Düne Wedding
Constanze Fischbeck, Sven Kalden

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Buchlaunch und Throwback in der Galerie Wedding

Anwesend: Constanze Fischbeck, Sven Kalden, Michael Rudolph (Grafik), Berliner Hefte (Florian Wüst), Solvej Helweg Ovesen (Galerie Wedding)

Im Kontext der Ausstellungsreihe Post-Otherness-Wedding (POW 2016) bezog sich die Ausstellung Düne Wedding von Constanze Fischbeck und Sven Kalden assoziativ auf die Vorgeschichte des Volksparks Rehberge in Wedding (Eröffnung 1929).

Vor etwa 12.000 Jahren ließen die letzten eiszeitlichen Gletscher eine vegetationsarme Moränenlandschaft im Norden Berlins zurück. Von den dünenartigen Erhebungen der Rehberge im heutigen Bezirk Berlin-Mitte existiert nur noch die Düne Wedding als Relikt dieser Landschaft. Seit 1976 ist sie ein eingetragenes Naturdenkmal. Sie wurde „rekonstruiert“ und unterliegt Öffnungszeiten. Das einstige Erscheinungsbild der Rehberge beförderte vielfältige Nutzungsfantasien. Am bekanntesten sind die Planungen Carl Hagenbecks für einen sogenannten Zukunfts-Tierpark, der Tiere und Menschen zu Unterhaltungs- und Bildungszwecken ausstellen sollte. Motiviert durch den deutschen Kolonialismus trugen diese und andere teils exotischen Zuschreibungen zur Definition des benachbarten Afrikanischen Viertels bei.

Jetzt ist das Buch “Düne Wedding” erschienen (im Rahmen der Reihe: Berliner Hefte zu Geschichte und Gegenwart der Stadt) und das wollen wir besprechen und feiern. Constanze Fischbeck und Sven Kalden collagieren mit Anmerkungen versehene Fotografien, Bilder und Dokumente auf 104 Seiten (80 Abbildungen). Zusammen mit einem Essay des Künstlers Akinbode Akinbiyi erzählen und erweitern sie die Geschichte dieses Ortes vom Ende des 19. Jahrhunderts bis heute. Die fragile Beschaffenheit einer Sanddüne reflektiert dabei den komplexen Prozess der Stadtwerdung einer ungewöhnlichen Landschaft.

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Thursday, October 29th, 2020 from 5 – 9 pm

Book Launch and Throwback at Galerie Wedding

With: Constanze Fischbeck, Sven Kalden, Michael Rudolph (Graphic Design), Berliner Hefte (Florian Wüst), Solvej Helweg Ovesen (Galerie Wedding)

Within the exhibition program Post-Otherness-Wedding (POW 2016), the exhibition Düne Wedding with works by Constanze Fischbeck and Sven Kalden associatively referred to the pre-history of Volkspark Rehberge in Wedding (public park opening in 1929).

The melting of the last ice-age glaciers, some 12,000 years ago, left behind a sparsely-vegetated moraine landscape in the north of Berlin. The Düne Wedding stands as the only remaining relic of these dune formations of the Rehberge hills in what is now Berlin-Mitte. It has been a registered natural monument since 1976. It was „reconstructed“ and has regulated opening hours. The Rehberge, as they originally appeared, inspired a wide range of fantasies for their use. The most famous are Carl Hagenbeck’s plans for a so-called future animal park, meant to exhibit animals and people for both entertainment and educational purposes. Driven by German colonialism, these and other partly exotic attributions contributed to the definition of the neighboring African Quarter.

We are celebrating the release of “Düne Wedding”, published within the series Berliner Hefte zu Geschichte und Gegenwart der Stadt (Berlin books on the city’s past and present. In their publication Constanze Fischbeck and Sven Kalden collage annotated photographs, pictures, and documents. Together with an essay by the artist Akinbode Akinbiyi, they tell and expand the history of this place from the end of the 19th century to the present day. The fragile nature of a sand dune reflects the complex process of the urbanization of an unusual landscape.

Am 29. Mai von 19 bis 22 Uhr in der Galerie Wedding mit Musik von Pauline Doutreluingne

Mit dem Programm POW – Post-Otherness-Wedding starteten die Kurator*innen Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen eine Ausstellungs- und Diskursreihe in der Galerie Wedding, für die in Berlin lebende Künstler*innen und Wissenschaftler eingeladen wurden, aktuelle Positionen zu präsentieren. Es entwickelte sich ein Dialog zwischen nichtwestlichen und westlichen Kulturen zu anthropologischen, gesellschafts- und umweltpolitischen, aber auch ökonomischen und ganz alltäglichen Fragen. Weitergeführt unter dem Thema UP – Unsustainable Privileges wurden darüber hinaus Möglichkeiten diskutiert, wie man Privilegien anders verteilen kann.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung.

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On 29th May from 7pm to 10 pm with music by Pauline Doutreluingne

With the program POW—Post-Otherness-Wedding the curators Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen initiated a series of exhibitions and discourses at the Galerie Wedding to which artists and scholars living in Berlin were invited to present contemporary positions. What developed is a dialogue between non-Western and Western cultures on anthropological, sociopolitical, and environmental as well as economics-related and day-to-day questions. The series continued with the topic UP—Unsustainable Privileges in which possibilities for how privileges might be distributed differently were also discussed.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, cross-disciplinary funding.

***verlängert bis zum 28.01.2017***

Eine Ausstellung von Mwangi Hutter im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Zum Abschluss des kuratorischen Programms Post-Otherness-Wedding von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen setzt Mwangi Hutters Ausstellung Circling Around Oneness in einer ortsbezogenen Installation den Schwerpunkt auf das Konzept der persönlichen Verbundenheit oder auch familiären Einheit. »Einssein« ist ein Thema, das seit langem schon eine wichtige Rolle in der Arbeit des Künstlerpaares spielt. Ingrid Mwangis und Robert Hutters kreative und private Partnerschaft schlägt Brücken zwischen kenianischen und deutschen »verkörperten Seelen«. Die beiden führen eine internationale, kosmopolitische Beziehung, wie so viele Menschen im multikulturellen und von Migration geprägten Stadtteil Wedding, in dem sich die Galerie befindet.

Die beiden Videoinstallationen von Mwangi Hutter reflektieren den performativen und kollektiven Charakter ihrer Arbeiten, in denen sie meist selbst und ihre beiden Töchter als Performer*innen agieren. In der Installation greift die schwarz-weiße Bemalung der großen Glasfassade der Galerie Wedding eine Signatur in der Kunst von Mwangi Hutter auf – die Farbkombination Schwarz und Weiß als Symbol einerseits für einen Kontrast und andererseits für den Austausch zwischen Menschen unterschiedlicher Herkunft. Die auf den ersten Blick undurchdringliche visuelle Barriere stellt sich bald als eine durchlässige Oberfläche heraus; die schwarze und weiße Kreidefarbe kann leicht von außen abgewischt werden, so dass der Blick frei wird auf das, was sich im Ausstellungsraum selbst abspielt: Auf den zentralen Galeriewänden wird eine Projektion eines Mannes und einer Frau sichtbar, die fast bewegungslos, aber in der gleichen Position auf getrennten Betten liegen. Die Videoinstallation »The Act of Leaving the Body« (2015) ist paradigmatisch für den andauernden, sich immer wieder erneuernden Prozess der Neuformung von seelischer Einheit, des Sich-Näherkommens, des Sich-Vereinens und der Suche nach Distanz in Mwangi Hutters Werk.

Die Videoarbeit »Nothing Solid« und die dazugehörende Fotoarbeit »The Concept« (beide 2015) sind dem rituellen Abschied der langen Dreadlocks von Mwangi Hutters Tochter gewidmet. »The Concept« zeigt den Moment vor der schwerwiegenden Entscheidung, die Dreadlocks abzuschneiden, und »Nothing Solid« zeigt den Akt selbst. Haar als Verkörperung von Zeit, Erfahrung, Identität, Erinnerung, Genen – und vielleicht symbolischer Gemeinschaft. In dem Video schneidet sich die junge Frau die Dreadlocks ab; an jeder Locke ist ein Ballon befestigt, eine nach der anderen steigen sie zur Decke empor.

Oneness oder Einssein – ist der Einzelne eine Einheit in sich, oder sind wir erst dann vollständig, wenn wir uns mit etwas anderem verbinden? Wie funktioniert Einssein im alltäglichen Leben, in einer Familie, unter Freunden und Geliebten? Wie können wir Einssein radikal neu erfinden in einer Welt des Individualismus, in einer Welt von generischen Konflikten um Race und Gender, oder in einer Welt, die vor allem auf Unterschiede fokussiert ist?

Begleitveranstaltungen
Künstlergespräch am 26.11.2016 um 17 Uhr mit Mwangi Hutter und Solvej Helweg Ovesen

Führung durch die Ausstellung am 12.01.2017 um 16 Uhr  mit Solvej Helweg Ovesen

Mit freundlicher Unterstützung der Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Das Ausstellungsprogramm POW wird durch die Unterstützung des Bezirksamtes Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur, Fachbereich Kunst und Kultur ermöglicht. 

Eine Ausstellung von Mwangi Hutter im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

»Einssein« ist ein Thema, das seit langem schon eine wichtige Rolle in der Arbeit des Künstlerpaares spielt. Ingrid Mwangis und Robert Hutters kreative und private Partnerschaft schlägt Brücken zwischen kenianischen und deutschen »verkörperten Seelen«. Sie führen eine internationale, kosmopolitische Beziehung, wie so viele Menschen im multikulturellen und von Migration geprägten Stadtteil Wedding, in dem sich die Galerie befindet.

Die beiden Videoinstallationen von Mwangi Hutter reflektieren den performativen und kollektiven Charakter ihrer Arbeiten, in denen sie meist selbst und ihre beiden Töchter als Performer*innen agieren. In der Installation greift die schwarz-weiße Bemalung der großen Glasfassade der Galerie Wedding eine Signatur in der Kunst von Mwangi Hutter auf – die Farbkombination Schwarz und Weiß als Symbol einerseits für einen Kontrast und andererseits für den Austausch zwischen Menschen unterschiedlicher Herkunft. Die auf den ersten Blick undurchdringliche visuelle Barriere stellt sich bald als eine durchlässige Oberfläche heraus; die schwarze und weiße Kreidefarbe kann leicht von außen abgewischt werden, so dass der Blick frei wird auf das, was sich im Ausstellungsraum selbst abspielt: die Projektion einer Frau und eines Mannes, auf getrennten Betten ruhend.

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Tour through the exhibition with Solvej Helweg Ovesen (curator), 12.01.2017, 4 pm  for individuals and families

An exhibition by Mwangi Hutter in the context of POW (Post-Otherness-Wedding), curated by Solvej Helweg Ovesen und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Mwangi Hutters’ exhibition Circling Around Oneness focuses on unity, a longterm subject of their artistic collaboration as an artist duo in a process to constantly form a unity anew. They see the creation of oneness as a process of getting close, uniting and distancing oneself from one another. A whole, oneness must be created over and over again. Therefore, this is a circular movement.

The two video works by Mwangi Hutter reflect on the performative and collective nature of the duo’s endeavour, as they also involve themselves as performers as well as one of their daughters. In the installation the black and white colour sprayed window facade of the gallery takes up the signature of Mwangi Hutter – the colour combination of black and white connoting difference, opposition, exchange between people from different origins. As it turns out, the colour sprayed facade of Galerie Wedding is not a blocking, but a permeable surface; the black and white chalk is easily washed away from outside. Looking inside one sees the projection of a man and a woman who are resting on their separate beds.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Das Ausstellungsprogramm POW wird durch die Unterstützung des Bezirksamtes Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur, Fachbereich Kunst und Kultur ermöglicht.

Die großen Fenster der Galerie Wedding sind derzeit zwecks Abdunkelung mit schwarzer und weißer Sprühkreide bemalt. Passanten haben von außen bereits Graffiti ähnliche Einritzungen vorgenommen. Die so entstandenen Freiflächen ermöglichen Blicke in den Ausstellungsraum: auf zwei Videoarbeiten und eine große Fotografie. Es sind Arbeiten des kenianisch-deutschen Künstlerpaars Mwangi Hutter. Das Paar führt eine transkulturelle Beziehung, sowohl beruflich als auch privat. Sie sind Eltern von Zwillingen, eine weitere Ebene der Einheit. Ingrid Mwangi und Robert Hutter fragen in ihren Arbeiten nach diesem Einssein. Was bedeutet ein jahrelanger gemeinsamer künstlerischer Schaffensprozess, in den sogar die Kinder mit eingeschlossen sind? Fragen des allgemeinen Miteinanders des eigenen Ichs in Familie, Freundschaft und Beziehung stellen sich uns.

Praktisch künstlerisch besteht das Angebot, gemeinsam zu arbeiten. In bereits beschichtete Platten ritzen die Schülerinnen und Schüler persönliche Spuren und Ornamente. Die halbfertigen Arbeiten werden untereinander getauscht oder weiter gegeben und vervollständigt. Abschließend dürfen die Schwarz-Weiß Zeichnungen nach kurzer Belichtung im dunklen Videoraum zum Leuchten gebracht werden.

Ort: Galerie Wedding, Müllerstrasse 146–147, 13353 Berlin
Teilnahme: Für Schüler ab Altersstufe 6: bis 28 Teilnehmer
Termine: 3 Stunden: Montag bis Freitag 10:00 – 13:00 Uhr
Kosten: Die Veranstaltungen sind kostenfrei
Kursleitung: Daniela Herr, Kunsthistorikerin/Kunstvermittlung

Buchungstermine:
Im Dezember 2016: Do 15.12. und Fr 16.12.2016
Im Januar 2017: Di 10.01., Mi 11.01., Fr 13.01.2017 und Mo 16.01., Di 17.01., Do 19.01.2017

Anmeldung:
Mo–Do 9:00–15:00 Uhr
unter Tel.: 266 42 22 42/(44) Email: schule@jugend-im-museum.de

Die Ausstellung Circling Around Oneness wurde kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding).

Mit freundlicher Unterstützung der Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien. Das Ausstellungsprogramm POW wird durch die Unterstützung des Bezirksamtes Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur, Fachbereich Kunst und Kultur ermöglicht. 

Mwangi Hutter
Circling Around Oneness
25.11.2016–28.01.2017

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Eine Ausstellung von Mwangi Hutter im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Begrüßung Sabine Weißler, Bezirksstadträtin für Weiterbildung, Kultur, Umwelt, Straßen und Grünflächen und Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur

Führung durch die Ausstellung mit der Kuratorin Solvej Helweg Ovesen und den Künstler*innen Mwangi Hutter

Live Act: Rania in Music Land ab 20:30 Uhr Rania Badri aus Damaskus spielt auf der Handpan und vereint musikalische Elemente aus u.a. der arabischen Welt, Indien und Europa  https://soundcloud.com/raniabadri/albums

»Einssein« ist ein Thema, das seit langem schon eine wichtige Rolle in der Arbeit des Künstlerpaares spielt. Ingrid Mwangis und Robert Hutters kreative und private Partnerschaft schlägt Brücken zwischen kenianischen und deutschen »verkörperten Seelen«. Sie führen eine internationale, kosmopolitische Beziehung, wie so viele Menschen im multikulturellen und von Migration geprägten Stadtteil Wedding, in dem sich die Galerie befindet.

