft entfaltet.

Begleitveranstaltungen
Ausstellungsrundgang am 17.01.2019 von 17:30 bis 19 Uhr mit den Künstler*innen Antje Engelmann und Cyrill Lachauer und dem Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Weitere Führungen sind auf Anfrage möglich

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Fonds Ausstellungsvergütungen.

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This land is your land
This land is my land
Opening on 06.12.2018 from 7pm till 10pm with the artists and curators
07.12.2018 –09.02.2019

An exhibition by Antje Engelmann and Cyrill Lachauer within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

This land is your land I This land is my land is supposed to be an exhibition that is evidence of the nearness in the afar and the impossibility of demarcating and existing in the simplicities of binaries, but rather thinking or being in points of intersection, crossroads, and junctions.
In the works of Antje Engelmann and Cyrill Lachauer, proximity and distance to land and self are a central theme. The dialogical combination of their works, most of which relate to their travels in North America, is about the inscription of the human innature and the unnaturality of man-drawn borders. Folk singer Woody Guthrie wrote »God Blessed America for Me« in 1940 – later to be renamed as »This Land Is Your Land« from which the exhibition has lent its title – as a sarcastic response to Irving Berlin’s »God Bless America«. Not only is the current political situation about the American-Mexican border part of this investigation. The various stages of settlement of the continent in the past, present and future stand side by side as part of the same process. The irony of destiny is that the land in which This land is your land I This land is my land was born is the land which was forcefully taken away from the native peoples of the lands by successions of Spanish, Dutch, French and British colonialists.
For Galerie Wedding the artists have developed a meandering compilation of a multitude of new works that approach land ownership, which is always an assertion of power, from different perspectives, and a complex narrative about the possibilities of viewing landscape.

Further events
Tour through the exhibition on 17th of January 2019 at 5.30pm with the artists Antje Engelmann and Cyrill Lachauer and curator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Further guided tours are also available on request.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding and funds „Ausstellungsvergütungen“.

Antje Engelmann & Cyrill Lachauer

This land is your land
This land is my land
07.12.2018 – 09.02.2019

Ort:
Galerie Wedding, Müllerstrasse 146 – 147, 13353 Berlin
Teilnahme:
GS, SEK I, SEK II, bis 28 TeilnehmerInnen
Termine:
Auf Anfrage, Montag, Mittwoch – Freitag, 10-13 Uhr (3 Stunden)
Kosten:
Die Veranstaltungen sind entgeltfrei
Kursleitung:
Barbara Campaner, Kunsthistorikerin/Kunstvermittlerin

Anmeldung:
Mo–Do 9:00–15:00 Uhr bei Anna Jäger unter der Telefonnummer (030) 50 59 0771 oder per Email an schule@jugend-im-museum.de

In der aktuellen Ausstellung treten die Künstler*innen Antje Engelmann und Ciryll Lachauer in Dialog mit Objekten und mit der Natur. Um sich selbst näher zu kommen, reisen sie in ferne Gegenden aber auch in vertraute und familiäre Umgebungen und beschäftigen sich intensiv mit einzelnen Objekten.
Helfen uns einfache Dinge unsere Geschichte zu schreiben, unseren Platz in der Familie, im Freundeskreis oder in der Gesellschaft zu finden? Im digitalen Zeitalter, in dem virtuelle Erfahrung und Bilderflut große Aufmerksamkeit bekommen, verlieren die Objekte die uns umgeben, die wir gefunden haben, die uns geschenkt oder vererbt worden sind, an Bedeutung.
Ausgehend von den künstlerischen Arbeiten in der Ausstellung, bietet der Workshop die Möglichkeit, sich mit den Dingen des Alltags kreativ zu beschäftigen. Die Schuler*innen widmen ihre Aufmerksamkeit den Gegenständen, die sie bei sich tragen. Wie sind die hergestellt? Wo kommen sie her? Welchen Zweck erfüllen und was erzählen sie? Die Dinge werden erforscht, fotografiert, neu kombiniert und mit Schrift oder Zeichnung ergänzt. Am Ende des Workshops werden ganz persönliche Geschichten präsentiert.

Der Workshop wird an die unterschiedlichen Altersstufen angepasst.

16.-22. November 2018

Eine Ausstellung von Ojudun Taiwo Jacob (feat. Viki Simone), Natalia Orendain del Castillo, Jumoke Adeyanju im Rahmen des Ausstellungsprogramms UP (Unsustainable Privilges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 15.11.2018 mit Live-Performance von Jumoke Adeyanju von 19-20 Uhr und Ojudun Taiwo Jacob von 20-21 Uhr

Live-Performance von Ojudun Taiwo Jacob am 22.11.2018 von 18-19 Uhr

DE
Um Künstlerinnen und Kuratoren aus Lagos und Berlin Einblicke in die Kunstwelt des jeweils anderen Landes zu ermöglichen und dort zu arbeiten, hat das Goethe-Institut Nigeria in Kooperation mit dem Amt für Weiterbildung und Kultur Berlin-Mitte, Galerie Wedding, ZK /U – Zentrum für Kunst und Urbanistik, dem Kunstraum SAVVY Contemporary Berlin sowie der Arthouse Foundation Lagos das Residenzprogramm für junge Künstler und Kuratorinnen aus Berlin und Lagos ins Leben gerufen. Zu den diesjährigen Stipendiaten 2018 gehören der nigerianische Künstler Ojudun Taiwo Jacob sowie die Berliner Künstlerinnen Natalia Orendain del Castillo und Jumoke Adeyanju.

Während ihrer Aufenthalte arbeiten die Stipendiatinnen und Stipendiaten an dem übergreifenden Thema des Residenzprogramms, bei dem es um eine künstlerische Reflexion über »unhaltbare Privilegien« geht. Im Fokus steht die Frage, was es heute bedeutet Privilegien zu besitzen, sie zu verlieren oder neu zu erwerben. Die Ergebnisse werden im Rahmen einer Ausstellung präsentiert, die die sich in das Programm der Galerie Wedding, UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, gliedert. Dabei werden gegenwärtige Parameter der Künstlerreise einschließlich ihrer Grenzen und Möglichkeiten betrachtet: die Chance zu Reisen und sich frei über Grenzen hinweg zu bewegen erscheint aus westlicher Sicht eine Selbstverständlichkeit zu sein. Die Einschränkung und Verhandlung dieser Freiheiten, die auch Teil eines post-kolonialen Erbes sind, fließt ebenso mit ein wie Erinnerungen und Ideen von Heimat, sowie die Möglichkeit verschiedene Zugänge zu fremden Orten zu finden.

Ojudun Taiwo Jacob (Lagos) entwickelt in Zusammenarbeit mit Viki Simone eine neue Video- und Performancearbeit, die an der Eröffnung uraufgeführt wird. Ausgehend von einer dezidiert afrikanischen Perspektive auf die Berliner Konferenz, in der westliche Kolonialmächte 1884 den afrikanischen Kontinent in Kolonialgebiete aufgeteilt haben, spielt Taiwo eine Aufteilung des geografischen Europas durch und führt somit das hohe Maß an Fremdbestimmtheit des Verfahrens vor. In einem abgetrennten Raum innerhalb der Ausstellung wird Taiwo für die Besucher*innen sichtbar die Teilung und Neuanordnung Europas vollziehen, wie es 1884-1885 getan wurde, worin auch eine Darstellung von Macht liegt. (Film: Viki Simone; Musik: Pete Nattrass and Blue Saloon; Landkarte: Sebastian Loerscher)

Natalia Orendain del Castillos (Berlin) künstlerische Forschung konzentriert sich auf Raumwahrnehmung und -produktion sowie Klang. Zudem verwendet sie immersive, installative und partizipative Formate bei den sie die Wahrnehmungserfahrungen des Publikums mitdenkt. Während ihres Aufenthaltes in Lagos forscht sie zum Hafen der Stadt. Sie nutzt unterschiedliche Formen von kartografischem Material der Handelsrouten bzw. des Warenverkehrs sowie verschiedene Audio- und Videoaufnahmen. Die gesamte Arbeit ist eher ein Zwischenbericht ihrer Reise, bei dem ihr Ansatz der nicht-objektiven Kartographierung vorführt wird, der auf der Übertragung von bestimmten visuellen Systemen in akustische oder Vice versa beruht und Fragen nach der Orientierung des Einzelnen und seinen Zugang zur, sowie seiner Wahrnehmung der Welt aufwirft.

Jumoke Adeyanju (Berlin) entwickelte das Konzept von {{{thirdspace(d)out}}} als eintägige, multimediale Performance-Reihe während ihres Aufenthalts in Lagos. Sie kombiniert Live-Painting (Thomyyas), Live-Writing (Candice Nembhard), Musik (Jack Mensah) und Tanz (Thomias Radin & Jumoke Adeyanju), um die vielen Stadien und Dimensionen diasporischer Nostalgie, postkolonialer transformativer Heilung und das Wiederaufleben verlorener Erinnerungen aufzuzeigen. {{{thirdspace(d)out}}} umfasst aufgezeichnete Interviews und eine Klanglandschaft, die die Liminalität, das Dazwischen, wechselseitiger Erinnerungen erforscht. Adeyanju geht über afrikanische Identitätsbildung hinaus und richtet den Blick auf die afrikanisch- und karibische Diaspora weltweit.

Das Residenzprogramm Berlin-Lagos wurde im Juli 2015 vom Goethe-Institut Lagos initiiert in Kooperation mit dem Fachbereich Kunst und Kultur in Berlin-Mitte, Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst, ZK/U – Zentrum für Kunst und Urbanistik, SAVVY Contemporary und Arthouse Foundation Lagos.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und des Fonds Ausstellungsvergütungen.

EN
During their stays either in Germany or Nigeria, Ojudun Taiwo Jacob, Natalia Orendain del Castillo and Jumoke Adeyanju have been working on the overarching theme of the residency programme Berlin-Lagos 2018, which deals with artistic reflection on questions of what it means today to own privileges, how to lose them or acquire new ones. The three positions come together in a presentation that is set within the exhibition programme »UP (Unsustainable Privileges)« curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung at Galerie Wedding, Berlin. Current parameters of an artist’s journey, including its limitations and possibilities, are considered: the possibilities to travel and move freely across borders seem to be taken for from the Western point of view. Restricting and negotiating these freedoms, which are part of a post-colonial legacy, is explored alongside memories and ideas of Heimat and the possibility of finding different approaches to foreign places.

Ojudun Taiwo Jacob (Lagos) develops in collaboration with Viki Simone a new video and performance work, which will be premiered at the opening. Based on a decidedly African perspective on the Berlin Conference, in which Western colonial powers divided the African continent into colonial territories in 1884, Taiwo plays through a division of geographical Europe and thus demonstrates the high degree of external determination of the procedure. In a separate space within the exhibition, Taiwo will visibly perform the division and reorganization of Europe as it was done from 1884-1885, in which there is also a representation of power. (Film: Viki Simone; Music: Pete Nattrass and Blue Saloon; Map: Sebastian Loerscher)

Natalia Orendain del Castillo’s (Berlin) artistic research focuses on spatial perception and production as well as sound. She uses immersive, installative and participatory formats in which she also thinks about the perceptions of the audience. During her stay in Lagos, she researches the port of the city. Her piece in Galerie Wedding uses different forms of cartographic material of trade routes or goods traffic as well as various audio and video recordings. The whole work is an interim report of her journey, showing her approach to non-objective mapping, which is based on the transfer of certain visual systems to acoustic or vice versa and questions about the orientation of the individual and his access to, as well as his perception of the world.

Jumoke Adeyanju (Berlin) developed the concept of {{{thirdspace(d)out}}} as a one-day, multimedia performance series during her stay in Lagos. She combines live painting (Thomyyas), live writing (Candice Nembhard), music (Jack Mensah) and dance (Thomias Radin & Jumoke Adeyanju) to explore the many stages and dimensions of diasporic nostalgia, postcolonial transformative healing and resurrection of lost memories. {{{thirdspace(d)out}}} includes recorded interviews and a soundscape that explore liminality, the in-between, of reciprocal memories. Adeyanju goes beyond African identity markers and focuses on African and Caribbean diaspora in the world.

Lagos – Berlin is a residency programme for young artists and curators from Berlin and Lagos initiated by the Goethe-Institut Lagos in cooperation with the Department for Art and Culture Berlin-Mitte, Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst, ZK/U – Zentrum für Kunst und Urbanistik, SAVVY Contemporary and Arthouse Foundation Lagos.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe and the Funds »Ausstellungsvergütungen«.

02.11. bis 08.11.2018

»A Class(y) Lecture by Elly Clarke« ist eine selbstreflektierende Geschichte über das Dazugehören und Nicht-Dazugehören; darüber wie Abstammung sowohl Hindernis als auch Privileg sein kann, und über die Anschauungen und Erwartungen, welche die Lebenswege von Individuen, die in bestimmte Familien hineingeboren werden, bestimmen. Wie und wo sind derartige Privilegien heute zu finden? Wo helfen sie, wo hindern sie – in Bezug auf den individuellen Kontext, als auch die Gesellschaft als Ganzes?

Clarkes Langzeit-Projekt über ihren viktorianischen Ur-ur-ur-Großvater George Richmond und die von ihm gemalten Porträts geben den zentralen Fokus. Audiosegmente und Bilder dieses Projektes werden neben Auszügen von Clarkes eigener Kindheit und Berichten aus ihrem Leben als Erwachsene gezeigt – als Versuch sich selbst, ihre eigene Familie und das ewig–anhaltende, und doch auf viele Weisen unhaltbare Klassensystem Großbritanniens im 21. Jahrhunderts, besser zu verstehen. Abstammung ist eine Form von Identität, welche die Lebenszeit des Einzelnen überdauert. Sie reicht von vergangenen Zeiten  bis hinein in eine Zukunft, welche noch nicht einmal existiert, verbunden durch die Blutsbande.

Wir sind hier seit 600 Jahren.

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»A Class(y) Lecture by Elly Clarke« is a self-exposing hi/story about belonging and not belonging; about the drag as well as the privilege of ancestry, and the objects and expectations that define and determine the life paths of individuals born into certain families. How and where does such privilege sit today? Where does it help and where does it hinder – both the individual and society at large?

Clarke’s long-term project about her Victorian great-great-great-grandfather George Richmond’s portraits provides the central focus. Audio and images from this project are presented alongside extracts from Clarke’s own childhood & adult diaries in an attempt to better understand herself, her family and the ever-sustaining, and yet in many ways unsustainable set up of the British Class system in the 21st century. Ancestry is an identity that spans beyond the lifetime of an individual. It reaches back into the past and looks forward to a future that is not yet here, with blood as the binding thread.

We have been here for six hundred years.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung.

26. – 29.09.2018

Veranstaltungsort: Schillerbibliothek (Müllerstraße 149, gegenüber Galerie Wedding)
Registrierung: up-symposium@galeriewedding.de (inklusive »BEAST OF NO NATION« Bier)
Eintritt frei

Ein Symposium mit Paul Mecheril, Millay Hyatt, Noa Ha, Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, Nataša Ilić, Jelena Bäumler, Antonia Alampi, Solvej Helweg Ovesen, Suza Husse, María do Mar Castro Varela, Carrie Hampel, Regina Römhild, Emeka Ogboh, Jonas Tinius und Launch des Wedding Bier von Emeka Ogboh im Rahmen des Ausstellungsprogramms  UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

DE Konzept zum UP Symposium von Solvej Helweg Ovesen
EN Concept of UP symposium by Solvej Ovesen

Welche Handlungsoptionen und Theorien zur Neuverteilung von Privilegien sind aktuell vorhanden oder entstehen gerade im Bereich der Politik, Kultur und dem Rechtswesen? Der Fokus des dreitägigen »UP – Unsustainable Privileges« Symposiums liegt auf unhaltbaren Privilegien, die sich durch Mechanismen und Strukturen des Kapitalismus, Patriarchats und Rassismus (bzw. Weiß-Sein als Norm) seit Jahrhunderten selbst erhalten. Wie kann zeitgenössische Kunst zu der Schaffung neuer Möglichkeitsräume und realen Macht-Relativierungen beitragen und wie können wir uns als Privilegierte, Kulturschaffende, Kulturvermittler und öffentliche Kulturinstitution innerhalb unseres Programms, sowie als Einzelperson, mit Privilegien des Weiß-Seins, mit patriarchischen oder ökonomischen Strukturen kritisch auseinandersetzen und geeignete Dynamiken der Selbstwahrnehmung entwickeln?

EN
Which current options for action and theories for the redistribution of privileges exist or are arising in politics, culture and law? The three-day symposium »UP – Unsustainable Privileges« focuses on unsustainable privileges that have been preserved for centuries through mechanisms and structures of capitalism, patriarchy and racism (or whiteness as a norm). How can contemporary art contribute to the creation of new »spaces of possibility« and real relativisation of power? How can we, as privileged, creative artists, cultural meditators and public institutions as well as individuals look critically at white privileges, patriarchic or economic structures and develop appropriate dynamics of self-reflection within our programme?

Symposium Konzept: Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, Solvej Helweg Ovesen, Kathrin Pohlmann, Jonas Tinius, Julia Zieger

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der spartenoffenen Förderung.
Vielen Dank an die Schiller Bibliothek, die uns ihre Räumlichkeiten während des Symposiums zur Verfügung stellt und die Bars »Klein Zaches« und »Ufercafé Wedding« in Berlin-Wedding für die Unterstützung bei dem »BEAST OF NO NATION«.

Launch des Wedding Biers
26. – 29.09.2018, 17 bis 4 Uhr

Im Rahmen des Programms »UP – Unsustainable Privileges« von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Parallel zum Symposiums mit Paul Mecheril, Millay Hyatt, Noa Ha, Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, Nataša Ilić, Jelena Bäumler, Antonia Alampi, Solvej Helweg Ovesen, Suza Husse, María do Mar Castro Varela, Carrie Hampel, Regina Römhild, Emeka Ogboh, Jonas Tinius

DE
Parallel zum Symposium werden Privilegien in Bezug auf nationale Zugehörigkeit künstlerisch verschoben und umgesetzt: Emeka Ogbohs neues Bier »BEAST OF NO NATION« kuratiert von Bonaventure Ndikung und Solvej Helweg Ovesen. Nach »Original Sufferhead« (2015) folgt ein zweites Bier in der Zusammenarbeit mit der Galerie Wedding, das in der lokalen Brauerei »Schneeeule«, gebraut wurde. »BEAST OF NO NATION« das Ergebnis der Zusammenführung von der Wahrnehmung und Erfahrung des Klangs, Geschmacks und Geruchs des Berliner Stadtteils Wedding. Der säuerliche Charakter des Bieres beruht auf der Auswertung lokaler Umfragen zum Geschmack vom Wedding. Der Titel ist Ausdruck der Freiheitsliebe, die von der gemischten Bevölkerung im Bezirk empfindet. Über den Sommer hinweg gebraut, wird es nun erstmals zum UP-Symposiums am 26. September gelaunched. Begleitet wird die Präsentation des Kunstprojektes von einer Installtion im Kleinen Zaches, wo das Wedding-Bier an den Tagen des Symposiums verköstigt werden kann.

Darüberhinaus bietet das L `Escargot in der Brüssler Str. 39 von Mittwoch bis Samstag 17:00 bis 24:00 Uhr verschiedene Tagesgerichte an, die auf das Bier geschmacklich abgestimmt sind.

EN
Parallel to the symposium, privileges regarding national affiliation will be artistically shifted and transformed: in part by Emeka Ogbohs new beer »BEAST OF NO NATION«curated by Bonaventure Ndikung and Solvej Helweg Ovesen. Following
»Original Sufferhead« (2015) a second craft beer has been brewed in collaboration with Galerie Wedding at the local brewery »Schneeeule«. »BEAST OF NO NATION« presents the result of a collection of notions of senses and experiences of sound, taste and smell of the district of Berlin Wedding. The slightly sour character of the beer is based on the evaluation of locally commissioned research into the taste of Wedding. The title
is an expression of the love of liberty that is shared by the diverse population within the district. Brewed over the summer, it will now be launched for the first time at the UP symposium on September 26th. The presentation of the art project will be accompanied by an installation in the Kleines Zaches, where the Wedding beer can be tasted during the days of the symposium.

In addition, the L ‚Escargot at Brüssler Str. 39 offers from Wednesday to Saturday 17:00 to 24:00 various dishes of the day that are inspired by the taste of beer.

Eine Ausstellung von Anne Duk Hee Jordan im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 13.09.2018 von 19 bis 22 Uhr mit einer Sonic intervention von Mikatsiu

Text von Solvej Helweg Ovesen

Ziggy auf dem Land der Betrunkenen Bäume entführt in das post-humane Zeitalter des Post-Anthropozäns, eine Welt, in der Nicht-Menschen die zentrale Position des Menschen übernehmen. Die Ausstellung fragt danach: Welche Arten von Tiermutationen werden in naher Zukunft passieren und welche Arten werden in diesem Zusammenhang der sich weltweit verändernden Ökologie leistungsfähig sein? Wo werden Menschen versuchen Zuflucht zu finden? Werden sie den Weltraum oder sogar das Meer kolonisieren?

Die Galerie Wedding verwandelt sich in eine immersive Landschaft aus amorphen, organischen und mechanischen Skulpturen, die sich im Raum bewegen: ein Chor aus Muscheln, eine Filmcollage über Geschlechtstransformationen in der Ökologie und eine Bildreihe über Methanlöcher, wie sie in der Sibirischen Tundra auftauchen. Mit dieser Ausstellung möchte Anne Duk Hee Jordan eine neue Perspektive auf den Klimawandel und seine spürbaren Auswirkungen auf Meer und Land vorstellen. Jordan, die einen beruflichen Hintergrund in der Meeresforschung, nachhaltigem Kochen und Kunst hat, präsentiert ihre humorvollen und gut recherchierten Perspektiven gegenüber Anpassung jenseits der menschlichen Zeit.

»Ich habe mich ausführlich mit Meeresbiolog*innen und Geolog*innen ausgetauscht. Das Meiste entdecke ich aber durch meine vielen Tauchgänge in direkter Begegnung mit den Meeresbewohnern.«  (Anne Duk Hee Jordan)

Als Erforscherin der empfindlichen und weitgehend unbekannten Tiefseewelt vermittelt die Künstlerin die Logik, Dynamik und unbegreifliche Materialität der ökologischen Veränderungen an Land und im Ozean. In einer zunehmend reglementierten Welt bleiben die Meere ein Außenposten der Anarchie und Vergessenheit. Konkret kann dies in der Filmcollage »Changing Sex in Ecology«, 2018, einem Forschungsprojekt mit Pauline Doutreluingne, gesehen werden, die dokumentiert, wie Meereslebewesen und Menschen von den Veränderungen in der Umwelt betroffen sind. In der Ausstellung erzeugt ein Chor aus organisch-mechanischen Muschel-Skulpturen hydroide  Alien-Klängen und sogar eine orakelhaft singenden Säge ist zu hören. So wird eine entfernte Zukunft erkundet und für einen Moment vorstellbar, unbewohnbar gemacht.

