Wie können alternative Geschichtsschreibungen entstehen?
Mnyaka Sururu Mboro und Fogha Mc Refem beleuchten, wie koloniale Vergangenheit und postkoloniale Gegenwart in ihren Lebensrealitäten fortwirken – sowohl hier als auch dort.
Ihre Perspektiven eröffnen Räume für eine vielstimmige Erinnerungskultur jenseits hegemonialer Narrative.

16:00 – 17:30 Uhr – Stadtrundgang mit Mnyaka Sururu Mboro
Treffpunkt: U-Bahnhof Afrikanische Straße, Ausgang Swakopmunder Straße (Café Mistral)
maps.app.goo.gl/AUYhjJJaumhdToh76 

18:00 – 19:30 Uhr – Gespräch in der Galerie Wedding
Mboro im Gespräch mit Fogha Mc Refem

Wie lässt sich Schwarze Geschichte dokumentieren – jenseits offizieller Archive?
Die Veranstaltung widmet sich Formen des Erinnerns, die in spontan entstehenden Momentaufnahmen, Erzählungen und Familiengeschichten sichtbar werden.

Zwischen 15 und 18 Uhr lädt der Fotograf Yero Adugna Eticha Schwarz positionierte Menschen ein, Teil eines lebendigen Archivs zu werden:
In einer offenen Fotosession entstehen Porträts gelebter Stadtgeschichte.

Ab 18 Uhr stellt Abenaa Adomako die Ausstellung Auf den Spuren der Familie Diek vor.
Ausgehend von ihrem Familienarchiv macht sie Schwarze Deutsche Geschichte inmitten globaler Verflechtungen sichtbar.
Sie erzählt von einer Beziehungsgeschichte, die sich zwischen Douala (1891), Hamburg, Danzig und Berlin erstreckt.

Das anschließende Gespräch wird von Jeff Kwasi Klein moderiert und simultan vom Deutschen ins Englische verdolmetscht.

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Archives of Chance

Saturday, 19 July 2025 | Galerie Wedding – Space for Contemporary Art

How can Black history be documented beyond official archives? 
This event explores forms of remembrance that emerge in spontaneous snapshots, oral histories, and family narratives.

Between 3:00 and 6:00 p.m., photographer Yero Adugna Eticha invites Black-identifying individuals to become part of a living archive: In an open photo session, portraits of lived urban history will be created.

Starting at 6:00 p.m., Abenaa Adomako will present the exhibition Tracing the Diek Family. Drawing from her family archive, she makes visible Black German history within global entanglements. She shares a relational history that unfolds between Douala (1891), Hamburg, Danzig, and Berlin.

The subsequent conversation will be moderated by Jeff Kwasi Klein and simultaneously interpreted from German into English.

In Lesungen, Gesprächen, Führungen, musikalischen Beiträgen und künstlerischen Interventionen setzen wir uns in den kommenden Wochen mit Fragen des Erinnerns, familiären Archiven und globalen Verflechtungen kolonialer Geschichte auseinander.

Freitag, 18. Juli 2025 | Galerie Wedding

Lesung mit Sharon Dodua Otoo, musikalisch begleitet von Daniele Daude und dem String Archestra

Diasporische Kunst ist untrennbar mit Erinnerung und Widerstand verbunden. Auf der Suche nach alternativen Ausdrucksformen verbindet sie persönliche Erfahrungen mit globalen Zusammenhängen und kollektiven Geschichten. So entsteht eine vielstimmige Praxis, die neue Perspektiven auf diasporische Lebensrealitäten eröffnet. 

Einlass: ab 17:00 Uhr
Beginn: 18:00 Uhr    

Ab 18:45 Uhr: Gespräch mit Sharon Dodua Otoo & Daniele Daude Moderation: Aidan Riebensahm
Ausgewählte Textpassagen, die auf Deutsch gelesen werden, können auf Englisch mitgelesen werden.

Das Abschlussgespräch wird simultan vom Deutschen ins Englische verdolmetscht.

Content Note: „Adas Raum“ enthält Passagen, in denen sexualisierte Gewalt und Kindstod thematisiert werden.

Ein Awareness-Team ist während der Veranstaltung vor Ort und ansprechbar.
Ein barrierefreies WC befindet sich im Erdgeschoss.
Weitere Toiletten sind über einen Aufzug im Rathaus erreichbar

EN – Übersetzung 

Diasporic Art – Memory and Resistance

We warmly invite you to the opening of the event series accompanying the exhibition Paths of Remembrance.

Over the coming weeks, readings, talks, guided tours, musical contributions, and artistic interventions will explore questions of remembrance, family archives, and the global entanglements of colonial history.

Friday, July 18, 2025 | Galerie Wedding

Reading by Sharon Dodua Otoo, musically accompanied by Daniele Daude and String Archestra

Diasporic art is inextricably linked to memory and resistance. In its search for alternative forms of expression, it weaves together personal experiences, global contexts, and collective histories. The result is a polyphonic practice that opens up new perspectives on diasporic lived realities.

Doors open: from 5:00 PM
Start: 6:00 PM
From 6:45 PM: Conversation with Sharon Dodua Otoo & Daniele Daude
Moderation: Aidan Riebensahm

Selected excerpts, read in German, will be available in English for simultaneous reading.

The final conversation will be interpreted live from German into English.

Content Note: Adas Raum includes passages that address sexualized violence and the death of a child.

An awareness team will be present and available throughout the event.

An accessible restroom is located on the ground floor.
Additional restrooms can be reached via elevator or stairs in the Rathaus building.

Künstler*innengespräch und Podiumsdiskussion mit Grace Matu und DeLovie Kwagala aka Papa De

Diese Podiumsdiskussion beschäftigt sich mit der Frage, wie Fotografie die gelebten Erfahrungen von Vertreibung, Migration und Behinderung beleuchten oder verschleiern kann. Auch wenn die begleitende Fotoausstellung »KaKaKaTi Nno Munange« diese Themen nicht direkt abbildet, wird die Podiumsdiskussion die Bilder als Sprungbrett nutzen, um umfassendere Fragen der Sichtbarkeit, der Repräsentation und der Ethik des Geschichtenerzählens zu diskutieren. In der Diskussion soll darüber nachgedacht werden, wie Fotografie dominante Erzählungen in Frage stellen und Raum für marginalisierte Stimmen schaffen kann.

Die Veranstaltung wird von DeLovie Kwagala alias Papa De als Teil einer Reihe von Gesprächen im Dialog mit deren Ausstellung »KaKaKaTi Nno Munange« in der Galerie Wedding kuratiert.

Sprache: Englisch, mit optionaler Flüsterübersetzung ins Deutsche

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Saturday, 12.07. at 5 pm 

Artist talk and Panel Discussion with Grace Matu and DeLovie Kwagala aka Papa De

This panel discussion explores how photography can illuminate or obscure the lived experiences of displacement, migration, and disability. While the accompanying photo exhibition »KaKaKaTi Nno Munange« may not directly depict these themes, the panel will use the images as a springboard to discuss broader questions of visibility, representation, and the ethics of storytelling. The conversation will strive to reflect on how photography can challenge dominant narratives and create space for marginalized voices. 

The event is curated by DeLovie Kwagala aka Papa De as part of a series of conversations in dialogue with their exhibition »KaKaKaTi Nno Munange« at Galerie Wedding. 

Language: English, with optional whisper translation to German 

Von 24.05. bis 31.08.2025

Co-kuratiert von Ibou Coulibaly Diop und Julien Enzanza

Eröffnung am 23.05.2025 von 19 bis 22 Uhr.

Am 23. Mai 2025 eröffnet um 19 Uhr in der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst – die Ausstellung »Wege des Erinnerns.« Sie ist den Menschen und Initiativen gewidmet, deren jahrzehntelanges Engagement durch Kunst, Kultur, Wissenschaft und Vermittlung maßgeblich zur Transformation des Berliner Stadtraums beigetragen und den Blick auf Berlins koloniale Vergangenheit erweitert hat.

Die großformatige Fotoserie von Yero Adugna Eticha zeigt Persönlichkeiten, die eine plurale Erinnerungsarbeit in Berlin maßgeblich mitgestaltet und geprägt haben. Ergänzt wird die Ausstellung durch die Schaufensterinstallation »Erinnern. Entschuldigen. Entschädigen«. Sie setzt sich mit der Berliner Afrika-Konferenz von 1884/85 in der Reichskanzlei in der heutigen Wilhelmstraße 92 auseinander, die die Grundlage für die spätere Aufteilung Afrikas durch die europäischen Kolonialmächte bildete. Außerdem zu sehen sind filmische Arbeiten von Nicolas Premier und Siska, die im Auftrag des Erinnerungsortes Kolonialismus realisiert wurden und weitere Hintergrundinformationen zum Thema der Ausstellung vermitteln.Im Dialog mit „Wege des Erinnerns“ wird in der Galerie Wedding zugleich die Ausstellung »KaKaKaTi Nno Munange« mit neuen fotografischen Arbeiten von DeLovie Kwagala aka Papa De gezeigt und am selben Abend eröffnet.

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»Paths of Remembrance«

An exhibition by Yero Adugna Eticha, Nicolas Premier and Siska

From 24.05. to 31.08.2025

Co-curated by Ibou Coulibaly Diop and Julien Enzanza

Opening on 23.05.2025 from 7 to 10 pm.

On May 23, 2025 at 7 pm, the exhibition »Paths of Remembrance.« will open at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst. It is dedicated to the people and initiatives whose decades of commitment through art, culture, science and mediation have contributed significantly to the transformation of Berlin’s urban space and broadened the view of Berlin’s colonial past.

The large-format photo series by Yero Adugna Eticha shows personalities who have played a key role in shaping and influencing pluralistic remembrance work in Berlin. The exhibition is complemented by the window installation »Remember. Apologize. Compensate.« It deals with the Berlin Africa Conference of 1884/85 in the Reich Chancellery at today’s Wilhelmstraße 92, which formed the basis for the later division of Africa by the European colonial powers. Also on display are cinematic works by Nicolas Premier and Siska, which were commissioned by the Erinnerungsort Kolonialismus and provide further background information on the exhibition’s theme. In dialog with »Paths of Remembrance,« the exhibition »KaKaKaTi Nno Munange« with new photographic works by DeLovie Kwagala aka Papa De will also be shown at Galerie Wedding and opened on the same evening.

Eine Ausstellung von DeLovie Kwagala aka Papa De

Kuratiert von Malte Pieper

Ausstellungseröffnung am 23.5.2025 von 19 bis 22 Uhr.

Die Ausstellung »KaKaKaTi Nno Munange« zeigt neue fotografischen Arbeiten von DeLovie Kwagala aka Papa De. Kwagala nutzt die Kamera als Mittel zur Selbstermächtigung und Selbstbefragung. Die Bilder erinnern an ein Familienalbum und loten Bruchlinien zwischen den Generationen aus. Welche Erinnerungen tragen wir in uns, und wie erzählen wir unsere Geschichte neu?

Der Titel »KaKaKaTi Nno Munange«, eine Äußerung in Luganda, widersetzt sich der direkten Übersetzung. In der verbalen Konversation erzeugt sie eine Pause, einen Seufzer, gibt Raum zu Atem, den man nimt, bevor man lügt oder die Wahrheit sagt, den Atem, den man nimmt, bevor man etwas Schwieriges oder Intimes ausspricht. Kakakati bedeuet etwa »Jetzt« und munange »Freund*in« In einer neuen Serie von Selbstporträts, inszeniert im Kleid der eigenen Großmutter, erzählt Kwagala eine Geschichte von Erinnerung, Widerstand und Zugehörigkeit.

Die Ausstellung wird im Dialog mit der Gruppenausstellung »Wege des Erinnerns« gezeigt. Die gemeinsame Präsentation der Ausstellungen ist eine Kooperation zwischen dem Team Erinnerungsort Kolonialismus (Stiftung Stadtmuseum) und der Galerie Wedding — Raum für zeitgenössische Kunst (Fachbereich Kunst, Kultur und Geschichte im Bezirksamt Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur).

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»KaKaKaTi Nno Munange«

24.05 – 31.08.2025

An exhibition by DeLovie Kwagala aka Papa De

Curated by Malte Pieper

Exhibition opening on 23.5.2025 from 7 to 10 pm.

The exhibition »KaKaKaTi Nno Munange« shows new photographic works by DeLovie Kwagala aka Papa De. Kwagala uses the camera as a means of self-empowerment and self-questioning. The images are reminiscent of a family album and explore fault lines between generations. What memories do we carry within us and how do we retell our history?

The title »KaKaKaTi Nno Munange,« an utterance in Luganda, defies direct translation. In verbal conversation, it creates a pause, a sigh, gives space to the breath one takes before lying or telling the truth, the breath one takes before saying something difficult or intimate. Kakakati means »now« and munange means »friend.« In a new series of self-portraits, staged in their own grandmother’s dress, Kwagala tells a story of memory, resistance and belonging.