Die beiden Videoinstallationen von Mwangi Hutter reflektieren den performativen und kollektiven Charakter ihrer Arbeiten, in denen sie meist selbst und ihre beiden Töchter als Performer*innen agieren. In der Installation greift die schwarz-weiße Bemalung der großen Glasfassade der Galerie Wedding eine Signatur in der Kunst von Mwangi Hutter auf – die Farbkombination Schwarz und Weiß als Symbol einerseits für einen Kontrast und andererseits für den Austausch zwischen Menschen unterschiedlicher Herkunft. Die auf den ersten Blick undurchdringliche visuelle Barriere stellt sich bald als eine durchlässige Oberfläche heraus; die schwarze und weiße Kreidefarbe kann leicht von außen abgewischt werden, so dass der Blick frei wird auf das, was sich im Ausstellungsraum selbst abspielt: die Projektion einer Frau und eines Mannes, auf getrennten Betten ruhend.

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An exhibition by Mwangi Hutter in the context of POW (Post-Otherness-Wedding), curated by Solvej Helweg Ovesen und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

7 pm Welcome notes: Sabine Weißler, Bezirksstadträtin für Weiterbildung, Kultur, Umwelt, Umwelt, Straßen und Grünflächen, und Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur

7:30 pm Tour through the exhibition with the curator Solvej Helweg Ovesen and the artists Mwangi Hutter

8:30 pm Live act Rania in Music Land Rania Badri from Damaskus plays on the handpan instrument, merging muscial elements from the Arabic world, India, Europe and all over the world.
https://soundcloud.com/raniabadri/albums

Mwangi Hutters’ exhibition Circling Around Oneness focuses on unity, a longterm subject of their artistic collaboration as an artist duo in a process to constantly form a unity anew. They see the creation of oneness as a process of getting close, uniting and distancing oneself from one another. A whole, oneness must be created over and over again. Therefore, this is a circular movement.

The two video works by Mwangi Hutter reflect on the performative and collective nature of the duo’s endeavour, as they also involve themselves as performers as well as one of their daughters. In the installation the black and white colour sprayed window facade of the gallery takes up the signature of Mwangi Hutter – the colour combination of black and white connoting difference, opposition, exchange between people from different origins. As it turns out, the colour sprayed facade of Galerie Wedding is not a blocking, but a permeable surface; the black and white chalk is easily washed away from outside. Looking inside one sees the projection of a man and a woman who are resting on their separate beds.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten und dem Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Diese Themen sind zentral in den zwei Videoarbeiten, die Mwangi Hutter in der Galerie Wedding präsentieren (»The Act of Leaving the Body« und »Nothing Solid«, beide 2015). Sie reflektieren den performativen und kollektiven Charakter der Arbeiten des Duos, in die sie selbst und eine ihrer Töchter als Performer*innen involviert sind.

Am Samstagnachmittag, den 26. November führt die Kuratorin Solvej Helweg Ovesen ein Gespräch mit den Künstler*innen Ingrid Mwangi und Robert Hutter über deren Kunstpraxis und der Idee vom Einssein als ein Thema, das seit langem eine wichtige Rolle in ihrer kollaborativen Arbeit spielt. Die Künster*innen führen – wie so viele heutzutage – eine internationale, kosmopolitisch geprägte Beziehung, sowohl beruflich als auch privat, welche die Fragen und die Freuden des Einsseins animiert und Brücken schlägt zwischen kenianischen und deutschen »verkörperten Seelen«. Sie sind Eltern von Zwillingen, eine weitere Ebene der Einheit. Als Künstlerpaar involvieren und zeigen sie in ihren Arbeiten oft ihre Kinder. Ihre Ausstellung in der Galerie Wedding zeugt auch von dieser Lebenserfahrung.

Künstler*innengespräch mit Mwangi Hutter und Solvej Helweg Ovesen im Rahmen der Ausstellung Circling Around Oneness
(25.11.2016 bis 28.01.2017)

Eine Ausstellung von Mwangi Hutter im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

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Oneness. Oneness, a unity of two, as in love, as in a family, as in joining two otherwise separate, yet complementary parts or positions. As in the unity of humans and God, or holistically as in the unity between me and the rest of the world, between people of different descent. On a communicative, emotional basis? How is it constituted and how is it happening on a daily basis? How can we understand and attempt oneness in a world of individualism, of generic race and gender conflicts, or in a world focussed merely on difference?

These themes are central in the two video works that Mwangi Hutter present at  Galerie Wedding (»The Act of Leaving the Body« and »Nothing Solid«, both 2015), which ponder on the performative and collective nature of the duo’s endeavour, as they also involve themselves as performers as well as one of their daughters.

On Saturday, Nov 26, the curator Solvej Helweg Ovesen will speak with the artists Ingrid Mwangi and Robert Hutter about their art practice and the idea of oneness as a longterm subject of their artistic collaboration. The artists lead -as many others these days- a culturally mixed relationship, both professionally and privately, which animates the questions and the joy of oneness; bridging between Kenyan and German embodied minds. They are parents of twins, another level of unity. As artists they have a history of involving and portraying their kids in their work. The show at Galerie Wedding testifies to this life experience, too.

Artist Talk with Mwangi Hutter and Solvej Helweg Ovesen in the context of the exhibition Circling Around Oneness
(25.11.2016-28.01.2017)

An exhibition by Mwangi Hutter in the context of POW (Post-Otherness-Wedding), curated by Solvej Helweg Ovesen und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten und dem Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

6 – 8 pm  Finissage German for Newcomers | Law Shifters

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Das Law Shifters -Symposium in Gestalt einer Buchpräsentation ist Teil der Finissage der Ausstellung German for Newcomers | Law Shifters von Stine Marie Jacobsen, kuratiert von Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding). In Kollaboration mit Gangway e.V. sind in der Ausstellung u.a. die selbstgeschriebenen Gesetze von geflüchteten und Berliner Jugendlichen präsentiert.

Zu Beginn des Symposiums findet ein Künstleringespräch mit Stine Marie Jacobsen und der Kuratorin Solvej Helweg Ovesen statt. In dem Gespräch wird es zum einen um die Frage gehen, warum sich die Künstlerin in ihrer Arbeit mit Gesetzen auseinandersetzt und zum anderen wird darüber gesprochen, wie Stine Marie Jacobsen in ihren Workshop basierten Projekten (Law Shifters, German for Newcomers, beide 2016; Direct Approach, 2014) die sozialen Verbindungen zwischen den institutionellen und privaten Teilnehmenden jeweils aufbaut.

Darauf folgt eine Einführung zum Projekt Law Shifters, in dessen Rahmen mehrere Gesetzesschreibungs-Workshops stattgefunden haben, in denen geflüchtete und Berliner Jugendliche aus den Straßenarbeitsvereinen Gagway e.V. und Leutturm e.V. gemeinsam mit Stine Marie Jacobsen und Nastaran Tajeri-Foumani von Gangway e.V. ihre eigenen Gesetzesvorschläge erarbeitet haben.

Im Laufe des Symposiums werden die Künstlerin Stine Marie Jacobsen, der Rechtsanwalt Bilal Alkatout und Nastaran Tajeri-Foumani von Gangway e.V. gemeinsam mit den Jugendlichen ein Gespräch zur Gesetzgebung im Aufenhalts- und Asylrecht in der Galerie Wedding führen. Während des Symposiumsgeprächs wird es eine Präsentation des neuen Buches Law Shifters geben, bei der die Jugendlichen die von ihnen selbst verfassten Gesetze vorlesen und mit dem Publikum diskutieren werden.

Das Symposium wird so inszeniert, als ob die Jugendlichen ihre Gesetze initiativ ins Gesetzgebungsverfahren einbringen würden.
Wir möchte Sie gerne dazu einladen, den Jugendlichen und dem Auditorium ein reelles Feedback zu geben, auf dass sich eine interessante und informative Debatte über Möglichkeiten und Grenzen bei der Gesetzgebung im Aufenthalts- und Asylrecht entwickeln möge.

Die Ausstellung German for Newcomers | Law Shifters ist noch bis zum 12.11.2016 in der Galerie Wedding zu sehen. Auf eine ernste, humorvolle und kreative Weise fand darin eine Auseinandersetzung mit der bestehenden Rechts- und Gesetzesgebung in Deutschland und Europa statt.

Programm des Symposiums mit Buchpräsentation:

++ Begrüßung und kurze Vorstellungsrunde

++ Künstleringespräch mit Stine Marie Jacobsen und der Kuratorin Solvej Helweg Ovesen

++ Einführung zum Projekt Law Shifters

++ Law Shifters Buchpräsentation

++ Bilal Alkatout (Rechtsanwalt) zum Thema Migrationsrecht und der Frage: Warum ist Migration rechtlich »verboten«?
+ Diskussion

++ Präsentation der selbstgeschriebenen Gesetze mit den Jugendlichen aus den Law Shifters -Workshops
+ Diskussion mit dem Publikum

++ Sozialarbeiterin Nastaran Tajeri-Foumani (Gangway e.V.) über Migrationsrecht & Jugendliche und die Frage: Kann das Schreiben von eigenen Gesetzen etwas bewirken?
+ Diskussion

++ Abschlussgespräch und Beginn der Finissage der Ausstellung German for Newcomers | Law Shifters

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The Law Shifters symposium, which comes in the shape of a book presentation, is part of the finissage of the exhibition German for Newcomers | Law Shifters by the artist Stine Marie Jacobsen in collaboration with Gangway e.V., curated by Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen in the context of POW (Post-Otherness-Wedding).

The symposium on Saturday, Nov 12th, at 3pm, will beginn with an artist talk between Stine Marie Jacobsen and Solvej Helweg Ovesen. The talk will thematize the question why the artist in her work chose to deal with the topic of migration law and law writing. Furthermore it will be talked about Stine Marie Jacobsen’s practice as an conceptual artist to build up relations between institutional and private participants in her workshop based projects (Law Shifters, German for Newcomers both 2016; Direct Approach, 2014).

The artist talk is followed by a short introduction to the workshop based Project Law Shifters, which engaged teenagers from the institutions Gangway e.V. and Leuchtturm in the vicinity of the gallery, where hundreds of migrant and refugee children live – often without their parents – to discuss laws in an unconventional judicial gameplay scenario.

In the course of the symposium Stine Marie Jacobsen together with lawyer Bilal Alkatout, Nastaran Tajeri-Foumani of the German streetwork society Gangway e.V. and refugee and Berliner children and teenagers, who took part in the Law Shifters workshops, will then discuss civil liberties and migration laws.

The new book Law Shifters will be presented by Nastaran Tajeri-Foumani and the young workshop participants reading out their own laws that they have contributed to the project and the book and discuss them with the audience .

In this unconventional judicial gameplay scenario you are cordially invited to give your feedback to the considerations from the young uncynical mindsets and to join the  discussion about the new and the existing laws. The aim is to attract a serious but also humorous and creative way to deal with existing regulations and legislation in Europe.

Program of the symposium and book presentation:

++ Welcome notes and short introduction of the participants

++ Artist talk with Stine Marie Jacobsen and Solvej Helweg Ovesen

++ Introduction of the Project Law Shifters

++ Bilal Alkatout (lawyer) on the topic of migration law and the question: Why is migration »illegal«?
+ Discussion

++ The youths presenting their self-written laws
+ Discussion with the audience

++ Law Shifters book presentation
++ Social worker Nastaran Tajeri-Foumani (Gangway e.V.) on migration law regarding youths and the question: Can the writing of own laws make a difference?
+ Discussion

++ Final discussion and beginn of the finissage of the exhibition

The symposium will be followed by the finissage of the exhibition and an afterparty.

The exhibition German for Newcomers | Law Shifters is on until Nov 12th in Galerie Wedding.

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Im August 2016 startet zum zweiten Mal das Residenzprogramm für junge Künstler*innen und Kurator*innen »Artist’s and curator’s residency // Berlin-Lagos«, ein Kooperationsprojekt des Goethe-Instituts Nigeria, Zentrum für Kunst und Urbanistik (ZK/U), SAVVY Contemporary und des Amts für Weiterbildung und Kultur/ Fachbereich Kunst und Kultur.

Ziel von » Artist’s and curator’s  residency // Berlin-Lagos« ist seit seiner Gründung im Juli 2015 die Stärkung des deutsch-nigerianischen Dialogs. Das Goethe-Institut ermöglicht nigerianischen Künstlern und Forschern, die sich mit inter-disziplinärer Theorie und Praxis zum Thema „Stadt“ auseinandersetzen, einen drei-monatigen Aufenthalt in der Künstlerresidenz des ZK/U.  Durch die Zusammenarbeit mit der städtischen Galerie Wedding sowie dem SAVVY Contemporary e.V.. bietet sich den Residenten die Gelegenheit künstlerische und kuratorische Betreuung zu erhalten.

2016 wird die 23-jährige Künstlerin Tito Aderemi-Ibitola  aus Lagos, Nigeria die Reise nach Berlin für einen dreimonatigen Aufenthalt in der Hauptstadt antreten. Sie hat einen Bachelorabschluss im Allegheny College: Theatre Department in Pennsylvania, und lernte an der Royal Shakespeare Company in UK. Sie arbeitet als Künstlerin im Bereich Performance und Film. In ihren Performances setzt sie sich mit der weiblichen Identität als POC auseinander. Geschlechterrollen und Rassismus als ein erfundenes Konstrukt sind ihre zentralen Themen.

Ihre künstlerischen Arbeiten waren bereits in Solo- und Gruppenausstellungen sowie Festivals zu sehen, u.a. in der Art 21 – Platform Exhibition (2016), dem Lagos Theatre Festival (2016), der Videonale CCA (2016), in New Contemporaries-Performance Art (2016),  und White Space – Black Tears – Solo Exhibition (2015), ihre Live Performance WhiteSpace (2015), im Goethe-Institut Lagos- Photo Party. (2015), beim Trans-Atlantic Visual Exchange (2015), Stranger Lagos (2015) und VAN Lagos (2015).

Der Aufenthalt in Berlin bietet der Künstlerin die Möglichkeit, ihre künstlerischen und kulturellen Ausdrucksformen urbaner und gesellschaftlicher Fragestellungen besonders in Bezug auf Gender und der Rolle von POC in Berlin zu erforschen, sich mit Akteuren und Kunstschaffenden der Freien Szene sowie nicht-kommerziellen Räumen zeitgenössischer Kunst zu vernetzen und auszutauschen. Ein besonderer Fokus und Ausgangspunkt liegt bei der bezirklichen Galerie Wedding und SAVVY Contemporary e.V..

Im ZK/U erhält Tito Aderemi-Ibitola ein Arbeits- und Wohnatelier und hat innerhalb der Residenz sowie bei den  »OPENHAUS« – Veranstaltungen die Gelegenheit, sich und ihre Arbeit einer breiteren Öffentlichkeit zu präsentieren.

Für das Goethe-Institut Nigeria, welches den Aufenthalt finanziell fördert, bedeutet dieser Austausch eine weitere Vertiefung des künstlerischen Austauschs zwischen Deutschland und Nigeria. Die Fortsetzung des Residenzprogramms bestärkt das gemeinsame  Ziel, dass dieses Austauschprogramm zu einem festen Bestandteil ausgebaut wird, und perspektivisch auch deutschen Künstler*innen und Kurator*innen die Möglichkeit gibt, in der Millionenmetropole Lagos künstlerische Praxis zu sammeln.