Besonderen Dank an Pauline Doutreluingne für die Unterstützung bei der Produktion, die Beratung und die Zusammenarbeit im Projekt »Changing Sex in Ecology« sowie an das Herbarium Leipzig und den Land und Forstbetrieb Ingo Mette, Pretzschendorf, für die ökologische Dienstleistung.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung, des Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien und des Projektfonds für Kulturelle Bildung.

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Ziggy on the Land of Drunken Trees
14.09.–27.10.2018

An exhibition by Anne Duk Hee Jordan within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Opening on 13.09.2018 from 7pm till 10pm with a Sonic intervention by Mikatsiu

Text by Solvej Helweg Ovesen

Ziggy on the Land of Drunken Trees takes us into a post-human era after the Anthropocene, a world in which non-humans assume the central position of mankind. The exhibition asks: What kind of animal mutations will happen in the near future, what species will be efficient in the context of the worldwide changing ecology? Where will humans go? Will they colonise space or even the sea?

Galerie Wedding transforms into  an immersive landscape consisting of amorphous organic and mechanic sculptures that move within the space: a choir of sea-shells, a film collage about changing sex in ecology and a series of images on methane holes appearing in the Siberian Tundra. With this exhibition Anne Duk Hee Jordan aims to illuminate new perspectives and the tangible effects of climate change on sea and land. Jordan, who has a professional background in marine ecology, sustainable cooking and art, presents a humourous and well researched perspective on processes of adaptation that go beyond human time.

»I have exchanged extensively with marine biologists and geologists, but I make most of my discoveries during my many dives – in direct communication with the sea dwellers.« (Anne Duk Hee Jordan)

As a witness to the delicate and by far unexplored deep sea world, the artist mediates the logic, dynamics and ungraspable materiality of the ecological changes on land and in the ocean. In an increasingly regimented world, the seas both remain an outpost of anarchy and out-of-sight out-of-mind oblivion meanwhile new landmarks of genetic adaptations and human colonialisation are happening. Specifically this is shown within the film collage »Changing Sex in Ecology,« 2018, a project with Pauline Doutreluingne, with documentation of how marine creatures and humans are affected by environmental changes. In the exhibition, a choir of organic, mechanic sea-shell sculptures creates hydroid alien sounds, and even an oracularly singing saw is heard. Also a series of images on methane holes appearing in the Siberian Tundra, is displayed. Thus a deep future is explored that seems momentarily imaginable, inhabitable.

Many thanks to Pauline Doutreluingne for the support in the production, the consultation and the cooperation within the project »Changing Sex in Ecology« as well as to Herbarium Leipzig and the farm and forest business Ingo Mette, Pretzschendorf, for the ecological service.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding, funds „Ausstellungsvergütungen“ and funds of the Municipal Galleries Berlin as well as project funds for cultural education.

Eine Ausstellung von Anne Duk Hee Jordan im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Die Galerie Wedding verwandelt sich in eine immersive Landschaft aus amorphen, organischen Skulpturen, die sich durch den Raum bewegen. Die unbekannte Beschaffenheit und Herkunft dieser macht uns bewusst, was wir alles nicht über die Unterwasserwelt wissen – das Meer ist ein anderes Universum voller Schönheit und Fremdheit, geprägt von Veränderung und Anpassung. Deswegen fragt die Ausstellung: Welche Arten von Tiermutationen werden in naher Zukunft passieren und welche Arten werden in diesem Zusammenhang der sich weltweit verändernden Ökologie leistungsfähig sein?

Weitere Führungen sind auf Anfrage während der Ausstellungslaufzeit möglich

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Ziggy on the Land of Drunken Trees
Tour through the exhibition on 27.09.2018 at 4.30pm with artist Anne Duk Hee Jordan and curator Solvej Helweg Ovesen

An exhibition by Anne Duk Hee Jordan within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Galerie Wedding tranforms into an immersive landscape consisting of amorphous organic sculptures that move through the space. An unknown texture and origin reminds us of what we do not know about the marine world – the ocean being another universe full of beauty and strangeness, of changes and adaption. The exhibition asks: What kind of animal mutations will happen in the near future, what species will be efficient in the context of the worldwide changing ecology?

Further guided tours are also available on request.

Eine Ausstellung von Anne Duk Hee Jordan im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Ziggy auf dem Land der Betrunkenen Bäume entführt in das post-humane Zeitalter des Post-Anthropozäns, eine Welt, in der Nicht-Menschen die zentrale Position des Menschen übernehmen. Die Ausstellung fragt danach: Welche Arten von Tiermutationen werden in naher Zukunft passieren und welche Arten werden in diesem Zusammenhang der sich weltweit verändernden Ökologie leistungsfähig sein? Wo werden Menschen versuchen Zuflucht zu finden? Werden sie den Weltraum oder sogar das Meer kolonisieren?

Die Galerie Wedding verwandelt sich in eine immersive Landschaft aus amorphen, organischen und mechanischen Skulpturen, die sich im Raum bewegen: ein Chor aus Muscheln, eine Filmcollage über Geschlechtstransformationen in der Ökologie und eine Bildreihe über Methanlöcher, wie sie in der Sibirischen Tundra auftauchen. Mit dieser Ausstellung möchte Anne Duk Hee Jordan eine neue Perspektive auf den Klimawandel und seine spürbaren Auswirkungen auf Meer und Land vorstellen. Jordan, die einen beruflichen Hintergrund in der Meeresforschung, nachhaltigem Kochen und Kunst hat, präsentiert ihre humorvollen und gut recherchierten Perspektiven gegenüber Anpassung jenseits der menschlichen Zeit.

»Ich habe mich ausführlich mit Meeresbiolog*innen und Geolog*innen ausgetauscht. Das Meiste entdecke ich aber durch meine vielen Tauchgänge in direkter Begegnung mit den Meeresbewohnern.«  (Anne Duk Hee Jordan)

Als Erforscherin der empfindlichen und weitgehend unbekannten Tiefseewelt vermittelt die Künstlerin die Logik, Dynamik und unbegreifliche Materialität der ökologischen Veränderungen an Land und im Ozean. In einer zunehmend reglementierten Welt bleiben die Meere ein Außenposten der Anarchie und Vergessenheit. Konkret kann dies in der Filmcollage »Changing Sex in Ecology«, 2018, einem Forschungsprojekt mit Pauline Doutreluingne, gesehen werden, die dokumentiert, wie Meereslebewesen und Menschen von den Veränderungen in der Umwelt betroffen sind. In der Ausstellung erzeugt ein Chor aus organisch-mechanischen Muschel-Skulpturen hydroide  Alien-Klängen und sogar eine orakelhaft singenden Säge ist zu hören. So wird eine entfernte Zukunft erkundet und für einen Moment vorstellbar, unbewohnbar gemacht.

Ausstellungsrundgang am 27.09.2018 um 16.30 Uhr mit Künstlerin Anne Duk Hee Jordan und Kuratorin Solvej Helweg Ovesen

Weitere Führungen sind auf Anfrage während der Ausstellungslaufzeit möglich

Besonderen Dank an Pauline Doutreluingne für die Unterstützung bei der Produktion, die Beratung und die Zusammenarbeit im Projekt »Changing Sex in Ecology« sowie an das Herbarium Leipzig und Land und Forstbetrieb Ingo Mette, Pretzschendorf, für die ökologische Dienstleistung.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung, des Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien und des Projektfonds für Kulturelle Bildung.

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Ziggy on the Land of Drunken Trees
Opening on 13.09.2018 from 7pm till 10pm with a Sonic intervention by Mikatsiu

An exhibition by Anne Duk Hee Jordan within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Ziggy on the Land of Drunken Trees takes us into a post-human era after the Anthropocene, a world in which non-humans assume the central position of mankind. The exhibition asks: What kind of animal mutations will happen in the near future, what species will be efficient in the context of the worldwide changing ecology? Where will humans go? Will they colonise space or even the sea?

Galerie Wedding transforms into  an immersive landscape consisting of amorphous organic and mechanic sculptures that move within the space: a choir of sea-shells, a film collage about changing sex in ecology and a series of images on methane holes appearing in the Siberian Tundra. With this exhibition Anne Duk Hee Jordan aims to illuminate new perspectives and the tangible effects of climate change on sea and land. Jordan, who has a professional background in marine ecology, sustainable cooking and art, presents a humourous and well researched perspective on processes of adaptation that go beyond human time.

»I have exchanged extensively with marine biologists and geologists, but I make most of my discoveries during my many dives – in direct communication with the sea dwellers.« (Anne Duk Hee Jordan)

As a witness to the delicate and by far unexplored deep sea world, the artist mediates the logic, dynamics and ungraspable materiality of the ecological changes on land and in the ocean. In an increasingly regimented world, the seas both remain an outpost of anarchy and out-of-sight out-of-mind oblivion meanwhile new landmarks of genetic adaptations and human colonialisation are happening. Specifically this is shown within the film collage »Changing Sex in Ecology,« 2018, a project with Pauline Doutreluingne, with documentation of how marine creatures and humans are affected by environmental changes. In the exhibition, a choir of organic, mechanic sea-shell sculptures creates hydroid alien sounds, and even an oracularly singing saw is heard. Also a series of images on methane holes appearing in the Siberian Tundra, is displayed. Thus a deep future is explored that seems momentarily imaginable, inhabitable.

Tour through the exhibition on 27.09.2018 at 4.30pm with artist Anne Duk Hee Jordan and curator Solvej Helweg Ovesen

Further guided tours are also available on request.

Many thanks to Pauline Doutreluingne for the support in the production, the consultation and the cooperation within the project »Changing Sex in Ecology« as well as to Herbarium Leipzig and the farm and forest business Ingo Mette, Pretzschendorf, for the ecological service.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding, funds „Ausstellungsvergütungen“ and funds of the Municipal Galleries Berlin as well as project funds for cultural education.

Eine Gruppenausstellung mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting und Marco Bruzzone kuratiert von Nadia Pilchowski im Rahmen des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 7. Juni 2018 von 19 bis 22 Uhr mit einer Begrüßung von Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und Kuratorin Nadia Pilchowski

Text von Nadia Pilchowski
Leben im Besonderen

Was ist es, das dem Leben einen Sinn zu geben scheint? Was verspricht heutzutage sozialen Erfolg auf dem Markt der schier unendlichen Möglichkeiten? Und wie gelingt die Selbstinszenierung in einer Zeit, in der das Besondere der Standard ist? Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

In Bezug auf den übermodernen Lifestyle, wie er in den neunziger Jahren von Marc Augé definiert wurde, werden Fragen nach der individuellen Sinnproduktion als Resultat des Zerfließens kollektiver Orientierungsmarken aufgeworfen. Das Streben nach Einzigartigkeit als Ausdruck der individuellen Persönlichkeit findet sich aber vor allem auch bei dem Soziologen Andreas Reckwitz, der von einer »Kuration des eigenen Lebens« spricht und von dem die These stammt, dass sich unsere heutige Gesellschaft als Ansammlung von Singularitäten begreifen lässt. »Eigenkomplexität« entstehe durch eine Komposition zunächst äußerlicher Lebensbereiche, die wiederum den oder die Erlebende*n besonders machten. Michaela Ott wählte dafür die Bezeichnung des »Dividuums«, wobei gerade ihr Begriff das Augenmerk auf das Spannungsverhältnis zwischen Privileg und Fremdbestimmung legt.

Wie sich diese gestaltet, verdeutlicht ein Blick in die sozialen Medien: Die Inszenierung des Selbst durch das Zu-eigen-Machen von Attributen, die assoziiert werden mit bestimmten Mode- und Sporttrends, Musik und Kunstausstellungen, der Wahl von Speisen und Orten, an die man mit einem auserwählten Kreis an Freund*innen oder Bekannten geht. Der bewussten Entscheidung und Wahl wird eine intensive Auseinandersetzung und Wissensaneignung zugrunde gelegt, bei der es um das Verstehen und Nicht-Verstehen kultureller Codes geht. Doch was davon entspricht wirklich der eigenen Persönlichkeit und was ist letztendlich fremdbestimmt durch die Orientierung am vorgegebenen sozialen Rahmen?

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht. Dass all diese Phänomene nicht nur auf die Sphäre des Individuellen begrenzt sind, zeigt der Ort der Ausstellung, die Galerie Wedding, selbst, der in seiner alltäglichen Identitäts- und Standortpolitik durchaus ähnlichen Herausforderungen unterworfen ist.

Begleitveranstaltungen

Performance Yuan Fang 遠方 von Liping Ting am 24.06.2018 von 16 bis 17.30 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Nadia Pilchowski am 28.06.2018 von 17 bis 18 Uhr

Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag,  24.06., 08. und 15.07.2018

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

Mit freundlicher Unterstützung Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien

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I Am Large, I Contain Multitudes
8th June – 15th Juli 2018

A group exhibition with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone curated by Nadia Pilchowski within the frame of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Opening 7th June 2018 from 7pm until 10pm with Dr. Ute Müller-Tischler, head of Galerie Wedding and curator Nadia Pilchowski

Text by Nadia Pilchowski
Living in Particularity

What is it that seems to give meaning to life? What is it that promises social success today on the market of endless possibilities? And how does self-staging work when specialness is the standard? The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

With regard to the super-modern lifestyle as defined by anthropologist Marc Augé in the 1990s, questions are raised concerning the individualised mode of producing meaning that has resulted from a dissolution of reference points for collective identification. A striving for uniqueness as the expression of individuality has been more recently addressed in the writings of sociologist Andreas Reckwitz, who speaks of the »curation of one’s own life« and has introduced a concept that considers our contemporary society as an accumulation of singularities. »Self-complexity« arises from a sort of composition of external areas of life, which, in turn, render the experiencing subject special. In describing this, Michaela Ott has coined the term »dividual«, which focuses on the complex tensions between the notions of privilege and heteronomy.

How this all plays out is revealed by taking a look at social media: the staging of the self takes place through the appropriation of attributes associated with certain trends in fashion, sports, music and art exhibitions, choices of food and places visited with a selected group of others. Conscious choice-making is based on careful examination and an acquisition of knowledge that involves either understanding or not understanding cultural codes. But which aspects finally correspond to one’s own personality, and which are in fact guided by the search for orientation within a given social framework?

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically. The fact that these phenomena are not limited to the sphere of the individual is demonstrated by Galerie Wedding itself, as the exhibition space is subject to similar challenges regarding its own everyday identity and locational politics.

Further events
Performance Yuan Fang 遠方 by Liping Ting on 24th June 2018 from 4pm to 5.30pm

Tour through the exhibition with curator Nadia Pilchowski on 28th June 2018 from 5pm until 6pm

Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian T M Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

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Photo: Donna Huanca, MELTY AVARI, 2016, Courtesy Peres Projects, Berlin. Photographer: Matthias Kolb

Eine Gruppenausstellung mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting und Marco Bruzzone kuratiert von Nadia Pilchowski im Rahmen des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung          

8. Juni – 15. Juli 2018

Text von Nadia Pilchowski
Leben im Besonderen

Was ist es, das dem Leben einen Sinn zu geben scheint? Was verspricht heutzutage sozialen Erfolg auf dem Markt der schier unendlichen Möglichkeiten? Und wie gelingt die Selbstinszenierung in einer Zeit, in der das Besondere der Standard ist? Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

In Bezug auf den übermodernen Lifestyle, wie er in den neunziger Jahren von Marc Augé definiert wurde, werden Fragen nach der individuellen Sinnproduktion als Resultat des Zerfließens kollektiver Orientierungsmarken aufgeworfen. Das Streben nach Einzigartigkeit als Ausdruck der individuellen Persönlichkeit findet sich aber vor allem auch bei dem Soziologen Andreas Reckwitz, der von einer »Kuration des eigenen Lebens« spricht und von dem die These stammt, dass sich unsere heutige Gesellschaft als Ansammlung von Singularitäten begreifen lässt. »Eigenkomplexität« entstehe durch eine Komposition zunächst äußerlicher Lebensbereiche, die wiederum den oder die Erlebende*n besonders machten. Michaela Ott wählte dafür die Bezeichnung des »Dividuums«, wobei gerade ihr Begriff das Augenmerk auf das Spannungsverhältnis zwischen Privileg und Fremdbestimmung legt.

Wie sich diese gestaltet, verdeutlicht ein Blick in die sozialen Medien: Die Inszenierung des Selbst durch das Zu-eigen-Machen von Attributen, die assoziiert werden mit bestimmten Mode- und Sporttrends, Musik und Kunstausstellungen, der Wahl von Speisen und Orten, an die man mit einem auserwählten Kreis an Freund*innen oder Bekannten geht. Der bewussten Entscheidung und Wahl wird eine intensive Auseinandersetzung und Wissensaneignung zugrunde gelegt, bei der es um das Verstehen und Nicht-Verstehen kultureller Codes geht. Doch was davon entspricht wirklich der eigenen Persönlichkeit und was ist letztendlich fremdbestimmt durch die Orientierung am vorgegebenen sozialen Rahmen?

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht. Dass all diese Phänomene nicht nur auf die Sphäre des Individuellen begrenzt sind, zeigt der Ort der Ausstellung, die Galerie Wedding, selbst, der in seiner alltäglichen Identitäts- und Standortpolitik durchaus ähnlichen Herausforderungen unterworfen ist.

Begleitveranstaltungen

Performance Yuan Fang 遠方 von Liping Ting am 24.06.2018 von 16 bis 17.30 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Nadia Pilchowski am 28.06.2018 von 17 bis 18 Uhr

Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian TM Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag,  24.06., 08. und 15.07.2018

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

Mit freundlicher Unterstützung Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien

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I Am Large, I Contain Multitudes
Opening 7th June 2018 from 7pm until 10pm

A group exhibition with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone  curated by Nadia Pilchowski within the frame of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

8th June – 15th Juli 2018

Text by Nadia Pilchowski
EN_Living in Particularity

What is it that seems to give meaning to life? What is it that promises social success today on the market of endless possibilities? And how does self-staging work when specialness is the standard? The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

With regard to the super-modern lifestyle as defined by anthropologist Marc Augé in the 1990s, questions are raised concerning the individualised mode of producing meaning that has resulted from a dissolution of reference points for collective identification. A striving for uniqueness as the expression of individuality has been more recently addressed in the writings of sociologist Andreas Reckwitz, who speaks of the »curation of one’s own life« and has introduced a concept that considers our contemporary society as an accumulation of singularities. »Self-complexity« arises from a sort of composition of external areas of life, which, in turn, render the experiencing subject special. In describing this, Michaela Ott has coined the term »dividual«, which focuses on the complex tensions between the notions of privilege and heteronomy.

How this all plays out is revealed by taking a look at social media: the staging of the self takes place through the appropriation of attributes associated with certain trends in fashion, sports, music and art exhibitions, choices of food and places visited with a selected group of others. Conscious choice-making is based on careful examination and an acquisition of knowledge that involves either understanding or not understanding cultural codes. But which aspects finally correspond to one’s own personality, and which are in fact guided by the search for orientation within a given social framework?

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically. The fact that these phenomena are not limited to the sphere of the individual is demonstrated by Galerie Wedding itself, as the exhibition space is subject to similar challenges regarding its own everyday identity and locational politics.

Further events
Performance Yuan Fang 遠方 by Liping Ting on 24th June 2018 from 4pm to 5.30pm

Tour through the exhibition with curator Nadia Pilchowski on 28.06.2017 from 5pm until 6pm

Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian TM Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

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Photo: FORT, »The Shining«, 2013, 08:57 Min. looped Video HD / Sound.

Die Teilnahme ist kostenfrei jedoch ist eine Anmeldung vorab erforderlich. Bitte senden Sie dafür eine E-Mail an: performance_laurynyouden@galeriewedding.de

Eine Performance von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig im Rahmen der Gruppenausstellung I Am Large, I Contain Multitudes mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Liping Ting, Hanne Lippard, Lauryn Youden und Marco Bruzzone, kuratiert von Nadia Pilchowski

Im Kontext des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Lauryn Youdens Performance You Say I For Me ist eine Zusammenarbeit mit dem Musiker und Künstler Florian T M Zeisig. Zu seinen subtilen Modulationen von Synthesizer- und Klangschalen spielt Youden »crystal singing bowls« und trägt ihren Text »Nocebo« vor. »Nocebo« ist Beleg ihres offenen persönlichen Ansatzes, sich in zunehmend schwierigen Zeiten um das eigene körperliche und seelische Wohlbefinden zu sorgen. Die Künstlerin erzählt darin über die Krankheit »Seasonal Affective Disorder«, auch bekannt als Winterdepression, und dessen Behandlung durch von Beifußtee induzierten Klarträumen sowie die Konfrontation mit den eigenen Dämonen. Dazu gehört auch eine Zeitachse von Diagnosen, die speziell auf die sich verändernde Wahrnehmung des weiblichen Körpers und der pflanzlichen Medizin während die Ausbreitung der monotheistischen Religionen und des Kapitalismus bezogen sind.

Zu Beginn der Performance wird Beifußtee (Artemisia vulgaris) serviert und die Besucher sind dazu eingeladen, es sich gemütlich zu machen, diesen zu trinken oder sich hinzulegen und die Augen zu schließen. Bitte beachten Sie, dass Beifußtee nicht von schwangeren oder stillenden Frauen getrunken werden soll.

Bei erfolgreicher Anmeldung erhalten Sie eine Bestätigung. Außerdem ist es empfehlenswert bequeme Kleidung zu tragen und gut hydriert zu kommen.

Website Lauryn Youden

Foto: Lauryn Youden, You Say I For Me. A performative reading and sound bath, 2018, Stedelijk Museum Amsterdam. Foto von Ernst Van Deursen.

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag, 24.06., 08.07. und 15.07.2018
Bitte beachten Sie, dass die Ausstellung I Am Large I Contain Multitudes am Sonntag, den 8. Juli 2018  von 12 bis 21 Uhr geöffnet ist.

Weitere Informationen zur Ausstellung und zum Programm finden sie unter www.galeriewedding.de

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfond für Kommunale Galerien und der Botschaft von Kanada.

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You Say I For Me
8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Please note that this event is free of charge but in order to participate you are kindly asked to register RSVP ASAP by sending an E-Mail to: performance_laurynyouden@galeriewedding.de

A performance by Lauryn Youden in cooperation with Florian T M Zeisig within the framework of the group exhibition I Am Large, I Contain Multitudes with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone curated by Nadia Pilchowski

In the context of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Lauryn Youden’s performance You Say I For Me is a collaboration with musician and artist Florian T M Zeisig. His »modulated binaural beats« comprise the background for Youden playing »crystal singing bowls« and reciting her text »Nocebo« – an illness narrative and historical essay that depicts the artist’s personal relationship with Seasonal Affective Disorder (SAD), lucid dreaming as a form of treatment and confronting of personal demons. As well, a timeline of diagnoses specifically related to the changing perception of the female body and plant-based medicine during the growth of monotheistic religions and capitalism.