The exhibition will be shown in dialog with the group exhibition »Paths of Remembrance.« The joint presentation of the exhibitions is a cooperation between Team Erinnerungsort Kolonialismus (Stiftung Stadtmuseum) and Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst (Fachbereich Kunst, Kultur und Geschichte im Bezirksamt Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur).

Eine Ausstellung von Salwa Aleryani, Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

Eröffnung am Donnerstag, 06.06.2024 von 18 bis 22 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY, konzipiert von Solvej Helweg Ovesen

»Die drei Sonnen nahmen fast den gesamten Himmel ein, und als sie nach Westen drifteten, versank die Hälfte ihrer Formation unterhalb des Horizonts. Ein riesiger Fächer drehte sich unaufhörlich, gelegentlich schoss eine ihrer hellen Klingen über die Horizontlinie hoch, um der sterbenden Welt einen weiteren kurzen Sonnenaufgang und -untergang zu bescheren. Nach dem Sonnenuntergang glühte der Boden in einem gedämpften Rot, und der kurz darauf folgende Sonnenaufgang überflutete alles mit seinen gleißenden parallelen Strahlen.« Liu Cixin, The Three-Body Problem, 2014 

Die Sommerausstellung in der Galerie Wedding bringt drei Künstlerinnen zusammen, die sich mit dem Verdecken und Freilegen von Erinnerungen, Spuren und Geschichten beschäftigen. Ihre unterschiedlichen Praktiken stehen im Dialog mit der Architektur, in der sie sich befinden, sie bewegen sich in der Nähe der Science-Fiction und verhandeln ihre jeweilige Herkunft und ihre Solidarität zueinander. In der Ausstellung beziehen wir uns auf die Sonne bzw. Sonnen sowohl als Metapher als auch als konkreten Gegenstand und betrachten ihre Wirkung auf unser Leben auf nichtlineare, poetische und spekulative Art. Wiederherstellen, schützen, reflektieren, konfrontieren: die ausgestellten Werke von Salwa Aleryani, Maryna Makarenko und Anastasia Pilepchuk verstehen sich als Vorschläge für Transformationen, für neue Wege des Seins und des Zueinander-Stehens.

Außerdem wird in der Ausstellung das Archiv Touching Margins zugänglich gemacht, in dem Berliner Tanzschaffende in Interviews über ihre Arbeit mit Bewegung, Körper und erinnerter Geschichte berichten.

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Three Suns

An exhibition by Salwa Aleryani, Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk

Curated by Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

Opening Thursday, 06.06.2024 from 6 to 10 pm.

»The three suns took up almost the entire sky, and as they drifted toward the west, half of the formation sank below the horizon. The giant fan continued to spin, a bright blade occasionally shooting above the horizon to give the dying world another brief sunrise and sunset. After a sunset, the ground glowed dim red, and the sunrise a moment later flooded everything with its glaring, parallel rays.« Cixin Liu, The Three-Body Problem, 2014 

The summer exhibition at Galerie Wedding brings together three artists dealing with covering and uncovering memories, traces and histories. Their different practices are in conversation with the architecture they are situated in, sci-fi proximities alongside their backgrounds and shared solidarity. With the exhibition we use the sun(s) as both a metaphor and concrete matter, and look at its effect on our lives in non-linear, poetic and speculative variations. Recovering, protecting, reflecting, confronting – the exhibited works by Salwa Aleryani, Maryna Makarenko and Anastasia Pilepchuk propose transformations and ways of being and relating.

The exhibition also features the Touching Margins archive, in which Berlin dance makers talk about their work with movement, the body and remembered history in interviews.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

mit Thomias Radin

Donnerstags am 20.7., 27.7., 3.8.
Dance Battle am 10.8.
von 18 bis 21 Uhr
in der Galerie Wedding

Kostenlos, Drop-in (keine Voranmeldung nötig)
Alle Level, keine Vorkenntnisse nötig
Sprachen: Englisch, Französisch, Deutsch

Thomias Radin, Maler, Kurator und Performer, bietet an drei aufeinanderfolgenden Abenden in der Galerie Wedding Tanz- und Bewegungssessions an. Die Sessions finden jeweils Donnerstag in Radins aktueller Ausstellung POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira statt und laden die Teilnehmer*innen zu einer Freestyle-Session zu verschiedenen Musikrichtungen wie House, HipHop, Funk und experimentellen Sounds ein.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Movement Sessions and Dance Battle

with Thomias Radin

Thursdays on 20.7., 27.7., 3.8.
Dance Battle on 10.8.
from 6 to 9 pm in Galerie Wedding

Free admission, drop-in (no pre-registration)
All levels
Languages: English, French, German

Thomias Radin, painter, curator and performer, hosts movement sessions on three consecutive evenings in Galerie Wedding. The sessions will take place on Thursdays in Radin’s current exhibition POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira and invite participants to join a freestyle session around diverse genre of music as House, HipHop, Funk, experimental sounds.

In the framework of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in cooperation with KINDL – Centre for Contemporary Art.
Artistic director: Solvej Helweg Ovesen

16.06. bis 26.08.2023

Eine Ausstellung von Thomias Radin

Kuratiert von Malte Pieper

Eröffnung am 15.06. von 18 bis 22 Uhr
mit DJ Set von Peeps und Coco Calypso

19 Uhr Begrüßung und Gespräch mit Thomias Radin und Malte Pieper
20 Uhr Opening Ceremony mit Thomias Radin

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Im Sommer 2023 entfaltet sich Thomias Radins besondere Praxis der Verschmelzung von Tanz und Malerei in der Galerie Wedding als Wandbild, Bewegung und Szenografie für Performances. Seine farbintensive Malerei streckt sich als Installation durch den großen Galerieraum und bildet den Rahmen für das Tanz- und Performanceprogramm Movement Research ACROSS: POLY(e)MOTION. 

POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira erprobt Radin die schwer fassbare und doch fesselnde Natur eines Mythos, der von den indigenen Namen des heutigen Guadeloupe erzählt. Er erforscht die Fähigkeit des Mythos, die Wahrheit sowohl zu enthüllen als auch zu verbergen, so zeigen seinen Malereien oft verdrehte Körperhaltungen, Masken und abgewandte Gesichter. »Der Mythos von Karukera und Cibuqueira« behandelt die Bedingungen und Umstände des Menschseins, die Kraft der Bewegung und die fortdauernde Bedeutung von Erzählungen für unser Weltverständnis. Mythen faszinieren Radin als hochentwickeltes und ausgeklügeltes Kommunikationssystem. Für Radin ist der Mythos ein sich bewegendes und tanzendes Wissen, das sich wandelt, alt und modern zugleich ist. Die Ausstellung nimmt Bezug auf die vorkolonialen Bezeichnungen Karukera, »Insel der schönen Gewässer«, und Cibuqueira, »Insel der Gummibäume«, die präkolonialen Namen für die beiden Hauptinseln von Guadeloupe. Karukera und Cibuqueira sind in Radins Geschichte zwei gefallene Engel, die auf der Suche nach ihrer Vereinigung sind. Sie stehen für die transformative Kraft der Bewegung, die uns mit uns selbst, miteinander und mit der Welt um uns herum verbindet.

Radin, geboren in Guadeloupe, aufgewachsen in Frankreich und heute in Berlin lebend, lässt sich von der Kraft der Bewegung inspirieren, die Südamerika, die Karibik und Westafrika miteinander verbindet, um seine Bilder mit dynamischer Energie und Ausdruck zu erfüllen. Als Tänzer bewegt sich Radin zwischen Hip-Hop, Capoeira und Gwo Ka, der Musik- und Tanzkultur aus Guadeloupe. Angelehnt an die Technik des Sampling aus der Musik mischt Radin historische Referenzen, persönliche Erfahrungen und Popkultur. Das Wandgemälde verbindet dabei den Innenraum der Galerie mit den urbanen Außenräumen der Stadt, die Ausstellung verbindet Bühnenbild, Architektur, Malerei und Klang in einer Bewegung. Das Adjektiv »polychrom«, das aus dem Griechischen abgeleitet ist und »viele Farben« meint, bezieht sich auf eine Vielzahl von Farbtönen und Texturen, aber auch auf einen Poly-Rhythmus von Gesten, Techniken und Medien.

Nach seiner raumgreifenden Installation in der Galerie Wedding wird im Rahmen der Kooperation von Galerie Wedding mit dem KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst in der Ausstellung POLY. A Fluid Show, Radins Film »Rivals« in Konstellation mit der Malerei »The Annunciation: Tout‘ Moun doubout`, An nou ay !« im September seine Premiere haben.

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POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira

16.06. to 26.08.2023
An exhibition by Thomias Radin
Curated by Malte Pieper

Opening on 15.06., 6 to 10 pm
with DJ Set by Peeps and Coco Calypso

7 pm Greeting and talk with Thomias Radin and Malte Pieper
8 pm Opening Ceremony with Thomias Radin

In the framework of the exhibition programme POLY 2023-24 at Galerie Wedding in cooperation with KINDL – Centre for Contemporary Art.
Artistic director: Solvej Helweg Ovesen

In the summer of 2023, Thomias Radin’s distinctive practice of melding dance and painting unfolds at Galerie Wedding as a mural, movement and scenography for performances. His vivid and colourful work stretches through the large gallery space as an installation and forms the framework for the dance and performance programme Movement Research ACROSS: POLY(e)MOTION.

In POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira, Radin explores the elusive and captivating nature of a myth that talks about the indigenous names of today’s Guadeloupe. He delves into into the ability of myth to both reveal and conceal the truth, often showing twisted postures, masks and averted faces in his paintings. „The Myth of Karukera and Cibuqueira“ is an invitation to explore the human condition, the power of movement, and the enduring relevance of myth in shaping our understanding of the world. Myths fascinate Radin as a highly advanced and sophisticated communication system. For Radin, myth is a moving and dancing knowledge, morphing and travelling, ancient and modern at the same time. The exhibition refers to the pre-colonial names Karukera, „island of the beautiful waters“, and Cibuqueira, „island of the gum-trees“, the native names for the two main islands of Guadeloupe. In Radin’s story, Karukera and Cibuqueira are two fallen angels on a quest to be reunited. They represent the transformative power of movement, which connects us to ourselves, each other and to the world around us.

Born in Guadeloupe, raised in France and now living in Berlin, Radin draws inspiration from the power of movement that connects South America, the Caribbean and West Africa to infuse his images with dynamic energy and expression. As a dancer, Radin moves between Hip-Hop, Capoeira and Gwo Ka, the music and dance culture from Guadeloupe. Borrowing the technique of sampling from music, Radin mixes historical references, personal experiences and pop culture. The mural thereby unites the indoor gallery space to the outdoors, the exhibition combines stage design, architecture, painting and sound in one movement. The adjective „polychrome“, which is derived from the Greek and means „many colours“, refers to a multiplicity of shades and textures, but also to a poly-rhythm of gestures, techniques and media.

Following his spatial installation at Galerie Wedding, in the context of the cooperation between Galerie Wedding and KINDL – Centre for Contemporary Art, in the exhibition POLY. A Fluid Show, Radin’s film „Rivals“ will have its premiere in tandem with the painting „The Annunciation: Tout‘ Moun doubout`, An nou ay !“ in September.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Kuratiert von Malte Pieper & Maja Smoszna

Beide Performances finden auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Zur Finissage des Programms Movement Research ACROSS finden auf dem Rathausvorplatz zwei Performances statt, die jeweils auf eigene Weise den öffentlichen Raum und das Publikum mit einbeziehen.

INTI-mate Heal-inG ist eine öffentliche Performance-Installation der Künstlerin, Aktivistin und Kuratorin Va-Bene Elikem Fiatsi (auch bekannt als crazinisT artisT), in der die Diskussion über als krank, unvollkommen, illegal und unkultiviert angesehen Körper erweitert wird. Die Performance hinterfragt die Vorstellungen über die Darstellung von an den Rand gedrängten Gruppen in den Mainstream-Medien und die diskriminierende Politik, die zu wirtschaftlicher, religiöser, medizinischer und sozialer Ausgrenzung führt. In INTI-mate Heal-inG wird das Publikum eingeladen, sich an einer kollektiven, verkörperten Solidarität und heilenden Körperpflege zu beteiligen und über die eigene Verletzlichkeit, Ängste und Privilegien nachzudenken.

Für die folgende Performance Best Wishes for Wedding wird die Künstlerin, Akrobatin und Journalistin für Zukunftsmobilität Carrie Hampel ein akrobatisches Spektakel durchführen. Die öffentliche Zeremonie entsteht aus dem Klangmaterial, das die Künstlerin aus Vox-Populi-Interviews mit Bewohner*innen und Arbeiter*innen in Berlin-Wedding über ihre Wünsche für den Bezirk gesammelt hat. Diese Wünsche bilden die Grundlage für rhythmische Klangstücke, zu denen Radakrobaten eine farbenfrohe, geometrische und zirkusähnliche Choreografie aufführen.