Informationen zu dem Residenzprogramm finden Sie unter www.kultur-mitte.de, galeriewedding.de, sowie unter www.goethe.de/nigeria und www.zku-berlin.org  sowie http://savvy-contemporary.com/index.php/residency-program/

Website of Tito Aderemi-Ibitola
http://www.taibitola.com/

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»Artist’s and curator’s residency // Berlin-Lagos« with artist in residence Tito Aderemi-Ibitola from Lagos, Nigeria, duration 01.08.-31.10.2016

In August 2016, »Artist’s and curator’s residency // Berlin-Lagos« – the residency programme for young artists and curators takes place for the second time in Berlin. The programme is a collaboration between Goethe-Institut Nigeria, Zentrum für Kunst und Urbanistik (ZK/U), SAVVY Contemporary and Amt für Weiterbildung und Kultur/ Fachbereich Kunst und Kultur.

From August to October, Tito Aderemi-Ibitola, a Lagos-based multimedia artist working primarily in performance and video, will live and work in the city of Berlin. Her work focuses on the intersections of race, gender, and ethnicity. She has studied at the Theatre Department of Allegheny College in Pennsylvania and was also trained at the Royal Shakespeare Company in UK.

Her works have been included in solo and group exhibitions as well as in festivals, among others Art 21 – Platform Exhibition (2016), Lagos Theatre Festival (2016), Videonale CCA (2016), New Contemporaries-Performance Art (2016), and White Space – Black Tears – Solo Exhibition (2015). Her Live Performance WhiteSpace (2015) was invited to Goethe-Institut Lagos- Photo Party (2015), Trans-Atlantic Visual Exchange (2015), Stranger Lagos (2015) and VAN Lagos (2015).

The residency in Berlin is aimed at offering the artist the opportunity to explore further her artistic and cultural forms of expression within her examination of urban and social issues especially concerning questions of gender and the role of POC in Berlin. Furthermore, she is invited to connect and exchange with actors and practitioners within the independent scene and non-profit art spaces in Berlin. Central are here the communal Galerie Wedding and SAVVY Contemporary.

Tito Aderemi-Ibitola is hosted by ZK/U in an studio to work and live in and gets the opportunity to present her work within the »OPENHAUS«-Events.

Informations to the residency programm you find here on www.kultur-mitte.de, galeriewedding.de, sowie unter www.goethe.de/nigeria und www.zku-berlin.org  sowie www.savvy-contemporary.com/

Website of Tito Aderemi-Ibitola
http://www.taibitola.com/

Ausstellungsgestaltung Nils Grarup Grafikdesign Modem Studio (Law Shifters) und Fuchs Borst (German for Newcomers)

Im Rahmen des kuratorischen Programms POW (Post-Otherness-Wedding) präsentiert Galerie Wedding mit der von Solvej Ovesen und Bonaventure Ndikung kuratierten Ausstellung German for Newcomers | Law Shifters zwei Projekte der dänischen Künstlerin Stine Marie Jacobsen, die beide durch das Konzept des Workshops und durch das Medium Buch und Film agieren. Auf eine nicht nur ernsthafte, sondern auch eine humorvolle und spielerische Art und Weise wird darin die Autorität von Sprache, Bürokratie und Gesetzesschreibung hinterfragt.

Für das Projekt German for Newcomers organisierte Stine Marie Jacobsen in Zusammenarbeit mit dem deutschen Straßensozialarbeit-Verein Gangway e.V. über den Zeitraum von einem Jahr mehrere Workshops, in denen Expats, Zugewanderte und Geflüchtete gemeinsam einen alternativen Sprachunterricht entwarfen, in welchem sich die Rolle von Schüler*innen und Lehrer*innen verschob und umkehrte.

Entstanden ist ein Film sowie neues, eigenes Material für den Sprachunterricht in Form eines Grammatikbuches, das in witzigen, hilfreichen Beispielsätzen die persönlichen Perspektiven der Workshop-Teilnehmer*innen zur deutschen Grammatik mit Menschen teilt, die Deutsch lernen möchten. Buch und Film werden beide in der Ausstellung präsentiert.

Im gleichen Atemzug zeigt die Ausstellung das Projekt Law Shifters. Das fortlaufende Projekt will mittels Diskussion und Sprache Gesetze, insbesondere Zuwanderungsgesetze, für öffentliche und politische Prozesse zugänglich machen. Hierzu lädt die Künstlerin geflüchtete und Berliner Jugendliche von den Institutionen Gangway e.V. und Leuchtturm aus der Nähe der Galerie in Berlin-Mitte dazu ein, sich in einem unkonventionellen Spielszenario mit Grundrechten und Gesetzen zu befassen: Was ist der Unterschied zwischen der Exekutive, der Judikative und der Legislative? Kann man über den Staat sprechen oder ihn gar kritisieren? Prinzipien von Grenzen, Asyl- und Aufenthaltsrecht, Familienzusammenführung, Immigration und Akkulturation kommen zur Sprache. In den Workshops werden die existierenden Vorschriften und Gesetze zuerst vom Standpunkt der eigenen ethischen Überzeugungen aus diskutiert und dann neu entworfen. Ein professioneller Anwalt übersetzt die vorgeschlagenen Gesetze in juristische Fachsprache.

In der Ausstellung werden die frisch entworfenen Gesetzesvorschläge der Öffentlichkeit – im Kontrast zu den existierenden Gesetzen – präsentiert. Von den Workshop-Teilnehmer*innen in Linoleum-Platten geschnitten sind sie großformatig an den Galeriewänden zu sehen, zudem sind sie als Poster im öffentlichen Raum verteilt sowie im Buch Law Shifters veröffentlicht. Die beiden Projekte German for Newcomers | Law Shifters werden in Zukunft zusammen als ein Unterrichtspaket für Schulen angeboten. Im Kontext von POW stellen sie gleichzeitig eine Ausstellung und einen Lernprozess dar – eine Verschiebung von einem sich Beugen unter den Gesetzen und einer fremden Sprache hin zu einem Biegen der Gesetze und der Sprache.

Das Projekt GERMAN FOR NEWCOMERS | LAWSHIFTERS wird gefördert durch den Projektfonds Kulturelle Bildung und durch Gangway e.V & Aktion Mensch.

Zur Teilnahme an einem der Law Shifters Gesetzesschreibungs-Workshops melden Sie sich bitte hier an  //
For participating in one of the Law Shifters workshops for law writing please register here:

Galerie Wedding
Raum für zeitgenössische Kunst
(030) 9018 42385
pow@galeriewedding.de

Begrüßung: Sabine Weißler, Bezirksstadträtin für Weiterbildung, Kultur, Umwelt und Naturschutz und Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Ausstellung vom 14.10 bis 12.11.2016

*for English version please scroll down*

Stell dir eine Welt vor, in der die Jugendlichen im belgischen Molenbeck nicht (von Journalisten) zu Terrorismus befragt werden, sondern stattdessen nach ihrer Meinung über Zuwanderungsgesetze, über ihre Rechte, und über die belgischen Sprachen. Stell dir eine Welt vor, in der Geflüchtete die Zuwanderungsgesetze selbst entwerfen, in der sie Spezialisten im EU Migrationsrecht sind und sich selbst Deutsch beibringen können. Stell dir vor, dass Leute aus der ganzen Welt im Sprachunterricht die deutsche Grammatik »biegen«, ihre eigenen Erklärungen der Grammatikregeln entwerfen, und sich über die Autorität lustig machen, die Sprache den Sprechenden abverlangt! Oder einen Unterricht, in welchem die Geisteshaltung an erster Stelle steht und ein Fehler des Lehrers/ der Lehrerin der Höhepunkt des Lernens ist?

»Es gibt in der deutschen Sprache Wörter, die so schwierig auszusprechen sind, dass man sie lieber essen will als sagen möchte! // There are words in the German language that are so hard to pronounce, that you would rather eat them than pronounce them!

Wenn die Deutschen sehr unsicher sind oder wenn sie etwas nicht wissen, antworten sie nur mit ä, ö oder ü. // When the Germans are very insecure or they don’t know something, they answer only with ä, ö or ü.

There is a umlaut, because the Germans are always serious. The umlaut makes the language more serious.«

aus »German for Newcomers« 2016

German for Newcomers ist ein Projekt zur deutschen Sprache und Workshop-Konzept der dänischen Künstlerin Stine Marie Jacobsen, organisiert in Kollaboration mit Nastaran Tajeri-Foumani und Mirella Galbiatti von Gangway e.V., mit Teilnehmer*innen von BBZ und unterstützt von Aktion Mensch Berlin. Über den Zeitraum von einem Jahr fanden mehrere Workshops statt, es entstanden ein Film und eine Publikation.

Die Rolle von Schüler*innen und Lehrer*innen wird in German for Newcomers überdacht und verschoben: Expats, Zugewanderte und Geflüchtete verbessern ihre Sprachkenntnisse, indem sie gemeinsam Unterrichtsmaterial für sich und andere zusammenstellen. Das Lehrmaterial wird von den Erlebnissen der Teilnehmer*innen mit der deutschen Kultur, Bürokratie und Sprache inspiriert. Das Buch German for Newcomers teilt in humorvollen und ultimativ hilfreichen Statements zur deutschen Grammatik ihre grammatikalischen Perspektiven mit Menschen, die Deutsch lernen möchten. Es flechtet ihre Erfahrungen und Begegnungen mit der deutschen Sprache in das Lehrmaterial des Grammatikbuches ein.

Die Inspiration für die Publikation German for Newcomers (Broken Dimanche Press, 2016) kam nach der Veröffentlichung von German for Artists, einem hybriden Grammatik-Taschenbuch, das Überlegungen zu den philosophischen Aspekten der deutschen Sprache in Bezug auf Kunst (-Hierarchie) enthält.

Das Ausstellungsprojekt Law Shifters in dessen Rahmen frisch geschriebene Gesetze in die Wände der Galerie eingemeißelt werden, soll junge Bürger*innen anregen, ihre eigenen ethischen Positionen zu formulieren, ihren Sinn für ihre Beziehung zu Gesetzen schärfen, sodass sie als Katalysatoren letztendlich tatsächlich Einfluss auf heute verfasste Gesetze nehmen können.

Das Projekt engagiert Jugendliche von den Institutionen Gangway e.V. und Leuchtturm in der Nähe der Galerie, wo hunderte junge Zugewanderte und geflüchtete Kinder leben – häufig ohne ihre Eltern. Diese werden dazu eingeladen, Gesetze in einem unkonventionellen Spielszenario zu diskutieren, womit das Projekt sich mit den grundlegenden demokratischen Prinzipien auseinandersetzt: Was ist der Unterschied zwischen der Exekutive, der Judikative und der Legislative? Kann man über den Staat sprechen oder ihn gar kritisieren? Prinzipien wie das Recht, zu demonstrieren, die Redefreiheit, Familienzusammenführung und Datenschutz kommen zur Sprache. Die Ergebnisse des Projekts werden einem breiteren Publikum vorgestellt, das sich die jungen idealistischen Erwägungen hoffentlich zu Herzen nehmen und einen Diskurs über Bürgerfreiheiten und Gesetze initiieren wird. Ein professioneller Anwalt übersetzt die vorgeschlagenen Gesetze in juristische Fachsprache, diese werden anschließend in die Wand gemeißelt und als Poster im öffentlichen Raum aufgehängt.

Das Ziel ist es, einen nicht nur ernsthaften, sondern auch humorvollen und kreativen Weg zu finden, mit existierenden Vorschriften und Gesetzen in Europa umzugehen. Das Law Shifters-Projekt will Gesetze durch Diskussionen und Sprache für öffentliche und politische Prozesse zugänglich machen. Die künstlerische Leistung liegt darin, erarbeitete neue Gesetzesvorschläge der Öffentlichkeit zu präsentieren – im Kontrast zu den existierenden Gesetzen.

In der Zukunft werden die beiden Projekte in einem Unterrichtspaket für Schul-/Sprachklassen zusammengestellt. Im Rahmen des kuratorischen Programms POW (Post-Otherness Wedding) stellen sie zugleich eine Ausstellung und einen Lernprozess dar – eine Verschiebung von einem sich Beugen unter den Gesetzen und einer fremden Sprache hin zu einem Biegen der Gesetze und der Sprache.

Text: Solvej Helweg Ovesen
Ausstellungsgestaltung: Nils Grarup
Grafikdesign Modem Studio (Law Shifters) und Fuchs Borst (German for Newcomers)

Eröffnung am 30.09.2016 von 19 Uhr bis 22 Uhr
Ausstellung am 01.10. bis 08.10.2016

Mittels Skulptur, Performance und Film wird die ›letzte innerstädtische Sanddüne Deutschlands‹ in der Scharnweberstraße 159 als Düne Wedding symbolisch in die Galerieräume übertragen. Die Düne wird von der geschützten Natur zu einem Zeichen für Natur und ist als temporäres Monument gleichzeitig nur ein Haufen Sand – Material, aus dem etwas gebaut werden kann.

Die Straßennamen im benachbarten Afrikanischen Viertel sind kolonialrevisionistisch motiviert zum Teil begründet in einem landschaftlichen Missverständnis: Carl Hagenbeck hatte das Gelände in den Rehbergen um 1900 gekauft, um einen »Zukunftstierpark« zu errichten. Später dienten die wüstenartig erscheinenden Sanddünen als Filmset für den frühen Weimarer Stummfilm. In den Filmen der John Hagenbeck-Film GmbH wurden die ehemaligen Kolonien im Format von Raubtier-Sensationsfilmen im Geiste des Exotismus nachrekonstruiert. Die Sanddünen der Rehberge dienten als Projektionsfläche für Phantasmen exotischer Ferne und Konstruktionen des »Anderen«.

In der Ausstellung bildet die Düne als Mittelpunkt eines fiktiven Filmsets den Bezugspunkt für das Zusammensehen der widersprüchlichen topografischen Inszenierungen, die das Areal von Afrikanischem Viertel und Volkspark Rehberge hervorgebracht haben. Die Kamera bestimmt den Ausschnitt und inszeniert die Gegenwart im Wedding als Frage an Konstruktion und Benennung von städtischer Umwelt.

Die Ausstellung Düne Wedding wird von Constanze Fischbeck im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) kuratiert.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten, dem Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und der miKrOPROJEKTE 2016

Mit Constanze Fischbeck, Sven Kalden, Carlos Manuel und Dr. Britta Lange. Moderation: Cornelia Klauß.

Im Gespräch mit den beteiligten Künstler*innen von Düne Wedding mit Britta Lange wird es um Fragen der lokalen Kolonialismusgeschichte im Altberliner Arbeiterbezirk Wedding und auch um die historische Rekonstruktion der Filme von John Hagenbeck, dem Bruder des legendären Tierparkgründers Carl Hagenbeck gehen. Moderiert von der Filmwissenschaftlerin und Kuratorin Cornelia Klauß, dreht sich die Diskussion um künstlerische Perspektiven bezüglich der Konstruktion des »Anderen« – des »Post-Others« von damals und heute.

Constanze Fischbeck (*1968) lebt und arbeitet als Bühnenbildnerin, Videokünstlerin, Dozentin und Kuratorin in Berlin. Ausgangspunkt ihrer Arbeiten ist der Raum, die Gegenwart und der gesellschaftliche Kontext spezifischer, meist urbaner Orte. In ihren filmischen Arbeiten verbindet sie Techniken des Experimentalfilms mit performativen und diskursiven Elementen. Ihr Kunst, Film- und Forschungsprojekt state-theatre (2009-14) wurde 2014 im FFT Düsseldorf, in der SALT-Gallery Istanbul und auf der Architektur-Biennale Venedig ausgestellt.

www.constanzefischbeck.com
www.state-theatre.de

Sven Kalden (*1969) arbeitet als freischaffender Künstler und als künstlerischer Mitarbeiter an der BTU-Cottbus im Fachbereich Architektur und Stadtplanung. Er arbeitet in den Bereichen Skulptur, Installation und im öffentlichen Raum. In seinem Werk befasst sich Kalden vor allem mit fotovisuellen Reproduktionen gegenwärtiger Krisen, Konflikten und Machtstrukturen. Die vorgefundenen Medien-Klischees dienen ihm als Vorlagen, die er durch Verräumlichung und Kontextverschiebung in reduzierte Modellsituationen überführt.