At the beginning of the performance Mugwort (Artemisia vulgaris) tea will be served. The audience is invited to enjoy the tea during the performance while taking a comfortable seat, laying down and closing their eyes. Please note that the Mugwort should not be ingested by any pregnant women or women who are breast-feeding.

You will receive a confirmation when the registration was successful. Further it is advised to wear something comfortable and to come well hydrated.

Website Lauryn Youden

Photo: Lauryn Youden, You Say I for me. A performative reading and sound bath, 2018, Stedelijk Museum Amsterdam. Photo by Ernst Van Deursen.

Special opening hours
Sunday, 24th June, 8th and 15. July 2018
On Sunday  8th of July 2018  the exhibition I Am Large I Contain Multitudes will open from 12 to 9 pm

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen«, funds »Kommunale Galerien Berlin« and the Embassy of Canada.

24. Juni 2018 von 16 bis 17.30 Uhr

Eine Performance von Liping Ting im Rahmen der Gruppenausstellung I Am Large, I Contain Multitudes mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Liping Ting, Hanne Lippard, Lauryn Youden und Marco Bruzzone, kuratiert von Nadia Pilchowski

Im Kontext des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

In Liping Tings entschleunigten Performances entsteht das Gefühl, einem schamanischen Ritual beizuwohnen. Sie selbst steht dabei im Zentrum und ist mit ihrer eigenen Ikonografie – zu der die immer wieder auftauchenden Attribute Stein und Feder gehören – das spirituelle Medium, das aus dem Publikum aktiv partizipierende Teilnehmer*innen macht. Dies geschieht mittels dialogischer Sinneserfahrungen – ausgelöst etwa durch Berührungen oder synchrone Atempraktiken –, wodurch eine basale körperliche Intersubjektivität entsteht. Die Künstlerin, die in Taipeh Philosophie und in Paris Theaterwissenschaften studierte, bindet die Fragen über ein »Selbst ohne das Selbst« über ein »Lösen des Egos« an eine intensive Erfahrung der Sinne. Ting formuliert aus ihrer eigenen Leiblichkeit heraus eine Beziehung zum Umfeld der Zuschauer*innen. Ihre Bewegungen enthalten Elemente aus der chinesischen Tanztradition, sind mal ekstatisch, mal minimal und gerade in den Momenten, in denen sie einen Ast eindrucksvoll auf dem Kopf balanciert, erahnt man, wie viel Disziplin ihre Synthese von Körper und Geist abverlangt: Ting meditiert sieben Stunden, bevor sie eine Stunde performt – sie muss ganz bei sich sein, bevor sie sich öffnen kann.

Die Performance Yuan Fang 遠方 (Dt. Weit entfernt) findet in der Galerie und vor ihren Fenstern auf dem Rathausvorplatz statt.

Weitere Begleitveranstaltungen

Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Nadia Pilchowski am 28.06.2018 von 17 bis 18 Uhr
Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag, 24.06., 08. und 15.07.2018

Weitere Informationen zur Ausstellung und zum Programm finden sie unter www.galeriewedding.de

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien.

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Yuan Fang 遠方

A performance by Liping Ting within the frame of the group exhibition I Am Large, I Contain Multitudes with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone curated by Nadia Pilchowski

In the context of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Liping Ting’s decelerated performances convey the impression that one is witnessing a shamanistic ritual. She herself constitutes the focal point of her work, and, employing self-styled iconography (among which the stone and feather are consistently recurring motifs), she adopts the role of a spiritual medium, who enables the beholders to become active participants. The process of dialogical sensory perception that ensues, either through touch or synchronised breathing, gives rise to a basal, physical inter-subjectivity. The artist, who studied Philosophy in Taipei and Theatre in Paris, adeptly correlates the questions of ‘Self without the Self’ and ‘Unlocking the Ego’ in an intensely sensual experience. In Ting’s work, identity is, to be sure, experienced through the physical form. Ting formulates, through her own physicality, a relationship to the surroundings of the observer. Her movements incorporate elements of traditional Chinese dance and are as ecstatic at times as they are minimal at others. Yet in certain moments, such as those in which she impressively balances the branch of a tree upon her head, one begins to intuit how much discipline her synthesis of body and spirit in fact demands.

The performance Yuan Fang 遠方 (Engl. distant) takes place at the gallery and in front of the window front at Rathausvorplatz.

Further events

Tour through the exhibition with curator Nadia Pilchowski on 28.06.2017 from 5pm until 6pm
Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian TM Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

Photo by the team of festival GUYU China Xian

Eine Führung mit Kuratorin Nadia Pilchowski durch die Gruppenausstellung I Am Large, I Contain Multitudes mit Arbeiten von Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Liping Ting, Hanne Lippard, Lauryn Youden und Marco Bruzzone

Im Kontext des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht.

Weitere Begleitveranstaltungen
Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag, 24.06., 08. und 15.07.2018

Weitere Informationen zur Ausstellung und zum Programm finden sie unter www.galeriewedding.de

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien.

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28th June 2018, 5pm till 7pm

A tour with curator Nadia Pilchowski through the group exhibition I Am Large, I Contain Multitudes with works by Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone

In the context of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically.

Further events
Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian TM Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

21. April – 26. Mai 2018

Eine Ausstellung von Simon Fujiwara im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 20.04.2018 von 19 bis 22 Uhr mit Künstler Simon Fujiwara und Kuratorin Solvej Helweg Ovesen

Der Mensch als Marke von Solvej Helweg Ovesen

»Ich fühle als würde ich schummeln, wenn ich sage: Ich bin ein Model, ich bin eine Lehrerin, ich bin eine Geliebte, ich bin eine Künstlerin, ich bin ein Chamäleon, ich bin eine Kämpferin… Ich bin ein Mensch…  Ich bin eine Frau«
-Joanne

Simon Fujiwaras Film »Joanne« zeigt die vielen Gesichter von Joanne, Simon Fujiwaras ehemaligen Gymnasiallehrerin. Joanne Salley, Gewinnerin des Miss-Nordirland-Schönheitswettbewerbs 1998, Künstlerin, Lehrerin und Boxmeisterin, hatte einen prägenden Einfluss auf Fujiwara und förderte sein kreatives Talent als Stipendiat an der angesehenen Harrow School für Jungen.

Einige Jahre nach seinem Abgang fand Joanne sich in Mitten eines zerstörerischen britischen Boulevard-Skandals nachdem Schüler Oben-ohne-Fotos von ihr, die privat gemacht wurden, entdeckt und in Umlauf gebracht hatten.

Die darauffolgende Medienkampagne spielte auf weibliche Stereotypen an, um die sensationellen Schlagzeilen zu bekräftigen und ihren Ruf als Lehrerin und öffentliche Person zu zerstören. In dem Versuch gegen die Medien anzukämpfen, die sie als »Oben-ohne-Lehrerin« stigmatisierten, starteten Fujiwara und Joanne mit der Produktion eines Kurzfilms, der sich mit den Themen, mit denen sich Salley im Zuge des Skandals konfrontiert sah, befasste, um einen neuen und authentischeren öffentlichen Eindruck von ihr zu schaffen.

Die Ausstellung wird im Rahmen des zweijährigen Ausstellungsprogramms »Unsustainable Privileges« 2017/18 gezeigt, das die Vorstellung von Privilegien im nordeuropäischen, kapitalistischen und patriarchalen Kontext hinterfragt.

Weitere Veranstaltungen:
Q & A – Ein Gespräch mit Simon Fujiwara am 26.04.2018 von 19 bis 21 Uhr

Ein Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Solvej Helweg Ovesen am 28.04.2018 um 16 Uhr

Kuratorische Assistenz / Kommunikation: Nadia Pilchowski und Marie-Christin Lender, Ausstellungsproduktion: Kathrin Pohlmann

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

»Joanne« wurde vom Film and Video Umbrella, The Photographers‘ Gallery und der Ishikawa Foundation in Auftrag gegeben. Unterstützt vom Arts Council England. Herzlichen Dank an Galerie Esther Schipper, Berlin, für die Unterstützung bei der Ausstellungstechnik.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Spartenoffene Förderung und Fonds Ausstellungsvergütungen.

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Joanne

21st April – 26th May 2018

An exhibition by Simon Fujiwara within the frame of the program UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Opening on 20th April 2018 from 7pm until 10pm with artist Simon Fujiwara and curator Solvej Helweg Ovesen

The Human Brand by Solvej Helweg Ovesen

»I feel like I’m cheating if I say: I am a model, I am a teacher, I am a lover, I am an artist, I am a chameleon, I am a fighter… I am a person… I am a female.«
– Joanne

Simon Fujiwara’s film »Joanne« depicts the many faces of Joanne, Simon Fujiwara’s former secondary school teacher. Joanne Salley, winner of the 1998 Miss Northern Ireland beauty pageant, artist, teacher and champion boxer had a formative influence on Fujiwara, nurturing his creative talents as a scholarship student at the prestigious Harrow School for boys.

Some years after his departure, Joanne found herself at the centre of a damaging British tabloid scandal after students discovered and circulated topless photographs of her that had been taken privately.

The media campaign that followed played on stereotypes of women to support the sensational headlines, tarnishing her reputation as a teacher and public persona. In an attempt to fight the media’s branding of her as the »Topless Teacher«, Fujiwara and Joanne embarked on the production of a short film that explores issues Salley faced in the wake of the scandal as she seeks to craft a new, more authentic public image.

The exhibition is presented in the context of the two year long exhibition programme »Unsustainable Privileges« 2017/18 which questions the concept of privilege in a north-european, capitalist, and patriarchal context.

Further Events:
Q & A – In conversation with Simon Fujiwara on 26th April 2018 from 7pm until 9pm

A tour through the exhibition with curator Solvej Helweg Ovesen on 28th April 2018 at 4pm

Curatorial Assistence / Communication: Nadia Pilchowski and Marie-Christin Lender, exhibition production: Kathrin Pohlmann

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

»Joanne« was commissioned by Film and Video Umbrella, The Photographers‘ Gallery and Ishikawa Foundation, supported by Arts Council England. Many thanks to gallery Esther Schipper, Berlin, for the support regarding the exhibition technology.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding and funds „Ausstellungsvergütungen“.

Q & A – Ein Gespräch zwischen Simon Fujiwara und Solvej Helweg Ovesen am 26.04.2018 von 19 bis 21 Uhr in englischer Sprache über die aktuelle Ausstellung

Simon Fujiwara
Joanne
21. April – 26. Mai 2018

kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung im Rahmen des Ausstellungsprogramms UP (Unsustainable Privileges) 

»Ich fühle als würde ich schummeln, wenn ich sage: Ich bin ein Model, ich bin eine Lehrerin, ich bin eine Geliebte, ich bin eine Künstlerin, ich bin ein Chamäleon, ich bin eine Kämpferin… Ich bin ein Mensch…  Ich bin eine Frau«
-Joanne

Simon Fujiwaras Film »Joanne« zeigt die vielen Gesichter von Joanne, Simon Fujiwaras ehemaligen Gymnasiallehrerin. Joanne Salley, Gewinnerin des Miss-Nordirland-Schönheitswettbewerbs 1998, Künstlerin, Lehrerin und Boxmeisterin, hatte einen prägenden Einfluss auf Fujiwara und förderte sein kreatives Talent als Stipendiat an der angesehenen Harrow School für Jungen.

Einige Jahre nach seinem Abgang fand Joanne sich in Mitten eines zerstörerischen britischen Boulevard-Skandals nachdem Schüler Oben-ohne-Fotos von ihr, die privat gemacht wurden, entdeckt und in Umlauf gebracht hatten.

Die darauffolgende Medienkampagne spielte auf weibliche Stereotypen an, um die sensationellen Schlagzeilen zu bekräftigen und ihren Ruf als Lehrerin und öffentliche Person zu zerstören. In dem Versuch gegen die Medien anzukämpfen, die sie als »Oben-ohne-Lehrerin« stigmatisierten, starteten Fujiwara und Joanne mit der Produktion eines Kurzfilms, der sich mit den Themen, mit denen sich Salley im Zuge des Skandals konfrontiert sah, befasste, um einen neuen und authentischeren öffentlichen Eindruck von ihr zu schaffen.

Die Ausstellung wird im Rahmen des zweijährigen Ausstellungsprogramms »Unsustainable Privileges« 2017/18 gezeigt, das die Vorstellung von Privilegien im nordeuropäischen, kapitalistischen und patriarchalen Kontext hinterfragt.

Weitere Veranstaltungen:
Ein Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Solvej Helweg Ovesen am 28.04.2018 um 16 Uhr

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

»Joanne« wurde vom Film and Video Umbrella, The Photographers‘ Gallery und der Ishikawa Foundation in Auftrag gegeben. Unterstützt vom Arts Council England. Herzlichen Dank an Galerie Esther Schipper, Berlin, für die Unterstützung bei der Ausstellungstechnik.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Spartenoffene Förderung und Fonds Ausstellungsvergütungen.

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Q & A – A conversation between Simon Fujiwara and Solvej Helweg Ovesen on 26th April 2018 from 7pm until 9pm in English about the current exhibition

Simon Fujiwara
Joanne
21st April – 26th May 2018

curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung within the frame of the exhibition programme UP (Unsustainable Privileges)

»I feel like I’m cheating if I say: I am a model, I am a teacher, I am a lover, I am an artist, I am a chameleon, I am a fighter… I am a person… I am a female.«
– Joanne

Simon Fujiwara’s film »Joanne« depicts the many faces of Joanne, Simon Fujiwara’s former secondary school teacher. Joanne Salley, winner of the 1998 Miss Northern Ireland beauty pageant, artist, teacher and champion boxer had a formative influence on Fujiwara, nurturing his creative talents as a scholarship student at the prestigious Harrow School for boys.

Some years after his departure, Joanne found herself at the centre of a damaging British tabloid scandal after students discovered and circulated topless photographs of her that had been taken privately.

The media campaign that followed played on stereotypes of women to support the sensational headlines, tarnishing her reputation as a teacher and public persona. In an attempt to fight the media’s branding of her as the »Topless Teacher«, Fujiwara and Joanne embarked on the production of a short film that explores issues Salley faced in the wake of the scandal as she seeks to craft a new, more authentic public image.

The exhibition is presented in the context of the two year long exhibition programme »Unsustainable Privileges« 2017/18 which questions the concept of privilege in a north-european, capitalist, and patriarchal context.

Further Events:
A tour through the exhibition with curator Solvej Helweg Ovesen on 28th April 2018 at 4pm

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

»Joanne« was commissioned by Film and Video Umbrella, The Photographers‘ Gallery and Ishikawa Foundation, supported by Arts Council England. Many thanks to gallery Esther Schipper, Berlin, for the support regarding the exhibition technology.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding and funds „Ausstellungsvergütungen“.

Simon Fujiwara
Joanne
21. April – 26. Mai 2018

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung im Kontext des Ausstellungsprogramms UP (Unsustainable Privileges)

Mit der kuratorischen Absicht, »unhaltbare Privilegien« (Unsustainable Privileges) in Bezug auf Staatsbürgerschaft, Patriarchat, Ökologie, Kolonialismus, Sprache, Medienpräsenz, Verwaltung, Gastro-Politik und neoliberale Ökonomie zu thematisieren oder auszustellen, ist diese unbeirrt kapitalistisch anmutende Ausstellung eine Konfrontation mit dem Profil des Ausstellungsprogramms der Galerie Wedding. »Joanne« von Simon Fujiwara rückt die menschlichen Marke ins Zentrum und stellt die Frage, ob zeitgenössische Kunst außerhalb des herrschenden kapitalistischen Systems agieren kann. Andererseits wird hinterfragt, ob man mit dem System arbeitend, tatsächlich in der Realität aktiv werden kann und somit dem betreffenden Subjekt Großzügigkeit entgegen bringt.

Der immaterielle Wert, der heutzutage den höchsten Profit bringt, ist die Entwicklung vom Menschen zum Produkt und zur Marke – Autobiographie, die für ein Publikum systematisiert, materialisiert und vermarktet wird. Fujiwara’s künstlerische Praxis verlagerte sich von der Arbeit mit seiner eigenen Biographie hin zu der mit Geschichten über andere. Er griff in die Repräsentation von bekannten Frauen in der Achse der Authentizität und des Markenauftritts ein und arbeitete sie um. Vor und nach »Joanne« hat Fujiwara 2015 »Masks (Merkel)« und 2017/18 »Hope House« geschaffen. »Masks (Merkel)« bestand aus einer Reihe von großformatigen Gemälden, die mit dem Make-up von Angela Merkel gemalt wurden. Das HD-Makeup soll die Kanzlerin authentisch aussehen lassen, um sie als »eine von uns« zu zeigen, ganz im Sinne ihrer Marke als Politikerin. »Hope House« im Kunsthaus Bregenz ist der originalgetreue und menschliche Nachbau eines Modell des Anne-Frank-Hauses wie man es im Anne-Frank-Museum in Amsterdam kaufen kann. Diese Arbeit fand seinen Ausgangspunkt in dem Hinterfragen von Prozess der Kommerzialisierung und Disneyfizierung von kulturellem Trauma und kulturellem Erbe. Wie vereinen sich Erzählung und Materialität in dem, was hier als authentisches Produkt erscheint? Und warum glauben wir, dass wir eine Erzählung, eine Erfahrung oder eine Person besitzen können? Noch wichtiger aber ist, dass Fujiwara mit »Hope House« und »Joanne« verdeutlicht, dass der Begriff des Individualismus, der westlichen Idee von individueller Freiheit und Authentizität, sich auflöst, während wir sprechen. Die philosophische und ethische Definition davon, dass ein Mensch amoralischen Wert besitzt, war ursprünglich die ultimative Vorstellung von Freiheit, wie sie im 18. Jahrhundert erfunden wurde. Heute können wir danach fragen, ob das Individuum dank der Macht der Repräsentation das ultimative Produkt ist.

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

»Joanne« wurde vom Film and Video Umbrella, The Photographers‘ Gallery und der Ishikawa Foundation in Auftrag gegeben. Unterstützt vom Arts Council England. Herzlichen Dank an Galerie Esther Schipper, Berlin, für die Unterstützung bei der Ausstellungstechnik.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Spartenoffene Förderung und Fonds Ausstellungsvergütungen.

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A tour through the exhibition with curator Solvej Helweg Ovesen on April 28th at 4pm
within the frame of

Simon Fujiwara
Joanne
21st April – 26th May 2018

curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung within the context of the exhibition program UP (Unsustainable Privileges)

With the curatorial intention, that is to thematise or exhibit »Unsustainable Privileges« in terms of citizenship, patriarchy, ecology, colonialism, language, media presence, administration, gastro-politics and Neo-Liberal Economy, this unflinchingly capitalist-looking exhibition »Joanne« by Simon Fujiwara with the subject of the human brand, states a confrontation to the profile of the program at Galerie Wedding. The visual intervention questions, if contemporary art can perform agency outside of the ruling system of Capitalism. On the other hand it asks, if working with the system, agency within reality can actually be enabled and thus appear more generous to the subject in question.

One of the transformations of immaterial value that brings the highest profit today, is the shift from being a person to being a product and a brand. Autobiography that is systematised, materialised and marketed for an audience. Fujiwara shifted from doing artwork around his own biography to appropriating stories about others, such as known women by reworking their representation within the axis of authenticity and brand appearance. Before and after »Joanne« he made »Masks (Merkel)« in 2015 and »Hope House« in 2017/18. »Masks (Merkel)« consisted of a series of scaled up paintings made with the make-up used by Angela Merkel. The HD makeup is applied to make the Chancellor look authentic, as her brand as a politician is to be »one of us«. In »Hope House« shown at Kunsthaus Bregenz, Fujiwara reworked the Anne Frank house in real architectural scale based on a model of the house one can purchase from the Anne Frank Museum gift-store in Amsterdam. Here Fujiwara started by questioning the commodification and disneyfication of cultural trauma and heritage – how does narrative and materiality integrate in what comes across as an authentic product here? And why do we think we can own a narrative, an experience or a person? More importantly however, what Fujiwara makes clear with »Hope House« and »Joanne« is that the notion of individualism, western idea of individual freedom, and authenticity, is disintegrating as we speak. Individualism, the philosophical and ethical idea that a person has amoral worth, was originally the ultimate idea of freedom as it was invented in the 18th century. Today we may ask if the individual is the ultimate product thanks to the power of representation.

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

»Joanne« was commissioned by Film and Video Umbrella, The Photographers‘ Gallery and Ishikawa Foundation, supported by Arts Council England. Many thanks to gallery Esther Schipper, Berlin, for the support regarding the exhibition technology.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding and funds „Ausstellungsvergütungen“.

21. April – 26. Mai 2018

Eine Ausstellung von Simon Fujiwara im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 20.04.2018 von 19 bis 22 Uhr mit Künstler Simon Fujiwara und Kuratorin Solvej Helweg Ovesen

»Ich fühle als würde ich schummeln, wenn ich sage: Ich bin ein Model, ich bin eine Lehrerin, ich bin eine Geliebte, ich bin eine Künstlerin, ich bin ein Chamäleon, ich bin eine Kämpferin… Ich bin ein Mensch…  Ich bin eine Frau«
-Joanne

Simon Fujiwaras Film »Joanne« zeigt die vielen Gesichter von Joanne, Simon Fujiwaras ehemaligen Gymnasiallehrerin. Joanne Salley, Gewinnerin des Miss-Nordirland-Schönheitswettbewerbs 1998, Künstlerin, Lehrerin und Boxmeisterin, hatte einen prägenden Einfluss auf Fujiwara und förderte sein kreatives Talent als Stipendiat an der angesehenen Harrow School für Jungen.

Einige Jahre nach seinem Abgang fand Joanne sich in Mitten eines zerstörerischen britischen Boulevard-Skandals nachdem Schüler Oben-ohne-Fotos von ihr, die privat gemacht wurden, entdeckt und in Umlauf gebracht hatten.

Die darauffolgende Medienkampagne spielte auf weibliche Stereotypen an, um die sensationellen Schlagzeilen zu bekräftigen und ihren Ruf als Lehrerin und öffentliche Person zu zerstören. In dem Versuch gegen die Medien anzukämpfen, die sie als »Oben-ohne-Lehrerin« stigmatisierten, starteten Fujiwara und Joanne mit der Produktion eines Kurzfilms, der sich mit den Themen, mit denen sich Salley im Zuge des Skandals konfrontiert sah, befasste, um einen neuen und authentischeren öffentlichen Eindruck von ihr zu schaffen.

Die Ausstellung wird im Rahmen des zweijährigen Ausstellungsprogramms »Unsustainable Privileges« 2017/18 gezeigt, das die Vorstellung von Privilegien im nordeuropäischen, kapitalistischen und patriarchalen Kontext hinterfragt.