Performer*innen: Lauren van Vuuren, Bridget Hines, Performer*innen vom Spandauer Radsportverein; Kostüme: Sarah Ama Duah

Ein DJ Set von Nara schließt den Abend ab. Als Kopf des Disorder-Teams führt sie furchtlos durch eine breite Palette tropischer und basslastiger Sounds – von Reggaeton bis Trap, von Baile Funk bis Kuduro, von Hiphop bis Booty Bass. Sich ausdehnen, erweitern, versinken, fliegen und in der Luft explodieren, das ist es, was man von einer musikalischen Reise mit Nara erwarten kann – Schütteln im Takt garantiert.

Im Rahmen von Movement Research ACROSS konzipiert von XO Curatorial Projects und kuratiert von Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann.

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ACROSS Finissage

30.07.2022 between 4 und 6:30 pm a performance by Va-Bene Elikem Fiatsi & between 7 and 8 pm a performance by Carrie Hampel &
between 8 and 9 pm a DJ set by Nara

Curated by Malte Pieper & Maja Smoszna

Both performances will take place on the Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding).

Two performances will mark the finissage of the Movement Research ACROSS programme in the square in front of the town hall, each in its own way relating to the public space and involving the audience.

INTI-mate Heal-inG is a public performance installation by artist, activist and curator Va-Bene Elikem Fiatsi (also known as crazinisT artisT) that expands the discussion about bodies seen as sick, imperfect, illegal and uncultured. The performance challenges notions about the representation of marginalised groups in mainstream media and the discriminatory policies that lead to economic, religious, medical and social exclusion. In INTI-mate Heal-inG, the audience is invited to participate in a collective, embodied solidarity and healing body care, and to reflect on their own vulnerabilities, fears and privileges.

For the following performance Best Wishes for Wedding, artist, acrobat, and future mobility journalist Carrie Hampel will present an acrobatic spectacle. The public ceremony is created from the sound material the artist collected from vox populi interviews with residents and workers in Berlin-Wedding about their wishes for the district. These wishes make up the basis of rhythmic sound pieces to which cyclist acrobats perform a colourful, geometric and circus-like choreography.

Performers: Lauren van Vuuren, Bridget Hines, performers from the Spandau Cycling Club; costumes: Sarah Ama Duah

A DJ set by Nara will round off the evening. Acting as the head of the disorder team, she fearlessly leads you through a wide range of tropical and bass-heavy sounds – from reggaeton to trap, from baile funk to kuduro, from hiphop to booty bass. Extending, expanding, sinking, flying to explode in the air, that’s what you can expect from a musical journey with Nara – shaking to the beat guaranteed.

In the framework of Movement Research ACROSS conceived by XO Curatorial Projects and curated by Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann.

03.06. bis 30.07.2022

Ausstellung mit Werken von Viron Erol Vert, RA Walden, Jimmy Robert und temporären Interventionen von u.a. André Uerba und Angela Alves in der Galerie Wedding & auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

Für ACROSS hat der bildende Künstler Viron Erol Vert den “Flexible Colour Circle” geschaffen, eine öffentliche und bewohnbare Skulptur-Bühne auf dem Rathausvorplatz in Wedding. Sie dient als Movement Research Bereich für Performances und als Raum für Begegnungen mit und für die Weddinger Bevölkerung. Bei der Gestaltung dieser farbenfrohen Außenbühne ließ sich Vert von den Farbtafeln der Künstlerin Emily Noyes Vanderpoel (1842-1939) inspirieren, die sich mit der imaginären Wirkung von Farben beschäftigte, sowie von Johann Wolfgang von Goethes (1749-1832) Farbenlehre und Johannes Ittens (1888-1967) Farbrad und seinen Überlegungen zur Beeinflussung von Farbe auf Form. Die ACROSS-Ausstellung im Freien wird durch eine Ausstellung in den Räumen der Galerie Wedding ergänzt, in der Werke der Künstler RA Walden, Jimmy Robert und Intervention von u.a. André Uerba und Angela Alves gezeigt werden, die sich mit dem Moment der angehaltenen Bewegung auseinandersetzen

RA Walden kleidet die Galerie Wedding mit „A SCORE FOR REST(YIELDING)“, einem großformatigen Wandtext über die zufälligen Bewegungen von Staub, aus, der als verkörperte Science-Fiction präsentiert wird. Eine aus Aufnahmen außerirdischer Winde bestehende Klangkomposition ergänzt und erweitert den Text. Waldens Arbeit erforscht die Überschneidungen zwischen Krankheit, Behinderung, Bewegung und Technologie: Welche Verbindungen gibt es, welche Formen von Aktionen, Protest und Zukunftsvorstellungen sind möglich?

In seinem fotobasierten und architektonischen Kunstwerk „Untitled (Pilé VII)“ platziert Jimmy Robert die Fotografie eines ruhenden Tänzers in menschlicher Größe auf einem Sockel, seinen Rücken dem/der Betrachter*in zugewandt. Indem er die spezifischen Eigenschaften der in seiner Arbeit verwendeten Materialien hervorhebt, sowohl in der Ausstellung als auch im Aufführungsraum selbst, macht er sie zu Verbündeten im performativen Prozess und hebt die Trennung zwischen Objekt und Körper, Bild und Raum, Lebendigkeit und Stille auf.

Der Film von André Uerba „INVITING MOMENTS OF STILLNESS“ ist eine choreografisch-performative Erkundung der Berührung. Durch Verlangsamung und Konzentration auf den Körper erproben er und seine Mitstreiter*innen verschiedene Formen des Kennenlernens und der gegenseitigen Wahrnehmung als Mittel zur Entdeckung des Zusammenseins.

„REST“ ist eine Installation von Angela Alves im Movement Research Center der Galerie Wedding. Die Arbeit nähert sich dem Ruhen als einem Akt der Selbstfürsorge, der Hingabe und der Rebellion. Die Künstlerin lädt Menschen mit unterschiedlichem Hintergrund ein, sie im Bett zu besuchen und über ihre Beziehung zum Ruhen zu sprechen. Die Audioaufnahmen der Bettgespräche lassen Stimmen zu Wort kommen, die zu politischen Formulierungen werden, sobald sie die private Sphäre verlassen. Geschichten vom Kämpfen, Bewältigen, Widerstehen. Geschichten vom Feiern, Lieben, Schaffen. Die Installation ist bis zum 30. Juni zu sehen.

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Movement Research ACROSS Exhibition

03.06. – 30.07.2022

Exhibition with works by Viron Erol Vert, RA Walden, Jimmy Robert and temporary interventions by a.o. André Uerba and Angela Alves at Galerie Wedding & on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

Curated by Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

For the occasion of ACROSS, visual artist Viron Erol Vert created “Flexible Colour Circle”, a public and inhabitable stage, set in Wedding’s town hall square (Rathausvorplatz). It serves as a Movement Research area for performances and a space for encounters with and for the people of Wedding. When designing the outdoor colourful stage, Vert was inspired by artist Emily Noyes Vanderpoel’s (1842-1939) colour charts studying the imaginary effects of colour, Johann Wolfgang von Goethe‘ theory of colour as well as Johannes Itten’s (1888-1967) colour wheel and ideas of how colour influences shape. This outdoor part of ACROSS is complemented by an indoor exhibition at Galerie Wedding with works by RA Walden and Jimmy Robert with interventions a.o. by André Uerba and Angela Alves, exploring the moment of arrested or accidental movement .

RA Walden presents the work “a score for rest (yielding)” and thereby invests Galerie Wedding with a large-scale wall text on the accidental movements of dust, presented as embodied science fiction. The text is complemented by a new sound piece composed from field recordings of extra-terrestrial winds. Walden’s work explores the intersections between sickness, disability, movement, and technology: What are the connections, what forms of action, protest and imagined futures are possible? 

In this photo-based and architectural artwork, Jimmy Robert places a human-scale resting dancer photograph on a plinth, his back turned towards the audience. By emphasising the specific properties of the materials used in his work, in the exhibition as well as the performance space itself, he turns them into a partner within the performative process, extinguishing the divide between object and body, image and space, liveness and stillness.

„INVITING MOMENTS OF STILLNESS“ is a film by André Uerba, where the choreographic-performative exploration of touch, slow pace and togetherness are key themes. By slowing down and focussing on the body, he and his co-residents test different forms of becoming acquainted with, and sensing, one another as a means of uncovering togetherness.

„REST“ is an installation by Angela Alves at Movement Research Center at Galerie Wedding. It is an ongoing project about the practice of resting. The work approaches resting as an act of self-care, surrender and rebellion. It empowers those who spend a lot of time in bed to have their voices heard and to reveal perspectives on resting as a cultural and political technology. The artist invites people with different backgrounds to visit her in bed and talk about their relationship to rest. Audio recordings of the bed meetings present voices that become political wordings as soon as they leave the private sphere. Stories of struggling, coping, resisting. Stories of celebrating, loving, creating. The installation is on view until June 30.

*English version below

Kreative Raumgestaltung durch Tanz, Open-Air-Performances und eine sozial-bewohnbare Bühne im Berliner Wedding. 

02.06.2022 bis 30.07.2022

Rathausvorplatz Wedding & Galerie Wedding

Mit Medhat Aldaabal, Lois Alexander, Angela Alves, Tatiana Echeverri Fernandez, Va-Bene Elikem Fiatsi, Jule Flierl, Carrie Hampel, Alexandra Hennig, Roni Katz, Justin F. Kennedy, Éva Mag/Krump Berlin, Tatjana Mahlke & Sonia Robak, Rachel Monosov, Namosh, Anna Nowicka, Jimmy Robert, Moran Sanderovich, Sloush+Zarrt, Colin Self, André Uerba, Viron Erol Vert, RA Walden.

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

Bewegung, Vielfalt, Festlichkeit, Transformation. Mit ACROSS fragen wir, wie wir als Nachbar*innen, als Menschen mit unterschiedlichen Biographien und als Menschen mit verletzlichen Körpern im öffentlichen Raum durch künstlerische Interventionen und Choreographien zusammenkommen können, über Krisen und die Grenzen von Communities hinweg. ACROSS ist eine sozial dynamische Veranstaltungsreihe mit mehr als 16 Performances, konzipiert von einem Team von Kurator*innen aus der Freien Szene Berlins, initiiert und realisiert von XO Curatorial Projects. 

Während unserer Recherchen in den letzten zwei Jahren des Lockdowns haben wir ein starkes Bedürfnis nach körperlichen und improvisierten spontanen Begegnungen und Treffen, neuen Erkundungen sowie Austausch und Interaktion festgestellt. Wie können künstlerische oder bewegungsorientierte Interventionen den öffentlichen Raum in Berlin Wedding zu einem Safer Space für alle Menschen machen?

ACROSS bringt internationale, in Berlin ansässige Tänzer*innen, Künstler*innen, Musiker*innen und ein vielfältiges Publikum in einem urbanen Umfeld zusammen, wobei der Schwerpunkt auf unkonventionellen Bewegungen liegt.

Bewohnbare Außenbühne und Innenausstellung

Im Rahmen von ACROSS schuf der bildende Künstler Viron Erol Vert den „Flexible Colour Circle“, eine öffentliche und bewohnbare Bühne auf dem Rathausvorplatz in Wedding. Sie dient als Movement Research Bereich für Performances und als Raum für Begegnungen mit und für die Weddinger Bevölkerung. Bei der Gestaltung der farbenfrohen Außenbühne ließ sich Vert von den Farbtafeln der Künstlerin Emily Noyes Vanderpoel (1842-1939) inspirieren, die sich mit der imaginären Wirkung von Farben beschäftigte, sowie von Goethes Farbenlehre und Johannes Ittens (1888-1967) Farbrad und den Ideen darüber, wie Farbe die Form beeinflusst. Dieser Teil der ACROSS-Ausstellung im Freien wird durch eine Ausstellung in den Räumen der Galerie Wedding ergänzt, in der Werke der Künstler RA Walden, Jimmy Robert und Intervention von u.a. André Uerba und Angela Alves gezeigt werden, die sich mit dem Moment der angehaltenen Bewegung befassen.

Durchgeführt von XO Curatorial Projects und der Galerie Wedding

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Movement Research ACROSS

Creative space making through dance, outdoor performance and a social inhabitable stage in Wedding, Berlin.

02.06. – 30.07. 2022

With Medhat Aldaabal, Lois Alexander, Angela Alves, Tatiana Echeverri Fernandez, Jule Flierl, Carrie Hampel, Alexandra Hennig, Roni Katz, Justin F. Kennedy, Éva Mag/Krump Berlin, Tatjana Mahlke & Sonia Robak, Rachel Monosov, Namosh, Anna Nowicka, Jimmy Robert, Moran Sanderovich, Sloush+Zarrt, Colin Self, André Uerba, Viron Erol Vert, RA Walden.