Carlos Manuel (*1968) studierte Philosophie in Curitiba/Brasilien, Theaterwissenschaft an an der Sorbonne Nouvelle und Schauspiel am Conservatoire National Superieur d’Art Dramatique in Paris. Als Theaterregisseur arbeitete er an verschiedenen Bühnen Deutschlands; als letztes u.a. am Staatstheater Karlsruhe, Staatstheater Wiesbaden, Stadttheater Dortmund und Theater Bielefeld, sowie seit 2001 mit der Jugendtheaterwerkstatt Spandau.

Dr. Britta Lange (*1973) studierte Kunst- und Kulturwissenschaften in Köln und Berlin.
Sie promovierte am Graduiertenkolleg »Codierung von Gewalt im medialen Wandel« an der Humboldt-Universität zu Berlin über die kulturelle Vermarktung des deutschen Kolonialismus zwischen 1871 und 1943.

Cornelia Klauß (*1962) studierte Filmwissenschaft an der Filmuniversität Babelsberg Konrad Wolf. Von 1990 bis 2002 war sie Programmleiterin des Filmkunsthauses Babylon in Berlin. Seither arbeitet sie freiberuflich als Autorin von Dokumentarfilmen und Radiofeatures, Dramaturgin sowie Kuratorin, u.a. im Auswahlgremium der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen. Seit den 90er Jahren ist Cornelia Klauß als Moderatorin für das Dokumentarund Animationsfilmfestival »DOK LEIPZIG« tätig. Seit 2010 arbeitet sie als medienpolitische Sprecherin des Bundesverbandes Kommunale Filmarbeit und ist Herausgeberin politischer Reisebücher.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten, dem Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und der miKrOPROJEKTE 2016

Eröffnung am 30.09.2016 von 19 Uhr bis 22 Uhr
Ausstellung am 01.10. bis 08.10.2016

Begrüßung Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Zur Ausstellung Constanze Fischbeck und Sven Kalden
Performance Carlos Manuel

Mittels Skulptur, Performance und Film wird die ›letzte innerstädtische Sanddüne Deutschlands‹ in der Scharnweberstraße 159 als Düne Wedding symbolisch in die Galerieräume übertragen. Die Düne wird von der geschützten Natur zu einem Zeichen für Natur und ist als temporäres Monument gleichzeitig nur ein Haufen Sand – Material, aus dem etwas gebaut werden kann.

Die Straßennamen im benachbarten Afrikanischen Viertel sind kolonialrevisionistisch motiviert zum Teil begründet in einem landschaftlichen Missverständnis: Carl Hagenbeck hatte das Gelände in den Rehbergen um 1900 gekauft, um einen »Zukunftstierpark« zu errichten. Später dienten die wüstenartig erscheinenden Sanddünen als Filmset für den frühen Weimarer Stummfilm. In den Filmen der John Hagenbeck-Film GmbH wurden die ehemaligen Kolonien im Format von Raubtier-Sensationsfilmen im Geiste des Exotismus nachrekonstruiert. Die Sanddünen der Rehberge dienten als Projektionsfläche für Phantasmen exotischer Ferne und Konstruktionen des »Anderen«.

In der Ausstellung bildet die Düne als Mittelpunkt eines fiktiven Filmsets den Bezugspunkt für das Zusammensehen der widersprüchlichen topografischen Inszenierungen, die das Areal von Afrikanischem Viertel und Volkspark Rehberge hervorgebracht haben. Die Kamera bestimmt den Ausschnitt und inszeniert die Gegenwart im Wedding als Frage an Konstruktion und Benennung von städtischer Umwelt.

Die Ausstellung Düne Wedding wird von Constanze Fischbeck im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) kuratiert.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten, dem Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und der miKrOPROJEKTE 2016

Eröffnung am 11. August um 19 Uhr

ab 20 Uhr
Still Life II Liveprobe der Band Luci Lippard
WG-Willkommensgetränk „Flower Water“ von Marisa Benjamim

Eine Ausstellung mit Dominique Baron-Bonarjee, Marisa Benjamim, Nathalie Mba Bikoro, Lucinda Dayhew, Andrés Galeano, Surya Gied, Fadi al-Hamwi, Funda Özgünaydin, Timea Anita Oravecz, Marijana Radovic

Zehn neue »MitbewohnerInnen«, die dem Open Call »Vacancies! In Post-Otherness-Flatshare« (»Zimmer frei! in Post-Otherness-WG«) gefolgt waren, wurden ausgewählt und ziehen nun mit ihren künstlerischen Ideen, Konzepten, Arbeiten, Objekten, diskursiven Strategien und performativen Ansätzen in die WG/Galerie Wedding ein. Der Ausstellungsraum – das »freie« Zimmer – wird dabei zu einem Möglichkeitsraum, um mittels Imagination, Inspiration, Widersprüchen und Unordnung Momente der »Post-Otherness« zu erzeugen. Nach dem von der Anthropologin Regina Römhild geprägten Begriff des »Post-Other« und gleichnamigen Diskurs werden auf unterschiedlichste Weise Praktiken oder nicht beachtete Politiken des urbanen Alltags in unsere Wahrnehmung geholt.

In der Ausstellung Vacancies! verstehen wir »Post-Otherness«  ganz explizit als die Vielzahl und Diversität von Lebensentwürfen, -erfahrungen und –strategien, die wiederum eine (auch innere) Vielfalt künstlerischer und sozialer Verortungen in sich tragen und mitbringen.  So steht die Gemeinschaft im Kunstraum (öffentlich) und in der WG (privat) – für das Verhandeln kollektiver Wirklichkeiten und Utopien, individueller Bedürfnisse und Ansprüche, aber auch für das Aushalten von Differenzen, Disharmonien und Widersprüchen. In der Gesamtschau entwerfen sie schließlich einen ganz eigenen sozialen Mikrokosmos.

Ausstellung: 12 . August – 24. September 2016

Kuratiert im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) von Kathrin Pohlmann und Julia Zieger

english version:

Opening: August 11, 7 pm
from 8 pm
‚Benjamim‘s Kitchen‘ – Performance by Marisa Bemjamim
‚Still Life II‘ – A live practice with Luci Lippard

Vacancies!
An exhibition with the artists:
Dominique Baron-Bonarjee, Marisa Benjamim, Nathalie Mba Bikoro, Lucinda Dayhew, Andrés Galeano, Surya Gied, Fadi al-Hamwi, Funda Özgünaydin, Timea Anita Oravecz, Marijana Radovic

Vacancies!
Ten new »flatmates«, who have responded our open call for »Vacancies! In Post-Otherness-Flatshare« have been selected for the exhibition and will now move into the flat share/Galerie Wedding with their artistic ideas, concepts, works, objects, discursive strategies and performative approaches. The exhibition space – the »vacant« room – is turned into a space of possibilities, in order to create instances of »Post-Otherness« through imagination, inspiration, contradictions and disorder. In reference to the discourse surrounding the term »Post-Other«, as coined by anthropologist Regina Römhild, various practices or unacknowledged politics of urban everyday life will be brought to light in different ways.

In the context of the Vacancies! exhibition we explicitly understand “Post-Otherness” as the abundance and diversity of ways of life, of experiences and strategies, which in turn bear an (also inner) variety of artistic and social positions. The community in the exhibition space (as public) and within the flat share (as private) thus comes to stand for the negotiation of collective realities and Utopias, individual needs and demands, but also for the endurance of differences, disharmonies and contradictions. The exhibition as a whole creates a very particular social microcosm.

Exhibition: August 12 – September 24, 2016

Curated in the frame of POW (Post-Otherness-Wedding) by Kathrin Pohlmann and Julia Zieger

Vacancies! Text von Kathrin Pohlmann und Julia Zieger

Photo: Al Sol, Andrés Galeano, 2016

Erstmals im Kontext der Ausstellungsreihe von Post-Otherness-Wedding POW öffnet sich die Galerie Wedding für eine Vielzahl künstlerischer Positionen. Die Gruppenausstellung wird dem Programm POW folgend den Ausstellungsraum erneut vollkommen verändern und einen neuen Bildraum erzeugen.

Die Ausstellung Vacancies! (Zimmer frei!) verwandelt die Galerie Wedding in eine meist im Privaten verborgene Einheit kollektiven Zusammenlebens – die Wohngemeinschaft. Zehn künstlerische Positionen ziehen als neue »Mitbewohner*innen« ein. Mit ihren künstlerischen Ideen, Konzepten, Arbeiten, Objekten, diskursiven Strategien und performativen Ansätzen verhandeln sie Aspekte des Zusammenlebens im Privaten und Öffentlichen Raum.

Nach dem von der Anthropologin Regina Römhild geprägten Begriff des »Post-Other« und dem gleichnamigen Diskurs lassen sich im urbanen Alltag (noch) nicht beachtete Praktiken und Politiken des heterogenen Zusammenlebens und schließlich Momente von »Post-Otherness« entdecken. Die WG als ein Mikrokosmos will in der Gesamtschau der künstlerischen Positionen eben jene Momente erfahrbar machen. Der Ausstellungsraum – das »freie« Zimmer – wird zu einem Möglichkeitsraum für Imaginationen, Inspirationen, Widersprüche und Unordnung.

Die Gruppenausstellung Vacancies! wird im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) von Kathrin Pohlmann und Julia Zieger kuratiert.

Vacancies! Text von Kathrin Pohlmann und Julia Zieger (english / deutsch)

Presse
RBB Kulturradio

TAZ Plan Galerie Wedding 18.August

02.- 04.09.2016
We do the rest!  3-tägiger Workshop mit Andrés Galeano (Pro Tag ca. 4 Stunden, Max. 10 Personen)

Specials zur KGB-Kunstwoche & Berlin Art Week
10.09. bis 18.09.2016

10.09.2016 von 15 bis 17 Uhr
It`s time to eat flowers! Workshop mit Marisa Benjamim*

11.09.2016 ab 13 Uhr
Den Kilimanjaro hinabsteigen: Koloniale Trümmer & Erinnerungen im Wedding Artist Walk mit Nathalie Mba Bikoro (Dauer ca. 3 Stunden)*

16.09.2016 von 17 Uhr bis 19 Uhr
Artist Talk mit Fadi al-Hamwi, Funda Özgünaydin, dem treuen Freund und Partnerperformer Macbook pro von Marijana Radovic und den beiden Kuratorinnen von Vacancies! Julia Zieger & Kathrin Pohlmann

16.09.2016 um 20 Uhr
Live-Konzert mit Namosh (Beat Electronic/Electroclash)

17.09.2016 von 12 bis 19 Uhr
Cleaning ROTA Performance von Dominique Baron-Bonarjee

*in englischer Sprache, max. 15 Personen
Anmeldungen bis 07.09.2016 an pow@galeriewedding.de

Freitag, von 17 bis 19 Uhr

Artist Talk mit Fadi al-Hamwi, Funda Özgünaydin, Partnerperformer Macbook pro von Marijana Radovic und den beiden Kuratorinnen von Vacancies! Julia Zieger & Kathrin Pohlmann

Friday from 5pm – 7pm

Artist Talk with Fadi al-Hamwi, Funda Özgünaydin, the loyal friend and partner performer MacbookPro of Marijana Radovic and the curators of Vacancies! Julia Zieger & Kathrin Pohlmann.

Fadi Al-Hamwi is a Syrian painter, video and istallation artist. He graduated from Damascus University in 2010. He participated in numerous international collective exhibitions and produced installations in several galleries and studios in Damascus and Beirut.
http://www.fadialhamwi.com/

Kuratorische Führung durch die Ausstellung Vacancies! mit den Kuratorinnen Julia Zieger & Kathrin Pohlmann

13 Uhr findet zudem ein Artist Walk mit der Künstlerin Nathalie Mba Bikoro statt. Treffpunkt: Galerie Wedding.

Anlässlich der KGB-Kunstwoche ist die Galerie Wedding am 11.09.2016 von 12 bis 19 Uhr geöffnet.

3-Tage-Blockseminar, pro Tag 4 Stunden (in englisch, deutsch und spanisch)
Treffpunkt ist die Galerie Wedding Freitag um 15 Uhr, Samstag und Sonntag um 12 Uhr

Das ausführliche Workshop Programm: we do the rest workshop andrés galeano_ENG

„The workshop is open to everybody, who wants to think collectively the consequences of the famous “You Press The Button”, be more aware of our photographic tics, reflects on amateur aesthetics and finally create your own photo works re-thinking other people’s photos, THEY pressed the button, but WE do the rest!“

This workshop is divided in two parts:

Marijana Radovic CV (deutsch/ englisch)

http://marijana.biz/PEARLBLOG/?wmode=transparent“
https://pearlstravel.wordpress.com/

Der Workshop in Berlin lebenden portugiesischen Künstlerin Marisa Benjamim kombiniert Aspekte von Biologie, Kochen und Natur. In Benjamim`s Kitchen, welches sowohl botanischer Garten als auch Nahrungslabor darstellt, wird anhand von Intuition und einfachen Zutaten, wie Früchten, eßbaren Blättern und Blüten, eine neue Art des organischen Kochens – mit anschließender Verköstigung – vermittelt.

Der Workshop findet im Rahmen der KGB-Kunstwoche statt,
vom 09. – 18. September 2016, eine Aktionswoche der Kommunalen Galerien in Berlin zur Berlin Art Week 2016.

It`s time to eat flowers! Workshop PDF : Workshop It’s time to eat flowers by Marisa Benjamim

Details:

11.09.2016 ab 13 Uhr, Dauer ca. 3 Stunden
in englischer Sprache, max. 15 Personen, Anmeldungen bis 07.09.2016 an pow@galeriewedding.de

»We always believed that testimonies should come from the dead, but what about the living? are their testimonies not part of forming visible monuments? Are our voices signs of cannibalist processions of the fauna we are ingesting into our bodies? How do we apply these memories of sounds as testimonies of a changing neighbourhood? what do these sounds reveal about our diversity and immigration? Last Barometz collection form a station of live feeds collecting the diversity of the elastic histories tied to colonial debris for over a century. They form part of an uprooted plantation whose debris is an archival memory of digital sounds performed as a radio station. they are urban myths of all the histories they have collected becoming fractal seeds splitting into different embryos. for every time these plants would get uprooted, the plants would regrow by mixed pollination and human alterations.« (Nathalie Anguezomo Mba Bikoro)

Der Artist Walk findet im Rahmen der KGB-Kunstwoche statt,
vom 09. – 18. September 2016, eine Aktionswoche der Kommunalen Galerien in Berlin zur Berlin Art Week 2016.

Foto: Performance by Nathalie Anguezomo Mba Bikoro. Foto: Joe Kniesek, 2016

16.09.2016 um 20 Uhr

(see english informations below)

In der Presse wird er als »La Bomba« (neo2/madrid) oder »hyperaktive Enfant Terrible« (arte) beschrieben. Namosh setzt bei seinen Liveperformances jede Menge Energie frei. Den Körper setzt der Musiker bei seinen Konzerten als Medium ein und formt ihn wie ein Material. Er transformiert Klänge in Bewegungen oder, visa versa, formt er Klänge, die auf Bewegungen basieren. Der Rhythmus dabei ist funky, der Beat electronic. Ab und an sind die Stücke wiederum melodisch und breitflächig. Seit 2001 tritt Namosh in variierten Konstellationen in unterschiedlichsten Veranstaltungsorten auf, mit Le Tigre in der Volksbühne, auf Tour mit der Performerin und Musikerin Angie Reed, in Kollaboration mit dem Komponisten Peter Thomas und meistens hauptsächlich alleine.