Weitere Veranstaltungen:
Q & A – Ein Gespräch mit Simon Fujiwara am 26.04.2018 von 19 bis 21 Uhr

Ein Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Solvej Helweg Ovesen am 28.04.2018 um 16 Uhr

Kuratorische Assistenz / Kommunikation: Nadia Pilchowski und Marie-Christin Lender, Ausstellungsproduktion: Kathrin Pohlmann

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

»Joanne« wurde vom Film and Video Umbrella, The Photographers‘ Gallery und der Ishikawa Foundation in Auftrag gegeben. Unterstützt vom Arts Council England. Herzlichen Dank an Galerie Esther Schipper, Berlin, für die Unterstützung bei der Ausstellungstechnik.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Spartenoffene Förderung und Fonds Ausstellungsvergütungen.

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Joanne

21st April – 26th May 2018

An exhibition by Simon Fujiwara within the frame of the program UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Opening on 20th April 2018 from 7pm until 10pm with artist Simon Fujiwara and curator Solvej Helweg Ovesen

»I feel like I’m cheating if I say: I am a model, I am a teacher, I am a lover, I am an artist, I am a chameleon, I am a fighter… I am a person… I am a female.«
– Joanne

Simon Fujiwara’s film »Joanne« depicts the many faces of Joanne, Simon Fujiwara’s former secondary school teacher. Joanne Salley, winner of the 1998 Miss Northern Ireland beauty pageant, artist, teacher and champion boxer had a formative influence on Fujiwara, nurturing his creative talents as a scholarship student at the prestigious Harrow School for boys.

Some years after his departure, Joanne found herself at the centre of a damaging British tabloid scandal after students discovered and circulated topless photographs of her that had been taken privately.

The media campaign that followed played on stereotypes of women to support the sensational headlines, tarnishing her reputation as a teacher and public persona. In an attempt to fight the media’s branding of her as the »Topless Teacher«, Fujiwara and Joanne embarked on the production of a short film that explores issues Salley faced in the wake of the scandal as she seeks to craft a new, more authentic public image.

The exhibition is presented in the context of the two year long exhibition programme »Unsustainable Privileges« 2017/18 which questions the concept of privilege in a north-european, capitalist, and patriarchal context.

Further Events:
Q & A – In conversation with Simon Fujiwara on 26th April 2018 from 7pm until 9pm

A tour through the exhibition with curator Solvej Helweg Ovesen on 28th April 2018 at 4pm

Curatorial Assistence / Communication: Nadia Pilchowski and Marie-Christin Lender, exhibition production: Kathrin Pohlmann

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

»Joanne« was commissioned by Film and Video Umbrella, The Photographers‘ Gallery and Ishikawa Foundation, supported by Arts Council England. Many thanks to gallery Esther Schipper, Berlin, for the support regarding the exhibition technology.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding and funds „Ausstellungsvergütungen“.

6. – 7. April 2018
Eröffnungsperformance am 5. April 2018 von 19 bis 22 Uhr

Eine Live-Performance-Installation von Ibrahim Quraishi gestaltet mit Özgür Erkök Moroder, Binta Diaw und Olani Ewunnet im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Ibrahim Quraishi erforscht die Effekte, die mit der Enthüllung verborgener Paradoxien verbunden sind. Dabei sind solche gemeint, die sich offenbaren, wenn vorgeblich Geheimnisse enthüllt, aber niemals aufgedeckt werden.

Der in Kenia geborene Künstler setzte sich mit den Handlungsrahmen, die von ideologischen Grenzen vorgegeben werden, auseinander. Auffassungen von Zeit, die der konventionellen Abfolge von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft folgen, werden in Frage gestellt. Wie lassen sich Träume, die all diesem trotzen und in einer faszinierenden Freiheit existieren, in die Realität holen?

Innerhalb von Stories of Almost Everyone ist es das Ziel, Gesetzte zu schaffen, die größtenteils als Verlust von Geschichte, Kultur und Identität verstanden werden. Ihm geht es darum herauszustellen, was es bedeutet in der heutigen Welt ein Mensch zu sein, der nicht von ihrem/seinem geografischen und gedanklichen Umfeld geprägt ist.

Weitere Performances am 6. und 7. April 2018 von 19 bis 21 Uhr

Das Werk von Ibrahim Quraishi wird unterstützt durch die Mondriaan Fonds, Niederlande.

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Stories of Almost Everyone

6th – 7th April 2018
Opening performance on 5th April 2018 from 7pm till 10pm

A live performance installation by Ibrahim Quraishi created with Özgür Erkök Moroder, Binta Diaw and Olani Ewunnet
within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

Ibrahim Quraishi investigates the effects associated with the revelation of distorted paradoxes. Those paradoxes that are exposed when secrets are pretended to be laid bare while they are never revealed.

Recurrent themes in the artist’s work are the frameworks of action that are given by physical and ideological boundaries. Conceptions of time that follow the conventional sequence of past, present and future are called into question. How can dreams that defy all this and claim an aspiring freedom be put in reality?

Within Stories of Almost Everyone it is the aim to codes that usually mean the loss of history, culture, and identity – an exploration of being a person who is not affected by her/his geographical and intellectual environment.

Further Performances on 6th and 7th April 2018 from 7pm until 9pm

The Work of Ibrahim Quraishi is supported by the Mondriaan Fonds, The Netherlands.

***

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

6. – 7. April 2018
Eröffnungsperformance am 5. April 2018 von 19 bis 22 Uhr

Eine Live-Performance-Installation von Ibrahim Quraishi gestaltet mit Özgür Erkök Moroder, Binta Diaw und Olani Ewunnet im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Ibrahim Quraishi erforscht die Effekte, die mit der Enthüllung verborgener Paradoxien verbunden sind. Dabei sind solche gemeint, die sich offenbaren, wenn vorgeblich Geheimnisse enthüllt, aber niemals aufgedeckt werden.

Der in Kenia geborene Künstler setzte sich mit den Handlungsrahmen, die von ideologischen Grenzen vorgegeben werden, auseinander. Auffassungen von Zeit, die der konventionellen Abfolge von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft folgen, werden in Frage gestellt. Wie lassen sich Träume, die all diesem trotzen und in einer faszinierenden Freiheit existieren, in die Realität holen?

Innerhalb von Stories of Almost Everyone ist es das Ziel, Gesetzte zu schaffen, die größtenteils als Verlust von Geschichte, Kultur und Identität verstanden werden. Ihm geht es darum herauszustellen, was es bedeutet in der heutigen Welt ein Mensch zu sein, der nicht von ihrem/seinem geografischen und gedanklichen Umfeld geprägt ist.

Weitere Performances am 6. und 7. April 2018 von 19 bis 21 Uhr

Das Werk von Ibrahim Quraishi wird unterstützt durch die Mondriaan Fonds, Niederlande.

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Stories of Almost Everyone

6th – 7th April 2018
Opening performance on 5th April 2018 from 7pm till 10pm

A live performance installation by Ibrahim Quraishi created with Özgür Erkök Moroder, Binta Diaw and Olani Ewunnet
within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

Ibrahim Quraishi investigates the effects associated with the revelation of distorted paradoxes. Those paradoxes that are exposed when secrets are pretended to be laid bare while they are never revealed.

Recurrent themes in the artist’s work are the frameworks of action that are given by physical and ideological boundaries. Conceptions of time that follow the conventional sequence of past, present and future are called into question. How can dreams that defy all this and claim an aspiring freedom be put in reality?

Within Stories of Almost Everyone it is the aim to codes that usually mean the loss of history, culture, and identity – an exploration of being a person who is not affected by her/his geographical and intellectual environment.

Further Performances on 6th and 7th April 2018 from 7pm until 9pm

The Work of Ibrahim Quraishi is supported by the Mondriaan Fonds, The Netherlands.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

6. – 7. April 2018
Performances von 19 bis 21 Uhr

Eine Live-Performance-Installation von Ibrahim Quraishi gestaltet mit Özgür Erkök Moroder, Binta Diaw und Olani Ewunnet im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Ibrahim Quraishi erforscht die Effekte, die mit der Enthüllung verborgener Paradoxien verbunden sind. Dabei sind solche gemeint, die sich offenbaren, wenn vorgeblich Geheimnisse enthüllt, aber niemals aufgedeckt werden.

Der in Kenia geborene Künstler setzte sich mit den Handlungsrahmen, die von ideologischen Grenzen vorgegeben werden, auseinander. Auffassungen von Zeit, die der konventionellen Abfolge von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft folgen, werden in Frage gestellt. Wie lassen sich Träume, die all diesem trotzen und in einer faszinierenden Freiheit existieren, in die Realität holen?

Innerhalb von Stories of Almost Everyone ist es das Ziel, Gesetzte zu schaffen, die größtenteils als Verlust von Geschichte, Kultur und Identität verstanden werden. Ihm geht es darum herauszustellen, was es bedeutet in der heutigen Welt ein Mensch zu sein, der nicht von ihrem/seinem geografischen und gedanklichen Umfeld geprägt ist.

Das Werk von Ibrahim Quraishi wird unterstützt durch die Mondriaan Fonds, Niederlande.

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Stories of Almost Everyone

6th – 7th April 2018
Performances from 7pm until 9pm

A live performance installation by Ibrahim Quraishi created with Özgür Erkök Moroder, Binta Diaw and Olani Ewunnet
within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

Ibrahim Quraishi investigates the effects associated with the revelation of distorted paradoxes. Those paradoxes that are exposed when secrets are pretended to be laid bare while they are never revealed.

Recurrent themes in the artist’s work are the frameworks of action that are given by physical and ideological boundaries. Conceptions of time that follow the conventional sequence of past, present and future are called into question. How can dreams that defy all this and claim an aspiring freedom be put in reality?

Within Stories of Almost Everyone it is the aim to codes that usually mean the loss of history, culture, and identity – an exploration of being a person who is not affected by her/his geographical and intellectual environment.

The Work of Ibrahim Quraishi is supported by the Mondriaan Fonds, The Netherlands.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

17. Februar – 29. März 2018

Eine Ausstellung von Azin Feizabadi im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 16.02.2018 von 19 bis 22 Uhr mit dem Künstler und den Kurator*innen

Once Upon A Time, Once Upon No Time_Bonaventure Soh BejengNdikung

Das UP (Unsustainable Privileges) Ausstellugsprogramm setzt sich in 2018 mit einer Einzelausstellung des Filmemachers und Künstlers Azin Feizabadi fort. Seine Arbeiten stammen aus einem Langzeitprojekt mit dem Titel A COLLECTIVE MEMORY, das seit 2009 einen Recherche- und Produktionsrahmen stellt, innerhalb dessen er sich mit alternativen Formen der Geschichtsschreibung auseinandersetzt. Mit filmischen und installativen Mitteln greift Feizabadi diesen Diskurs in der Galerie Wedding auf und stellt ihn in Bezug zu Fragen der Konstruktion von Zeit und Identität; Fragen die auch in seinem neuen Erzählfilm »Uchronia« thematisiert werden. Es ist der Versuch, das Verständnis von kultureller und nationaler Identität aus seiner ausschließlich historischen Begründung zu hinterfragen. Wie sehen alternative Formen von Geschichtsschreibung aus, die sich außerhalb institutioneller und ideologischer Vorgaben bewegen?

Feizabadi geht es darum Wege zu finden, Geschichten abzukapseln und sie durch den Gebrauch poetischer und experimenteller Ausdrucksformen darzustellen, während er auf wissenschaftliche und ideologische Mittel verzichtet. Wie viele Künstler*innen, Dichter*innen und Denker*innen vor ihm spekuliert Feizabadi über das mögliche Ende von Layla und Majnuns Liebesaffäre, im Sinne einer Fortsetzung der klassischen, orientalischen Geschichte arabischen Ursprungs. Darüber hinaus ist die deutsche Schauspielering Brigitte Mira in dem neu produzierten Werk Feizabadis in der Galerie Wedding auf multiple Weise präsent.

Weitere Veranstaltungen

Ausstellungsrundgang am 08.03.2018 um 17 Uhr mit Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Once Upon A Time, Once Upon No Time

17the February – 29th March 2018

An exhibition by Azin Feizabadi within the frame of the program UP (Unsustainable Privileges), curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

Opening on 16.02.2018 from 7pm until 10pm

Once Upon A Time, Once Upon No Time_Bonaventure Soh BejengNdikung

The exhibition program UP (Unsustainable Privileges) continues in 2018 with a solo exhibition by filmmaker and artist Azin Feizabadi. The presented artworks stem from the long-term project called A COLLECTIVE MEMORY, which has provided since 2009 a research and production framework within which Feizabadi deals with alternative forms of historiography. This discourse is picked up in cinematic and installation means at Galerie Wedding and placed in relation to questions of the construction of time and identity; questions that are also addressed in Feizabadis new and narrative film »Uchronia«. It is an attempt to question the understanding of cultural and national identity from its purely historical justification. What are alternative forms of historiography that are used outside of institutional and ideological prescriptions?

Feizabadi’s aim is to find ways to encapsulate stories and depict them through the use of poetic and experimental expressions while renouncing scientific and ideological means. Like many artists, poets, and thinkers before him, Feizabadi speculates on the possible end of Layla and Majnun’s love affair, in the sense of a continuation of the classical, oriental history of Arab origin. In addition, the German actress Brigitte Mira is present in multiple ways in the newly produced work by Feizabadis at Galerie Wedding.

Further Events

Tour through the exhibition with curator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung on 08.03.2018 at 5pm

Further Information regarding the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 you can find on our website under UP and is available for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

Kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) 

Rundgang durch die Ausstellung mit Künstler Azin Feizabadi und Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung am 08.03.2018 um 17 Uhr 

Das UP (Unsustainable Privileges) Ausstellugsprogramm setzt sich in 2018 mit einer Einzelausstellung des Filmemachers und Künstlers Azin Feizabadi fort. Seine Arbeiten stammen aus einem Langzeitprojekt mit dem Titel A COLLECTIVE MEMORY, das seit 2009 einen Recherche- und Produktionsrahmen stellt, innerhalb dessen er sich mit alternativen Formen der Geschichtsschreibung auseinandersetzt. Mit filmischen und installativen Mitteln greift Feizabadi diesen Diskurs in der Galerie Wedding auf und stellt ihn in Bezug zu Fragen der Konstruktion von Zeit und Identität; Fragen die auch in seinem neuen Erzählfilm »Uchronia« thematisiert werden. Es ist der Versuch, das Verständnis von kultureller und nationaler Identität aus seiner ausschließlich historischen Begründung zu hinterfragen. Wie sehen alternative Formen von Geschichtsschreibung aus, die sich außerhalb institutioneller und ideologischer Vorgaben bewegen?

Feizabadi geht es darum Wege zu finden, Geschichten abzukapseln und sie durch den Gebrauch poetischer und experimenteller Ausdrucksformen darzustellen, während er auf wissenschaftliche und ideologische Mittel verzichtet. Wie viele Künstler*innen, Dichter*innen und Denker*innen vor ihm spekuliert Feizabadi über das mögliche Ende von Layla und Majnuns Liebesaffäre, im Sinne einer Fortsetzung der klassischen, orientalischen Geschichte arabischen Ursprungs. Darüber hinaus ist die deutsche Schauspielering Brigitte Mira in dem neu produzierten Werk Feizabadis in der Galerie Wedding auf multiple Weise präsent.

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Azin Feizabadi
Once Upon A Time, Once Upon No Time
12th February – 29th March 2018

Curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the frame of UP (Unsustainable Privileges) 

Tour through the exhibition with artist Azin Feizabadi and curator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung on 8th March 2018 at 5pm 

The exhibition program UP (Unsustainable Privileges) continues in 2018 with a solo exhibition by filmmaker and artist Azin Feizabadi. The presented artworks stem from the long-term project called A COLLECTIVE MEMORY, which has provided since 2009 a research and production framework within which Feizabadi deals with alternative forms of historiography. This discourse is picked up in cinematic and installation means at Galerie Wedding and placed in relation to questions of the construction of time and identity; questions that are also addressed in Feizabadis new and narrative film »Uchronia«. It is an attempt to question the understanding of cultural and national identity from its purely historical justification. What are alternative forms of historiography that are used outside of institutional and ideological prescriptions?

Feizabadi’s aim is to find ways to encapsulate stories and depict them through the use of poetic and experimental expressions while renouncing scientific and ideological means. Like many artists, poets, and thinkers before him, Feizabadi speculates on the possible end of Layla and Majnun’s love affair, in the sense of a continuation of the classical, oriental history of Arab origin. In addition, the German actress Brigitte Mira is present in multiple ways in the newly produced work by Feizabadis at Galerie Wedding.

Eröffnung am 16.02.2018 von 19 bis 22 Uhr mit dem Künstler und den Kurator*innen

Eine Ausstellung von Azin Feizabadi im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

17. Februar – 29. März 2018

Once Upon A Time, Once Upon No Time_Bonaventure Soh BejengNdikung

Das UP (Unsustainable Privileges) Ausstellugsprogramm setzt sich in 2018 mit einer Einzelausstellung des Filmemachers und Künstlers Azin Feizabadi fort. Seine Arbeiten stammen aus einem Langzeitprojekt mit dem Titel A COLLECTIVE MEMORY, das seit 2009 einen Recherche- und Produktionsrahmen stellt, innerhalb dessen er sich mit alternativen Formen der Geschichtsschreibung auseinandersetzt. Mit filmischen und installativen Mitteln greift Feizabadi diesen Diskurs in der Galerie Wedding auf und stellt ihn in Bezug zu Fragen der Konstruktion von Zeit und Identität; Fragen die auch in seinem neuen Erzählfilm »Uchronia« thematisiert werden. Es ist der Versuch, das Verständnis von kultureller und nationaler Identität aus seiner ausschließlich historischen Begründung zu hinterfragen. Wie sehen alternative Formen von Geschichtsschreibung aus, die sich außerhalb institutioneller und ideologischer Vorgaben bewegen?

Feizabadi geht es darum Wege zu finden, Geschichten abzukapseln und sie durch den Gebrauch poetischer und experimenteller Ausdrucksformen darzustellen, während er auf wissenschaftliche und ideologische Mittel verzichtet. Wie viele Künstler*innen, Dichter*innen und Denker*innen vor ihm spekuliert Feizabadi über das mögliche Ende von Layla und Majnuns Liebesaffäre, im Sinne einer Fortsetzung der klassischen, orientalischen Geschichte arabischen Ursprungs. Darüber hinaus ist die deutsche Schauspielering Brigitte Mira in dem neu produzierten Werk Feizabadis in der Galerie Wedding auf multiple Weise präsent.

Weitere Veranstaltungen

Ausstellungsrundgang am 08.03.2018 um 17 Uhr mit Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Once Upon A Time, Once Upon No Time

17the February – 29th March 2018

An exhibition by Azin Feizabadi within the frame of the program UP (Unsustainable Privileges), curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

Opening reception on 16.02.2018 from 7pm until 10pm

Once Upon A Time, Once Upon No Time_Bonaventure Soh BejengNdikung

The exhibition program UP (Unsustainable Privileges) continues in 2018 with a solo exhibition by filmmaker and artist Azin Feizabadi. The presented artworks stem from the long-term project called A COLLECTIVE MEMORY, which has provided since 2009 a research and production framework within which Feizabadi deals with alternative forms of historiography. This discourse is picked up in cinematic and installation means at Galerie Wedding and placed in relation to questions of the construction of time and identity; questions that are also addressed in Feizabadis new and narrative film »Uchronia«. It is an attempt to question the understanding of cultural and national identity from its purely historical justification. What are alternative forms of historiography that are used outside of institutional and ideological prescriptions?

Feizabadi’s aim is to find ways to encapsulate stories and depict them through the use of poetic and experimental expressions while renouncing scientific and ideological means. Like many artists, poets, and thinkers before him, Feizabadi speculates on the possible end of Layla and Majnun’s love affair, in the sense of a continuation of the classical, oriental history of Arab origin. In addition, the German actress Brigitte Mira is present in multiple ways in the newly produced work by Feizabadis at Galerie Wedding.

Further Events

Tour through the exhibition with curator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung on 08.03.2018 at 5pm

Further Information regarding the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 you can find on our website under UP and is available for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

18. Januar – 1. Februar 2018
Finissage am 1. Februar 2018 um 19 Uhr

Eine Performancewoche von Abrie Fourie im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Abrie Fourie verwandelt die Galerie Wedding in ein Atelier, das den vorbeigehenden Leuten zum Besuch offen steht. Der aus Südafrika stammende und in Berlin lebende Künstler setzt sich während der Performancewochen mit dem Thema der (unhaltbaren) Privilegien auseinander, indem er poetische Erkundungen mit Worten, Redewendungen und Bildern vornimmt. Wie bei unangekündigten Atelierbesuchen, erfährt man nicht im Vorhinein, woran der Künstler gerade arbeitet. Den vorbeigehenden Besucher*innen bleibt nicht anderes, als sich von dem aktuellen Geschehen überraschen zu lassen.

***

Studio Visit: A Poetic Investigation of (Unsustainable) Privilege Through Words, Phrases and Images. A Metaphor of Memories That Soon Will Be Lost! But What Happens When You Test Metaphor as Fact?

18th January – 1st February 2018
Finissage on 1st Februar 2018 at 7pm

A Performanceweek by Abrie Fourie within the frame of UP (Unsustainable Privileges), curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

Abrie Fourie transforms the space of Galerie Wedding into an artist’s studio, that is open to everyone who passes by. Within the performance week the southafrican born and berlin based artist will deal with the issue of (unsustainable) privileges by investigating them through words, phrases and images. Similar to an unnanounced studio visit, you won’t know beforehand what the artist is working on the moment you come by the space. The visitors will have no choice but to be surprised by the current events.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

18. Januar – 1. Februar 2018
Finissage am 1. Februar 2018 um 19 Uhr

Eine Performancewoche von Abrie Fourie im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Abrie Fourie verwandelt die Galerie Wedding in ein Atelier, das den vorbeigehenden Leuten zum Besuch offen steht. Der aus Südafrika stammende und in Berlin lebende Künstler setzt sich während der Performancewochen mit dem Thema der (unhaltbaren) Privilegien auseinander, indem er poetische Erkundungen mit Worten, Redewendungen und Bildern vornimmt. Wie bei unangekündigten Atleierbesuchen, erfährt man nicht im Vorhinein, woran der Künstler gerade arbeitet. Den vorbeigehenden Besucher*innen bleibt nicht anderes, als sich von dem aktuellen Geschehen überraschen zu lassen.

***

Studio Visit: A Poetic Investigation of (Unsustainable) Privilege Through Words, Phrases and Images. A Metaphor of Memories That Soon Will Be Lost! But What Happens When You Test Metaphor as Fact?

18th January – 1st February 2018
Finissage on 1st Februar 2018 at 7pm

A Performanceweek by Abrie Fourie within the frame of UP (Unsustainable Privileges), curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

Abrie Fourie transforms the space of Galerie Wedding into an artist’s studio, that is open to everyone who passes by. Within the performance week the southafrican born and berlin based artist will deal with the issue of (unsustainable) privileges by investigating them through words, phrases and images. Similar to an unnanounced studio visit, you won’t know beforehand what the artist is working on the moment you come by the space. The visitors will have no choice but to be surprised by the current events.