Curated by Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

Movement, Diversity, Festivity, Transformation. With ACROSS we ask how we as neighbours, as people with diverse biographies, human beings with vulnerable bodies, can come together in public space through artistic intervention, reaching across communities and crises. ACROSS is a socially dynamic series of events with more than 16 performances brought together by a team of curators from Berlin’s independent scene, initiated and realised by XO Curatorial Projects.

During our research in the last two years of lockdown, we identified a strong need for corporeal and immediate encounters and meetings, for exploration through exchange and interaction. How can multiple artistic interventions turn the public space in Berlin Wedding into a safer space for all people?

ACROSS brings together international Berlin-based dancers, artists, musicians and a diverse audience in an urban setting, with a focus on unconventional movement. 

Inhabitable Outdoor Stage and Indoor Exhibition

For the occasion of ACROSS, visual artist Viron Erol Vert created “Flexible Colour Circle”, a public and inhabitable stage, set in Wedding’s town hall square (Rathausvorplatz). It serves as a Movement Research area for performances and a space for encounters with and for the people of Wedding. When designing the outdoor colourful stage, Vert was inspired by artist Emily Noyes Vanderpoel’s (1842-1939) colour charts studying the imaginary effects of colour, Goethe‘ theory of colour as well as Johannes Itten’s (1888-1967) colour wheel and ideas of how colour influences shape. This outdoor part of ACROSS is complemented by an indoor exhibition at Galerie Wedding with works by RA Walden and Jimmy Robert with interventions a.o. by André Uerba and Angela Alves, exploring the moment of arrested movement.

Executed by XO Curatorial Projects and Galerie Wedding

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und der Senatsverwaltung für Wirtschaft, Energie und Betriebe.

24.06. bis 21.07. 2021

Eine Skulptur von Ingrid Ogenstedt auf dem Rathausvorplatz kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms Existing Otherwise | Anders Existieren 2021-22 in der Galerie Wedding

Eröffnung | Opening am 24. Juni 2021 von 14 bis 19 Uhr auf dem Rathausvorplatz neben der Galerie Wedding

Auf Einladung der Galerie Wedding hat Ingrid Ogenstedt eine fast vier Meter hohe Skulptur für den Rathausvorplatz in Wedding entwickelt. Die Form erinnert an ein monumentales Tor oder Portal, überwachsen mit Gras. “Surplus” bedeutet Mehrertrag oder Überschuss. Die Arbeit untersucht, wie wir im 21. Jahrhundert wachsen können und ist Teil des Programms “Anders Existieren” in der Galerie Wedding. Das grüne Portal wird bis zum 21. Juli im öffentlichen Raum zu erleben sein.

Ogenstedt arbeitet mit großformatigen skulpturalen Projekten und Zeichnungen. Für ihre skulpturalen Arbeiten verwendet sie natürliche Materialien, um die Idee von Natur und Kultur als polare Gegensätze zu hinterfragen. Die Skulpturen werden oft vor Ort gebaut und existieren in einem zeitlich und räumlich begrenzten Zustand.

„Der Platz ist eine offene Fläche innerhalb der Stadt. Ein Raum, in dem Menschen interagieren können und auf dem Dinge passieren können. Der Rathausvorplatz ist umgeben von öffentlichen Gebäuden wie der Agentur für Arbeit (Jobcenter), der Stadtbibliothek und dem Bezirksamt. In den letzten Jahren der Covid-Beschränkungen war das Arbeitsamt ein wichtiger Ort und wir leben in einer Zeit, in der Menschen in systemrelevant und nicht systemrelevant eingeteilt werden. Überschuss ist das, was durch Anstrengung und gemeinsames Arbeiten erwirtschaftet wird, ein Zeichen von Reichtum und Wohlstand. Können wir wirklich über unsere gesellschaftliche Relevanz definiert werden?“, fragt Ingrid Ogenstedt.

Das Gras ist für Ogenstedt ein Zeichen für kultivierte Natur. Natur wird kultiviert, um den menschlichen Zwecken angepasst zu werden – der perfekte Rasen wird geschnitten. Ogenstedt befestigt das Gras auf der skulpturalen Form und gibt ihm Struktur. Mit der Zeit trennt sich das Werk von der Künstlerin und steht für sich selbst, um zu wachsen, zu atmen, zu verrotten oder zu zerfallen. Die Skulptur ist fortlaufend im Wandel.

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Surplus

24.06. bis 21.07. 2021

A sculpture by Ingrid Ogenstedt on Rathausvorplatz
curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of Existing Otherwise | Anders Existieren 2021-22 at Galerie Wedding

Opening on 24 June, 2021 between 2 and 7 pm on Rathausvorplatz next to Galerie Wedding

Ingrid Ogenstedt has developed an almost four-metre-high sculpture for the Rathausvorplatz in Wedding at the invitation of Galerie Wedding. The structure is reminiscent of a monumental gate or portal, overgrown with grass. The work „Surplus“ explores how we can grow in the 21st century and is part of the programme „Existing Otherwise“ at Galerie Wedding. The green portal will be on view in public space until 21 July.

Ogenstedt works with large scale sculptural projects and drawings. For her sculptural works she uses natural materials as a way of questioning the idea of nature and culture as polar opposites. The sculptures are often built on-site and then exist within a temporary setting and state.

„The square is an open glade within the city. A space for people to interact and where events can accrue. The square Rathausvorplatz is surrounded by public buildings such as the employment office, The cities library and the district office. During the past year of Covid restrictions, the employment office has been a vital place and we have been living in a time where people are divided into system-relevant and non-system-relevant. Surplus is what is generated through effort and working together, a sign of wealth and prosperity. Can we be defined through our social relevance?“, asks Ingrid Ogenstedt.

Ogenstedt considers grass a marker for cultivated nature. Nature is cultivated to suit our human purposes – the perfect grass is cut. Ogenstedt sews the grass to the form and gives it a structure. At some point, the work separates from the artist and stands on its own, to grow, to breathe, to rot or to decay. The transformation is ongoing and a movement in time.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, sowie dem Bezirkskulturfonds, Berlin-Mitte.

04.06. bis 31.07.2021 (verlängert)

Eine Ausstellung mit Arbeiten von Hannah Toticki Anbert kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Die Ausstellung ist von außen durch die Galeriefenster zu sehen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms Existing Otherwise | Anders Existieren – Für eine neue Politik der Sinne

Ausstellungsbeginn | Soft Opening am 4. Juni 2021

Die Ausstellung Work After Work von Hannah Toticki Anbert, kuratiert von Solvej Helweg Ovesen, eröffnet am 4. Juni 2021 in den großen Schaufenstern der Galerie Wedding. Die Künstlerin Hannah Toticki Anbert thematisiert die Verherrlichung von Effizienz, Produktivität und Wachstum in der gegenwärtigen Kultur. Insbesondere beschäftigt sie sich damit, inwiefern Körper nie von Arbeit und Technologie entkoppelt sind. In einem ständigen Strom von Informationen, Updates und Online-Verfügbarkeit verschwimmt die Grenze zwischen Arbeit und Nicht-Arbeit, ebenso wie die Grenze zwischen Körper und Technologie.

“Work After Work”, also “Arbeit nach der Arbeit” – oder “Arbeiten nach der Arbeit”, öffnet einen Raum für grundlegende Fragen:  Was tun wir nach der Arbeit? Gibt es überhaupt eine Zeit außerhalb der Arbeitszeit?

Hannah Toticki Anbert zeigt in den Fenstern der Galerie Wedding Kostüme und Accessoires, die diese (fehlenden) Grenzen widerspiegeln. Touchscreen Protection Rings sind Ringe in Silber und Gold, die für die Fingerkuppe des Zeigefingers und des Daumens bestimmt sind. Die Ringe blockieren dabei den kleinen Bereich des Körpers, der normalerweise über Touchscreens mit digitalen Geräten interagiert. Die Ringe fungieren sowohl als physisches Hindernis, als auch als Symbol der Präsenz. Smartphone Protection Glasses, eine Smartphone-Schutzbrille, stellt ebenfalls ein physisches Hindernis dar: Die Brille blockiert den Teil des Sichtfeldes, den wir für die Benutzung unseres Smartphones verwenden. Die ständige Möglichkeit, online zu sein, erfordert Disziplin, um für den Körper den notwendigen undisziplinierten Raum der Entkopplung vom Digitalen zu schaffen. In ihrer Serie der Sleep Uniforms kommentiert Anbert, wie wir unseren Körper disziplinieren, um zu arbeiten – und zwar in einem solchen Ausmaß, dass es vielleicht Disziplin erfordert, nicht zu arbeiten.

Die Ausstellung ist ein  direkter Kommentar zum Thema Anders Existieren der Galerie Wedding und der Realität des Weddinger Jobcenters am Rathausvorplatz. Anbert zeigt außerdem zwei Videos, in denen umgetextete Karaoke-Songs neoliberale Arbeitsbedingungen und die Gestalt heutiger Arbeitswelten humorvoll zur Schau stellen. Hannah Toticki Anbert ist grundsätzlich daran interessiert, wie Arbeit alltäglich die Zeit und Gemeinschaft strukturiert, und wie das Leuchten der Monitore in die Dunkelheit der Nacht dringt und auf diese Weise Tag- und Nachtrhythmen und Raum- und Zeitgefühl stört.

Longing for Common Closeness ist eine Bewegungsrecherche auf dem Rathausvorplatz zu den verinnerlichten Maßnahmen des Social Distancing. Kostüme der Performer*innen spielen haptisch mit dem Gebot, Abstand zu Mitmenschen zu halten. Passant*innen der Müllerstraße und des Rathausplatzes können diese Perfomance am Nachmittag des 4. Juni beobachten.

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Work After Work

An exhibition with works by Hannah Toticki Anbert
curated by Solvej Helweg Ovesen

The exhibition is on display in the gallery’s windows.

Within the framework of Existing Otherwise | Anders Existieren – For a New Politics of the Senses

On display from June 4, 2021

The exhibition Work After Work by Hannah Toticki Anbert, curated by Solvej Helweg Ovesen, opens on the 4th of June 2021 in the large windows of Galerie Wedding. Artist Hannah Toticki Anbert addresses the current cultures’ celebration of efficiency, productivity and growth. Especially, she focuses on how the body lacks possibilities of decoupling. In a constant stream of information, updates and online availability the limits between work and non-work, as well as the boundary between the body and technology, have become blurred.      

„Work After Work“ opens up a space for essential questions. The title alludes to two  of them: What do we do after work? Is there any time at all outside of working hours?

Hannah Toticki Anbert shows costumes and accessories in the windows of Galerie Wedding that reflect these (missing) boundaries. Touch Screen Protection Rings are rings in silver and gold designed to be placed on the fingertip of the index finger and the thumb. The rings hereby block the small part of the body that normally interacts with digital devices through touch screens. The rings function both as a physical obstacle, and as a symbol of presence. Smartphone Protection Glasses also insert a bodily obstacle: The glasses block out the part of the field of view, often occupied when using our smartphone. With the possibility of constantly  being online, it takes discipline to create the necessary undisciplined space of decoupling for the body. In her series of Sleep Uniforms  Anbert comments on how we discipline our body to work, to such a degree that it might take discipline not to work.

The exhibition forms a direct commentary on the theme of Existing Otherwise and the reality of the Job Center Berlin-Wedding at the Rathausvorplatz next to the gallery. The artist also shows two videos with rewritten karaoke song lyrics reflecting on neoliberal working conditions and uses humour to showcase the shape of today’s working worlds. Hannah Toticki Anbert is deeply interested in how work structures time and community in everyday life and society, and how the brightness of a screen replaces the darkness of the night. She is concerned with the rhythm of day and night destroyed by the glowing screen, and with the lost sense of space and time.

Nowadays, not only work but also the social distancing measures  overwhelm our nervous system. The movement research Longing for Common Closeness materialises the internalised measures of social distancing: The costumes of performers make the invisible distance visible, playing haptically with the commandment to keep a distance from fellow human beings. Passers-by on Müllerstraße and the Rathausplatz can witness the Performance on the afternoon of 4 June.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, sowie dem Bezirkskulturfonds, Berlin Mitte und dem Danish Arts Council.

Das Programm Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien. 

Movement Research | Testplatz Wedding
Einsendeschluss: 24. Mai 2021 (verlängerte Laufzeit)

Für das Open Call basierte Projekt Movement Research | Testplatz Wedding werden acht performative Projekte gesucht, die im August/September 2021 als Performance-Reihe auf dem Rathausvorplatz dem Weddinger Publikum präsentiert werden. Das Projekt ist interdisziplinär ausgerichtet und lädt Künstler*innen aus Berlin, die mit diversen körperbasierten und performativen Formaten arbeiten ein, sich mit dem Thema “Anders existieren im öffentlichen Raum” zu beschäftigen.