Namosh’s Live Dynamik wurde 2004 erstmals in ein Solo-Album transformiert. Die erste EP hiess Namosh und wurde von Pale Music nur auf Vinyl herausgebracht. Der Erfolg der EP ermöglichte Namosh’s erste solo Tournee. Das erste reguläre Album Moccatongue erschien 2006 (Bungalow Records). Moccatongue besteht aus kontrastierenden, kaffeinisierten Stimmungen und Emotionen: mal leichtgängig und flexibel, dann wieder sperrig und gesättigt. Einige Songs der ersten EP wurden frisch aufgenommen und neu interpretiert. Die elektrische Spannung wird visuell in physischer Bildhaftigkeit übertragen. Cold Cream, das Video, wirkt kühl sowohl als heiss. Namosh generiert gleichermaßen Anziehung und Abstoßung, Nähe und Distanz. Bei seinen Konzerten trifft er auf Hotspots zwischen Eis und Feuer – zwischen Kälte und Hitze.

Namosh Live is indeed a discharge of high energy. During his concerts this singing & performing and occasionally stand-drum-set playing musician uses his body and vocals as a medium and sculpts it like a material. Namosh transforms sounds into movements or, visa versa, forms sounds based on movements. The rhythm is grounded, his beat mainly electronicly produced. Occasionally his songs sound melodic and smooth. Since 2001 Namosh performs in various constellations in different venues: supporting Le Tigre in Volksbühne/Berlin, on tour with the performer and musician Angie Reed, in collaboration with the composer Peter Thomas.
Yet primarily, Namosh plays solo.

In 2004 Namosh‘ live dynamic was turned into a solo-album. The E-LP carried the title Namosh and was released solely on vinyl by Pale Music. The EP became a hit on the dance floor and opened up a club- tour from siberia to london, though spain. HIs first regular album Moccatongue appeared in 2006 (Bungalow Records). Moccatongue consists of contrasting, caffeinated moods and emotions: light and flexible songs are followed up by unwieldy and saturated ones. The electric tension is transformed in the physique pictorial. The effect of Cold Cream, the video, is both hot and frosty. It was too creepy for Music Television while the Maxi-Single appeared in the german dance charts top 20 in 2005. Simultaneously Namosh generates attraction and repulsion, closeness and distance. In his concerts he hits the hotspots between ice and fire – between coolness and heat.

Links
www.namosh.com
www.soundcloud.com/namosh

(see English version below)

Dominique Baron Bonarjees Performance Cleaning ROTA (»rota« bedeutet etymologisch »Rad«) stellt eine scheinbar profane, aber äußerst wichtige Komponente innerhalb des Zusammenlebens in einer WG heraus – das Putzen und seine tieferliegende soziale und psychologische Bedeutung. Sie transportiert mittels einer scheinbar banalen Tätigkeit und deren Eigenschaft des zirkulären Wiederholens eine dieser innewohnende Botschaft: Die Künstlerin eignet sich Territorium an, gibt es wieder frei, schafft Chaos, dann wieder Ordnung und hinterlässt Spuren ihrer vermeintlich ephemeren Präsenz. Unter Einsatz des Geschirrspülers der Galerie, als Zeitgeber und Mitarbeiter in diesem Kreislauf, verwebt ROTA Mensch/Belebtes, Technik/Lebloses, Vergangenheit/Gegenwart und Rhythmen. Sie untersucht die kaum oder nicht wahrnehmbaren Resonanzen, die im tagtäglichen Austausch innerhalb geselliger Räume entstehen. Reinigung, oder besser: das Putzen ist hier ein Weg, um zu »deterritorialisieren«, Spuren zu entfernen beziehungsweise aufzuzeigen.

ROTA is a durational performance which takes place as part of the Vacancies! exhibition at the WG / Galerie Wedding. The performance lasts from opening time at 12 pm until closing time at 19pm. This event explores cycles of spaces and attempts to establish a temporal order which connects the body to various elements within the gallery. The cleaning rota examines, the time of labour, leisure, collaboration, and conviviality and so…
You are warmly invited to join the artist and her guest for a »tea break« discussion and artist’s talk from approximately 17:00h/ 5pm as well as throughout the day.
ROTA will run all day and can be experienced at any time until the gallery closes.

Webseite der Künstlerin/ Website of the artist
https://dominiquebaronb.wordpress.com

Eine Ausstellung von Ahmet Öğüt im Rahmen von Post-Otherness-Wedding (POW) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Begrüßung & Worte zur Ausstellung
Sabine Weißler, Bezirksstadträtin für Weiterbildung, Kultur, Umwelt und Naturschutz
Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur

ab 20 Uhr Musik aus der Plattensammlung von realtalktalk (Alexander Peikert http://alexundantje.de/)

ab 23 Uhr DJ Set von Barbara Klein (https://www.facebook.com/photovideo.b.klein/)

»Invisible Cinema« im digitalen Zeitalter – eine Installation von Hannah Sioda

Kuratiert im Rahmen von POW Post-Otherness-Wedding von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

In seinen zehn Jahren als praktizierender Künstler war Öğüt selbst eine Art nomadischer Künstler, ohne ein festes oder physisches Studio. Sein Studio war der konzeptuelle Ort des Geistigen, den er mit sich von Istanbul nach Helsinki, Amsterdam und Berlin bringen konnte. Durch die Inszenierung des »LOFT«-Geistes wird Öğüt die Galerie in sein Arbeitsstudio verwandeln. Studio Öğüt ist ein Ort zum gemeinsamen Nutzen, Arbeiten, Lernen, Aufbewahren, Zeitverbringen, Zusammenkommen, Denken, Treffen, Kochen, Feiern, Produzieren und Präsentieren. Dabei wird Öğüt nicht nur die Bedeutung des Studios als Bezugspunkt und Grundlage radikal infrage stellen, sondern auch den kreativen Prozess des Künstlers hinterfragen. (Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung)

Der in Diyarbakir geborene Ahmet Öğüt vertrat 2009 die Türkei auf der Biennale in Venedig. Er arbeitet mit den Mitteln Humor, Ironie und Übertreibung – oft jenseits des Absurden. So gelingt es ihm, die Gleichschaltung unseres kollektiven Gedächtnisses sichtbar zu machen. Er erarbeitet eine eigene Version der Geschichte, in der die kleinen und vielfältigen Geschichten den Vorrang bekommen. Sein Blick auf die Moderne speist sich aus Literatur, Film und Philosophie und äußert sich in Zeichnung, Video, Fotografie und Installation.

Begleitende Veranstaltungen
ab 15.06.2016 »Invisible Cinema« im digitalen Zeitalter – eine Installation von Hannah Sioda
21.06.2016 von 12 bis 14.30 Uhr Der Künstler Ahmet Öğüt und die Kuratorin Solvej Helweg Ovesen sind anwesend und offen für Fragen und Gespräche.
21.06.2016 um 19 Uhr Le Brothers (Le Ngoc Thanh & Le Duc Hai) – Europa-Tour Of(f) Myth Performance Programme: Talk & Screening eingeladen von Savvy Contemporary Gallery Berlin e.V. kuratiert von Nathalie Mba Bikoro.

Weitere Veranstaltungen mit verschiedenen Akteur_innen werden auf unserer Web- und Facebookseite angekündigt werden. Geplante Veranstaltungen sind (tba) unter anderen mit dem Kreuzberger Nasenflötenorchester, The Curves – Women Motorcycle Club Berlin, Yoga mit Kindern und vielen mehr.

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
Studio Öğüt_ deutsch
Studio Öğüt_english

Biografie/ Biography
Ahmet Öğüt

Webseite/ Website
www.ahmetogut.com

Presseartikel/ Press Reviews
»Ahmet Ögüt im Ganzen« (Zitty vom 07.Juli 2016)

LE BROTHERS (Le Ngoc Thanh & Le Duc Hai)

Geboren 1975, Bình Trị Thiên, Vietnam, leben und arbeiten in Hue City, Vietnam

Le Brothers are twin brothers who are forging a truly remarkable art career. Their unique approach to history, identity and the interpretation of the past in the present produces works that accelerate our understanding of unforgettable events which are presented as refined and dignified accounts that invite the viewer’s reflection, realization and a deeper respect for culture and custom.

Their practice explores an aesthetic where their art can for example, examine, dissect and question the post-war consciousness of North and South Vietnam.

www.newspacearts.com

Le Brothers (b. 1975, Bình Trị Thiên, Vietnam) are twin brothers whose work dissect and question the post-war consciousness of North and South Vietnam. The »Other Side Project« solo videos in HDLU museum, Zacrep – Croatia (2015). »Secret Archipelago« in  Palais de Tokyo, Paris (2015). Do Disturb Contemporary arts festival in Palais De Tokyo, Paris (2015). »Budi Daya« video art  »Into The Sea« in Malay Heritage – Singapore. »Red project« 2014 and »The glimmer that we see / Vietnam« in Taipei, Taiwan 2014. Selected for Singapore Biennale 2013, selected projects include »The Bridge II«, performance at DMZ Gang Hwa, Korea (2012), »Before ‘86«, Cheongju Complex Cultural Center, Korea (2012) and »Communicate with me«, Saigon Open City, Vietnam (2006), »Window to Asian« Vietnam (2001).

The Invisible Cinema was a theatre built in 1970 by Peter Kubelka in the Anthology Film Archives in New York. It was based upon the notion that, like the other machines a film is dependent on (cameras, developers, printers, editing machines, and projectors), the room in which one sees a film, should also be a machine designed for film viewing.

»A machine that permits an experience of the filmic image and sound, without distractions, where the viewer should not have any sense of the presence of walls or the seize of the auditorium. He should only have the white screen isolated in darkness as his guide to scale distance. All the other elements of the cinema are black: the rugs, the seats, the walls the ceiling. Seat hoods and the elevation of the rows protect one’s view of the screen from interception by the heads of viewers in front. Blinders eliminate the possibility of distractions from the side. We call it The Invisible Cinema.»(Anthology Film Archives in The Filmmakers Newsletter, 1971)

Workers taking over the Factory is a film about the installation of 8mm film activated through a sewing-machine by Ahmet Ogut in collaboration with Ozgur Kazova: Workers Self-managed Textile Cooperative, and commissioned by the 13th Biennale de Lyon.

Screened in this reproduction of the Invisible Cinema, the film enables a dialogue with the space it is hosted in – a dialogue reflecting our own viewing position within and outside of the black room.  This is a sometimes contradictory exchange between Lumières Film Sortie de l’usine, a sewing-machine that activates celluloid, a film documenting the installation itself and it’s projection inside this gallery-room transformed into a viewing-machine.

– Text by Hannah Sioda –

Further Reading:

Manifesto of the Anthology Film Archive:

Deutsch

Englisch

A pool of electronic and acoustic equipment starts to whirl and incarnates a bang of unexpected ! Everything can happen. Nothing needs to happen! EPIPHANY NOW form a circle and create a chameleon of sound. Live improvised music only, visually supported by Benjamin Augustin and his incredible slide and video projections illuminate the epiphanic tipi.
epiphany-now.tumblr.com
soundcloud.com/epiphany-now

im Rahmen der Ausstellung Aufbau Ost von Henrike Naumann

am 30.4.2016 ab 14 Uhr

Vortrag
von Henrike Naumann und Bastian Hagedorn
am 14.04.2016 um 19 Uhr

Der Vortrag findet in englischer Sprache statt.

Im Dezember 2015 eröffneten die Künstler*innen Bastian Hagedorn und Henrike Naumann das Museum of Trance im Rahmen der 4. Ghetto Biennale in Port-au-Prince, Haiti. Der konzeptionelle Ausgangspunkt war das Vodou-Drumming und die damit verbundenen Trance-Zustände. Diese Art von Trance fehlt in den Religionspraktiken Westeuropas weitestgehend. In den frühen 90er Jahren entwickelte sich insbesondere in Deutschland die Trance Music aus Rave Music und Acid Techno. Dieses harte, schnelle und sphärische neue Genre schuf eine ekstatische Spiritualität. Ethnologische Ausstellungen über Vodou diskutieren Exotismus und Otherness, reproduzieren sie jedoch zugleich. Die Künstler*innen wollten Fragen dazu aufwerfen, indem sie versuchten deutsche Rave-Kultur zu exotizieren und als ,other‘ inmitten von Haiti zu musealisieren. Die Institution ethnologisches Museum sollte dekonstruiert und zum postkolonialen Experimentierfeld werden. In unserer Dokumentation möchten wir versuchen einen Einblick in das zu geben, was im Museum of Trance in Port-au-Prince entstanden ist.

A documentation
by Bastian Hagedorn and Henrike Naumann
14.04.2016 at 7 pm

The event will be held in English language.

In december 2015 the artists Bastian Hagedorn and Henrike Naumann opened the Museum of Trance as part of the 4th Ghetto Biennale in down-town Port-au-Prince, Haiti. The conceptual starting point was the interest in vodou music and drumming and the stages of trance that people get in while pracricing it. This form of trance is something that is lacking in the religions practiced in Western Europe. But in the early 90s Trance Music was evolved out of Rave Music and Acid Techno. This hard, fast and spherical new genre tried to capture an ecstatic spirituality that otherwise is very rare in Western Europe, especially in Germany. The artists wanted to see what happens when the Haitian practice of spiritual trance clashes with German Trance music culture. The concepts aimed to discuss the representation of Haitian culture in German museums by excoticizing German rave culture and by musealizing it as ,the other‘ in the middle of Haiti. The traditional institution ,ethnological museum‘ was meant to be appropriated, deconstructed and re-interpreted by the local artists and musicians. In our documentation we will try to give an impression of what happened in The Museum of Trance in Port-au-Prince.

Webseite/ Website
www.museumoftrance.com

(Please see english version below)

Zimmer frei! in »Post-Otherness-WG«
Kuratiert im Rahmen von POW von Julia Zieger und Kathrin Pohlmann

Bewerbungsschluss: 15.04.2016

Mit dem Open Call »Zimmer frei!« ruft die Galerie Wedding Berliner Künstler*innen auf, sich mit künstlerischen Arbeiten, Projekten oder Ideen für die Teilnahme an einer Ausstellung im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) vom 12.08. bis 24.09.2016 in der Galerie Wedding zu bewerben.

Im Januar 2015 eröffneten die beiden Kurator*innen Solvej Helweg Ovesen und Bonaven­ture Soh Bejeng Ndikung mit der Auftaktveranstaltung »INTRO« ihr Ausstellungsprogramm »POW« (Post-Otherness-Wedding) und luden Künstler*innen und Kulturschaffende aus ganz Berlin zum diskursiven Austausch und ein erstes Kennenlernen zu Gesprächen in die Galerie Wedding ein. Daran anknüpfend und um den großzügigen Raum der Galerie nun noch ein Stück weiter zu öffnen, suchen wir mit dem Aufruf Zimmer frei! für den Zeitraum von sechs Wochen min­destens zwei bis maximal neun »Mitbewohner*innen«.