17. November 2017 – 13. Januar 2018

Eine Ausstellung von Dafna Maimon im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung in Kooperation mit Nordwind Festival 2017

Eröffnung am 16.11.2017 von 19 bis 22 Uhr mit Falafel Interval

1985 eröffnete der israelische Vater von Dafna Maimon das erste Falafel und Kebab Restaurant in Finnland, den ‚Orient Express‘. Situiert in einem Einkaufszentrum im Stadtzentrum von Helsinki, brachte es Finn*innen bisher unbekannte Geschmäcker aus dem Nahen Osten näher. Gleichzeitig beschäftigte ihr Vater viele Mitarbeiter*innen, die keine finnische Staatsbürgerschaft besaßen und ermöglichte ihnen durch die Arbeitsbescheinigung das nötige Dokument für den Erhalt einer Aufenthaltsgenehmigung, die für viele den Ausgangspunkt für ein neues Leben in Finnland darstellte. Vor einigen Jahren entdeckte Maimon ein hoch budgetiertes Werbevideo von 1986, das ihr Vater in Auftrag gab und welches mit der eigenen Exotisierung arbeitet, um den Kebab zu vermarkten. Ausgehend von diesem autobiografischen Material entwickelte Maimon eine performative Videoinstallation, die sich zwischen persönlichen Erinnerungen, Familiengeschichten und der Darstellung einer patriarchalen Gesellschaft bewegt.  In der Galerie Wedding wird sie die Werbesets und die Umgebung reinszenieren und ein bespielbares Terrain aufbauen, in dem sie gegenwärtige, eigene Erfahrungen mit den Materialien ihres Vaters verschneidet. Die Ausstellung baut auf einer vorangehenden Performance ‚Orient Express Yourself‘ auf, die in Zusammenarbeit mit dem Lilith Performance Studio in Malmö produziert und auch dort im September 2017 gezeigt wurde.

Kuratorischer Text

Solvej Helweg Ovesen_Das Leben ist Kurz, der Kebab ist Groß

Weitere Veranstaltungen

Rundgang durch die Ausstellung mit Künstlerin Dafna Maimon und Kuratorin Solvej Helweg Ovesen am 14.12.2017 um 17 Uhr

After Hours – Performance zur Finissage am 11.01. und 13.01.2018

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Orient Express

17th November 2017 – 13th January 2018

An Exhibition by Dafna Maimon in the framework of UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Opening 16^th October 2017 at 7pm with Falafel Interval

In 1985, Dafna Maimon’s father opened the first falafel and kebab restaurant in Finland; Orient Express. Located in a shopping mall in Helsinki city centre, the restaurant introduced Finns to the previously unknown delicacies of the Middle East. At the same time, the fast-food restaurant was for many immigrants a work place that provided them with the documents necessary to obtain a residence permit and a start of a new life in Finland. Some years ago, Maimon found a rather strange high-budget video ad from 1986, which her father had produced, and which used his own exoticness in a high paced narrative to market kebabs in Finland. Starting from this autobiographical material and video-relic, Maimon is conducting a micro historical research, in which the workings of memory, family roles and the effects of destructive patriarchal structures are analyzed and weaved into a world of docufiction, spanning over performance video and installation. At Galerie Wedding, she will restage set elements and surroundings from the Orient Express ad, in which she will blend her own present experiences with her father’s autobiographical-material. The exhibition builds on the earlier performance ‚Orient Express Yourself‘ shown at and produced by Lilith Performance Studio in Malmö in September 2017.

Curatorial Text

Solvej Helweg Ovesen_Life is Short, Kebab is Big

Further Events

Tour through the exhibition with artist Dafna Maimon and curator Solvej Helweg Ovesen on 14.12.2017 at 5pm

After Hours – Performance on 11.01. und 13.01.2018

Further Information regarding the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017 you can find on our website under UP and is available for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

Im Rahmen der Ausstellung

Orient Express
Laufzeit 17. November 2017 bis 13. Januar 2018

Eine Ausstellung von Dafna Maimon im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Wie schon bei der Eröffnung aktiviert Dafna Maimon ihre Installation in der Galerie Wedding erneut, allerdings zum letzten Mal. Die Performance „After Hours“, die während der Ausstellung und innerhalb der Installation entwickelt wurde, bespielt das Ende einer Restaurant-Schicht. Zwei Arbeiterinnen verkörpern und verarbeiten in fragmentierter Form die Nachwirkung der Schicht, die auf vergangenen Ereignissen und autobiografischem Material der Familie der Künstlerin basieren. In „After Hours“ zieht Maimon eine bewusste Parallele zum Tanzstück „Café Müller“ von Pina Bausch, in dem die renommierte Choreografin ebenfalls Kindheitserinnerungen ihres Vaters, der ein Café führte, verarbeitet. Indem Maimon verschiedene Zeitfenster auf einmal öffnet, überwindet sie zeitliche Distanzen und lässt Vergangenheit und Gegenwart verschmelzen.

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Performance ‚After Hours‘ by Dafna Maimon on 11th and 13th January 2018 both days at 7pm

Within the frame of

Orient Express

17th November 2017 until 13th January 2018

An exhibition by Dafna Maimon within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Like at the opening, Dafna Maimon activates her installation at Galerie Wedding again but for the last time. The performance „After Hours“ which was developed during the exhibition and within the installation plays out the end of a restaurant shift. Two female workers embody and process a fragmented aftermath based on past events taken from autobiographies of the artist’s family. Within „After Hours“ Maimon draws a conscious parallel to the dance piece ‘Café Müller’ by Pina Bausch, in which the renowned choreographer also processes childhood memories of her father working in his café. By opening up different time frames at once, Maimon overcomes distance in time and brings together past and present.

Rundgang durch die Ausstellung mit Künstlerin Dafna Maimon am 15.12.2017 um 17 Uhr 

Eine Ausstellung von Dafna Maimon kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) in Kooperation mit Nordwind Festival 2017

17. November 2017 – 13. Januar 2018

In der Galerie Wedding hat Dafna Maimon, eine in Helsinki, Finnland, aufgewachsenen Künstlerin mit einem israelischen Vater und einer finnischen Mutter das Kebab Restaurant ihres Vater rekonstruiert. Dies allerdings nicht in seiner vollen Funktionsfähigkeit, wie in der vorangehenden Performance „Orient Express, Yourself“ im Lilith Performance Studio in Malmö, Schweden, sondern als geschlossenen und verlassenen Raum. Außerdem wird ein überarbeiteter Werbefilm aus den 1980er Jahren, den Maimons Vater für das Restaurant in Auftrag gegeben hat, Banner mit Sprüchen und autobiografisches Textmaterial gezeigt. In einem detailorientierten und raumgreifenden Arbeitsprozess schuf die Künstlerin eine Installation, die spielerisch erkundet werden kann und gleichzeitig tiefe Emotionen und gesellschaftliche Themen anspielt. Dieser parafiktionale Raum der Erinnerungen, zeigt die Perspektive der erwachsenen Künstlerin auf ihre Vergangenheit, wie sie durch ihren Vater geprägt wurde und öffnet sich gleichzeitig für die individuellen Projektionen der Besucher. 

Weitere Veranstaltungen

After Hours – Performance zur Finissage am 11.01. und 13.01.2018, jeweils um 19 Uhr

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Orient Express

Tour through the exhibition with artist Dafna Maimon December 14th at 5pm

An Exhibition by Dafna Maimon curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung within the frame of UP (Unsustainable Privileges)

17th November 2017 – 13th January 2018

In her exhibition “Orient Express” Berlin-based artist Dafna Maimon, who grew up in Helsinki, Finland, with an Israeli father and a Finish mother, re-establishes the interior of her father’s Kebab and Falafel restaurant, “Orient Express,” which has been the first of its kind in Finland. The restaurant installation is combined with a reworked advertising film, slogans and autobiographical texts that are placed within in the gallery space. In a detailoriented and spacegrapping process, Maimon created an installation wich can be explored in a playful manner while it refers to deep emotions and sociopolitical subjects. This parafictional space of memories shows Maimon’s perspective from the standpoint of an adult on her past as it has been marked by her father while at the same time it opens up for personal projections from the audience.

Further Events

After Hours – Finissage Performance on 11.01. und 13.01.2018, 7pm

6. Oktober bis 4. November 2017

Eine Ausstellung von Mariana Castillo Deball im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 05.10.2017 um 18 Uhr in Anwesenheit der Künstlerin und den Kurator*innen mit gemeinsamen Besuch von Forbidden Symmetries von Mariana Castillo Deball um 19.00 Uhr auf dem Rathausvorplatz und  Liveperformance von Dubben Dig 

Pleasures of Association, and Poisson, such as Love­­­‑ 6. Oktober bis 4. November 2017

Im Rahmen der Ausstellungsreihe UP (Unsustainable Privileges) erschafft die Künstlerin Mariana Castillo Deball in der Ausstellung Pleasures of Association, and Poissons, such as Love­­­‑ eine spiralförmige Installation eines Stammbaumes, die die Entwicklung des Wirbeltieres vom Fisch zum Vogel, welche sich über einen Zeitraum von 200 Millionen Jahren vollzog, erfahrbar gemacht- Ein unfassbarer Zeitraum wird greifbar.

Wir Menschen haben das Privileg, uns mit evolutionären Prozessen auseinanderzusetzen, sie Assoziieren zu können, ihnen eine Ordnung zu geben und sie dadurch zu gestalten. Auf der anderen Seite geht im Hinblick auf die Urzeit der evolutionäre Prozess weit über die menschliche Existenz hinaus.

Ausgangspunkt für die Arbeit der Künstlerin ist ihre Begeisterung für Fossilien und deren Assoziation mit der Lithografie sowie die Veränderung der Evolutionsforschung im Zuge der technischen Entwicklung. Mariana Castillo Deballs »Pleasures of Association, and Poissons, such as Love­­­‑« thematisiert die Rivalität zwischen unterschiedlichen Techniken zur Erstellung von wissenschaftlichen „Fakten“, die jeweils eine unterschiedliche Sicht auf die Evolution zeigen.

Deball arbeitet in ihrer künstlerischen Praxis eng mit Wissenschaftler*innen der Archäologie, Paläontologie, Ethnographie und Geschichte zusammen. Ihr geht es um die Rekontextualisierung von historischen Dokumenten, Artefakten und, wie hier, sedimentierte Körper, Fossilien. Abreibungen mit Tinte auf Papier von fossilen Exemplaren des evolutionären Prozesses des Wirbeltiers hängen in einer raumgreifenden Bambusbaumstruktur in der Galerie Wedding. Durch die natürliche Form der Spirale wird eine Zeitangabe gemacht: die ältesten Fossilien hängen tiefer, die zeitlich näher am Menschen sind, hängen höher. Während die zeitliche Ordnung präsent ist, steht dennoch der visuelle Eindruck im Vordergrund.

Zusätzlich, wird im Rahmen der Ausstellung eine bleibende Arbeit von Deball im öffentlichen Raum, dem Rathausvorplatz lanciert. Sie ist Teil des neuen Gehwegs und besteht aus speziellen Pflastersteinen mit organischen Gravuren der Künstlerin, die ein kreisförmiges, sich aus der Mitte entfaltendes Penrose-Muster bilden. »Forbidden Symmetries« verwirft die traditionelle funktionale Pflasterung und hinterlässt eine abweichende Spur, eine schräge Archäologie, oder einen möglichen Fund. Fördermittelgeber für diese Arbeit ist die Senatsverwaltung für Stadtentwicklung und Wohnen und sie ist das Ergebnis eines Kunstwettbewerbes.

Weitere Veranstaltungen:

Ausstellungsrundgang mit Künstlerin Mariana Castillo Deball und Kuratorin Solvej Helweg Ovesen am 19.10.2017 um 17 Uhr

Konversation am 26.10.2017 um 20 Uhr zwischen der Künstlerin Mariana Castillo Deball, Gabriela Aguileta und Paläontologe Florian Witzmann in Englischer Sprache und Liveperformance von Coco Maria von 21.30 bis 23 Uhr

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Pleasures of Association, and Poissons, such as Love­­­‑

6th October – 4th November 2017

An exhibition from Mariana Castillo Deball in the framework of UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Opening 5^th October 2017 at 6pm and a visit of ‘Forbidden Symmetries’ by Mariana Castillo Deball at Rathhausvorplatz at 7pm and live performance by Dubben Dig

Within the framework of the UP series (Unsustainable Privileges), the artist Mariana Castillo Deball, in the exhibition Pleasures of Association, and Poissons, such as Love, creates a spiral installation of a genealogical tree which illustrates the development of the vertebrate – from fish to bird – which occurred over a period of 200 million years. An inconceivable period becomes tangible.

We humans have the privilege to unpick evolutionary processes, to be able to associate, give order to and shape them. On the other hand, the evolutionary process stems back to a time long preceding human existence.

The starting point for the artist’s work is her enthusiasm for fossils and their association with lithography as well as the change in evolutionary research during technical development. Mariana Castillo Deball’s »Pleasures of Association, and Poissons, such as Love« thematizes the rivalry between different techniques for creating scientific »facts«, each showing a different view of Evolution.

In her artistic practice, Deball works closely with scientists of archeology, paleontology, ethnography and history. She is concerned with the recontextualization of historical documents, artifacts and, as in this case, sedimented bodies and fossils. Abrasions with ink on paper from fossil specimens of the evolutionary process of the vertebrate are suspended from a space-enveloping bamboo tree structure inside Galerie Wedding. Through the natural form of the spiral, a time is specified: the oldest fossils hang lower, while those temporally nearer to humans, hang higher. While the temporal order is present, it is the visual impression that is brought to the fore.

In Addition, we have the honor of launching a public work by Mariana Castillo Deball at Rathausvorplatz, »Forbidden Symmetries«, 2016. It is part of the new local paving, and consists of special paving Stones which are placed in a circular pattern growing from the middle. A Penrose Parquet pattern, with tiles showing the artists’ organic engravings. “Forbidden Symmetries” discards the functional paving pattern and creates a deviation, a fake archeology or potential discovery for everyone, who passes by. This work has been funded by Senatsverwaltung für Stadtentwicklung und Wohnen and is the winner of an art competition.

 Further Events:

On 19^th October at 5pm, an exhibition tour will take place with artist Mariana Castillo Deball and curator Solvej Helweg Ovensen.

On 27^th October at 8pm there will be a talk with Mariana Castillo Deball, Gabriela Aguileta and Pantheologen Florian Witzmann, finishing with a sound performance from Coco Maria from 8.930pm until 11pm

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

Im Rahmen der Ausstellung

Pleasures of Association, and Poissons, such as Love–
Laufzeit 6. Oktober bis 4. November 2017

Eine Ausstellung von Mariana Castillo Deball im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Mariana Castillo Deball schuf eigens für die Galerie Wedding eine Installation mit dem Titel Pleasures of Association, and Poissons, such as Love‑, in der sie die biologische und paläontologische Sichtweise auf die evolutionäre Entwicklung des Wirbeltieres vom Fisch zum Vogel verhandelt und schließlich ihre eigene Methode der Darstellung findet. In dem Gespräch zwischen Mariana Castillo Deball und Gabriela Aguileta wird es um gegenwärtige Ansätze des Verstehens und der Repräsentation der zeitlichen Evolution von Organismen gehen. Im Fokus stehen Verfahren, welche auf grafischen Methoden basieren und darauf abzielen, die Komplexität der zugrundeliegenden Evolution biologischer Moleküle darzustellen. Darüber hinaus wird sich die Diskussion um die Schwierigkeit drehen, morphologische und fossile Daten in molekulare Informationen zu integrieren. Das Gespräch wird in Englisch stattfinden.

Begleitet wird der Abend von einem Liveset von Coco Maria. Aus dem Norden Mexikos und bringt sie klassische und funkige Platten aus Kolumbien, Brasilien und Peru nach Berlin. Ein Mix aus Boogie, Funk und Cumbia und ihrer grenzenlosen Energie wird die Räume der Galerie Wedding füllen. Sie gehört zum Kreyol Collective und hat eine monatliche Radiosendung mit dem Titel „Ich träume von Piranhas“ im Cashmere Radio.

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On October 26th at 7pm a conversation between artist Mariana Castillo Deball and evolutionary biologist Gabriela Aguileta takes place in English rounded off by a live set by Coco Maria

Within the frame of

Pleasures of Association, and Poissons, such as Love–  

6th October  until 4th November

An exhibition by Mariana Castillo Deball within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Mariana Castillo Deball created the installation titled Pleasures of Association, and Poissons, such as Love‑ especially for Galerie Wedding. Finding her own method of representation she is negotiating the biological und paläontological perspective on the evolutionary process of the vertebrates from fish to bird. Gabriela Aguileta will be talking with Mariana Castillo about current approaches to understanding and representing the evolution of organisms through time based on graphic methods that aim to capture the complexity of the underlying evolution of biological molecules. The discussion will also revolve around the difficulty of incorporating and reconciling morphological and fossil data with molecular information. The conversation will take place in English.

Coco Maria is a DJ from the north of Mexico and is shaking down the Berlin scene with her classy and funky record collection mainly from Colombia, Brazil and Peru. Her upbeat selection of boogie, funk and cumbia mixed with her unconditioned energy behind the decks will fill the space at Galerie Wedding. She is part of the Kreyol Collective and Cashmere Radio, where she hosts a monthly radio show called „I dream of Piranhas“.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

Im Rahmen der Ausstellung Pleasures of Association, and Poissons, such as Love–
Laufzeit 6. Oktober bis 4. November 2017

Eine Ausstellung von Mariana Castillo Deball im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Die Auseinandersetzung mit evolutionären Entwicklungen in Relation zur menschlichen Erfahrbarkeit ist ein wiederkehrendes Motiv in der künstlerischen Arbeit Mariana Castillo Deballs. Die Annäherung an Evolutionsprozesse geschieht dabei aus vielerlei wissenschaftlicher und praktischer Richtungen: die der Archäologie, Paläontologie, Ethnografie und Geschichte. Was prägt unser Verständnis von Zeit und unseren Blick auf die Entstehungsgeschichte?

Der Rundgang durch die Ausstellung lädt ein, gemeinsam mit der Künstlerin und der Kuratorin den Entwicklungsprozess vom Fisch zum Vogel zu erkunden, der durch die Installation ‚Pleasures of Association, and Poissons, such as Love‘ in den Räumen der Galerie Wedding erfahrbar ist. Diese begehbare Darstellung eines Zeitraumes von über 200 Millionen Jahren fragt nach den hinterlassenen Spuren eines Prozesses jenseits der Menschheitsgeschichte und der Einordnung ihrer Bedeutung.

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On October 19th at 5pm artist Mariana Castillo Deball and curator Solvej Helweg Ovesen give a tour through the exhibition Pleasures of Association, and Poissons, such as Love–. The exhibition is staged within the frame of UP (Unsustainable Privileges) and curated by Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung.

The examination of evolutionary processes in relation to human understanding is a reoccurring theme in Mariana Castillo Deball’s artistic practice. The artist’s approach incorporates several scientific perspectives such as the archeological, paleontological, ethnographic and historical. What shapes our understanding of time and our perspective on the development of species?

The tour through the exhibition invites you to explore together with the artist and the curator the development from fish to bird that is presented within the installation of ‚Pleasures of Association, and Poissons, such as Love‘ at Galerie Wedding. Thee experience of a timeframe expanding over 200 Million years questions the traces of a process that has happened long before human existence and the classification of its meaning.

Weitere Begleitveranstaltungen/Further Events:

Eine Konversation am 26.10.2017 zwischen der Künstlerin Mariana Castillo Deball und Evolutionsbiologin Gabriela Aguileta in Englischer Sprache um 20 Uhr und Liveperformance von Coco Maria von 21.30 bis 23 Uhr /

A conversation between Artist Mariana Castillo Deball and evolutionary biologist Gabriela Aguileta in English takes place on October 26th at 8pm followed by a live performence by Coco Maria from 9.30pm until 11pm

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

27. August bis 23. September 2017

Eine Ausstellung von Surya Gied im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 26. August um 19 Uhr mit Performance des Geigers Ali Moraly um 20:30 Uhr

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
Looking into the Distance Becomes Difficult_deutsch
Looking into the Distance Becomes Difficult_englisch

Im Rahmen der Ausstellungsreihe UP (Unsustainable Privileges) widmet sich die Ausstellung Looking Into The Distance Becomes Difficult der Malerin Surya Gied den Narrativen der  sogenannten »privilegierten Medien«. Die Berichterstattung des westlichen Europas ruft bei immer mehr Zuschauenden eine immer größer werdende Distanz zu den aktuellen Weltgeschehnissen hervor , seien diese die Situation von Geflüchteten, der Anschlag in Manchester oder eine Anti-Trump-Demonstration.

Ausgangspunkt für die Arbeiten der Künstlerin ist die »Hypervisibilität« und Allgegenwärtigkeit  von Krisensituationen in den Massenmedien.Surya Gieds Serie »Looking into the Distance Becomes Difficult« zeugt von der eingängigen Beschäftigung mit der Frage, wie man diese Realitäten thematisieren kann, ohne die Gewalt der zirkulierenden Bilder zu reproduzieren und die betroffenen Menschen damit zu verdinglichen. Wie lässt sich angesichts solch fataler Momente eine Bildsprache finden, ohne die Würde der Beteiligten zu verletzen?

Gieds Auseinandersetzung mit fotojournalistischem Material aus dem Internet, das zumeist ein direktes oder indirektes Zeugnis von Menschen auf der Flucht vor Krieg, Verfolgung, Folter, Vergewaltigung und Hoffnungslosigkeit ablegt, führt sie zu einer eigenen Sprache der Fragmentierung und Abstraktion. , Der Künstlerin geht es darum, das zu enthüllen, was sich hinter dem Bild versteckt; das hervorzuheben, was in dem Dazwischen existiert: die zwischenräumliche Fragmente. In der Fragmentierung und Abstraktion erforscht sie die Räume zwischen Formen, Farben, Ideen, Beziehungen, Ideologien, Politik, Geografien und Geschichte(n). Sie gelangt dadurch zu einem universelleren, aber nicht universalisierenden Verständnis von tiefen und fundmentalen Emotionen, die in den von ihr als Ausgangspunkt verwendeten Bildern enthalten sind.

Sonderöffnungszeiten
An den Sonntagen, 27.08., 10.09 und 17.09.2017 ist die Ausstellung von 12- 19 Uhr geöffnet

Begleitveranstaltungen während der KGB-Kunstwoche:

Nothing Ever Comes Together –  ein performatives Gespräch mit Choonok Gied-Lee, Surya Gied und Toby Ashraf über neue Heimaten, Anwerbeabkommen und koreanische Töchter am 09.09.2017 um 18 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Künstlerin Surya Gied und Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung am 14.09.2017 um 17 Uhr

Ton / Schritt / Wedding – Akustische Entdeckungen der architektonischen Landschaft um den Leopoldplatz – ein Soundwalk mit Surya Gied und Tobias Purfürst am 16.09.2017 um 15 Uhr

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

Im Rahmen der Ausstellung

Looking into the Distance Becomes Difficult
Laufzeit 27. August bis 23. September 2017

Eine Ausstellung von Surya Gied im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Surya Gieds Ausstellung »Looking Into The Distance Becomes Difficult« der Malerin Surya Gied den Narrativen der sogenannten »privilegierten Medien«. Die Berichterstattung des westlichen Europas ruft bei immer mehr Zuschauenden eine immer größer werdende Distanz zu den aktuellen Weltgeschehnissen hervor, seien diese die Situation von Geflüchteten, der Anschlag in Manchester oder eine Anti-Trump-Demonstration.