Movement-Research-Jury: Solvej Helweg Ovesen (Künstlerische Leitung Galerie Wedding), Isabel Lewis (Künstlerin, Choreografin, und Ko-Kuratorin Existing Otherwise), Övül Ö. Durmuşoğlu (Kuratorin, Professorin UDK, und Ko-Kuratorin Existing Otherwise), Malte Pieper (Kurator Open Call), Maja Smoszna (Kuratorin Open Call)

Aufführungen: 11.08. – 04.09.2021 

Zum Projekt: Durch das Social Distancing und neue Existenzbedingungen, haben sich unsere Wege im öffentlichen Raum geändert. Wie existieren wir anders? Und wie verhandeln wir Nähe und Distanz neu? Wie bewegen wir uns miteinander? Wie können wir den Raum wieder für uns gewinnen? Wie können wir uns heutzutage versammeln und neue intime Beziehungen aufbauen?

Galerie Wedding existiert 2021 auch anders. Als Institution öffnen wir uns in diesem Jahr auf den uns umgebenden öffentlichen Raum (Rathausvorplatz), auf neue Zuschauer*innengruppen und eine junge Generation von Künstler*innen. Dabei werden neue Formate des kollektiven Bewegens, erprobt. Das Programm untersucht eine neue Politik der Sinne und die Wege des ‘Anders Existierens’ im heutigen pandemischen Zeitalter. Die Galerie Wedding verändert sich dabei und wird zu einem Zentrum für Movement Research (engl: Bewegungsrecherche oder -forschung). 

Der Rathausvorplatz befindet sich direkt vor der Galerie Wedding. Er verbindet unterschiedliche Straßen: Die Müllerstraße und den Leopoldplatz im Norden sowie Genter Straße im Süden, wie auch wichtige Bezirksinstitutionen, etwa das alte Rathaus, das Job-Center und die Schiller-Bibliothek. Der Platz gilt als städtischer Treffpunkt von lokalen Communities, die ihn tagsüber und nachts zum Verweilen, Entspannen und Feiern unter freiem Himmel nutzen. Mehr Informationen zum Projekthintergrund findet ihr hier.

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Movement Research | Testplatz Wedding

For the Open Call-based project Movement Research | Testplatz Wedding we are in search of eight performative projects that will be presented to a Wedding audience on the Rathausvorplatz. The performances will be part of a performance series taking place in August/September 2021. The project is interdisciplinary and serves as an invitation to Berlin-based artists working with diverse body-based and performative formats to investigate the topic of „existing otherwise in public space“.

Movement Research Jury: Solvej Helweg Ovesen (Artistic Director Galerie Wedding), Isabel Lewis (artist, choreographer, and co-curator of “Existing Otherwise”), Övül Ö. Durmuşoğlu (curator, professor at the UDK, and co-curator of “Existing Otherwise”), Malte Pieper (curator of the Open Call), Maja Smoszna (curator of the Open Call).

We welcome submissions until May 24, 2021. Extended application period!

Performances will take place on: 11 Aug – 04 Sept 2021

About the project: Through social distancing and new conditions of existence, our options in public space have changed. How can we exist otherwise? And how can we renegotiate proximity and distance? How can we move with each other? How can we reclaim space for ourselves? How can we, in this day and age, gather and build new intimate relationships?

In 2021, Galerie Wedding will also be “existing otherwise”. As an institution we will this year be opening up the public space that surrounds us (the Rathausvorplatz) to new groups of viewers and a young generation of artists. We wish to experiment with new formats of collective movement. The program explores a new politics of the senses and ways to “existing otherwise” in today’s age of the pandemic. Galerie Wedding is hereby changing and transforming into a Movement Research Center.

The Rathausvorplatz is located directly in front of Galerie Wedding. It connects different streets: Müllerstraße and Leopoldplatz to the north and Genter Straße to the south. It also links important district institutions, such as the old town hall, the Job Centre and the Schiller Library. The square is considered an urban meeting point for local communities who use it during the day and at night to linger, relax and celebrate in the open air.

More information about the background of the project can be found here.

*English version below

Seit April 2021

Raumgestaltung und Archiv
entworfen von Isabel Lewis,
entwickelt mit Solvej Helweg Ovesen und dem Galerie Wedding-Team
im Rahmen des Ausstellungsprogramms
XO – Existing Otherwise | Anders Existieren (2021-2)

A Movement Research Center ist ganzjährig für Besucher*innen geöffnet sein. Der multifunktionale, öffentlich zugängliche Ort umfasst einen Leseraum mit Archiv, ist Treffpunkt und ein Raum für Vermittlung, Mediation und Meditation. Während der Performances im umliegenden öffentlichen Raum fungiert das Zentrum als Backstage. Unter den vorhandenen Büchern sind aktuelle Titel zu Performance Studies, körperlicher sowie aktivistischer Bewegungsforschung, die vor Ort genutzt werden können.

A Movement Research Center ist ein Ort, an dem verschiedene Disziplinen, Kenntnisse, Personen, Institutionen und Öffentlichkeiten zusammentreffen können, zur gemeinsamen Analyse und Reflexion der Architekturen von Affekt, Emotion und Erinnerung; von Behinderung und behindert werden, den urbanen Lebenswelten; unsichtbaren Subjekten und ungesehenen Räumen; migrantischer Erfahrung im städtischen Raum; der Überwachung von Körpern; der Geschichte und Zukunft von öffentlichen Versammlungen und Partys, und mehr. Zeitgenössische Kunst bietet in dieser Situation einen sozialen und diskursiven Spannungsraum, in dem neue sinnliche Erfahrungen und Allianzen geschaffen werden können.

A Movement Research Center ist Teil des Programms Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses in der Galerie Wedding.

In der Zusammenarbeit mit der Schiller-Bibliothek.

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A Movement
Research Center

Spatial design and archive
created by Isabel Lewis,
concept with Solvej Helweg Ovesen and Galerie Wedding Team
part of the exhibition programme
XO – Existing Otherwise | Anders Existieren (2021-2)

A Movement Research Center is a multifunctional space open to the public: a reading room, an archive, a meeting place, mediation and meditation space, as well as a backstage for performances in nearby public space. The book archive holds current titles on performance studies as well as activist movement research and can be read on site.

A Movement Research Center is a place where multiple disciplines, knowledges, persons, institutions, and publics can meet to analyze and reflect upon architectures of affect, emotion, and memory; disability and the urban sphere; invisible subjects and unseen spaces; the migrant experience in urban space; the policing of bodies; the history and future of public assembly and celebration, and more. Contemporary art in this situation offers a social and discursive space of potentiality where new sensorial experiences as well as alliances can be created.

A Movement Research Center is part of the programme Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses at Galerie Wedding.

In collaboration with the Schiller-Bibliothek.

Eine Ausstellung von Julian Irlinger kuratiert von Jan Tappe

11. Juni bis 25. Juli 2020

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und
Solvej Helweg Ovesen

Erweiterte Öffnungszeiten am 11., 12. und 13. Juni 2020 von 12 bis 21 Uhr

Ausstellungsführungen mit Julian Irlinger und Jan Tappe für max. 5 Personen finden am 13., 27. Juni und 25. Juli 2020 jeweils um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation mit Texten von Julian Irlinger, Kerstin Stakemeier und Jan Tappe

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die Präsentation wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit ausserhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

Die Ausstellung in der Galerie Wedding beleuchtet den Gegenstand der Schenkung anhand einer Installation aus Dokumenten und Fotografien eines Hauses in Schönebeck an der Elbe aus dem familiären Archiv des Künstlers. Die Präsentation ist durch die Corona Krise deutlich beeinflusst, da ein Teil der Ausstellungsräume der Galerie vorübergehend vom Sozialamt genutzt werden. Von allen Beteiligten wurde beschlossen die Räumlichkeiten zu teilen. Die Zwischennutzung des Sozialamts wird mindestens die Hälfte der Ausstellungsdauer bestehen, wodurch verdeutlicht wird dass auch der Kulturbetrieb sich in der Krise arrangieren muss. Eine Geste die auch zeigt welche öffentliche institutionelle Struktur der Galerie zugrunde liegt.

Eine inhaltliche Betonung, die das Projekt durch die Corona Krise erlebt hat, betrifft die Wahrnehmung nationaler Grenzen. Seit dem Fall der Mauer hat die Idee einer europäischen Gemeinschaft sich immer stärker in erhöhter Reisefreiheit niedergeschlagen, während neue EU Aussengrenzen entstanden sind. In der Krise erleben die Grenzen der Nationalstaaten eine Stärkung. Diese Rückbesinnung bedeutet eine Veränderung in der Geschichte der EU. Da Gift auf eine Schenkung an das Wende Museum in Los Angeles angelegt ist, betrifft die Pandemie auch die im Projekt angelegte Verbindung zu den USA, die momentan die Grenzen für Europa geschlossen haben.

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Gift

An Exhibition by Julian Irlinger curated by Jan Tappe

11th of June until 25th of July 2020

within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

Extended opening hours on 11th, 12th and 13th of June 2020 from 12 to 9pm

Exhibition tours with Julian Irlinger and Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on 13th, 27th of  June and 25th of July 2020 at 5 pm. RSVP to post@galeriewedding.de.
 
The exhibition is accompanied by a publication with texts by Julian Irlinger, Kerstin Stakemeier and Jan Tappe

Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity.
Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

The exhibition at Galerie Wedding explores the donation by means of an installation of documents and photographs of a house in Schönebeck an der Elbe from the artist’s own family archive. The presentation is markedly influenced by the Corona crisis, since a part of the gallery’s exhibition space is temporarily under use by the Sozialamt (the district’s office for social welfare)—all involved parties have decided to share the premises. The office’s temporary presence will last for at least half of the exhibition’s duration, illustrating the fact that the cultural sector must find ways to come to terms with the crisis as well. The split occupation also highlights the public-institutional structure of the gallery.

The Corona crisis underscores the content of the project as well, specifically the perception of national borders. Since the fall of the Berlin Wall, the idea of a European community has been personified through an increasing freedom of travel while new EU external borders have emerged. However, in a shift within the history of the European Union, the current crisis has in fact strengthened the borders of the nation-state. Since Gift is centred on a donation to the Wende Museum in Los Angeles, the pandemic also affects the project’s connection to the United States, which has currently closed its borders to Europe.

11. Juni bis 25. Juli 2020

Ausstellungsführung mit dem Künstler Julian Irlinger und Kurator Jan Tappe für max. 5 Personen findet am 25. Juli um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die Präsentation wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit außerhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

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An Exhibition by Julian Irlinger

11 June until 25 July 2020

Exhibition tours with the artist Julian Irlinger and curator Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on July 25, 2020 at 5 pm.

RSVP to post@galeriewedding.de.

Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity. Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

11. Juni bis 25. Juli 2020

Ausstellungsführung mit dem Künstler Julian Irlinger und Kurator Jan Tappe für max. 5 Personen findet am 13. Juni um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit außerhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

Weitere Termine:

27. Juni und 25. Juli

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An Exhibition by Julian Irlinger

11 June until 25 July 2020

Exhibition tours with the artist Julian Irlinger and curator Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on 13 June 2020 at 5 pm. RSVP to post@galeriewedding.de. Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity. Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

Further dates:

27 June and 25 July

11. Juni bis 25. Juli 2020

Ausstellungsführung mit dem Künstler Julian Irlinger und Kurator Jan Tappe für max. 5 Personen findet am 27. Juni um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die Präsentation wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit außerhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

Weitere Termine:

25. Juli

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An Exhibition by Julian Irlinger

11 June until 25 July 2020

Exhibition tours with the artist Julian Irlinger and curator Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on 27 June 2020 at 5 pm.

RSVP to post@galeriewedding.de.

Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity. Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

Further dates:

25 July

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen 

*please scroll down for English version*

Das Im-Kreis-Zusammenkommen sowie die kreisförmige Anordnung dienen seit jeher in diversen Praktiken und Kontexten als Methode und Hilfsmittel bei der Betrachtung vielschichtiger Zusammenhänge und der Lösung komplexer Probleme. Der Titel der Ausstellung Sitting Circles ist daher im doppelten Sinne zu verstehen: räumlich durch die Anordnungen der künstlerischen Arbeiten und die darin bestehenden Verbindungen von Materialien und Elementen sowie als Metapher und Konzept für soziale und kulturelle Interaktionen, Strukturen und Zirkulationen.

Das Jahresprogramm der Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity) ruft dazu auf, über neue Formen und Motivationen von Solidarität in der heutigen Zeit nachzudenken. Vor diesem Hintergrund kommen in der Gruppenausstellung Sitting Circles fünf künstlerische Positionen zusammen, die sich auf unterschiedliche Weise damit auseinandersetzen, wie unsere materielle Umwelt in engem Austausch mit sozialen, ökologischen, kulturellen und individuellen Prozessen steht.