Wir verstehen uns in diesem Aufruf als eine »WG«, kosmopolitisch im Werden, weltoffen in der Haltung, kommunal in der Verankerung, mikropolitisch in der Umsetzung und »Post-Other« in der sich ständig neu erfindenden Summe aller Teile.
Der von der Anthropologin Regina Römhild geprägte Begriff und Diskurs der »Post-Otherness« bedeutet für uns in diesem Kontext die Überwindung althergebrachter Abgrenzungs- und Ausschließungsmechanismen sowie Differenzkonstruktionen des Eigenen und Anderen und des Hier und Dort. Diese gilt es sichtbar, erfahrbar und begreifbar zu machen. Wir verstehen unter einer WG, in der Menschen unterschiedlichster biografischer Prägung miteinander wohnen und leben, einen sozialen Mikrokosmos, der aus der Notwendigkeit des
Zusammengeworfenseins oder aus dem Wunsch nach alternativen Wohnkonzepten Formen des Zusammenlebens hervorbringt, die in der gesamtgesellschaftlichen Vorstellung oft unvorstellbar scheinen. Solche sich verselbstständigenden, im Verborgenen, weil Privaten etablierenden heterogenen Erfahrungen und Strukturen und auch die sich daraus ergebenden Momente alltäglichen Zusammenlebens und selbstverständlichen Grenzüberschreitungen und Konstruktionen des Selbst sind Aspekte, die uns in diesem Zusammenhang interessieren.

Den hier für neue »Mitbewohner*innen« – im Sinne von künstlerischen Ideen, Konzepten, Arbeiten, Objekten, diskursiven Strategien und performativen Ansätzen ausgeschriebenen Raum – unser »freies« Zimmer – begreifen wir dabei als einen (ebenso freien) Möglichkeitsraum, um mittels Irritation, Imagination, Inspiration, Widersprüchen und Unordnung Momente von »Post-Other« zu erzeugen und bereits existierende Mikrokosmen, Praktiken oder nicht beachtete Mikropolitiken urbanen (z.Bsp. post-migrantischen) Alltags und intersektionaler Verhältnisse aus der Anonymität und Unsichtbarkeit in unsere Wahrnehmung zu holen. Soziale Imagination als die Gegenwart bestimmende Praxis kann ein Ausgangspunkt sein. Eine Archäologie der Gegenwart als zukunftsweisende Realitätsbestimmung ein weiterer.

Bewerbungen bis zum 15.04.2016 an pow@galeriewedding.de.

Eine Auswahlkommission entscheidet Anfang Mai über die Auswahl der Künstler*innen.

Auswahlkommission
Dr. Ute Müller-Tischler (Leiterin der Galerie und des Fachbereichs Kunst & Kultur in Berlin Mitte)
Solvej Helweg Ovesen (Kuratorin)
Kathrin Pohlmann (Künstlerin)
Bonaventure Soh Bejeng Ndikung (Kurator)
Julia Zieger (Kulturwissenschaftlerin)

Zur detaillierten Ausschreibung
Zimmer frei!
(english version)

Vacancies! in »Post-Otherness-Flatshare«
Curated in the context of POW by Julia Zieger and Kathrin Pohlmann

Application due 15.04.2016

The Open Call »Vacancies!« invites artists in Berlin to apply for a participation in an group exhibition in the context of POW at Galerie Wedding from 12.08. to 24.09.2016. Existing works, concepts, project ideas of every genre are welcome.

In January 2015 the two curators Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung inaugurated their exhibition programme »POW« (Post-Otherness-Wedding) with the opening event »INTRO« to which they invited artists and other people involved in culture from Berlin to an exchange and an initial meeting, followed by talks at Galerie Wedding.
In continuing this project and in order to open the large space of the gallery a bit further we are looking with the announcement of our vacancies for two up to nine »flatmates«.

In this open call we define ourselves as a flatshare, cosmopolitical in becoming, openminded in attitude, local in terms of our base, micropolitical in realisation and »post-other« in the ever rearranging sum of its parts.

We understand the term and discourse of »post-otherness«, coined by the anthropologist Regina Römhild, in our context to mean overcoming old mechanisms of distinction and exclusion, as well as the construction of difference between the self and the other, the here and there. The aim is to render these constructions visible, perceptible and understandable. With flatshare, we mean a situation where people of different biographical backgrounds live together; a social microcosm, which, caused by the necessity of coming together by chance or the desire for alternative concepts of living creates forms of coexistence, which often seem unimaginable from the perspective of common society. It is aspects such as the heterogenous experiences and structures that take on a life of their own after they are established in obscurity, in the private sphere, as well as the ensuing moments of everyday life together, the implied breaking of boundaries and the constructions of the self that we find interesting in this context.

The space for our new »flatmates« – our »free« room – is a space in the sense of artistic ideas, positions, works, objects, discourse strategies and performative approaches, we think of it as a (by analogy free) space of possibility, to create moments of the »post-other« through irritation, imagination, inspiration, contradiction and disorder and to take already existing microcosms, practices or ignored micro-politics of the urban (e.g. postmigrant) everyday life and intersectional conditions out of anonymity and invisibility into our awareness. Social imagination as a practice that defines the contemporary situation could be a starting point. An archaeology of the present as an analysis of reality pointing to the future could be another.

Application due 15.04.2016 to pow@galeriewedding.de

The decision on the number and constitution of the new »flatmates« in the »Post-Otherness-Flatshare« is made by a selection panel and will be announced in May 2016.

Selection Panel
Dr. Ute Müller-Tischler (Director of the Gallery and of the department of art & culture in Berlin Mitte)
Solvej Helweg Ovesen (curator)
Kathrin Pohlmann (artist)
Bonaventure Soh Bejeng Ndikung (curator)
Julia Zieger (cultural scientist)

Detailed Description (PDF)
Vacancies!

01.04.2016 bis 14.05.2016

Eine Ausstellung im Rahmen von POW
kuratiert von Solvej Helweg Ovesen
und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 31.03.2016 um 19 Uhr

Begrüßung
Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Führung durch die Ausstellung
mit Solvej Helweg Ovesen (Kuratorin), Bonaventure Soh Bejeng Ndikung (Kurator) und Henrike Naumann (Künstlerin)
Musikperformances ab 20 Uhr
Pantene (live), Bastian Hagedorn (live), Joshua Ford (on the decks)

ein psychoakustischer kommunaler Raum

29.01. bis 19.03.2016
Eine Ausstellung von Jan-Peter E.R. Sonntag

Kuratiert im Rahmen von POW von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure S.B. Ndikung

Für die Ausstellung in der Galerie Wedding wird der Künstler, Komponist und Theoretiker Jan-Peter E.R. Sonntag die L-förmige Architektur des Hauptraumes der Galerie »verrauschen«.
Mit zwei für diesen Raum speziell entwickelten 2,30m hohen Hornsystemen vor beiden Stirnwänden wird der kommunale Kunstraum in eine scheinbar unendliche Bewegung versetzt.Seiten aus TdZ_2016_04_klein

Jan-Peter E.R. Sonntag arbeitet seit langem mit der Form der akustischen Darstellung und Intervention. So produzierte er erstmals 1993 für seine Installation im Treppenhaus des Ministeriums für Wissenschaft und Kultur in Hannover ein endlos steigendes wie auch fallendes Rauschen. Während wir heute Rauschen eher mit Technik in Verbindung bringen, bezieht sich Jan-Peter E.R. Sonntag auch auf die Romantik, in der allein das Rauschen der Bäume, des Meeres zu hören war. Es rauschte und berauschte und nicht von ungefähr haben »Rauschen« und »Rausch« in der deutschen Sprache den gleichen Ursprung.

Jan-Peter E.R. Sonntag ist Mitherausgeber der gesammelten Schriften Friedrich Kittlers und war 2015  mit der Kammeroper Sinus im Tieranatomischen Theater in Berlin präsent. Er forscht über psychoakustische Räume, die allgemeingültig und universell sind. Mit seinem Team entwickelt er immer wieder neue Technologien um diese im Wechselspiel mit gebauten Architekturen erfahrbar zu machen.

Die Galerie Wedding ist Kooperationspartner der Transmediale Berlin und die Ausstellung NYMPHAE_M RAUSCH ECK Teil des Programms »Vorspiel 2016«.
www.transmediale.de

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
NYMPHAE_M RAUSCH ECK_deutsch
NYMPHAE_M RAUSCH ECK_english

Biografie/ Biography
Jan-Peter E.R. Sonntag

alte Projektseiten des Künstlers: u.a.
www.sonntag-sinus.net
www.apparatus-operandi.org
www.sonarc-ion.de

Presseartikel/ Press Reviews
Präsenz statt Präsentation von Detlev Schneider (Theater der Zeit, April 2016)

Donnerstag, 10. März 2016, 19.30 Uhr

Im Zentrum des Konzertes in der Installation NYMPHAE_M RAUSCH ECK stehen zwei EXTENSIONEN von Jan-Peter E.R. Sonntag:
Eine gedehnte Komposition aus dem 3. Akt seiner Kammeroper SINUS für den für sie entwickelten sonH-Vowel-Synth, sowie eine Komposition für ein und zwei Kontrabässe mit einer für den 2. Akt von SINUS neu entwickelten Spieltechnik – ein »deep listening space«.

Da wir nur einer limitierten Zahl von Zuhörern einen Platz in dem Setting für die Uraufführungen einrichten können, bitten wir um eine verbindliche Anmeldung bis einschließlich 9. März via e-mail: pow@galeriewedding.de.

Programm

Einführung

#1 NYMPHAE_M für 2 Kanal-Sound-System für die Architektur der Galerie Wedding
(UA, 11min)

#2 EXTENSION für sonH-Vowel-Synth
(UA, 55min)

Pause

#3 EXTENSION für ein und zwei Kontrabässe
(UA, 34min), Kontrabass – Lars Gühlcke

Die Frage nach einer »unerhörten Musik« mit bis jetzt auch noch ungehörten Schallereignissen – ein Phantasma nicht nur in der Neuen Musik der Moderne und darüber hinaus – ist für Jan-Peter E.R. Sonntag keine Glaubensfrage, sondern in erster Linie eine körpertechnische, mechanische, bautechnische, elektrotechnische und programmiertechnische – also erst einmal eine Frage nach Techniken beziehungsweise technischen Möglichkeiten. Für einen architektonischen Raum, der als hüllender Filter, Reflektor, Absorber oder Verstärker den Klang maßgeblich bestimmt extra ein Soundsystem zu entwickeln ist genauso Teil der Komposition für ihn, wie die Entwicklung von Instrumenten und Schaltungen. In den 90er Jahren standen in Sonntags Forschen und Entwickeln vor allem Fragen der Raumwahrnehmung unter Einbeziehung von Wissens-Feldern der Hörpsychologie und Kognitionswissenschaft im Vordergrund. 1993 produzierte Jan-Peter E.R. Sonntag erstmals zusammen mit dem Programmierer Jörg Spix für seine Installation im Treppenhaus des Ministeriums für Wissenschaft und Kultur in Hannover ein endlos steigendes wie auch fallendes Rauschen – eine bis dahin noch nicht realisierte Raumtäuschung an einer IRCAM Workstation –, das Ausgangspunkt der Raum-Klang-Komposition NYMHAE_M – ein psychoakustischer, kommunaler Rauschraum ist.

Nach seiner ersten Kammeroper N-Spiral (UA Kampnagel Fabrik, Hamburg 1999; pro musica nova, Bremen 2000) rückte bei ihm das Phantasma der elektronischen Klangerzeugung in den Vordergrund und so entwickelte er basierend auf seinen Medienarchäologischen Forschungen zu William Duddel, Lew Thermen und Nicola Tesla seine ersten sonArcs – domestizierte Blitze –  erste rein elektrisch/ elektronische Systeme, deren Schall – und Sende-Interfaces codierte Hochspannungsplasmen sind. 2006 kam im TESLA in Berlin Sonntags zweite Kammeroper sonArc::ion auf der Suche nach dem Wesen Elektrizität und den Anfängen der elektronischen Musik zur Uraufführung.

Als Reaktion auf den Tod Friedrich Kittlers im Herbst 2011 initiierte Sonntag apparatus operandi#1 – der Synthesizer des Friedrich A. Kittler (u.A. zkm, Karlsruhe 2012; transmediale, Berlin 2013). »Auf Kittlers Schreibspuren, mit scharfem Blick und wachem Ohr, mit und gegen Kittler an Nietzsche und über Foucault gilt es nicht schlicht den Modularsynthesizer einer Vivisektion zu unterziehen. Über das Denken und Dichten von Hardware betreiben wir an den nachgelassenen »Corpora« Philologie, Kittler-Exegese. Schaltungsgrammatologie. ›Sie haben Recht – unser Schreibzeug arbeitet mit an unseren Gedanken.‹ (Colli/Montinari, KSB III, 1, 172)«, so beschreibt eine weibliche Tonbandstimme im Herbst 2012 im ZKM die Anfänge des Projektes vor der Videoprojektion der ersten Anatomie. Zusammen werden Sebastian Döring und Jan-Peter E.R. Sonntag auch im Rahmen der gesammelten Schriften die Schaltungsnotationen zu Kittlers Synthesizer im Fink Verlag herausgeben.

Die jahrelange Auseinandersetzung des Sohnes, Enkels und Urenkels von HNO-Medizinern mit den Schriften von Herman von Helmholtz führte zur Entwicklung des sonH-Vowel-Synth´ und um ihn seine dritte Kammeroper SINUS, die er im letzten Jahr für das Tieranatomische Theater an der Humboldt Universität in Berlin komponierte. Der obertonlose, »einfache Ton« nach Hermann, dessen Wellenform mathematisch durch eine Sinusfunktion beschrieben werden kann, ist das poetische Kontinuum der Oper. Für Sonntag ist die Tonlehre Helmholtz’ nicht nur ein historischer Versuch aus der Mitte des 19. Jahrhunderts ein physiologische Grundlage der Musik zu schaffen, sondern es beschreibt und schafft zugleich die geistigen und apparativen Grundlagen der Ästhetik der Neuen und experimentellen Musik des 20. Jahrhunderts sowie die Technologien der elektronischen und digitalen Musik bis heute. So ist der Apparat zur »Synthese von Vocalen«, den Helmholtz zur experimentell sinnlichen Überprüfung seiner Theorien von König bauen lässt, wirklich ein erster elektroakustischer Synthesizer noch vor der Erfindung der Röhren, Transistoren und elektrodynamischen Schallwandler / Lautsprecher, die die so genannte elektronischen Musik im 20sten Jahrhundert erst technologisch ermöglichten. Nach mehreren Jahren Forschung und Entwicklung entstand im Herbst 2015 ein erster sonH-Vowel-Synth – ein computergesteuertes, akustisches Instrument mit dem zwei Partial Tonreihen aus insgesamt 20 »einfachen Tönen« zu Klängen mit verschiedenen Vokal-Charakteristiken und Schwebungen gemischt werden können.

Jan-Peter E.R. Sonntag ist Künstler, Theoretiker und Komponist. Außerdem ist er Mitherausgeber der gesammelten Schriften des 2011 verstorbenen Medientheoretikers und Literaturwissenschaftlers Friedrich Kittler.
Für die Ausstellung NYMPHAE_M RAUSCH ECK »verrauscht« er den Hauptraum der Galerie Wedding mittels zweier speziell entwickelter Hornsysteme. Er bezieht sich auf die Forschung und künstlerische Darstellung des Mythos Nymphe und fügt nach seiner Auseinandersetzung mit Aby Warburgs Bildatlas »Mnemosyne« dieser eine eigene Interpretation hinzu – die der Nymphe als Mänade.

Kristoffer Gansing ist seit 2012 künstlerischer Leiter der Transmediale, die dieses Jahr unter dem Titel »Conversationpiece« stattfand. Als Kurator und Wissenschaftler interessiert er sich für die Schnittstellen von Medien, Kunst und Aktivismus.