Weitere Begleitveranstaltungen während der KGB-Kunstwoche:
Ton / Schritt / Wedding – Akustische Entdeckungen der architektonischen Landschaft um den Leopoldplatz – ein Soundwalk mit Surya Gied und Tobias Purfürst am 16.09.2017 um 15 Uhr

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

27. August bis 23. September 2017

Eine Ausstellung von Surya Gied im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 26. August um 19 Uhr mit Performance des Geigers Ali Moraly um 20:30 Uhr

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
Looking into the Distance Becomes Difficult_deutsch
Looking into the Distance Becomes Difficult_englisch

Im Rahmen der Ausstellungsreihe UP (Unsustainable Privileges) widmet sich die Ausstellung Looking Into The Distance Becomes Difficult der Malerin Surya Gied den Narrativen der  sogenannten »privilegierten Medien«. Die Berichterstattung des westlichen Europas ruft bei immer mehr Zuschauenden eine immer größer werdende Distanz zu den aktuellen Weltgeschehnissen hervor , seien diese die Situation von Geflüchteten, der Anschlag in Manchester oder eine Anti-Trump-Demonstration.

Ausgangspunkt für die Arbeiten der Künstlerin ist die »Hypervisibilität« und Allgegenwärtigkeit  von Krisensituationen in den Massenmedien.Surya Gieds Serie »Looking into the Distance Becomes Difficult« zeugt von der eingängigen Beschäftigung mit der Frage, wie man diese Realitäten thematisieren kann, ohne die Gewalt der zirkulierenden Bilder zu reproduzieren und die betroffenen Menschen damit zu verdinglichen. Wie lässt sich angesichts solch fataler Momente eine Bildsprache finden, ohne die Würde der Beteiligten zu verletzen?

Gieds Auseinandersetzung mit fotojournalistischem Material aus dem Internet, das zumeist ein direktes oder indirektes Zeugnis von Menschen auf der Flucht vor Krieg, Verfolgung, Folter, Vergewaltigung und Hoffnungslosigkeit ablegt, führt sie zu einer eigenen Sprache der Fragmentierung und Abstraktion. , Der Künstlerin geht es darum, das zu enthüllen, was sich hinter dem Bild versteckt; das hervorzuheben, was in dem Dazwischen existiert: die zwischenräumliche Fragmente. In der Fragmentierung und Abstraktion erforscht sie die Räume zwischen Formen, Farben, Ideen, Beziehungen, Ideologien, Politik, Geografien und Geschichte(n). Sie gelangt dadurch zu einem universelleren, aber nicht universalisierenden Verständnis von tiefen und fundmentalen Emotionen, die in den von ihr als Ausgangspunkt verwendeten Bildern enthalten sind.

Über den „dokumenta 14“-Violinisten Ali Moraly

auf deutschlandfunk:
http://www.deutschlandfunk.de/documenta-echo-ali-moraly-ross-birrell-der-klang-des-boesen.3259.de.html?dram%3Aarticle_id=388643

und in der ARD-Mediathek:
http://www.ardmediathek.de/radio/Cluster-Das-Musikmagazin/Der-Geiger-Ali-Moraly-Von-Damaskus-nach/SWR2/Audio-Podcast?bcastId=12855006&documentId=35068574

Sonderöffnungszeiten
An den Sonntagen, 27.08., 10.09 und 17.09.2017 ist die Ausstellung von 12- 19 Uhr geöffnet

Begleitveranstaltungen während der KGB-Kunstwoche:

Nothing Ever Comes Together –  ein performatives Gespräch mit Choonok Gied-Lee, Surya Gied und Toby Ashraf über neue Heimaten, Anwerbeabkommen und koreanische Töchter am 09.09.2017 um 18 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Künstlerin Surya Gied und Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung am 14.09.2017 um 17 Uhr

Ton / Schritt / Wedding – Akustische Entdeckungen der architektonischen Landschaft um den Leopoldplatz – ein Soundwalk mit Surya Gied und Tobias Purfürst am 16.09.2017 um 15 Uhr

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

Within the context of the exhibition BARE LIVES by Mario Rizzi within the frame of UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung (28. April – 10. Juni 2017)

Please note the talk will be held in English / Das Gespräch wird in englischer Sprache stattfinden. Für den deutschsprachigen Einladungstext bitte nach unten scrollen.

During this artist talk and book presentation on the exhibition BARE LIVES by Mario Rizzi, we will be discussing hidden stories and consequences of the so-called ‘Arab Spring’ and how they entangled individual political lives and wider geopolitics of the region. What does it mean to be an activist woman and single mother, whose story has been written out of the official narrative of the Tunisian revolution? With reference to the exhibition and book BARE LIVES (2017), we will also discuss the role of women in conflict, as refugees, and as activists and artists more generally. How does one approach the histories and presences of the Yazidi women portrayed by Mario Rizzi? What role do women play in the organization of the everyday in states of exception and camps? How do we reflect our privileges to have a place to work, to live – an everyday? How does one depict the conflicting and unsustainable privileges of refugees in permanent camps vs. sedentary urban dwellers in a city like Berlin? In what ways do poetry and art relate to social change or to mobilising solidarity among the excluded, migrants, or exiled? We welcome you all to a discussion including artistic, anthropological, and activist perspectives from Syria, the Arab diaspora, and Germany. The panelists will be discussing the ongoing exhibition BARE LIVES but also draw on content from the newly released book by the same title, which accompanies the exhibition and contains contributions by Ramy Al Asheq, Charlotte Bank, Tania Canas, Hamid Dabashi, Pia Lauro, Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, Solvej Helweg Ovesen, and Jonas Tinius. The book is published in collaboration with Archive Books.

www.archivebooks.org

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BARE LIVES artist talk und Buchpräsentation mit Mario Rizzi, Solvej Helweg Ovesen, Charlotte Bank, Souad Abbas und Jonas Tinius am 1.6.2017 um 16:00 Uhr

Im Kontext der Ausstellung BARE LIVES von Mario Rizzi im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Bei dem Künstlergespräch und der Buchpräsentation zur Ausstellung BARE LIVES von Mario Rizzi diskutieren wir versteckte Geschichten und Konsequenzen des sogenannten Arabischen Frühlings. Wir sprechen darüber, wie dieser sich auf das Leben einzelner Personen sowie auf die breitere geopolitische Situation der Region ausgewirkt hat. Was heißt es, eine weibliche Aktivistin und alleinerziehende Mutter zu sein, deren Geschichte aus den offiziellen Narrativen der Tunesischen Revolution herausgeschrieben wurde? Mit Bezug auf die Ausstellung und das dazu erschienene Buch BARE LIVES (2017) werden wir ebenfalls die Rolle von Frauen in Konfliktsituationen, als Geflüchtete, als Aktivistinnen und Künstlerinnen diskutieren. Wie geht man mit den Geschichten und der Gegenwart von Yazidi Frauen um, die von Mario Rizzi portraitiert wurden? Welche Rolle spielen Frauen in der Organisation des Alltäglichen in Ausnahmezuständen und Lagern? Wie reflektieren wir unsere Privilegien, einen festen Ort zum Arbeiten, Leben – einen Alltag – zu haben? In welcher Beziehung stehen Kunst und Poesie zum sozialen Wandel oder zur Mobilisierung von Solidarität unter den Ausgegrenzten, den Migrant*innen, den im Exil Lebenden? Wir laden Sie alle herzlich zu einer Diskussion ein, in der künstlerische, anthropologische und aktivistische Perspektiven aus Syrien, der Arabischen Diaspora und Deutschland zu Wort kommen werden. Die eingeladenen Gäste werden die andauernde Ausstellung BARE LIVES besprechen, aber sich auch auf das neu herausgekommene Buch mit demselben Titel beziehen, welches in Kollaboration mit Archive Books zur Ausstellung erschienen ist und Beiträge enthält von Ramy Al Asheq, Charlotte Bank, Tania Canas, Hamid Dabashi, Pia Lauro, Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, Solvej Helweg Ovesen und Jonas Tinius.

www.archivebooks.org

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Im Kontext der Ausstellung BARE LIVES von Mario Rizzi, kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) laden wir Sie herzlich ein zu einem Live-Konzert der syrischen Tarab-Band MUSIQANA aus Berlin.

Am Samstag, den 29. April um 17 Uhr im Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin)

*Der Eintritt ist frei* (Spenden willkommen, wir bitten um frühes Kommen wegen begrenzter Raumkapazität)

Vor dem Konzert wird in der Galerie Wedding um 15 Uhr eine Führung durch Mario Rizzis Ausstellung BARE LIVES angeboten, in deren Anschluss die Gruppe geschlossen zum Konzert im Silent Green Kulturquartier gehen wird.

MUSIQANA – Syrische Tarab-Musik aus Berlin

Abdallah Rahhal, Syrien Gesang
Alaa Zaitouna, Syrien Oud
Amjad Adam Oudeh, Syrien E-Bass
Adel Sabawi, Syrien E-Gitarre
Serdar Saydan, Deutschland Riq, Darbuka, Bendir
Markus Vassiliou, Lebanon Schlagzeug

MUSIQANA ist eine syrische Tarab-Band aus Berlin. Sie bringt die Atmosphäre und Musik von Syrien vor dem Krieg mit in den Konzertraum. Tarab bedeutet ›Euphorie‹ und sowie der Name schon besagt, möchten die Musiker durch ihre hochpoetischen Texte sowie Melodien das Publikum in eine musikalische Euphorie versetzen. 

MUSIQANA wird von der internationalen Presse als Symbol der integrativen Kraft der Musik in Deutschland gefeiert (New York Times, Associated Press, USA Today…).
Syrische Sänger Abdallah Rahhal, syrischer Oud Spieler Alaa Zaitouna und die schottische Kulturmanagerin Rachel Clarke gründeten die Band im Januar 2015 zusammen. 30 Konzerte in 2016 gipfelten in einem Konzert an der Berliner Philharmonie und in der Veröffentlichung ihrer ersten CD El Helwa Di – Das Schöne Wesen. Mit dem Perkussionisten Serdar Saydan und Schlagzeuger Markus Vassiliou sind z.B. Musiker aus aller Welt dazu gekommen, die ihre Liebe zur Tarab Musik teilen.

www.musiqana.eu / musiqana@gmail.com

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Within the context of the exhibition BARE LIVES by Mario Rizzi within the frame of UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, we cordially invite you to a live concert by the  Syrian Tarab-Ensemble MUSIQANA from Berlin.

Om Saturday, April 29, 5 pm at Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin)

*Free entrance* (donations welcome, please come early, the capacity of the room is limited)

Please note: before the concert there will be a tour of the exhibition BARE LIVES by Mario Rizzi taking place at Galerie Wedding at 3 p.m., followed by a walk to Silent Green Kulturquartier.

MUSIQANA – Syrian Tarab Music from Berlin

Abdallah Rahhal Voice
Alaa Zaitouna Oud
Adel Sabawi  Electric Guitar
Amjad Adam Oudeh Electric Bass
Serdar Saydan Riq, Darbuka, Bendir
Markus Vasiliou Drums

MUSIQANA is a Syrian Tarab-Ensemble from Berlin. The band brings the atmosphere and music of their home country Syria – from before the war – to the concert space. Tarab means euphoria and as the name suggests, the musicians want to transport the audience through their highly poetic lyrics and beauty of their melodies into a state of musical euphoria. The singer and the musicians evoke this in their performance.

MUSIQANA are celebrated by the International Press als a symbol of the integrative power of music in Germany (New York Times, Associated Press, USA Today…).
The Syrian singer, Abdallah Rahhal, Syrian Oud player Alaa Zaitouna and Scottish arts manager Rachel Clarke founded the band together in January 2016. 30 concerts in 2016 culminated in a lunchtime concert at the Berlin Philharmonie in December and the release of their first CD El Helwa Di – The Beautiful One.

Now very much at home in the Berlin music scene, they have been joined by Berliner percussionist Serdar Saydan and Lebanese-Greek drummer Markus Vassiliou, who both share the band’s love of Tarab music

www.musiqana.de / musiqana@gmail.com

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien. Das Ausstellungsprogramm UP wird durch die Unterstützung des Bezirksamtes Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur, Fachbereich Kunst und Kultur ermöglicht.

An exhibition by Mario Rizzi within the frame of UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Save the date!
Opening 27. April, 7 p.m. Tour of the exhibition with Solvej Helweg Ovesen und Mario Rizzi

8 p.m. Arabic poetry reading with Syrian-born Palestinian poet Ramy Al Asheq (Editor in Chief of Abwab newspaper)
Afterwards DJ Set by KHMGNFF (Sub Saharan | Jazz | World Music)

The curatorial text by Solvej Helweg Ovesen for download: Giving shape to Life Society and Oneself….

(Für die deutsche Version bitte nach unten scrollen)

Within the frame of this year’s exhibition program UP (Unsustainable Privileges) the exhibition BARE LIVES focuses on the Arab uprisings and on how they have radically altered the geopolitics of the region.
However the Italian-born Berlin-based artist and filmmaker Mario Rizzi chooses a personal and privileged viewpoint: the role of the woman in the family and the changing Islamic society. Women have been taking part at the forefront of the region’s revolutions since the early days of the so-called Arab Spring. Rizzi’s works opt for the generally disregarded impact on the bare life of unknown people in this context.

Together with the films »Kauther« (2014)  and »Al Intithar« (Das Warten) (2013), the exhibition presents the series of photographic portraits »August 3rd« (2016) and the 80-image slideshow »Bare Lives« (2017). These images raise questions about the reception of refugees in western societies like Berlin and remind of our communal responsibilities towards those in need of a new normality and against media-instigated fears or spectacle. Rizzi’s intimate approach to the theme of bare life suggests that art can create social change through means of poetry and instate human values.

Mario Rizzi has often worked with individuals living on the edge of society, excluded by the law and from protection by the state. Over the last 25 years, he has developed a practice of interacting with internally displaced people, refugees, and activists living in places where the state of exception has become normality. He has spent many years working in refugee camps (Bosnia, Palestine, Jordan, Iraqi Kurdistan, the Netherlands, Italy, and Greece).

»Bare life« as a concept (conceived by Giorgio Agamben in his book »Homo Sacer« from 1995) refers to a body, a human being, who exists outside of politics and the law, outside protection, who can be killed by anyone without legal repercussions. »Bare life« is a life not politically defined as life outside any nation state. The term describes a form of existence, one that Rizzi attempts to approach and reflect about with his films and photographs.

In his photographic series »August 3rd« shot in a Yazidi camp for internally displaced people in Iraqi Kurdistan, the date »3/8/2014« is graffitied on many tents. On August 3rd 2014, Daesh, the Islamic State, started the genocide of the Yazidi minority in the town of Sinjar in Iraqi Kurdistan, with the massacre of men and ongoing enslavement and systematic abduction and abuse of women and children. Daesh justified the killing, occupation, kidnapping, the trading and mass rape of women and girls of the Yazidi minority because they are not Muslim. Rizzi’s intimate portraits of Yazidi women, with their straight looks into the camera, interrogate us, our silences, our hurried judgments, our preconceptions. While the massacre is still happening, other thousands of Yazidis live in camps in Iraqi Kurdistan and Jordan, but also in Greece and Germany.

The slideshow »Bare Lives« consists of 80 photographs shot in two different geographical areas and human conditions: the improvised camps which were unofficially forming throughout 2016 in Idomeni at the border between Greece and Macedonia, and the long-standing state-established camps for Yazidi IDP (internally displaced people) in Iraqi Kurdistan. All images depict a life of impermanence and uncertainty. But emotions are very different in the two camps. In Idomeni people seem hopeful and they look forward to a new chance in their life. They expect the border to open so that they can continue their way towards the wealthier European countries. The border never opened and, in the end, they were placed in different camps throughout Greece. In the Yazidi IDP camp in Iraqi Kurdistan people do not feel safe nor hopeful. People have lost everything, not only their homes and families, some of the women are still in the hands of Daesh.

Mario Rizzi’s 30-minute film »Al Intithar« (The Waiting), which is also presented in the exhibition, premiered at Berlinale Film Festival 2013. It was shot during the artist’s seven-week stay in Zaatari refugee camp in the Jordanian desert. The film, which presents itself as an excerpt, follows the life of a Syrian woman, Ekhlas, translating the tragic macrocosm of the Syrian war to the intimate microcosm of a relentless woman and her three children.

The film »Kauther«, is a long monologue, in a bare room, over the course of a few days. The protagonist is Kauther Ayari, the first activist to give a passionate voice to Tunis rioters, on Jan 8, 2011, precariously speaking from a window of the Trade Union’s central building. She incited her comrades to stand up for freedom, social justice and democratic change. With absolute openness and unconcealed intimacy, Kauther tells about herself and also addresses the build-up of 2011 and the conditions of being a woman in present day Arab society. The latter she has spent her life challenging.

Accompanying events:

Live Performance by Syrian Tarab-Ensemble MUSIQANA from Berlin on 29.04.2017, 5 p.m., at Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin), free of charge (donations welcome, please come early as the capacity of the room is limited)
Before the concert: tour of the Exhibition at Galerie Wedding at 3 p.m.

Artist talk and presentation of the book BARE LIVES with Mario Rizzi, Solvej Helweg Ovesen, Charlotte Bank  Ramy Al Asheq, Jonas Tinius and other participants on 01.06.2017, 5 p.m.

With friendly support by the Senate Department for Culture and Europe, by the Spartenübergreifende Förderung and the Exhibition Fund for Municipal Galleries

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BARE LIVES
28. April bis 10. Juni 2017

Eine Ausstellung von Mario Rizzi im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Save the Date!
Eröffnung am 27. April 19 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Solvej Helweg Ovesen und Mario Rizzi um 19 Uhr
Arabische Dichterlesung mit dem in Syrien geborenen palästinensischen Poeten Ramy Al Asheq um 20 Uhr 
DJ-Set von KHMGNFF (Sub Saharan | Jazz | World Music) anschließend

Der kuratorische Text von Solvej Helweg Ovesen steht hier als Pdf zum Download zur Verfügung:
Dem Leben der Gesellschaft und dem eigenen Ich eine Form geben…

Im Rahmen der Ausstellungsreihe UP (Unsustainable Privileges) setzt die Ausstellung BARE LIVES ihren Fokus auf die arabischen Aufstände und wie diese die Geopolitik dieser Region radikal verändert haben. Der in Italien geborene und in Berlin lebende Künstler und Filmemacher Mario Rizzi wählt einen persönlichen und individuellen Standpunkt: Er ruft die Rolle der Frauen innerhalb der Familie und einer sich wandelnden islamischen Gesellschaft ins Bewusstsein, sowie die Tatsache, dass Frauen in den frühen Tagen des sogenannten Arabischen Frühlings an der Spitze der Revolutionen standen.
Die Ausstellung präsentiert die Filme »Kauther« (2014) und »Al Intithar« (Das Warten) (2013) sowie die Fotoserie »August 3rd« (2016) und die aus 80 Bildern bestehende Slideshow »Bare Lives« (2017). Die Bilder werfen Fragen auf bezüglich der Wahrnehmung von geflüchteten Menschen in westlichen Gesellschaften und der damit zusammenhängenden medial gesteuerten Paranoia. Gleichzeitig erinnern sie an unsere gemeinsame Verantwortung gegenüber jenen Menschen, die nicht das Privileg besitzen, eigene Alltagsstrukturen zu haben.

Mario Rizzis Arbeiten zeigen, wie sich die Bedingungen in den Geflüchtetenlagern auf das »bare life«, das nackte Leben der Menschen, auswirken. Damit stellt er die Verbindung her zu Giorgio Agambens Konzept von »bare life« in dessen Buch »Homo sacer« (1995), welches sich auf ein menschliches Wesen bezieht, das abseits von Politik und Gesetz existiert. Eine Person genießt keinen Schutz und könnte von jedem ohne Konsequenzen getötet werden. Der Begriff beschreibt eine Art von Existenz, über die Mario Rizzi mit seinen Filmen und Fotografien reflekiert. Rizzis intime Herangehensweise an dieses Thema versucht mit Hilfe von Kunst als einem Mittel der Poesie und Menschlichkeit, einen sozialen Wandel herbeizuführen.

Rizzi hat bereits mit vielen Menschen zusammengearbeitet, die am Rande der Gesellschaft stehen und vom Schutz durch den Staat und das Gesetz ausgeschlossen sind. Während der letzten 25 Jahre interagierte er mit internen Vertriebenen sowie Geflüchteten und Aktivist*innen, die in Orten leben, in denen der Ausnahmezustand zur Normalität geworden ist. Er hat mehrere Jahre in Geflüchtetencamps in Bosnien, Palästina, Jordanien, Irak, in Kurdistan, Finnland, den Niederlanden, Italien und Griechenland verbracht und dort gearbeitet. Die acht Bilder aus der Fotoserie »August 3rd« porträtieren jesidische Frauen in einem Camp in der Autonomen Region Kurdistan in Irak. Der Titel der Fotoreihe geht auf den 3. August 2014 zurück, an dem der Islamische Staat in Sinjar, Irak, mit dem Massenmord der Jesiden-Minderheit begann, gefolgt von Versklavung und systematischem Missbrauch von Frauen und Kindern. Der Islamische Staat rechtfertigte die Taten damit, dass die Jesiden-Minderheit nicht muslimisch ist.

Die Slideshow »Bare Lives« zeigt in 80 Fotografien das »camp life« in mehreren Geflüchtetenlagern. Bilder zum einen aus den improvisierten Camps, die 2016 inoffiziell in Idomeni, an der Grenze zwischen Griechenland und Mazedonien, errichtet wurden, und in denen Menschen unter prekären Bedingungen leben. Zum anderen aus den Camps, die offiziell vom Staat für intern vertriebene Menschen eingerichtet wurden. Gemeinsam ist den porträtierten Menschen die Hoffnung darauf, dass die Grenze bald geöffnet wird und sie ihre Reise in wohlhabendere europäische Länder, nach Deutschland oder Schweden, fortsetzen können. Um dann nicht weiter zu kommen als in über ganz Griechenland verteilte offizielle Camps.

Mario Rizzis 30-minütiger Film »Al Intithar« (Das Warten), der im Februar 2013 erstmals im Wettbewerb der Berliner Filmfestspiele gezeigt wurde, wurde während seines siebenwöchigen Aufenthalts im syrischen Geflüchtetenlager Zaatari in der jordanischen Wüste aufgenommen. Rizzi dokumentiert darin aus der Perspektive einer syrischen Frau namens Ekhlas und ihrer Familie die Schaffung einer Alltagsstruktur in dem – für inzwischen Hunderttausende von Geflüchteten – anhaltenden Warte- und Ausnahmezustand.