Es kommen Themen und Praktiken auf, gewinnen und verlieren wieder an Aktualität, werden vergessen, um dann erneut im Bewusstsein aufzutauchen. Dinge werden für einen Zweck geschaffen, wiederverwendet oder in einen neuen Kontext gesetzt. Eine sich ständig verändernde und komplexe Umgebung fordert uns kontinuierlich heraus, auf sie zu reagieren und aktiv zu werden. Veränderungen bedingen Austausch.

In den Arbeiten von Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen und kate-hers RHEE werden Verbindungen geschaffen, die Alternativen bieten und neue Perspektiven eröffnen. Auf welche Weise können künstlerische Positionen, die mit Materialien und Gegenständen arbeiten, unsere Gedanken und Emotionen in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft reflektieren? Und wie kommen diese schließlich in den Räumen der Galerie Wedding zusammen?

Besonderen Dank für das Mentoring an Solvej Helweg Ovesen und Dr. Ute Müller-Tischler.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien. kate-hers RHEE in Kooperation mit der Heinrich-Böll-Stiftung.

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Sitting Circles

A group exhibition with Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen, kate-hers RHEE curated by Marie-Christin Lender

Within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen 

The act of coming together in a circle, as well as arranging objects in circles, has long served as a method for finding solutions to complex problems and as a tool for dealing with many-faceted contexts. Sitting Circles, the title of the exhibition, is to be understood ambiguously: it refers to the spatial arrangement of the artistic works and the existing relations of materials and elements within them, butit is also a metaphor and concept for social and cultural interactions, structures and circulations.

The yearly programme of Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity) explores the current need to reinvent new forms and motivations of solidarity. Against this backdrop, the group exhibition Sitting Circles brings together works by five artists that examine how objects and our material environment are in close interaction with social, ecological, cultural and individual processes. Topics and practices emerge, attain and lose currency, are forgotten and then reappear in consciousness. Things are created for a purpose, are reused or placed in a new context. An ever-changing and complex environment continually challenges us to respond to it and to become active. Changes require exchange.

The works by Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen and kate-hers RHEE draw connections that offer options for action and new perspectives. In which way could visual artistic practices, working with materials and objects, reflect our thoughts and emotions in the past, present and future? And how do they come together in the space of Galerie Wedding?

Special thanks for the mentoring to Solvej Helweg Ovesen and Dr. Ute Müller-Tischler.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen« and exhibition funds for communal galleries. kate-hers RHEE in cooperation with Heinrich-Böll-Stiftung.

Im Rahmen der Gruppenausstellung mit Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen, kate-hers RHEE kuratiert von Marie-Christin Lender

Teil des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen 

*please scroll down for English version*

Das Im-Kreis-Zusammenkommen sowie die kreisförmige Anordnung dienen seit jeher in diversen Praktiken und Kontexten als Methode und Hilfsmittel bei der Betrachtung vielschichtiger Zusammenhänge und der Lösung komplexer Probleme. Der Titel der Ausstellung Sitting Circles ist daher im doppelten Sinne zu verstehen: räumlich durch die Anordnungen der künstlerischen Arbeiten und die darin bestehenden Verbindungen von Materialien und Elementen sowie als Metapher und Konzept für soziale und kulturelle Interaktionen, Strukturen und Zirkulationen.

Das Jahresprogramm der Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity) ruft dazu auf, über neue Formen und Motivationen von Solidarität in der heutigen Zeit nachzudenken. Vor diesem Hintergrund kommen in der Gruppenausstellung Sitting Circles fünf künstlerische Positionen zusammen, die sich auf unterschiedliche Weise damit auseinandersetzen, wie unsere materielle Umwelt in engem Austausch mit sozialen, ökologischen, kulturellen und individuellen Prozessen steht.

Es kommen Themen und Praktiken auf, gewinnen und verlieren wieder an Aktualität, werden vergessen, um dann erneut im Bewusstsein aufzutauchen. Dinge werden für einen Zweck geschaffen, wiederverwendet oder in einen neuen Kontext gesetzt. Eine sich ständig verändernde und komplexe Umgebung fordert uns kontinuierlich heraus, auf sie zu reagieren und aktiv zu werden. Veränderungen bedingen Austausch.

In den Arbeiten von Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen und kate-hers RHEE werden Verbindungen geschaffen, die Alternativen bieten und neue Perspektiven eröffnen. Auf welche Weise können künstlerische Positionen, die mit Materialien und Gegenständen arbeiten, unsere Gedanken und Emotionen in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft reflektieren? Und wie kommen diese schließlich in den Räumen der Galerie Wedding zusammen?

Besonderen Dank für das Mentoring an Solvej Helweg Ovesen und Dr. Ute Müller-Tischler.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien. kate-hers RHEE in Kooperation mit der Heinrich-Böll-Stiftung.

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Sitting Circles

16.07.2019 at 6pm tour through the exhibition with curator Marie-Christin Lender

Within the frame of the group exhibition with Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen, kate-hers RHEE curated by Marie-Christin Lender

Part of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen 

The act of coming together in a circle, as well as arranging objects in circles, has long served as a method for finding solutions to complex problems and as a tool for dealing with many-faceted contexts. Sitting Circles, the title of the exhibition, is to be understood ambiguously: it refers to the spatial arrangement of the artistic works and the existing relations of materials and elements within them, butit is also a metaphor and concept for social and cultural interactions, structures and circulations.

The yearly programme of Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity) explores the current need to reinvent new forms and motivations of solidarity. Against this backdrop, the group exhibition Sitting Circles brings together works by five artists that examine how objects and our material environment are in close interaction with social, ecological, cultural and individual processes. Topics and practices emerge, attain and lose currency, are forgotten and then reappear in consciousness. Things are created for a purpose, are reused or placed in a new context. An ever-changing and complex environment continually challenges us to respond to it and to become active. Changes require exchange.

The works by Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen and kate-hers RHEE draw connections that offer options for action and new perspectives. In which way could visual artistic practices, working with materials and objects, reflect our thoughts and emotions in the past, present and future? And how do they come together in the space of Galerie Wedding?

Special thanks for the mentoring to Solvej Helweg Ovesen and Dr. Ute Müller-Tischler.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen« and exhibition funds for communal galleries. kate-hers RHEE in cooperation with Heinrich-Böll-Stiftung.

27. Juli – 01. September 2018
Ein Projekt von singuhr projekte berlin

Am Donnerstag, den 26. Juli um 19 bis 21 Uhr, eröffnet singuhr – projekte in der Galerie Wedding die Ausstellung Organic Decline mit dem brasilianischen Künstler Ricardo Carioba. Carioba zählt zu den wichtigsten Vertretern der experimentellen Klang- und Videokunst seines Landes. Standen zu Beginn seiner künstlerischen Karriere reine Videoarbeiten im Vordergrund, so begann Carioba in den 2010er Jahren nach und nach auch Klänge in seine Videoinstallationen zu integrieren. Seine neuen Arbeiten sind oftmals großformatige Raumarbeiten, in denen er Licht, Klang und Video kombiniert. Sie sind inspiriert von Konkreter Kunst und Konstruktivismus. Die häufig abstrakt-minimalistischen Arbeiten verwandeln Ausstellungsräume in dynamische Gebilde, in denen intermediale Beziehungen thematisiert sind. Dekomposition, Abstraktion und Dynamik lassen amorphe Raumgebilde entstehen, in denen der Besucher in ein faszinierendes Spiel von Licht, Farbe und Klang eintaucht.

Auch die Installation Organic Decline, die er für die Räume der Galerie Wedding entwickelt hat, arbeitet mit diesen Motiven. Sie taucht den gesamten Galerieraum durch spezielle Lichtfilterfolien an den Fensterfronten in ein monochromes, tiefblaues Licht. Die visuelle Raumatmosphäre wird durch Klänge erweitert. Zu hören ist eine sich ständig weiterentwickelnde Komposition, die mit der Öffnung der Galerie am Mittag beginnt und bis zur Schließung am Abend andauert. Carioba arbeitet mit zwei aufeinander bezogenen klangliche Sphären, die über ein mehrkanaliges Lautsprechersystem in den Raum projiziert werden: Die erste stellt eine weite und fluide Räumlichkeit her, einen Klang, der sich im Raum bewegt und der trotz seiner Präsenz ein Gefühl der Stille schafft. Zudem sind hier Klänge integriert, die mithilfe eines Mikrofons im Außenraum aufgenommen werden und in Echtzeit in die Komposition einfließen. Die Geräusche dieser »Echtzeit«-Sphäre werden durch Klangereignisse einer zweiten Sphäre kontrapunktiert. Sie stammen von Synthesizern und anderen Tools für die Produktion von elektronischer und elektroakustischer Musik. Es sind rhythmische ebenso wie melodische, aber auch arhythmisch-dissonante Patterns und Strukturen, die den Raum zu besetzen scheinen und sich durch den Raum bewegen.

Die Klänge sind auch die eigentliche Ursache für die visuelle Dynamik der Installation. Ihre Entwicklung hat Einfluss auf die Videosignale, auf die Färbung des Lichts und auf den zeitlichen Ablauf der Veränderungen. Es entsteht ein räumlich-akustisches und visuelles Aggregat, in dem, so Carioba, »Aspekte unseres Verständnisses von konkreter und abstrakter Realität aufscheinen.«

Am Donnerstag, den 2. August, findet in der Installation eine Sound-Performance statt. Das 60-minütige Konzert von Ricardo Carioba startet eine Stunde vor Sonnenuntergang, um exakt 19:57 Uhr, genau dann also, wenn das Tageslicht sich langsam zurückzuziehen beginnt.

Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa: Bezirkskulturfonds, Ausstellungsfonds für kommunale Galerien, Fonds für Ausstellungsvergütungen.
Mit freundlicher Unterstützung des Fachbereichs Kunst und Kultur, Bezirksamt Mitte von Berlin.

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Ricardo Carioba
Organic Decline

27. Juli – 01. September 2018
A project by singuhr projekte berlin

Opening on 26.07.2018 from 7 to 9pm

On Thursday, 26^th July, singuhr – projects presents the solo exhibition Organic Decline by Brazilian artist Ricardo Carioba at Galerie Wedding. Carioba is among the most prominent figures of experimental sound and video art in his native country. Carioba began his career focusing only on video works, and in 2010, gradually started integrating sounds into his video installations. Carioba’s recent works are often large-format in which he combines light, sound, and video. They are inspired by Concrete Art and Constructivism. The mainly abstract-minimalistic works transform exhibition spaces into dynamic entities in which intermedial relations are thematised. Decomposition, abstraction and dynamic allow the emergence of multi-sensory and amorphous spatial formations, whereby visitors are immersed in a fascinating game of light, color and sound.

The aforesaid elements are also deployed in the installation titled Organic Decline developed for the space of and exhibited at Galerie Wedding. The entire gallery is suffused by a monochrome deep-blue light that is created by customized blue foil wich is placed along the entire window facade. This atmospherically visual spatial-condition is expanded by means of sounds. A mellifluous composition starting with the gallery’s opening at midday and continuing through until the evening upon closing. Carioba works with two interrelated sonic spheres that are projected through a multi-channel sound system within the space: the first creates a far-reaching and fluid sense of space, a sound which travels three-dimensionally through the room, and despite its presence, instills a sense of calm. Sounds that are recorded with a microphone in the exterior space are also incorporated into these spheres, which then flow in real-time into the composition. The sounds of these »real-time« spheres are then counterpointed by sound events of a second sphere. These are sourced from synthesizers and other tools for the production of electronic and electroacoustic music. Both rhythmic and melodic as well as arhytmic-dissonant patterns and structures are present; the sound waves appear to occupy the space as they travel through it.

Initially veiled, it is the sounds themselves that facilitate the installation’s visual dynamic. Their development influences the video signal, the coloring of light as well as the time-flow of transformations. The result is a spacial-acoustic and visual aggregate wherein, Carioba remarks, »aspects of our understanding of concrete and abstract reality materialise«.

On Thursday, 2nd August, a sound-performance will take place within the installation space. The 60-minute long concert by Ricardo Carioba commences one hour before sunset (at exactly 7:57pm), just as the light of day begins to recede. A new visual atmosphere emerges, to which Carioba responds in real-time.

Organsied by singuhr e.V. in cooperation with Galerie Wedding.
www.singuhr.de

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe: “Bezirkuskulturfonds”, funds „Ausstellungsvergütungen“, and exhibition fund of the municipal galleries of Berlin. With kind support of the department of art and culture, Bezirksamt Mitte von Berlin.