NYMPHAE_M RAUSCH ECK (29. Januar bis 19. März 2016) ist Teil des kuratorischen Programms POW (Post-Otherness-Wedding) der Kurator*innen Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

29.01. bis 19.03.2016
Eine Ausstellung im Rahmen von POW, kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 28.01.2016 um 19 Uhr
Begrüßung
Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur

Preview Führung durch die Ausstellung um 18 Uhr mit Jan-Peter E. R. Sonntag, Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Die Galerie Wedding ist Kooperationspartner der Transmediale Berlin und die Ausstellung NYMPHAE_M RAUSCH ECK Teil des Transmediale-Programms »Vorspiel 2016«.

Vortrag von Regina Römhild mit anschließendem Publikumsgespräch am 14.01.16 um 19 Uhr

Welche Situationen, Orte, Begegnungen, Ideen bringen uns dazu, über die Grenzen von Identitäten hinaus zu denken und zu handeln? Diese Frage erlaubt, den Alltag nicht nur als Ort der Reproduktion von Ein- und Ausschlüssen zu sehen, sondern darin Momente des Aufbruchs, des Aufbrechens solcher Strukturen zu entdecken. Sie richtet den Blick auf die Kräfte der Imagination als einer sozialen Praxis (Arjun Appadurai), die Grenzräume zu Räumen der Aspiration, des Entwerfens und der Aushandlung von Zukunft machen. Die laufenden und die langfristigen Auseinandersetzungen mit Flucht und Migration sind auch ein Laboratorium für Ideen und Praktiken einer »radikalen Gastfreundschaft«, die auf bereits existierende Erfahrungen und Geschichten der Grenzüberschreitung, der Verflechtung, der Vermittlung zwischen diversen Identitäten_Alteritäten zurückgreifen. Es ist eine Frage der Perspektive und der Methode der Betrachtung und Erforschung von Wirklichkeit, ob diese kosmopolitisierenden Interventionen erkannt und mobilisiert werden können.

Regina Römhild ist Kulturanthropologin und seit 2009 Professorin am Institut für Europäische Ethnologie der Humboldt-Universität zu Berlin. Zu ihren Schwerpunkten in Forschung und Lehre gehören urbane Kulturen, Migration, Mobilität und Grenze, Europa und Europäisierung in globaler, postkolonialer Perspektive, politische Anthropologie. Dabei gilt der Ethnographie gesellschaftlicher Alltagswelten und den experimentellen Formaten einer interdisziplinären Zusammenarbeit an den Schnittstellen von Wissenschaft und Kunst ihre besondere Aufmerksamkeit.

Post-Other Interventions ist Teil des kuratorischen Programms von POW (Post-Otherness-Wedding) von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung in der Galerie Wedding.

Regina Römhild & Bonaventure Soh Bejeng Ndikung (PDF)
The Post-Other as Avant-Garde

Neuere Veröffentlichungen
Andere Europas. Soziale Imagination an der Schnittstelle von Kunst, Politik und Ethnografie. In: Michael Bachmann & Asta Vonderau (eds.), Spiel ohne Grenzen? Europa in künstlerischer und kultureller Praxis. Bielefeld: transcript (im Erscheinen)
Vom Rand ins Zentrum. Perspektiven einer kritischen Migrationsforschung. Berlin: Panama (gem. hrsg. mit Labor Migration), 2014
Jenseits des Eurozentrismus. Postkoloniale Perspektiven in den Geschichts- und Kulturwissenschaften. Zweite, erweiterte Auflage. Frankfurt a.M.: Campus (gem. hrsg. mit Sebastian Conrad und Shalini Randeria), 2013

Eine Ausstellung von Sol Calero

20.11.2015 bis 16.01.2016
Kuratiert im Rahmen von POW von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure S.B. Ndikung

Die Künstlerin Sol Calero entwirft alltägliche, soziale Räume und gibt ihnen ihre eigene ästhetische Sprache. Dabei tränkt die in Berlin lebende Venezolanerin ihre Umwelt in karibische Farben, Formen und Bedeutungen. Galerieräume und ihr Interieur transformiert sie zu Internet-Cafés, Klassenräumen, Friseursalons und Salsa-Schulen. Calero gewann mit ihrem spielerischen und positiven Ansatz zu tieferen sozialen Fragen bereits ein wachsendes Publikum.
Diese spielerische Umgestaltung erscheint für die Galerie Wedding wie geschaffen: Die Räume der Galerie Wedding befinden sich im Rathaus Wedding und wurden von 1978-2009 für die Bürgerberatung des Bezirksamtes genutzt. In der Ausstellung (übersetzt: Bürgerberatung) greift Calero diese ehemalige Funktion wieder auf und verwandelt den Ausstellungsraum in ein Verwaltungsbüro zurück, sie gestaltet ein Oficina del Ciudadano. Können wir uns ein »Oficina Del Ciudadano« vorstellen, dass eine Bürgerberatung ist, und auch ein »Vatandas Ofisi«, ein »Ofisi Citizen« oder ein »Biuro Porad Obywatelskich«?

Anstelle der Verwendung der Codes einer Galerie oder eines Berliner Verwaltungsgebäudes, konzentriert sich Calero auf die Codes eines Willkommensortes. Die bürokratischen und funktionalen Aufgaben des ehemaligen Bürgerbüros werden durch weitere Attribute ergänzt – Gastfreundschaft und Wärme. Der Ausstellungsraum öffnet sich als sozialer Raum. Auch die Rathauskantine wird die Künstlerin mit einer karibischen Weihnachtsdekoration umgestalten, um den Menschen im Wedding auf diese Weise eine warme Einladung auszusprechen; Calero mischt die Tradition mit Minimalismus, das warme Chaos Venezuelas mit dem kalten Berliner Winter. Es entsteht die Frage: Wer fühlt sich in diesem modifizierten Büro oder in der Kantine mit einer nicht-deutschen Weihnachtsdekoration zu Hause und wer fühlt sich entfremdet? Die Elemente, die Calero dabei in den neuen Raum einbringt, scheinen zunächst ein Eingriff oder eine Störung des Raums zu bedeuten, bis sie schließlich von diesem angenommen werden und ihm eine neue Konnotation verleihen. Ihr Oficina Del Ciudadano ist ein Büro der ästhetisch-kulturellen Codes mit der Prämisse der Unberechenbarkeit; ein Raum mit einer endlosen Zahl von sich überlappenden, ethnischen Bezugssystemen. Calero, zielt so darauf ab, flexible Räume zu schaffen – Räume, in denen alles passieren kann.

Die 33 Jahre alte Künstlerin interessiert sich für kulturelle Darstellungen und Aneignungen, besonders in Europa und Lateinamerika. Ihre Biographie ist Ausgangspunkt, um Vorstellungen von individueller und kollektiver Identität und Selbstwertgefühl zu untersuchen.

Text von/ by Solvej Helweg Ovesen
Oficina Del Ciudadano_Deutsch
Oficina Del Ciudadano_English

Biografie/ Biography
Sol Calero

Künstlerwebseite/ Website of the Artist
www.solcalero.com

Presseartikel/ Press Reviews
Sol Calero in der Taz 23.12.2015
Sol Calero @ Galerie Wedding (KubaParis, 20.11.2015)
Vernissage mit Weihnachtsessen.’Bürgerbüro’ in der Galerie (Berliner Woche, 09.11.2015)

mit der Künstlerin Sol Calero und der Ausstellungskuratorin Solvej Helweg Ovesen
im Rahmen der Ausstellung Oficina Del Ciudadano

Das Gespräch mit der Künstlerin findet in englischer Sprache statt.

Oficina Del Ciudadano

Sol Calero

19.November 2015 von 19 bis 22 Uhr

Kuratiert im Rahmen von POW von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure S.B. Ndikung

Am 19. November wird anläßlich der Ausstellungseröffnung für das Publikum in der Kantine ab 19 Uhr  ein vorweihnachtliches Abendessen angeboten.
Die Anzahl der verfügbaren Essen ist begrenzt.

Öffnungszeiten
Mo bis Fr von 8 bis 14 Uhr
Die Rathauskantine bietet täglich wechselnde Mittagsgerichte an und befindet sich im Erdgeschoss des Rathaus Wedding.

Webseite der Rathauskantine
Speiseplan

Exemplare der Poster mit dem  jeweiligen kuratorischen Text auf der Rückseite (dt./eng.) können Sie  kostenfrei in der Galerie erwerben.

Eine Ausstellung von Emeka Ogboh

Kuratiert im Rahmen von POW von Bonaventure
S. B. Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Die Ausstellung NO FOOD FOR LAZY MAN von Emeka Ogboh (*1977, Nigeria) in der Galerie Wedding erzählt von Vorstellungen und Realitäten der Migration anhand des Prismas des Essens und seinen Metaphern. Emeka Ogboh ist ein international arbeitender Soundinstallateur mit Basis in Lagos und Berlin, wo er auf Einladung des DAAD-Künstlerprogramms derzeit lebt und arbeitet. In diesem Jahr ist er mit seiner von der Presse vielbeachteten Klanginstallation auf der Venedig Biennale vertreten.
In seiner Solo-Ausstellung im Wedding verwendet er verschiedene Medien, wie Sound, Fotografie, Text, Symbole, Zitate, Anekdoten und Straßenschilder, die in Afrika wie auch in Europa gefunden werden können. Diese Objekte und Installationen setzt er in den Kontext von Migration, Essensphilosophien und Kulturen innerhalb von Migrantengemeinschaften.

Text von/by Bonaventure S.B. Ndikung
NO FOOD FOR LAZY MAN_deutsch
NO FOOD FOR LAZY MAN_english

Menu
Liste der künstlerischen Arbeiten
List of Works

Biografie/Biography
Emeka Ogboh

Künstlerwebseite/ Website of the Artist
www.emekaogboh.com

Presseartikel/ Press Reviews
Die Klanginstallationen des Emeka Ogboh (Tagesspiegel, 21.08.2015)
Kunstinstallation zum Essen (Berliner Woche, 17.09.2015)
Emeka Ogboh : No Food For Lazy Man (Contemporary and)
NO FOOD FOR LAZY MAN (3Bigs)
Die 4. Berlin Art Week (RBB Fernsehen, 17.09.2015)
Erwähnung, (Ifa- Institut für Auslandsbeziehungen)
Empfehlung (Stadtmagazin Tip, 09.2015) (PDF)
Empfehlung von Kurator Simon Njami (Stadtmagazin Tip, Extraheft zur Artweek, 19/2015) (PDF)
Empfehlung (3bigs, 09/10.2015) (PDF)

Zur Eröffnung der Ausstellung wird der Künstler Emeka Ogboh selbstgebrautes Bier zapfen. Das Rezept für dieses Bier mit dem Titel Original Sufferhead Beer entstand aus einer Geschmacksumfrage unter afrikanischen Migranten in Berlin.  Sie wurden nach ihren Erfahrungen
in der Migration, Integration und Assimilation befragt. Die entsprechenden Antworten, verbunden mit Geschmacks- und Geruchserfahrungen, wurden in das Bier übertragen, das an die assoziierten Geschmacksnoten so nah wie möglich heranzukommen versucht.
Entstanden ist ein Bier, das die Geschichte des afrikanischen Migranten in Berlin erzählt. Der Titel »Original Sufferhead Beer« wurde inspiriert von dem gleichnamigen Song des nigerianischen Musiker und Begründer des »Afrobeat« Fela Kuti. Der Songtitel wird in dieser
Ausstellung satirisch eingesetzt, um auf Vorstellungen wie ein afrikanischer Migrant »zu sein hat« anzuspielen.

Entwickelt von Emeka Ogboh und gebraut in Zusammenarbeit mit der Vagabund Brauerei in Wedding.

http://www.rbb-online.de/stilbruch/archiv/20150917_2215/berlin-art-week-reportage.html

Mit der Performance »Seriti se« richtet die südafrikanische Künstlerin Lerato Shadi den Blick auf das Unsichtbarmachen der historischen Bedeutung von Frauen, insbesondere der weiblichen People of Color (POC) und ihrer Leistungen in Gesellschaft, Kultur, Wissenschaft und Politik. »Seriti se« thematisiert jene politische Gewalt innerhalb institutioneller Strukturen. An- und Abwesenheit, Subjekt und Objekt, Aufschreiben und Löschen sowie ihre Transformation durch den performativen Körper bilden die zentralen Themen der Performance.

Lerato Shadi erforscht in ihren künstlerischen Arbeiten die Sichtweisen über den weiblichen Körper. In ihrer künstlerischen Arbeit platziert sie sich selbst als Frau, Südafrikanerin und POC, wobei ihr eigener Körper ihr als Medium dient. Diesem verleiht sie eine Handlungsmacht, um mit Annahmen, Stereotypen und Geschichte zu brechen.

Entsprechend der architektonischen Besonderheit der Galerie Wedding, deren breite Fensterfronten für Durchlässigkeit und Transparenz stehen, widmet sich die Performance dem »Sichtbarmachen« des Verborgenen, in Vergessenheit geratenen. Das Publikum wird eingeladen die Namen jener historisch bedeutenden jedoch weitgehend unbekannten Frauen mit Techniken der Erinnerung zu Markieren und zu Demarkieren um sich durch diese aktive Beteiligung der eigenen Bedeutung in diesem Akt bewusst zu werden.

»Seriti se« ist Teil des kuratorischen Programms von POW (Post-Otherness-Wedding) von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung in der Galerie Wedding und wird durch die Unterstützung des Fachbereich Kunst und Kultur – Bezirk Mitte – Amt für Kultur und Weiterbildung ermöglicht.

Webseite von Lerato Shadi:
http://www.lerato-shadi.net/

Pressemappe Lerato Shadi

Presseartikel/ Press Reviews
Making a mark. Names to erase and to recall (Times Live, 22.09.2015)
Seriti Se (3Bigs)
Performance in Wedding Galerie (Berliner Woche, 13.08.2015)

17.04. bis 30.05.2015
Kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Hauptstadtrevier. Eine bunte Mischung aus Arbeitern, Studenten, Arbeitslosen, Künstlern, Musikern und Händlern bahnt sich tagein, tagaus ihren Weg durch den Wedding Berlins. Die Straßen hier sind Tag und Nacht belebt. Am Leopoldplatz in Wedding, wo jeden Tag dieselben Leute ihr Bier in der Sonne trinken, befindet sich die Galerie Wedding im 1928 erbauten Rathaus. Aufgrund der Glasfassade der Galerie ist das Innere des Ausstellungsraums definiert durch das Außen, das Geschehen auf der Straße. Die Ausstellungen – insbesondere diese – sollen das Publikum auch außerhalb der Galerie ansprechen und sich mit der Geschäftigkeit des Straßenraums vermischen. In diesem Kontext verortet sich die Einzelausstellung des in Berlin lebenden schwedischen Künstlers, Radiomoderators und DJs Ilja Karilampi.