Neben »Al Intithar« wird Rizzis in Tunesien gedrehter Film »Kauther« gezeigt, der die Geschichte von Kauther Ayari erzählt, der ersten – heute fast vergessenen– Aktivistin, die 2011 in Tunis am zentralen Muhammad-Ali-Platz die Stimme erhob und den damaligen Präsidenten Ben Ali anklagte, der sechs Tage später angesichts der öffentlichen Proteste sein Amt abgab und das Land verließ.

Begleitveranstaltungen:

Am Samstag, den 29. April Live-Performance der syrischen Tarab-Band MUSIQANA aus Berlin um 17 Uhr im Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin), Eintritt frei, Spenden willkommen
Für Konzertteilnehmer*innen vorher Rundgang durch die Ausstellung um 15 Uhr in der Galerie Wedding

Donnerstag, den 1. Juni, 17 Uhr Künstlergespräch und Präsentation des Buches BARE LIVES mit Mario Rizzi und Solvej Helweg Ovesen, Charlotte Bank, Ramy Al Asheq, Jonas Tinius und weiteren Gesprächsteilnehmer*innen

Die diesjährige Ausstellungsreihe UP – Unsustainable Privileges 2017 in der Galerie Wedding widmet sich mit vier Einzelausstellungen und einem Performance- und Diskussionsprogramm weiter dem Thema Migration, aber auch den Möglichkeiten, wie unsere Privilegien in Nordeuropa anders zu verteilen wären. Den Anfang machte der deutsch-türkische Künstler Viron Erol Vert, dessen Anordnung aus zwölf Betten die Galerie in eine Art Schlaflabor transformierte – in einen geschützten, demokratischen Raum zum träumen. Nach Mario Rizzi wird die Ausstellungsreihe mit einer Ausstellung von Künstlerin Surya Gied fortgesetzt, die sich den Narrationen der »privilegierten Medien« widmet, die bei Zuschauenden im Westen eine immer größer werdende Distanz zu den derzeitigen Weltgeschehnissen schaffen und besonders die Situationen von Geflüchteten verallgemeinern. In der vierten Einzelausstellung des Programms wird sich die aus Mexiko stammende Künstlerin Mariana Castillo Deball mit der brisanten Frage auseinandersetzen, wer in der museologischen Forschung das Privileg des Zugangs zu archäologischen Objekten besitzt.

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Eine Ausstellung von Mario Rizzi im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

An exhibition by Mario Rizzi within the frame of UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Save the date!
Opening 27. April, 7 p.m.
Tour of the exhibition with Solvej Helweg Ovesen und Mario Rizzi at 7 p.m.
Arabic poetry reading with Syrian-born Palestinian poet Ramy Al Asheq at 8 p.m. 
DJ Set by KHMGNFF (Sub-Saharan | Jazz | World Music) afterwards

Accompanying events:

Live Performance by Syrian Tarab-Ensemble MUSIQANA from Berlin on 29.04.2017, 5 p.m., at Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin), free of charge (donations welcome, please come early, the capacity of the room is limited)
Before the concert: tour of the Exhibition at Galerie Wedding at 3 p.m.

Artist talk and presentation of the book BARE LIVES with Mario Rizzi, Solvej Helweg Ovesen, Charlotte Bank, Ramy Al Asheq, Jonas Tinius and other participants on 01.06.2017, 5 p.m.

The curatorial text by Solvej Helweg Ovesen for download: Giving shape to Life Society and Oneself….

(Für die deutsche Version bitte nach unten scrollen)

Within the frame of this year’s exhibition program UP (Unsustainable Privileges) the exhibition BARE LIVES focuses on the Arab uprisings and on how they have radically altered the geopolitics of the region.
However the Italian-born Berlin-based artist and filmmaker Mario Rizzi chooses a personal and privileged viewpoint: the role of the woman in the family and the changing Islamic society. Women have been taking part at the forefront of the region’s revolutions since the early days of the so-called Arab Spring. Rizzi’s works opt for the generally disregarded impact on the bare life of unknown people in this context.

Together with the films »Kauther« (2014)  and »Al Intithar« (Das Warten) (2013), the exhibition presents the series of photographic portraits »August 3rd« (2016) and the 80-image slideshow »Bare Lives« (2017). These images raise questions about the reception of refugees in western societies like Berlin and remind of our communal responsibilities towards those in need of a new normality and against media-instigated fears or spectacle. Rizzi’s intimate approach to the theme of bare life suggests that art can create social change through means of poetry and instate human values.

Mario Rizzi has often worked with individuals living on the edge of society, excluded by the law and from protection by the state. Over the last 25 years, he has developed a practice of interacting with internally displaced people, refugees, and activists living in places where the state of exception has become normality. He has spent many years working in refugee camps (Bosnia, Palestine, Jordan, Iraqi Kurdistan, the Netherlands, Italy, and Greece).

»Bare life« as a concept (conceived by Giorgio Agamben in his book »Homo Sacer« from 1995) refers to a body, a human being, who exists outside of politics and the law, outside protection, who can be killed by anyone without legal repercussions. »Bare life« is a life not politically defined as life outside any nation state. The term describes a form of existence, one that Rizzi attempts to approach and reflect about with his films and photographs.

In his photographic series »August 3rd« shot in a Yazidi camp for internally displaced people in Iraqi Kurdistan, the date »3/8/2014« is graffitied on many tents. On August 3rd 2014, Daesh, the Islamic State, started the genocide of the Yazidi minority in the town of Sinjar in Iraqi Kurdistan, with the massacre of men and ongoing enslavement and systematic abduction and abuse of women and children. Daesh justified the killing, occupation, kidnapping, the trading and mass rape of women and girls of the Yazidi minority because they are not Muslim. Rizzi’s intimate portraits of Yazidi women, with their straight looks into the camera, interrogate us, our silences, our hurried judgments, our preconceptions. While the massacre is still happening, other thousands of Yazidis live in camps in Iraqi Kurdistan and Jordan, but also in Greece and Germany.

The slideshow »Bare Lives« consists of 80 photographs shot in two different geographical areas and human conditions: the improvised camps which were unofficially forming throughout 2016 in Idomeni at the border between Greece and Macedonia, and the long-standing state-established camps for Yazidi IDP (internally displaced people) in Iraqi Kurdistan. All images depict a life of impermanence and uncertainty. But emotions are very different in the two camps. In Idomeni people seem hopeful and they look forward to a new chance in their life. They expect the border to open so that they can continue their way towards the wealthier European countries. The border never opened and, in the end, they were placed in different camps throughout Greece. In the Yazidi IDP camp in Iraqi Kurdistan people do not feel safe nor hopeful. People have lost everything, not only their homes and families, some of the women are still in the hands of Daesh.

Mario Rizzi’s 30-minute film »Al Intithar« (The Waiting), which is also presented in the exhibition, premiered at Berlinale Film Festival 2013. It was shot during the artist’s seven-week stay in Zaatari refugee camp in the Jordanian desert. The film, which presents itself as an excerpt, follows the life of a Syrian woman, Ekhlas, translating the tragic macrocosm of the Syrian war to the intimate microcosm of a relentless woman and her three children.

The film »Kauther«, is a long monologue, in a bare room, over the course of a few days. The protagonist is Kauther Ayari, the first activist to give a passionate voice to Tunis rioters, on Jan 8, 2011, precariously speaking from a window of the Trade Union’s central building. She incited her comrades to stand up for freedom, social justice and democratic change. With absolute openness and unconcealed intimacy, Kauther tells about herself and also addresses the build-up of 2011 and the conditions of being a woman in present day Arab society. The latter she has spent her life challenging.

With friendly support by the Senate Department for Culture and Europe, by the Spartenübergreifende Förderung and the Exhibition Fund for Municipal Galleries

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BARE LIVES
28. April bis 10. Juni 2017

Eine Ausstellung von Mario Rizzi im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Save the Date!
Eröffnung am 27. April 19 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Solvej Helweg Ovesen und Mario Rizzi um 19 Uhr
Arabische Dichterlesung mit dem in Syrien geborenen palästinensischen Poeten Ramy Al Asheq um 20 Uhr 
DJ-Set von KHMGNFF (Sub Saharan | Jazz | World Music) anschließend

Begleitveranstaltungen:
Am Samstag, den 29. April Live-Performance der syrischen Tarab-Band MUSIQANA aus Berlin um 17 Uhr im Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin), Eintritt frei (Spenden willkommen, wir bitten um frühes Kommen wegen begrenzter Raumkapazität)
Für Konzertteilnehmer*innen vorher Rundgang durch die Ausstellung um 15 Uhr in der Galerie Wedding

Donnerstag, den 1. Juni, 17 Uhr Künstlergespräch und Präsentation des Buches BARE LIVES mit Mario Rizzi und Solvej Helweg Ovesen, Charlotte Bank, Ramy Al Asheq, Jonas Tinius  und weiteren Gesprächsteilnehmer*innen

Der kuratorische Text von Solvej Helweg Ovesen steht hier als Pdf zum Download zur Verfügung:
Dem Leben der Gesellschaft und dem eigenen Ich eine Form geben…

Im Rahmen der Ausstellungsreihe UP (Unsustainable Privileges) setzt die Ausstellung BARE LIVES ihren Fokus auf die arabischen Aufstände und wie diese die Geopolitik dieser Region radikal verändert haben. Der in Italien geborene und in Berlin lebende Künstler und Filmemacher Mario Rizzi wählt einen persönlichen und individuellen Standpunkt: Er ruft die Rolle der Frauen innerhalb der Familie und einer sich wandelnden islamischen Gesellschaft ins Bewusstsein, sowie die Tatsache, dass Frauen in den frühen Tagen des sogenannten Arabischen Frühlings an der Spitze der Revolutionen standen.
Die Ausstellung präsentiert die Filme »Kauther« (2014) und »Al Intithar« (Das Warten) (2013) sowie die Fotoserie »August 3rd« (2016) und die aus 80 Bildern bestehende Slideshow »Bare Lives« (2017). Die Bilder werfen Fragen auf bezüglich der Wahrnehmung von geflüchteten Menschen in westlichen Gesellschaften und der damit zusammenhängenden medial gesteuerten Paranoia. Gleichzeitig erinnern sie an unsere gemeinsame Verantwortung gegenüber jenen Menschen, die nicht das Privileg besitzen, eigene Alltagsstrukturen zu haben.

Mario Rizzis Arbeiten zeigen, wie sich die Bedingungen in den Geflüchtetenlagern auf das »bare life«, das nackte Leben der Menschen, auswirken. Damit stellt er die Verbindung her zu Giorgio Agambens Konzept von »bare life« in dessen Buch »Homo sacer« (1995), welches sich auf ein menschliches Wesen bezieht, das abseits von Politik und Gesetz existiert. Eine Person genießt keinen Schutz und könnte von jedem ohne Konsequenzen getötet werden. Der Begriff beschreibt eine Art von Existenz, über die Mario Rizzi mit seinen Filmen und Fotografien reflekiert. Rizzis intime Herangehensweise an dieses Thema versucht mit Hilfe von Kunst als einem Mittel der Poesie und Menschlichkeit, einen sozialen Wandel herbeizuführen.

Rizzi hat bereits mit vielen Menschen zusammengearbeitet, die am Rande der Gesellschaft stehen und vom Schutz durch den Staat und das Gesetz ausgeschlossen sind. Während der letzten 25 Jahre interagierte er mit internen Vertriebenen sowie Geflüchteten und Aktivist*innen, die in Orten leben, in denen der Ausnahmezustand zur Normalität geworden ist. Er hat mehrere Jahre in Geflüchtetencamps in Bosnien, Palästina, Jordanien, Irak, in Kurdistan, Finnland, den Niederlanden, Italien und Griechenland verbracht und dort gearbeitet. Die acht Bilder aus der Fotoserie »August 3rd« porträtieren jesidische Frauen in einem Camp in der Autonomen Region Kurdistan in Irak. Der Titel der Fotoreihe geht auf den 3. August 2014 zurück, an dem der Islamische Staat in Sinjar, Irak, mit dem Massenmord der Jesiden-Minderheit begann, gefolgt von Versklavung und systematischem Missbrauch von Frauen und Kindern. Der Islamische Staat rechtfertigte die Taten damit, dass die Jesiden-Minderheit nicht muslimisch ist.

Die Slideshow »Bare Lives« zeigt in 80 Fotografien das »camp life« in mehreren Geflüchtetenlagern. Bilder zum einen aus den improvisierten Camps, die 2016 inoffiziell in Idomeni, an der Grenze zwischen Griechenland und Mazedonien, errichtet wurden, und in denen Menschen unter prekären Bedingungen leben. Zum anderen aus den Camps, die offiziell vom Staat für intern vertriebene Menschen eingerichtet wurden. Gemeinsam ist den porträtierten Menschen die Hoffnung darauf, dass die Grenze bald geöffnet wird und sie ihre Reise in wohlhabendere europäische Länder, nach Deutschland oder Schweden, fortsetzen können. Um dann nicht weiter zu kommen als in über ganz Griechenland verteilte offizielle Camps.

Mario Rizzis 30-minütiger Film »Al Intithar« (Das Warten), der im Februar 2013 erstmals im Wettbewerb der Berliner Filmfestspiele gezeigt wurde, wurde während seines siebenwöchigen Aufenthalts im syrischen Geflüchtetenlager Zaatari in der jordanischen Wüste aufgenommen. Rizzi dokumentiert darin aus der Perspektive einer syrischen Frau namens Ekhlas und ihrer Familie die Schaffung einer Alltagsstruktur in dem – für inzwischen Hunderttausende von Geflüchteten – anhaltenden Warte- und Ausnahmezustand.

Neben »Al Intithar« wird Rizzis in Tunesien gedrehter Film »Kauther« gezeigt, der die Geschichte von Kauther Ayari erzählt, der ersten – heute fast vergessenen– Aktivistin, die 2011 in Tunis am zentralen Muhammad-Ali-Platz die Stimme erhob und den damaligen Präsidenten Ben Ali anklagte, der sechs Tage später angesichts der öffentlichen Proteste sein Amt abgab und das Land verließ.

Die diesjährige Ausstellungsreihe UP – Unsustainable Privileges 2017 in der Galerie Wedding widmet sich mit vier Einzelausstellungen und einem Performance- und Diskussionsprogramm weiter dem Thema Migration, aber auch den Möglichkeiten, wie unsere Privilegien in Nordeuropa anders zu verteilen wären. Den Anfang machte der deutsch-türkische Künstler Viron Erol Vert, dessen Anordnung aus zwölf Betten die Galerie in eine Art Schlaflabor transformierte – in einen geschützten, demokratischen Raum zum träumen. Nach Mario Rizzi wird die Ausstellungsreihe mit einer Ausstellung von Künstlerin Surya Gied fortgesetzt, die sich den Narrationen der »privilegierten Medien« widmet, die bei Zuschauenden im Westen eine immer größer werdende Distanz zu den derzeitigen Weltgeschehnissen schaffen und besonders die Situationen von Geflüchteten verallgemeinern. In der vierten Einzelausstellung des Programms wird sich die aus Mexiko stammende Künstlerin Mariana Castillo Deball mit der brisanten Frage auseinandersetzen, wer in der museologischen Forschung das Privileg des Zugangs zu archäologischen Objekten besitzt.

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Eine Ausstellung von Viron Erol Vert im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von
Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence_ deutsch
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence_english

Eröffnung am 09.02. um 19 Uhr
Begrüßung Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Live Performance »Morpheus« von Driftmachine von 20 bis 23 Uhr

Das diesjährige Ausstellungspogramm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding widmet sich mit vier Einzelausstellungen und einem Performance- und Diskussionsprogramm weiter dem Thema Migration, aber auch den Möglichkeiten, wie unsere Privilegien in Nordeuropa anders zu verteilen wären. Den Anfang macht der deutsch-türkische Künstler Viron Erol Vert, der die Galerie in ein »Dreamatory«, eine Art Schlaflabor oder Trauminstitut verwandelt. Das Performanceduo Driftmachine entwirft dafür eigens sphärische Klänge, die auf Schlafgötter wie Morpheus, Phobetor und Phantasos Bezug nehmen.

Viron Erol Vert nutzt diesen Hintergrundsound für seine Ausstellungsanordnung von zwölf verschiedenen Betten mit jeweils passenden Nachttischen und Lampen, die zugeschnitten auf die verschiedenen Komfortbedürfnisse unterschiedlicher Schläfer*innen ist und die Galerie in einen geschützten, demokratischen Raum zum Träumen verwandelt. In diesem künstlich geschaffenen Schlaflabor können Leute zusammenkommen und sich bewusst die Zeit nehmen, ihre Träume aus der letzten Nacht zu erzählen und aufzuschreiben. Sie können sich hier sogar zu einer Siesta hinlegen und sich ausruhen.

Zu bestimmten Terminen werden Traumdeuter*innen eingeladen, die auf Wunsch die Träume der Besucher*innen interpretieren. Täglich wird im »Dreamatory« ein Traum des Tages ausgewählt und veröffentlicht, so dass die Träume Raum im Alltag bekommen. Die Ausstellung verfügt über eine angeschlossene Bibliothek, dem  »Dreamatory Wisdom Center«, dort wird Fachliteratur zum Thema Traum in Wissenschaft und Mythologie angeboten, in die man sich im schummrigen Licht von Leselampen vertiefen kann.

Vert stellt uns das »Dreamatory« in einer Zeit zur Verfügung, in der wir angesichts von Kriegen, von terroristischen Gewaltakten und rechtspopulistischer Hetze durch Angst zum Schweigen gebracht werden und verstummen, in der sowohl die Worte als auch die Räume fehlen, um uns auszudrücken und miteinander zu sprechen. Er bietet somit einen Zufluchtsraum, in dem wir uns für einen Moment der Außenwelt entziehen können, um uns einzulassen auf unsere Träume und Ängste und um unsere Erlebnisse zu verarbeiten.

So wie der Ausstellungstitel einem Gedicht von Viron Erol Vert entstammt, so stellt die Ausstellung eine Transkription seiner Poesie in den Raum dar. Im Kontext des Unterbewusstseins von Schlaf und Traum zielt die Ausstellung darauf ab, Reflexionen und Widerstände aus dem gesellschaftspolitischen Raum zusammenzubringen. Sie schlägt einen Raum vor, in dem eine Gemeinschaft geschaffen wird, in der Nicht-Angst und Nicht-Schweigen erforscht und praktiziert wird. Dabei zieht sie auch die Tatsache in Betracht, dass wir zwar alle die Fähigkeit zum Träumen besitzen, aber dass es auch ein Luxus ist, sich an die eigenen Träume zu erinnern, da durch die Brutalität der Realität unsere Träume zum Schweigen gebracht werden können.

»Dreamatory« Begleitveranstaltungen
Am 16.02.2017 um 19 Uhr: Filmabend Kino Morph mit Yusuf Etiman
Am 03.03.2017 um 19 Uhr: Talk_about_Dreams mit Viron Erol Vert und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, moderiert von Dr. Elena Agudio und Dr. Joerg Fingerhut (AoN_Platform for Art and Neuroscience)
Umrahmt von der Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor« von Driftmachine (Um 18 Uhr und  von 21 Uhr bis 23 Uhr)
Am 23.03.2017 um 17 Uhr: Oneiro Trilogy Live Performance No.3 »Phantasos« von Driftmachine mit Live Drawing Performance von Viron Erol Vert 

Traumdeuterinnen-Sessions Ankündigung der Termine folgt an dieser Stelle, Anmeldung unter post@galeriewedding.de

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Viron Erol Vert
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence
From 10.02.2017 to 08.04.2017

An exhibiton by Viron Erol Vert, curated by Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the frame of UP (Unsustainable Privileges)

Opening on 09.02., at 7 pm
Welcome notes Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Oneiro Trilogy Live Performance No.1 »Morpheus« by Driftmachine from 8 to 11 pm

This year’s UP Wedding Program (Unsustainable Privileges) from Galerie Wedding continues its devotion the subject of migration with four individual exhibitions and a performance & discussion program, as well as exploring the possibilities for how our privileges in Northern Europe could be alternatively distributed. We begin with the German-Turkish artist Viron Erol Vert, who transforms the gallery into a »Dreamatory«, a kind of sleep laboratory (Schlaflabor) or dreamstitute (Traumstitut). The Performance duo Driftmachine creates peculiar ‘spherical’ sounds which reference the gods of Sleep, namely, Morpheus, Phobetor and Phantasos.

Viron Erol Vert utilizes these background sonorities in his exhibition arrangement of twelve different beds, each with matching bedside tables and lamps, tailored to the varying comfort needs of individual sleepers and transforms the gallery into a protected, democratic space for dreaming. In this artificially created sleep lab, people can gather and consciously take the time to share their dreams from the past night, and jot them down. You can even lay down for a siesta and rest here.

On specific dates, dream interpreters are invited to interpret the visitor’s dreams upon request. Each day, a dream of the day is selected and published in the »Dreamatory«, thus the dreams are given space to drift into everyday life. The exhibition features a connected library, the »Dreamatory Wisdom Center«, where specialist literature is offered on the subject of dreams in science and mythology, into which one can delve with its dimly lit reading lamps.

Vert provides us with the »Dreamatory«, at a time when we are silenced in the face of war, acts of terrorism, and right-wing populism, in which both the words, as well as the spaces, are missing for us to express ourselves and communicate with one another. It thus offers a refuge in which we are able to momentarily escape the outside world, to engage with our dreams and fears and process our experiences.

Just as the exhibition title is taken from a poem by Viron Erol Vert, the exhibition presents a transcription of his poetry within the space. In the context of the subconsciousness of sleep and dreams, the exhibition aims to bring together reflections and resistances from the socio-political sphere. It proposes a space in which a community is created where non-angst and non-silence can be explored and practiced. Furthermore, the exhibition brings into consideration the fact that while we all have the ability to dream, it is also a luxury to remember our own dreams, as the brutality of reality can result in the silencing of them.