Programmkoordination Galerie Wedding: Nadia Pilchowski
Presse & Kommunikation: Marie-Christin Lender
Produktionsleitung: Carolina Redondo
Aufbauassistenz und Mitarbeit: Jan Römer und Valentin Cernat
Praktikum: Alina Schmitt und Xiao Yu

Am Donnerstag, den 26. Juli um 19 bis 21 Uhr, eröffnet singuhr – projekte in der Galerie Wedding die Ausstellung Organic Decline mit dem brasilianischen Künstler Ricardo Carioba. Carioba zählt zu den wichtigsten Vertretern der experimentellen Klang- und Videokunst seines Landes. Standen zu Beginn seiner künstlerischen Karriere reine Videoarbeiten im Vordergrund, so begann Carioba in den 2010er Jahren nach und nach auch Klänge in seine Videoinstallationen zu integrieren. Seine neuen Arbeiten sind oftmals großformatige Raumarbeiten, in denen er Licht, Klang und Video kombiniert. Sie sind inspiriert von Konkreter Kunst und Konstruktivismus. Die häufig abstrakt-minimalistischen Arbeiten verwandeln Ausstellungsräume in dynamische Gebilde, in denen intermediale Beziehungen thematisiert sind. Dekomposition, Abstraktion und Dynamik lassen amorphe Raumgebilde entstehen, in denen der Besucher in ein faszinierendes Spiel von Licht, Farbe und Klang eintaucht.

Auch die Installation Organic Decline, die er für die Räume der Galerie Wedding entwickelt hat, arbeitet mit diesen Motiven. Sie taucht den gesamten Galerieraum durch spezielle Lichtfilterfolien an den Fensterfronten in ein monochromes, tiefblaues Licht. Die visuelle Raumatmosphäre wird durch Klänge erweitert. Zu hören ist eine sich ständig weiterentwickelnde Komposition, die mit der Öffnung der Galerie am Mittag beginnt und bis zur Schließung am Abend andauert. Carioba arbeitet mit zwei aufeinander bezogenen klangliche Sphären, die über ein mehrkanaliges Lautsprechersystem in den Raum projiziert werden: Die erste stellt eine weite und fluide Räumlichkeit her, einen Klang, der sich im Raum bewegt und der trotz seiner Präsenz ein Gefühl der Stille schafft. Zudem sind hier Klänge integriert, die mithilfe eines Mikrofons im Außenraum aufgenommen werden und in Echtzeit in die Komposition einfließen. Die Geräusche dieser »Echtzeit«-Sphäre werden durch Klangereignisse einer zweiten Sphäre kontrapunktiert. Sie stammen von Synthesizern und anderen Tools für die Produktion von elektronischer und elektroakustischer Musik. Es sind rhythmische ebenso wie melodische, aber auch arhythmisch-dissonante Patterns und Strukturen, die den Raum zu besetzen scheinen und sich durch den Raum bewegen.

Die Klänge sind auch die eigentliche Ursache für die visuelle Dynamik der Installation. Ihre Entwicklung hat Einfluss auf die Videosignale, auf die Färbung des Lichts und auf den zeitlichen Ablauf der Veränderungen. Es entsteht ein räumlich-akustisches und visuelles Aggregat, in dem, so Carioba, »Aspekte unseres Verständnisses von konkreter und abstrakter Realität aufscheinen.«

Am Donnerstag, den 2. August, findet in der Installation eine Sound-Performance statt. Das 60-minütige Konzert von Ricardo Carioba startet eine Stunde vor Sonnenuntergang, um exakt 19:57 Uhr, genau dann also, wenn das Tageslicht sich langsam zurückzuziehen beginnt.

Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa: Bezirkskulturfonds, Ausstellungsfonds für kommunale Galerien, Fonds für Ausstellungsvergütungen.
Mit freundlicher Unterstützung des Fachbereichs Kunst und Kultur, Bezirksamt Mitte von Berlin.

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Ricardo Carioba
Organic Decline

27. Juli – 01. September 2018
A project by singuhr projekte berlin

Opening on 26.07.2018 from 7 to 9pm

On Thursday, 26^th July, singuhr – projects presents the solo exhibition Organic Decline by Brazilian artist Ricardo Carioba at Galerie Wedding. Carioba is among the most prominent figures of experimental sound and video art in his native country. Carioba began his career focusing only on video works, and in 2010, gradually started integrating sounds into his video installations. Carioba’s recent works are often large-format in which he combines light, sound, and video. They are inspired by Concrete Art and Constructivism. The mainly abstract-minimalistic works transform exhibition spaces into dynamic entities in which intermedial relations are thematised. Decomposition, abstraction and dynamic allow the emergence of multi-sensory and amorphous spatial formations, whereby visitors are immersed in a fascinating game of light, color and sound.

The aforesaid elements are also deployed in the installation titled Organic Decline developed for the space of and exhibited at Galerie Wedding. The entire gallery is suffused by a monochrome deep-blue light that is created by customized blue foil wich is placed along the entire window facade. This atmospherically visual spatial-condition is expanded by means of sounds. A mellifluous composition starting with the gallery’s opening at midday and continuing through until the evening upon closing. Carioba works with two interrelated sonic spheres that are projected through a multi-channel sound system within the space: the first creates a far-reaching and fluid sense of space, a sound which travels three-dimensionally through the room, and despite its presence, instills a sense of calm. Sounds that are recorded with a microphone in the exterior space are also incorporated into these spheres, which then flow in real-time into the composition. The sounds of these »real-time« spheres are then counterpointed by sound events of a second sphere. These are sourced from synthesizers and other tools for the production of electronic and electroacoustic music. Both rhythmic and melodic as well as arhytmic-dissonant patterns and structures are present; the sound waves appear to occupy the space as they travel through it.

Initially veiled, it is the sounds themselves that facilitate the installation’s visual dynamic. Their development influences the video signal, the coloring of light as well as the time-flow of transformations. The result is a spacial-acoustic and visual aggregate wherein, Carioba remarks, »aspects of our understanding of concrete and abstract reality materialise«.

On Thursday, 2nd August, a sound-performance will take place within the installation space. The 60-minute long concert by Ricardo Carioba commences one hour before sunset (at exactly 7:57pm), just as the light of day begins to recede. A new visual atmosphere emerges, to which Carioba responds in real-time.

Organsied by singuhr e.V. in cooperation with Galerie Wedding.
www.singuhr.de

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe: “Bezirkuskulturfonds”, funds „Ausstellungsvergütungen“, and exhibition fund of the municipal galleries of Berlin. With kind support of the department of art and culture, Bezirksamt Mitte von Berlin.

Programmkoordination Galerie Wedding: Nadia Pilchowski
Presse & Kommunikation: Marie-Christin Lender
Produktionsleitung: Carolina Redondo
Aufbauassistenz und Mitarbeit: Jan Römer und Valentin Cernat
Praktikum: Alina Schmitt und Xiao Zhiyu

Eine Gruppenausstellung mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting und Marco Bruzzone kuratiert von Nadia Pilchowski im Rahmen des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 7. Juni 2018 von 19 bis 22 Uhr mit einer Begrüßung von Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und Kuratorin Nadia Pilchowski

Text von Nadia Pilchowski
Leben im Besonderen

Was ist es, das dem Leben einen Sinn zu geben scheint? Was verspricht heutzutage sozialen Erfolg auf dem Markt der schier unendlichen Möglichkeiten? Und wie gelingt die Selbstinszenierung in einer Zeit, in der das Besondere der Standard ist? Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

In Bezug auf den übermodernen Lifestyle, wie er in den neunziger Jahren von Marc Augé definiert wurde, werden Fragen nach der individuellen Sinnproduktion als Resultat des Zerfließens kollektiver Orientierungsmarken aufgeworfen. Das Streben nach Einzigartigkeit als Ausdruck der individuellen Persönlichkeit findet sich aber vor allem auch bei dem Soziologen Andreas Reckwitz, der von einer »Kuration des eigenen Lebens« spricht und von dem die These stammt, dass sich unsere heutige Gesellschaft als Ansammlung von Singularitäten begreifen lässt. »Eigenkomplexität« entstehe durch eine Komposition zunächst äußerlicher Lebensbereiche, die wiederum den oder die Erlebende*n besonders machten. Michaela Ott wählte dafür die Bezeichnung des »Dividuums«, wobei gerade ihr Begriff das Augenmerk auf das Spannungsverhältnis zwischen Privileg und Fremdbestimmung legt.

Wie sich diese gestaltet, verdeutlicht ein Blick in die sozialen Medien: Die Inszenierung des Selbst durch das Zu-eigen-Machen von Attributen, die assoziiert werden mit bestimmten Mode- und Sporttrends, Musik und Kunstausstellungen, der Wahl von Speisen und Orten, an die man mit einem auserwählten Kreis an Freund*innen oder Bekannten geht. Der bewussten Entscheidung und Wahl wird eine intensive Auseinandersetzung und Wissensaneignung zugrunde gelegt, bei der es um das Verstehen und Nicht-Verstehen kultureller Codes geht. Doch was davon entspricht wirklich der eigenen Persönlichkeit und was ist letztendlich fremdbestimmt durch die Orientierung am vorgegebenen sozialen Rahmen?

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht. Dass all diese Phänomene nicht nur auf die Sphäre des Individuellen begrenzt sind, zeigt der Ort der Ausstellung, die Galerie Wedding, selbst, der in seiner alltäglichen Identitäts- und Standortpolitik durchaus ähnlichen Herausforderungen unterworfen ist.

Begleitveranstaltungen

Performance Yuan Fang 遠方 von Liping Ting am 24.06.2018 von 16 bis 17.30 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Nadia Pilchowski am 28.06.2018 von 17 bis 18 Uhr

Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag,  24.06., 08. und 15.07.2018

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

Mit freundlicher Unterstützung Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien

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I Am Large, I Contain Multitudes
8th June – 15th Juli 2018

A group exhibition with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone curated by Nadia Pilchowski within the frame of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Opening 7th June 2018 from 7pm until 10pm with Dr. Ute Müller-Tischler, head of Galerie Wedding and curator Nadia Pilchowski

Text by Nadia Pilchowski
Living in Particularity

What is it that seems to give meaning to life? What is it that promises social success today on the market of endless possibilities? And how does self-staging work when specialness is the standard? The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

With regard to the super-modern lifestyle as defined by anthropologist Marc Augé in the 1990s, questions are raised concerning the individualised mode of producing meaning that has resulted from a dissolution of reference points for collective identification. A striving for uniqueness as the expression of individuality has been more recently addressed in the writings of sociologist Andreas Reckwitz, who speaks of the »curation of one’s own life« and has introduced a concept that considers our contemporary society as an accumulation of singularities. »Self-complexity« arises from a sort of composition of external areas of life, which, in turn, render the experiencing subject special. In describing this, Michaela Ott has coined the term »dividual«, which focuses on the complex tensions between the notions of privilege and heteronomy.

How this all plays out is revealed by taking a look at social media: the staging of the self takes place through the appropriation of attributes associated with certain trends in fashion, sports, music and art exhibitions, choices of food and places visited with a selected group of others. Conscious choice-making is based on careful examination and an acquisition of knowledge that involves either understanding or not understanding cultural codes. But which aspects finally correspond to one’s own personality, and which are in fact guided by the search for orientation within a given social framework?

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically. The fact that these phenomena are not limited to the sphere of the individual is demonstrated by Galerie Wedding itself, as the exhibition space is subject to similar challenges regarding its own everyday identity and locational politics.

Further events
Performance Yuan Fang 遠方 by Liping Ting on 24th June 2018 from 4pm to 5.30pm

Tour through the exhibition with curator Nadia Pilchowski on 28th June 2018 from 5pm until 6pm

Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian T M Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

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Photo: Donna Huanca, MELTY AVARI, 2016, Courtesy Peres Projects, Berlin. Photographer: Matthias Kolb

Eine Gruppenausstellung mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting und Marco Bruzzone kuratiert von Nadia Pilchowski im Rahmen des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung          

8. Juni – 15. Juli 2018

Text von Nadia Pilchowski
Leben im Besonderen

Was ist es, das dem Leben einen Sinn zu geben scheint? Was verspricht heutzutage sozialen Erfolg auf dem Markt der schier unendlichen Möglichkeiten? Und wie gelingt die Selbstinszenierung in einer Zeit, in der das Besondere der Standard ist? Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

In Bezug auf den übermodernen Lifestyle, wie er in den neunziger Jahren von Marc Augé definiert wurde, werden Fragen nach der individuellen Sinnproduktion als Resultat des Zerfließens kollektiver Orientierungsmarken aufgeworfen. Das Streben nach Einzigartigkeit als Ausdruck der individuellen Persönlichkeit findet sich aber vor allem auch bei dem Soziologen Andreas Reckwitz, der von einer »Kuration des eigenen Lebens« spricht und von dem die These stammt, dass sich unsere heutige Gesellschaft als Ansammlung von Singularitäten begreifen lässt. »Eigenkomplexität« entstehe durch eine Komposition zunächst äußerlicher Lebensbereiche, die wiederum den oder die Erlebende*n besonders machten. Michaela Ott wählte dafür die Bezeichnung des »Dividuums«, wobei gerade ihr Begriff das Augenmerk auf das Spannungsverhältnis zwischen Privileg und Fremdbestimmung legt.