Text von/by Solvej Helweg Ovesen
Hauptstadtrevier_deutsch
Hauptstadtrevier_english

Biografie/ Biography Ilja Karilampi
Ilja_Karilampi

Künstlerwebseite/ website of the artist
www.karilampi.se

Berlin Community Radio
http://berlincommunityradio.com/downtown-ilja

Presseartikel/ Press Reviews
Empfehlung, Kunst und Fitness. Ilja Karilampi- Hauptstadtrevier (Stadtmagazin Zitty) (PDF)

Neue Musik wird präsentiert und die Galeriewand gemeinsam mit dem Publikum neu gestaltet.
DJ-Set Lee Stuart (Berlin Community Radio)

22.05.2015 von 15-16 Uhr

Ilja Karilampis Radioshow Downtown Ilja als »Hauptstadtrevier Spezial«
live aus dem Studio von Berlin Community Radio
im ACUD MACHT NEU

Livestream von Berlin Community Radio
http://www.berlincommunityradio.com/downtown-ilja

Website von ACUD MACHT NEU:
http://acudmachtneu.de/

13.05.2015 von 19 – 23 Uhr

19 Uhr
Fort Apache the Bronx (1981)
2 h 3 min (english)
Regie: Daniel Petrie

Der Film erzählt über das Leben der Polizisten im heruntergekommenen Stadtteil South Bronx in New York. Für die Polizei ist die Arbeit an dieser Polizeistation, die sie als »Fort Apache« bezeichnen eine Strafe. Nur vier Prozent der dort ansässigen Polizisten sprechen Spanisch obwohl der Stadtteil überwiegend von Puertorikanern bewohnt wird.
http://de.wikipedia.org/wiki/The_Bronx

21 Uhr
Rhyme & Reason (1997)
1h 28 min (english)
Regie: Peter Spirer

Die Doku zeigt den Stand der Kultur und speziell der Rap-Schiene aus einer Vielzahl von Perspektiven: Rund 80 bekannte Künstler kommen hier zu Wort und schildern, was es mit diesem Ding namens Hip Hop auf sich hat. Natürlich kann man in knapp 90 Minuten nicht jedes Thema in aller Tiefe beleuchten, trotzdem ist Rhyme & Reason ein sehr informativer und unterhaltsamer Film, ein angenehmer Flashback für Kenner, aber auch eine hochinteressante Studie für jeden Musikinteressierten, der mit Hip Hop bisher nichts am Hut hatte.
http://www.imdb.com/title/tt0120014/?ref_=fn_al_tt_1

_________________________________________

7 pm
Fort Apache the Bronx (1981)
2 h 3 min (english)
Director: Daniel Petrie

From the sight of a police officer this movie depicts the life in New York’s infamous South Bronx. In the center is »Fort Apache«, as the officers call their police station, which really seems like an outpost in enemy’s country. The story follows officer Murphy, who seems to be a tuff cynic, but in truth he’s a moralist with a sense for justice. A classic gritty New York movie, by some dubbed as not as good as Serpico, but still a relevant depiction of the early 80´s in the Bronx.
http://en.wikipedia.org/wiki/Fort_Apache,_The_Bronx

9 pm
Rhyme & Reason (1997)
1h 28 min (english)
Director: Peter Spirer

Not technically a cop movie, this documentary that covers the US hiphop scene and features interviews with many of its stars, shows many special and funny styles in the interview situations. It also perhaps offers a glimpse of how close the underworld sometimes was to the music industry, through the realism of the style of this movie. Also; are cops and crooks sometimes closer to each other than they think; just bordering thin lines of laws and paragraphs?
http://en.wikipedia.org/wiki/Rhyme_%26_Reason_%28film%29

Die Ausstellung „Hauptstadrevier“ ist Teil des Ausstellungsprogramms POW

Parallel zum Gallery Weekend Berlin
02.05.2015
15 – 16 Uhr Seminar »Is techno conservative?«

mit Silva Rymd (:// about blank), Nicolas Adomako (Bird On A Wire/Idiot Savant) und Ashiq Jahan Khondker (Musiker)

Techno und wie er bei Partys gespielt wird schließt manchmal feinere progressive und internationale elektronische Musikstile wie Grime, Hip-Hop und Soul aus. Das sind Stile, die zum Beispiel von nichtwestlichen Musikern und Traditionen geprägt sind, die aber auch die Bevölkerung in Wedding widerspiegeln könnten. Was also ist die Korrelation zwischen Popmusik und Kunst, die hier wichtig ist? Popmusik, oder wie auch immer man diese Musik nennen will, ist Teil unserer Sozialisation heutzutage, zumindest der unter Sechzigjährigen.
(Solvej Helweg Ovesen in Haupstadtrevier)

Auf die Frage, warum das Radioprogramm und die Musikstile relevant seien, antwortet Karilampi:

»Wie bei anderen Dingen auch sind Erneuerung und Veränderung das Wichtigste, und ich fühle mich zu moderner, progressiver Musik generell hingezogen. Techno kann manchmal konservativ sein, weil die deutsche Szene nur Vinyl oder eine bestimmte Art von Partys zulässt und alles, was wegen der Klangqualität oder dem Format nicht berücksichtigt wird, ignoriert.«

Die Ausstellung »Hauptstadrevier« ist Teil des Ausstellungsprogramms POW

Ausstellungsrundgang mit der Kuratorin der Ausstellung Solvej Helweg Ovesen und dem Künstler Ilja_Karilampi

Die Ausstellung »Hauptstadrevier« ist Teil des Ausstellungsprogramms POW

Im Anschluss:
15 – 16 Uhr  Seminar »Is Techno Conservative?«

Parallel zum Gallery Weekend Berlin
01.05.2015
15 – 16 Uhr Radioshow »Downtown Ilja 1. Mai Spezial« Live aus der Galerie Wedding
17 – 19 Uhr DJ Set Rupert, YYAA und Überraschungsgäste

Karilampi moderiert die wöchentliche Radiosendung Downtown Ilja im Berlin Community Radio. Die Übertragung von Downtown Ilja live aus der Galerie Wedding ist eine der wichtigen Aktivitäten des Ausstellungsprogramms.
»Thematische Shows mit Gesprächen über Musik und  über die Songs selbst – vom schwedischen Viking-Trance-Rap über Two Step aus den 90ern bis zu R’n’B, Instrumentals und anderen Clubhits aus den Charts«, so lautet die offizielle Beschreibung des Downtown Ilja-Radiomixes. Die Präsenz ausgewählter aktueller Musik in der Ausstellung eröffnet die Möglichkeit eines Dialogs zwischen Popmusik und Kunst. Das ist wichtig für die Arbeit des Künstlers.

Downtown Ilja wird Konzerte und Gespräche mit Leuten aus der Nachbarschaft veranstalten, welche an der Schnittstelle zwischen bildender Kunst und progressiver Popmusik arbeiten. Die Musiker/-innen, die Karilampi inspirieren, sind Faze Miyake (GB), der Instrumental Dub-Musik macht und dem Karilampi seine letzte Show in Stockholm widmete, Madi Banja (SE), den er als »Dr Alban-Future sounding trance RnB« bezeichnet, Polisens (SE) mit »inventive deephouse« und Giggs (GB) mit »Grime«. Für das Radioprogramm wählt Karilampi Künstler/-innen aus, die Musik und Kunst zusammenbringen, so zum Beispiel Nuzia (DE), ein Rapper/Sänger mit ghanaischen Wurzeln, TCF (DE/NO), ein norwegischer Musiker und Performer, der »algorithmic techno« produziert, und Dan Bodan (DE/CA), ein Künstler, der »crooner dance music« macht.

Auf die Frage, warum das Radioprogramm und die Musikstile relevant seien, antwortet Karilampi:

»Wie bei anderen Dingen auch sind Erneuerung und Veränderung das Wichtigste, und ich fühle mich zu moderner, progressiver Musik generell hingezogen. Techno kann manchmal konservativ sein, weil die deutsche Szene nur Vinyl oder eine bestimmte Art von Partys zulässt und alles, was wegen der Klangqualität oder dem Format nicht berücksichtigt wird, ignoriert.«

Die Ausstellung „Hauptstadrevier“ ist Teil des Ausstellungsprogramms POW

11.02.2015 – 04.04.2015
Kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Verwobene Klänge – Von rasenden Himmelsschiffen und dem Erforschen versetzter
Geschichten ist der erste Teil einer einjährigen Ausstellungsserie, die sich mit der
Epistemologie von Objekten beschäftigt und die vielen Narrative erkundet, die diese
Objekte innerhalb ihrer oder in anderen Kulturen begleiten. Der Afrokamm dient in all
seinen Farben und Formen, mit all seinen Bedeutungen als Ausgangspunkt und gleichzeitig
als Schlüssel zur Erkundung der Vielfalt an Narrativen in der Vergangenheit und Gegenwart.
Die Beziehungen, die Satch Hoyt knüpft, sind facettenreich. Ein zentrales Werk der
Ausstellung ist »Hair Combing Cycle #14«, ein gemeinsamer Akt der Körperpflege von
14 Frauen aus Afrika und der afrikanischen Diaspora, welche in einem Kreis sitzen und ihr
Haar in einer choreografierten Performance kämmen. Die Mikrofonanlage nimmt die Töne
des Kämmens auf, während Hoyt in der Mitte des Kreises sitzt und die Klänge bearbeitet
und mixt, die zeitgleich in der Galerie zu hören sind.

Text von/by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
Verwobene Klänge Riding Celestial Chariots

Biografie/ Biography
Satch Hoyt

Presseartikel/ Press Review
Satch Hoyt – talkingaboutart.de (02/ 2015)
Vom Zerbrechen und wieder Zusammensetzen – lonam.de (02/ 2015)
Die Parallelität der Kulturen – Tagesspiegel (03/2015)
Peigne à Cheveux et Black Power – mouvement.net (05/2015)
Kunst. Sonic Text – Theater der Zeit(03/2015) (PDF)

Künstlerwebseite/ website of the artist
www.satchhoyt.com

In »Displacement of a cultural self portrait« / »Versetzung eines kulturellen Selbst-Portraits«, zeigt die Künstlerin ihre Verbundenheit mit den jeweils ausgewählten ideologischen Vorgängern. Sie betont in der Video-Serie zwar einerseits den zeitlichen und kulturellen Abstand zu ihnen, solidarisiert sich aber zugleich – wenn auch nicht kritiklos. Die »Displacement«-Serie, eine Reihe von Schwarz-Weiß-Videos, zeigt Aufnahmen von Özgünaydın selbst, die sie in Musikvideos türkischer Popikonen und Fassbinder- Filmszenen geschnitten beziehungsweise darauf projiziert hat. Ihr stummes, manchmal geisterhaftes Auftreten in jeweils unterschiedlicher Aufmachung ist so sichtbar über den Originalfilm gelegt, dass es den zeitlichen Abstand spürbar betont. Obwohl sie sich in jedem Displacement – Video derselben Technik bedient, erscheint die Verbindung der agierenden Künstlerin zur ursprünglichen Szene jedes Mal anders – zuschauend, abwartend oder lernend –, als würde sie ständig ihre Rolle als marginale Figur in Relation zum jeweils unterschiedlichen Hintergrund austaxieren.

»Versetzung eines kulturellen selbst-portraits I.«
Performance Video-Collage, 4´12 min (2008)
Cem Karaca – »Namus Belasi« / Music Clip 1974
»Versetzung eines kulturellen selbst-portraits III.«
Performance Video-Collage, 1´18 min (2011)
Auszug von »Katzelmacher«, R.W. Fassbinder, 1969
»Versetzung eines kulturellen selbst-portraits II.«
Performance Video-Collage, 4´5 min (2008)
Baris Manco – »Sari Cizmeli Mehmet Aga« / Musik Clip 1978
»Versetzung eines kulturellen selbst-portraits VII.«
Performance Video-Collage, 1´05 min (2011)
Auszug von »Katzelmacher«, R.W. Fassbinder, 1969
»Versetzung eines kulturellen selbst-portraits X.«
Performance Video-Collage, 3´24 min (2015)
Tanzen mit Julian Assange

Künstlerwebseite/ website of the artist
www.fundaozgunaydin.com

Sie sind an beiden Tagen herzlich zu den Künstlergesprächen mit Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen eingeladen. Hier haben Sie auch die Gelegenheit, das neue Kuratorenduo persönlich kennenzulernen sowie ihr geplantes Ausstellungsprogramm POW
( Post-Otherness-Wedding ).

Außerdem finden am 30. Januar um 19.30 Uhr eine Filmperformance der Künstlerin Funda Özgünaydin und eine Live - Performance der Künstlerin Emma Waltraud Howes statt.

Im Anschluss wird an beiden Abenden eine kleine Weinbar geöffnet sein.

KünstlerInnen

www.ivalofrank.com

www.silvia-breitwieser-berlin.de

www.emekaogboh.com

www.janpoetter.com

www.stattbad.net

www.katjasehl.de

www.konstanzeschmitt.net

www.artward.de/project/michel-aniol

www.imkewagener.wix.com

www.satchhoyt.com

www.kulturfund.org/index.php/Ulrika_Segeberg

www.jiwarbarcelona.com/
artist-residence-hanako-geierhos

www.redaktionundgestaltung.de/profil.html

www.paulhuf.de

www.iwalewa.uni-bayreuth.de/de/archiv-ausstellungen
/2009-2010/Neue_Nachbarschaften/biographie/index.html

www.henrikenaumann.com

www.kristinaleko.net

www.ezramo.com

www.lysannbuschbeck.de

www.tehnicaschweiz.com

www.katiaengel.com

www.sigurdlarsen.eu

www.gritwirkriegendich.blogspot.de

www.antjemajewski.de

www.karilampi.se

www.cyrilllachauer.net

www.fernandaporto.com

www.sonarc-ion.de

www.satchhoyt.com

Liveperformance von Emma Waltraud Howes w/ Kim Berit Heppelmann (Container)

»Subcutaneous Polymorphic Animalcules« ist eine Studie über die vergängliche und chaotische »Natur« von Organismen und deren sensorische und kommunikative Fähigkeiten. Um mittels wissenschaftlicher Forschungsmethoden die vermeintlich unversöhnlichen Gegensätze von Körper und Geist zu untersuchen, unternimmt ein Wesen geleitet von Geschichten eine Feldforschung und setzt sich zugleich kritisch mit seiner gegenwärtigen Umgebung auseinander.
Das allgemeine Verständnis von wissenschaftlicher Versachlichung wird umgekehrt, um eine subjektive Wahrnehmung von Konstanten und Variablen der menschlichen Existenz zu befördern. Die Ergebnisse der genauen Beobachtung dieser Mikro- und Makrosysteme werden durch Bewegung in ihrer ganzen Größe sichtbar. Und so absurd die Lösung auf ein Problem auch manchmal scheint, bei seinem Versuch sich seiner Umwelt anzupassen, zeigt sich das Wesen stets lösungsorientiert.
Emma Waltraud Howes entwickelte diese Herangehens- und Arbeitsweise in einer Reihe von Performances im öffentlichen Stadtraum, u.a. in Alberta (Subtle Architectures, 2007), Montreal, Granby (Subtle Architectures Subtiles, 2008 – 2009), und London (Subcutaneous ›Ha-has‹ and the Evolution of Polymorphic Animalcules, 2014). Diese teils choreographierten teils improvisierten Performances waren durch den Ort und seine Umgebung gesetzt und mussten sich ihm schrittweise einfügen und anpassen.
Zuletzt fand diese Performance in Innenräumen von Galerien statt, u.a. im Me Collectors Room, Berlin (»Exotica and 4 other cases of the self«, 2014). Galerie Wedding wird im Rahmen ihres programmatischen Neustarts vorübergehend zur »Zweiten Heimat« für die Weiterentwicklung der Arbeit. POW ermöglicht diesen »Blick aus dem Augenwinkel« (peripheres Sehen) auf die stetigen Anstrengungen im Prozess der Inkorporation und Adaptation und lässt die Situation als amorphen Zustand denken.

Künstlerwebseiten/ websites of the artists
www.emmawaltraudhowes.com
www.kimberit.com