Accompanying »Dreamatory« events

16.02.2017, 7 pm: Film screening Kino Morph by Yusuf Etiman
03.03.2017, 7pm: Talk_about_Dreams with Viron Erol Vert, Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, presented by Dr. Elena Agudio  and Dr. Joerg Fingerhut (AoN_Platform for Art and Neuroscience) Framed by Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor« by Driftmachine (at 6pm and from 9 to 11 pm)
23.03.2017 Oneiro Trilogy Live Performance No.3 »Phantasos« with Live Drawing Performance by Viron Erol Vert

Oneirocritics sessions Dates tba, registration via post@galeriewedding.de

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Website Viron Erol Vert
www.vironerolvert.com

Driftmachine videos
https://youtu.be/tn8wkO7Eqco
https://youtu.be/m9vZe5lOmTc

Driftmachine soundcloud
https://soundcloud.com/driftmachine

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Ort: Galerie Wedding, Müllerstrasse 146–147, 13353 Berlin
Teilnahme: Für Schüler ab Altersstufe 6: bis 28 Teilnehmer
Termine: 3 Stunden: Montag bis Freitag 10:00 – 13:00 Uhr
Kosten: Die Veranstaltungen sind entgeltfrei
Kursleitung: Daniela Herr, Kunsthistorikerin/Kunstvermittlung

Was sind Träume? Und woher kommen sie? Können schöne Träume in unserem täglichen Leben sogar Wirklichkeit werden? Einige von vielen Fragen, die derzeit in der Galerie Wedding gestellt werden. Der deutsch-türkische Künstler Viron Erol Vert hat den großen Ausstellungsraum in eine Art Schlaflabor oder Trauminstitut mit angeschlossener Bibliothek verwandelt. Zwölf unterschiedliche Betten mit passenden Nachttischen und Lampen laden den Besucher zum Schlafen und Träumen ein.

Wir nehmen uns einen ganzen Vormittag Zeit, um uns von unseren Träumen zu erzählen und zu forschen, wie wir sie vielleicht deuten könnten. Währenddessen basteln wir aus Papptellern, Garnen und Bändern sowie farbigen Klebestreifen fantasievolle Traumfänger. An den Wänden aufgehängt, werden diese Objekte kurzzeitig den weißen cleanen Galerieraum schmücken.

Buchungstermine:
Im März 2017: Di., 7.03.   Fr., 10.03.   Do.,  16.03.   Fr., 17.03.   Di., 21.03.   Di., 28.03.   Mi., 29.03. 2017

Anmeldung:
Mo–Do 9:00–15:00 Uhr
unter der Telefonnummer 266 42 22 42/44 oder per Email schule@jugend-im-museum.de

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Mit freundlicher Unterstützung des Projektfonds Kulturelle Bildung und der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Die Dreamatory Live Performances finden im Rahmen der Ausstellung The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence von Viron Erol Vert statt, kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen im Kontext von UP (Unsustainable Privileges)

Laufzeit der Ausstellung vom 10.02.2017 bis 08.04.2017

*for English version please scroll down*

In diesem letzten Konzert aus ihrer Oneiro Trilogie in der Galerie Wedding verweben Driftmachine die einzelnen, sich auf die drei Schlafgötter aus Ovids Metamorphosen beziehenden Klangstücke zu einem großen, vibrierenden Werk mit quasi vollständiger Schlafgötter-Besetzung.

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Beginn des Live Konzerts »Phantasos« von Driftmachine zwischen 17 und 18 Uhr

Beginn der Live Drawing Performance von Viron Erol Vert um 19 Uhr

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Live Performance No.3 »Phantasos« from the Oneiro Trilogy by Driftmachine with Live Drawing Performance by Viron Erol Vert

The Dreamatory live performances are brought to you within the frame of the exhibition The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence by Viron Erol Vert, curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the context of UP (Unsustainable Privileges)

Exhibition from 10.02.2017 to 08.04.2017

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Start of the live concert by Driftmachine between 5 and 6 pm

Start of the Live Drawing Performance by Viron Erol Vert at 7 pm

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Oneirocritics sessions, registration via post@galeriewedding.de

Website Viron Erol Vert
www.vironerolvert.com

Driftmachine videos
https://youtu.be/tn8wkO7Eqco
https://youtu.be/m9vZe5lOmTc

Driftmachine soundcloud
https://soundcloud.com/driftmachine

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP

Bild: Nicolas Beatrizet (before 1520- c. 1562) after Michelangelo, The Dream, Rijksmuseum Amsterdam.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Für die deutsche Version bitte nach unten scrollen

Talk_about_Dreams
At the Edge of Consciousness. Sightseeing in the Realm of Dreams

A symposium in collaboration with the AoN_Platform for Art and Neuroscience, framed by Live Performance No.2 »Phobetor« by Driftmachine

Within the context of the exhibition The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence by Viron Erol Vert, curated by Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the frame of UP (Unsustainable Privileges)

The symposium will be held in English and will give the audience the chance to explore the science and culture of dreams from different disciplinary perspectives and to engage with leading scientists in the field. It is presented as a collaboration between Galerie Wedding and AoN_Platform for Art and Neuroscience represented by Dr. Elena Agudio (AoN; SAVVY Contemporary) and Dr. Joerg Fingerhut (Berlin School of Mind and Brain, Humboldt-Universität zu Berlin; AoN).The participating scientists come from different fields of sleep / dream / cultural research and will give short presentations related to their work. Dr. Agudio and Dr. Fingerhut will lead through the event and interrelate between the dream topic of the symposium and the Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikungs curatorial concept of the »Dreamatory« exhibition by  Viron Erol Vert.

Dr. Elena Agudio is the artistic director of the »Association of Neuroesthetics« (AoN), a platform for Neuroscience and Art, promoting projects, interdisciplinary research and knowledge exchange between art and cognitive sciences, in collaboration with the Medical University of Charité and The School of Mind and Brain of the Humboldt University. She is also artistic co-director at SAVVY Contemporary.

Dr. Joerg Fingerhut is the scientific director of the Berlin based »Association of Neuroesthetics« (AoN_a platform for Neuroscience and Art). He is postdoctoral researcher at the Berlin School of Mind & Brain (Humboldt-Universität zu Berlin) where he works on the role cultural artifacts (like architecture, film, pictures) play for the kinds of minds we are.He also conducts experiments on our evaluation of art an the role the emotion of wonder plays therein.

Dr. med. Pascal Grosse is head of Neurologische Schlafmedizin (Neurological Sleep Medicine) of the Clinic for Experimental Medicine, Medical University of Charité and has explored both the neural underpinnings and psychology of sleep and dreaming as well as the history and culture of dreams. His presentation is titled »Iconographic Representations of Dream Spaces – Past and Present«.

Dr. Holger Brohm teaches »Kulturen des Traumes« at the department of Cultural Science Aesthetics, Institute for Cultural Science, Humboldt-Universität zu Berlin.

Amna Ghani is a PhD student in Computational Neuroscience at the Charité – University Medicine Berlin. She holds an MSc in Clinical and Cognitive Neuroscience from Goldsmiths, University of London. In her PhD, she explores the individuality of music emotion processing by using the large-scale brain network modelling. Her other research interests include creative problem solving, brain computer interfaces and cognitive training. She is also a member of doctoral program of Berlin School of Mind and Brain and Machine Learning Group, Technical University of Berlin.

The Symposium starts at 7 pm and is framed by the second concert in the Oneiro Trilogy by Driftmachine – Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor«.  The Driftmachine concert will begin at 6 pm and resume after the talk until approximatley 10 pm.

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Talk_about_Dreams
At the Edge of Consciousness. Sightseeing in the Realm of Dreams

Ein Symposium in Kollaboration mit AoN_Platform for Art and Neuroscience, umrahmt von Live Performance No.2 »Phobetor« von Driftmachine.

Im Kontext der Ausstellung The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence von Viron Erol Vert, kuratiert von Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges)

Die Gesprächsrunde findet in englischer Sprache statt und widmet sich natur- und kulturwissenschaftlichen Fragestellungen zur Funktion und Rolle des Träumens in Kunst und Gesellschaft. Sie eröffnet dem Publikum die Möglichkeit, die Wissenschaft und Kultur des Träumens aus unterschiedlichen disziplinären Perspektiven zu betrachten und mit führenden Wissenschaftlern dieses Feldes in Austausch zu treten. Das Talk_about_Dreams Symposium wird präsentiert als Kollaboration zwischen der Galerie Wedding und der AoN_Platform for Art and Neuroscience, vertreten durch Dr. Elena Agudio (AoN; SAVVY Contemporary e.V.) und Dr. Joerg Fingerhut (Berlin School of Mind and Brain, Humboldt-Universität zu Berlin; AoN).

Die eingeladenen Redner*innen sind renommierte Wissenschaftler*innen aus dem Bereich der Schlaf- und Traumforschung, darunter Dr. med. Pascal Grosse, Leiter der Neurologischen Schlafmedizin der Klinik für Experimentelle Medizin, Universitätsmedizin Charité und Dr. Holger Brohm, der im Fachbereich der Kulturwissenschaftlichen Ästhetik am Institut für Kulturwissenschaft der Humboldt-Universität zu Berlin das Seminar »Kulturen des Traumes« unterrichtet und Amna Ghani, Doktorandin im Fach Computational Neuroscience an der Charité – Universitätsmedizin Berlin. Dr. Agudio und Dr. Fingerhut werden durch die Veranstaltung führen und dabei auch den Bezug zwischen Symposium und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikungs kuratorischem Konzept der »Dreamatory« Ausstellung von Viron Erol Vert herstellen.

Das Symposium beginnt am Freitag, den 03.03. um 19 Uhr. Es wird musikalisch umrahmt vom zweiten Konzert in der Oneiro Trilogie von Driftmachine – Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor«. Das Driftmachine Konzert beginnt um 18 Uhr und wird im Anschluss an die Gesprächsrunde bis etwa 22 Uhr fortgesetzt.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Kommenden Freitagabend findet in Viron Erol Vert Dreamatory die erste Traumdeuter-Session statt. Der renommierte Traumspezialist Dr. Michael Mollura wird via Skype-Call live aus Beverly Hills Kalifornien in die Galerie Wedding geschaltet.

Die Teilnehmer*innen sind zu einem Tee und einem etwa 15 minütigen Gespräch mit Dr. Mollura eingeladen, in dem sie ihre Träume (auf Englisch) erzählen können, die der Traumexperte dann analysieren wird. Die Traumdeuter-Session mit Dr. Mollura wird angeleitet durch Viron Erol Verts Assistentin Ghislaine Spelsberg.

Einige wenige Plätze sind noch frei. Teilgenommen werden kann nur nach Anmeldung unter: post@galeriewedding.de

Diese Traumdeuter-Session wird präsentiert von

Viron Erol Vert
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence

Eine Ausstellung von Viron Erol Vert im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von
Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

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This Friday we´ll have our first oneirocritic /dream reading session with the renowned dream specialist Dr. Michael Mollura at Viron Erol Vert’s Dreamatory. Via Skype-call Dr. Mollura will be transmitted live from Beverly Hills California to Galerie Wedding. Participants are invited to have some tea and about 15-minutes to tell their dreams, which will be analyzed by the dream expert. The dream reader session takes place in the presence of the artist’s executive assistant Ghislaine Spelsberg.

There are still a few places available. Please register at: post@galeriewedding.de

This oneirocritic session is brought to you by:

Viron Erol Vert
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence
From 10.02.2017 to 08.04.2017

An exhibiton by Viron Erol Vert, curated by Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the frame of UP (Unsustainable Privileges)

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Am kommenden Donnerstag zeigt Yusuf Etiman, bekannt als Gründer des Berliner Raums basso, in Viron Erol Verts frisch eröffnetem »Dreamatory« in der GW seine Filmcollage Kino Morph, bestehend aus Traumsequenzen und Filmszenen, in denen es um Träume geht. Die Zuschauer*innen des Kino Morphs sind an diesem Abend herzlich eingeladen, es sich in den Betten des »Dreamatorys« bequem zu machen und sich auf eine Reise durch das Unterbewusstsein fiktiver Charaktere auf der Leinwand zu begeben.

***For English version please scroll down***

Traum im Film…Wie stellt eine Industrie, die bisweilen selbst als Traumfabrik bezeichnet wird, Träume dar? Schon eine kleine Recherche zeigt, dass die sogenannten Traumsequenzen in Filmen meist eine tragende Rolle spielen. Oft sind sie am Anfang oder am Ende des Films, die Narrative initiierend oder abschließend, wenn nicht erklärend, manchmal sogar eine stilisierte und komprimierte Nacherzählung der gesamten Handlung – nicht zu unterschätzen dabei auch Filme, die sich nahezu komplett in der Traumwelt abspielen. Ob sie nun Freudianisch erklärt, oder musikalisch verklärt sind, gemein haben diese Sequenzen fast immer die Eigenschaft, jene Stellen im Film zu sein, wo die Regie und die Ausstattung sich mal richtig austoben können. Oft werden Personen von außerhalb des Filmteams mit der Gestaltung der Szenen beauftragt, um eine Ebene von Fremdartigkeit von außenstehender Hand in den Rest des Films einzuhauchen: Visionen einer anderen Welt, so wie die Protagonist*innen (und wir die Zuschauer*innen) sie eben nur träumen können…

Mit dieser kurzweiligen, unterhaltsamen und auch ein bisschen irren Collage aus repräsentativen Traumsequenzen sowie aus Szenen, in denen es um Träume geht, laden wir an diesem Abend zu einer Reise durch das Unterbewusstsein selbst fiktiver Charaktere ein. Von Prä-Bollywood zu Post-Modern, von Oz zu Wiz, von Tagtraum zu Albtraum geht die Reise durch Nebelmaschinenschwaden, Massentanzszenen, romantische, blasphemische, ja sogar elefantische Reigen – mal flackrig, mal weichgeblendet; mal absurd, mal abstrus; mal blutig, mal knutschig; mal innovativ, mal exploitativ… Geführt von Morpheus tauchen wir dabei in ein Paralleluniversum der Kunst und Künstlichkeit, und ganz im Grunde auch der unendlichen Freiheit, da hier mal richtig ausgetobt wird, was sonst im Hintergrund lauert, so wie Träume selbst eben, »die bei Nacht entstehen und am Tag vergehen« …

Text: Yusuf Etiman

Kino Morph, ca. 100 Minuten, Englisch, zusammengestellt von Yusuf Etiman, geschnitten von Michael Amstad, mit Unterstützung der Galerie Wedding.

Yusuf Etiman lebt und arbeitet als Grafikdesigner und artdirector in Berlin und São Paulo. Neben einem siebenjährigen Filmprogramm in dem von ihm gegründeten Berliner Raum basso, hat er für verschiedene Kontexte Filmprogramme zusammengestellt.

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Kino Morph. A film screening evening in the Dreamatory exhibiton The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silenceby Viron Erol Vert, curated by Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the frame of UP (Unsustainable Privileges)

Dreams in movies…How can an industry so often referred to as the dream factory show dreams? Already a small piece of research shows that the so-called dream sequences often play a fundamental part in films. Often they are in the beginning or the end of the film, initiating or concluding, if not explaining the narrative, sometimes they can be stylized and condensed account of it. There are also many movies that are (nearly) entirely set in the dream world. No matter if they are scientified by Freudian explanation or transfigured into musical numbers, they usually have the function to be the part of films, in which the (art) directors can really let it go. Often extra people are invited to shape these scenes to breathe a truly unfamiliar air into the rest of the film, visions from another world, a world the protagonists (and we the spectators) can only dream of…

With this small, entertaining and at times lunatic collage of representative dream sequences as well as scenes about dreams, we invite you to embark on a journey to the subconscious of fictional characters. From pre-Bollywood to post-modern, from Oz to Wiz, from daydream to nightmare, we trip through fog machine clouds, mass dance scenes, romantic, blasphemous or even elefantous choreographies – sometimes flickering, sometimes softly blending; sometimes absurd, sometimes abstruse; sometimes bloody, sometimes smoochy; sometime innovative, sometimes exploitative… Guided by Morpheus we dive into a parallel universe of art and artifice, and in the final consequence of an endless freedom: in these scenes, what is usually kept in the background goes out there on the screen, berserk and in your face, as do dreams themselves that »arise at nighttime and vanish by daytime«…

Text by Yusuf Etiman

Yusuf Etiman lives and works as a graphic designer and art director in Berlin and São Paulo. Apart from his seven years film program in the Berlin project space basso which he founded, he curated film programs for many different contexts.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Eine Ausstellung von Viron Erol Vert im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence_ deutsch
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence_english

Eröffnung am 09.02. um 19 Uhr
Begrüßung Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Oneiro Trilogy Live Performance No.1 »Morpheus« von Driftmachine von 20 bis 23 Uhr

Das diesjährige Ausstellungspogramm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding widmet sich mit vier Einzelausstellungen und einem Performance- und Diskussionsprogramm weiter dem Thema Migration, aber auch den Möglichkeiten, wie unsere Privilegien in Nordeuropa anders zu verteilen wären. Den Anfang macht der deutsch-türkische Künstler Viron Erol Vert, der die Galerie in ein »Dreamatory«, eine Art Schlaflabor oder Trauminstitut verwandelt. Das Performanceduo Driftmachine entwirft dafür eigens sphärische Klänge, die auf Schlafgötter wie Morpheus, Phobetor und Phantasos Bezug nehmen.

Viron Erol Vert nutzt diesen Hintergrundsound für seine Ausstellungsanordnung von zwölf verschiedenen Betten mit jeweils passenden Nachttischen und Lampen, die zugeschnitten auf die verschiedenen Komfortbedürfnisse unterschiedlicher Schläfer*innen ist und die Galerie in einen geschützten, demokratischen Raum zum Träumen verwandelt. In diesem künstlich geschaffenen Schlaflabor können Leute zusammenkommen und sich bewusst die Zeit nehmen, ihre Träume aus der letzten Nacht zu erzählen und aufzuschreiben. Sie können sich hier sogar zu einer Siesta hinlegen und sich ausruhen.

Zu bestimmten Terminen werden Traumdeuter*innen eingeladen, die auf Wunsch die Träume der Besucher*innen interpretieren. Täglich wird im »Dreamatory« ein Traum des Tages ausgewählt und veröffentlicht, so dass die Träume Raum im Alltag bekommen. Die Ausstellung verfügt über eine angeschlossene Bibliothek, dem »Dreamatory Wisdom Center«, dort wird Fachliteratur zum Thema Traum in Wissenschaft und Mythologie angeboten, in die man sich im schummrigen Licht von Leselampen vertiefen kann.

Vert stellt uns das »Dreamatory« in einer Zeit zur Verfügung, in der wir angesichts von Kriegen, von terroristischen Gewaltakten und rechtspopulistischer Hetze durch Angst zum Schweigen gebracht werden und verstummen, in der sowohl die Worte als auch die Räume fehlen, um uns auszudrücken und miteinander zu sprechen. Er bietet somit einen Zufluchtsraum, in dem wir uns für einen Moment der Außenwelt entziehen können, um uns einzulassen auf unsere Träume und Ängste und um unsere Erlebnisse zu verarbeiten.

So wie der Ausstellungstitel einem Gedicht von Viron Erol Vert entstammt, so stellt die Ausstellung eine Transkription seiner Poesie in den Raum dar. Im Kontext des Unterbewusstseins von Schlaf und Traum zielt die Ausstellung darauf ab, Reflexionen und Widerstände aus dem gesellschaftspolitischen Raum zusammenzubringen. Sie schlägt einen Raum vor, in dem eine Gemeinschaft geschaffen wird, in der Nicht-Angst und Nicht-Schweigen erforscht und praktiziert wird. Dabei zieht die Ausstellung auch die Tatsache in Betracht, dass wir zwar alle die Fähigkeit zum Träumen besitzen, aber dass es auch ein Luxus ist, sich an die eigenen Träume zu erinnern, da durch die Brutalität der Realität unsere Träume zum Schweigen gebracht werden können.

»Dreamatory« Begleitveranstaltungen

Am 16.02.2017 um 19 Uhr: Filmabend Kino Morph mit Yusuf Etiman

Am 03.03.2017 um 19 Uhr: Talk_about_Dreams mit Viron Erol Vert und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, moderiert von Dr. Elena Agudio und Dr. Joerg Fingerhut (AoN_Platform for Art and Neuroscience)
Umrahmt von der Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor« von Driftmachine (Um 18 Uhr und von 21 Uhr bis 23 Uhr)

Am 23.03.2017 um 17 Uhr: Oneiro Trilogy Live Performance No.3 »Phantasos« von Driftmachine mit Live Drawing Performance von Viron Erol Vert 

Oneirocritics-Sessions Ankündigung der Termine folgt an dieser Stelle, Anmeldung unter post@galeriewedding.de

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Viron Erol Vert
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence
From 10.02.2017 to 08.04.2017

An exhibiton by Viron Erol Vert, curated by Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the frame of UP (Unsustainable Privileges)

Opening on 09.02., at 7 pm
Welcome notes Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Oneiro Trilogy Live Performance No.1 »Morpheus« by Driftmachine from 8 to 11 pm

This year’s UP Wedding Program (Unsustainable Privileges) from Galerie Wedding continues its devotion the subject of migration with four individual exhibitions and a performance & discussion program, as well as exploring the possibilities for how our privileges in Northern Europe could be alternatively distributed. We begin with the German-Turkish artist Viron Erol Vert, who transforms the gallery into a »Dreamatory«, a kind of sleep laboratory (Schlaflabor) or dreamstitute (Traumstitut). The Performance duo Driftmachine creates peculiar ‘spherical’ sounds which reference the gods of Sleep, namely, Morpheus, Phobetor and Phantasos.

Viron Erol Vert utilizes these background sonorities in his exhibition arrangement of twelve different beds, each with matching bedside tables and lamps, tailored to the varying comfort needs of individual sleepers and transforms the gallery into a protected, democratic space for dreaming. In this artificially created sleep lab, people can gather and consciously take the time to share their dreams from the past night, and jot them down. You can even lay down for a siesta and rest here.

On specific dates, dream interpreters are invited to interpret the visitor’s dreams upon request. Each day, a dream of the day is selected and published in the »Dreamatory«, thus the dreams are given space to drift into everyday life. The exhibition features a connected library, the »Dreamatory Wisdom Center«, where specialist literature is offered on the subject of dreams in science and mythology, into which one can delve with its dimly lit reading lamps.

Vert provides us with the »Dreamatory«, at a time when we are silenced in the face of war, acts of terrorism, and right-wing populism, in which both the words, as well as the spaces, are missing for us to express ourselves and communicate with one another. It thus offers a refuge in which we are able to momentarily escape the outside world, to engage with our dreams and fears and process our experiences.

Just as the exhibition title is taken from a poem by Viron Erol Vert, the exhibition presents a transcription of his poetry within the space. In the context of the subconsciousness of sleep and dreams, the exhibition aims to bring together reflections and resistances from the socio-political sphere. It proposes a space in which a community is created where non-angst and non-silence can be explored and practiced. Furthermore, the exhibition brings into consideration the fact that while we all have the ability to dream, it is also a luxury to remember our own dreams, as the brutality of reality can result in the silencing of them.

Accompanying events in the »Dreamatory«

16.02.2017, 7 pm: film screening Kino Morph with Yusuf Etiman

03.03.2017, 7pm: Talk_about_Dreams with Viron Erol Vert, Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, presented by Dr. Elena Agudio  and Dr. Joerg Fingerhut (AoN_Platform for Art and Neuroscience) Framed by Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor« by Driftmachine (at 6pm and from 9 to 11 pm)

23.03.2017, 5 pm: Oneiro Trilogy Live Performance No.3 »Phantasos« with Live Drawing Performance by Viron Erol Vert on

Oneirocritics sessions dates tba, registration via pow@galeriewedding.de

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und der Spartenübergreifenden Förderung