Wie sich diese gestaltet, verdeutlicht ein Blick in die sozialen Medien: Die Inszenierung des Selbst durch das Zu-eigen-Machen von Attributen, die assoziiert werden mit bestimmten Mode- und Sporttrends, Musik und Kunstausstellungen, der Wahl von Speisen und Orten, an die man mit einem auserwählten Kreis an Freund*innen oder Bekannten geht. Der bewussten Entscheidung und Wahl wird eine intensive Auseinandersetzung und Wissensaneignung zugrunde gelegt, bei der es um das Verstehen und Nicht-Verstehen kultureller Codes geht. Doch was davon entspricht wirklich der eigenen Persönlichkeit und was ist letztendlich fremdbestimmt durch die Orientierung am vorgegebenen sozialen Rahmen?

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht. Dass all diese Phänomene nicht nur auf die Sphäre des Individuellen begrenzt sind, zeigt der Ort der Ausstellung, die Galerie Wedding, selbst, der in seiner alltäglichen Identitäts- und Standortpolitik durchaus ähnlichen Herausforderungen unterworfen ist.

Begleitveranstaltungen

Performance Yuan Fang 遠方 von Liping Ting am 24.06.2018 von 16 bis 17.30 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Nadia Pilchowski am 28.06.2018 von 17 bis 18 Uhr

Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian TM Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag,  24.06., 08. und 15.07.2018

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

Mit freundlicher Unterstützung Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien

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I Am Large, I Contain Multitudes
Opening 7th June 2018 from 7pm until 10pm

A group exhibition with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone  curated by Nadia Pilchowski within the frame of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

8th June – 15th Juli 2018

Text by Nadia Pilchowski
EN_Living in Particularity

What is it that seems to give meaning to life? What is it that promises social success today on the market of endless possibilities? And how does self-staging work when specialness is the standard? The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

With regard to the super-modern lifestyle as defined by anthropologist Marc Augé in the 1990s, questions are raised concerning the individualised mode of producing meaning that has resulted from a dissolution of reference points for collective identification. A striving for uniqueness as the expression of individuality has been more recently addressed in the writings of sociologist Andreas Reckwitz, who speaks of the »curation of one’s own life« and has introduced a concept that considers our contemporary society as an accumulation of singularities. »Self-complexity« arises from a sort of composition of external areas of life, which, in turn, render the experiencing subject special. In describing this, Michaela Ott has coined the term »dividual«, which focuses on the complex tensions between the notions of privilege and heteronomy.

How this all plays out is revealed by taking a look at social media: the staging of the self takes place through the appropriation of attributes associated with certain trends in fashion, sports, music and art exhibitions, choices of food and places visited with a selected group of others. Conscious choice-making is based on careful examination and an acquisition of knowledge that involves either understanding or not understanding cultural codes. But which aspects finally correspond to one’s own personality, and which are in fact guided by the search for orientation within a given social framework?

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically. The fact that these phenomena are not limited to the sphere of the individual is demonstrated by Galerie Wedding itself, as the exhibition space is subject to similar challenges regarding its own everyday identity and locational politics.

Further events
Performance Yuan Fang 遠方 by Liping Ting on 24th June 2018 from 4pm to 5.30pm

Tour through the exhibition with curator Nadia Pilchowski on 28.06.2017 from 5pm until 6pm

Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian TM Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

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Photo: FORT, »The Shining«, 2013, 08:57 Min. looped Video HD / Sound.

Die Teilnahme ist kostenfrei jedoch ist eine Anmeldung vorab erforderlich. Bitte senden Sie dafür eine E-Mail an: performance_laurynyouden@galeriewedding.de

Eine Performance von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig im Rahmen der Gruppenausstellung I Am Large, I Contain Multitudes mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Liping Ting, Hanne Lippard, Lauryn Youden und Marco Bruzzone, kuratiert von Nadia Pilchowski

Im Kontext des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Lauryn Youdens Performance You Say I For Me ist eine Zusammenarbeit mit dem Musiker und Künstler Florian T M Zeisig. Zu seinen subtilen Modulationen von Synthesizer- und Klangschalen spielt Youden »crystal singing bowls« und trägt ihren Text »Nocebo« vor. »Nocebo« ist Beleg ihres offenen persönlichen Ansatzes, sich in zunehmend schwierigen Zeiten um das eigene körperliche und seelische Wohlbefinden zu sorgen. Die Künstlerin erzählt darin über die Krankheit »Seasonal Affective Disorder«, auch bekannt als Winterdepression, und dessen Behandlung durch von Beifußtee induzierten Klarträumen sowie die Konfrontation mit den eigenen Dämonen. Dazu gehört auch eine Zeitachse von Diagnosen, die speziell auf die sich verändernde Wahrnehmung des weiblichen Körpers und der pflanzlichen Medizin während die Ausbreitung der monotheistischen Religionen und des Kapitalismus bezogen sind.

Zu Beginn der Performance wird Beifußtee (Artemisia vulgaris) serviert und die Besucher sind dazu eingeladen, es sich gemütlich zu machen, diesen zu trinken oder sich hinzulegen und die Augen zu schließen. Bitte beachten Sie, dass Beifußtee nicht von schwangeren oder stillenden Frauen getrunken werden soll.

Bei erfolgreicher Anmeldung erhalten Sie eine Bestätigung. Außerdem ist es empfehlenswert bequeme Kleidung zu tragen und gut hydriert zu kommen.

Website Lauryn Youden

Foto: Lauryn Youden, You Say I For Me. A performative reading and sound bath, 2018, Stedelijk Museum Amsterdam. Foto von Ernst Van Deursen.

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag, 24.06., 08.07. und 15.07.2018
Bitte beachten Sie, dass die Ausstellung I Am Large I Contain Multitudes am Sonntag, den 8. Juli 2018  von 12 bis 21 Uhr geöffnet ist.

Weitere Informationen zur Ausstellung und zum Programm finden sie unter www.galeriewedding.de

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfond für Kommunale Galerien und der Botschaft von Kanada.

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You Say I For Me
8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Please note that this event is free of charge but in order to participate you are kindly asked to register RSVP ASAP by sending an E-Mail to: performance_laurynyouden@galeriewedding.de

A performance by Lauryn Youden in cooperation with Florian T M Zeisig within the framework of the group exhibition I Am Large, I Contain Multitudes with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone curated by Nadia Pilchowski

In the context of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Lauryn Youden’s performance You Say I For Me is a collaboration with musician and artist Florian T M Zeisig. His »modulated binaural beats« comprise the background for Youden playing »crystal singing bowls« and reciting her text »Nocebo« – an illness narrative and historical essay that depicts the artist’s personal relationship with Seasonal Affective Disorder (SAD), lucid dreaming as a form of treatment and confronting of personal demons. As well, a timeline of diagnoses specifically related to the changing perception of the female body and plant-based medicine during the growth of monotheistic religions and capitalism.

At the beginning of the performance Mugwort (Artemisia vulgaris) tea will be served. The audience is invited to enjoy the tea during the performance while taking a comfortable seat, laying down and closing their eyes. Please note that the Mugwort should not be ingested by any pregnant women or women who are breast-feeding.

You will receive a confirmation when the registration was successful. Further it is advised to wear something comfortable and to come well hydrated.

Website Lauryn Youden

Photo: Lauryn Youden, You Say I for me. A performative reading and sound bath, 2018, Stedelijk Museum Amsterdam. Photo by Ernst Van Deursen.

Special opening hours
Sunday, 24th June, 8th and 15. July 2018
On Sunday  8th of July 2018  the exhibition I Am Large I Contain Multitudes will open from 12 to 9 pm

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen«, funds »Kommunale Galerien Berlin« and the Embassy of Canada.

am 28.07.2017 um 19 Uhr

*For English version please scroll down*

Die Künstlerspaziergänge sind ein urbanes Interventions-Projekt, welches sich mit dem Spaziergang als ästhetisches Werkzeug im Kontext von öffentlicher Kunst beschäftigt. Die Idee für diese Spaziergänge besteht in der Schaffung eines geteilten Raums für Debatten und Forschungen, in dem die Pluralität von Perspektiven und Subjektivitäten ein gemeinsamer Nenner für Austausch und Inspiration darstellt. Ein Projekt von Associazione 22:37.

Rednerinnen:
Rebecca Agnes, Sandra Božić, Iva Kontić, Irina Novarese, Stephanie Schairer, Dragan Strunjaš und Viola Thiele

Moderation:
Stefania Migliorati

Für mehr Informationen und für den Erwerb des Katalogs Email an: news22e37@gmail.com

walkwiththeartist word press
http://mapping.berlinerpool.de/walk-with-the-artist/

Der Walk ist Teil des Projektes Mapping Berlin: Eine kollektive Erzählung von imaginären und neu entstehenden Räumen und ist realisiert mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds und der Ausstellungsvergütung für Kommunale Galerien und in Kooperation mit Associazione 22:37

Book Launch of »Walk with the Artist« by Associazione 22:37

on 28.07.2017 at 7 p.m.

Walk with the artist is an urban intervention project that explores the concept of a walk as an aesthetic tool within the framework of public art. The idea behind these walks is to create a shared space of debate and research where the plurality of perspectives and subjectivities can find a common denominator of exchange and inspiration. Project by Associazione 22:37.

Speakers:
Rebecca Agnes, Sandra Božić, Iva Kontić, Irina Novarese, Stephanie Schairer, Dragan Strunjaš and Viola Thiele

Moderation:
Stefania Migliorati
For more information about how to get the catalogue please write to news22e37@gmail.com

walkwiththeartist word press
http://mapping.berlinerpool.de/walk-with-the-artist/

The walk is part of the program Mapping Berlin: Collective Narration on Imaginary and Emergent Spaces and is realised with kind support of the Berlin Senate Administration for Culture and Europe, the Exhibition Fund and the Exhibition Remuneration for Municipal Galleries and in cooperation with Associazione 22:37

++For English Version please scroll down++

Ein Projekt von Berlinerpool Arts Network
Konzeption und Recherche von Andrzej Raszyk; Ausstellungsdesignvon Paz Ponce

Ausstellung vom 07. Juli bis 12. August 2017

Eröffnung am 06. Juli 2017, 19 Uhr

Begrüßung Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Einführung zur Ausstellung Andrzej Raszyk
Um 20 Uhr Sound performance Sonusurbis von Marcelina Wellmer

Ausstellende Künstler_innen: Roland Fuhrmann, Michael Johansson, Margret Holz, Christine Kisorsy, Katrin von Lehmann, Sara Wallgren, Marcelina Wellmer und Sencer Vardarman

Künstlerische Beiträge Veranstaltungsprogramm: Rebecca Agnes, Stefania Migliorati und Ame Zek

Mapping Berlin ist eine Ausstellung und ein Veranstaltungsprogramm, in dem elf Berliner Künstler*innen individuell konstruierte Systeme des Kartografierens von Raum, Zeit und urbaner Geschichte präsentieren und diskutieren. Das Publikum ist eingeladen, an den Ausstellungstagen an der Herstellung, Bearbeitung und Veröffentlichung eines »Collective Memory Atlas« mitzuwirken. Wie wird das Bild einer Stadt konstruiert? Wer sind die Autor*innen der großen Sammlung von mündlichen, textlichen und visuellen Daten, die in ihr zusammentreffen? Können Städte gelesen werden? Und falls ja, wer kontrolliert ihre Interpretation?

Ausgangspunkt der Ausstellung ist die Vorstellung von Städten als räumliche Archive, die eine Vielzahl an Bedeutungen, nebeneinandergestellten Narrativen und sich verschiebenden Hierarchien umfassen. Sie stellt acht Kunstwerke in den Mittelpunkt, die mit dieser Metapher arbeiten und die gleichzeitig die Spannung und den Widerstand gegen die Regeln der Klassifikation und Kodifikation hervorheben, mit denen die Stadt und ihre Repräsentationsskalen verflacht werden. Die künstlerischen Entwürfe eröffnen den Raum für neue Interpretationen, einen dialogischen Kontext, in dessen Rahmen zeitgenössische, imaginäre und neu entstehende Geschichten/Narrationen gesammelt, visualisiert, erinnert wie auch aus unserem täglichen Leben gelöscht werden.

Neben der Auswahl künstlerischer Positionen, die den Ausstellungsdiskurs formulieren, reflektiert die kuratorische Strategie über die Methode des »cultural mapping« als eine kulturelle Recherche, als grundsätzlich interdisziplinäres Forschungsphänomen: eine Kombination aus hybriden, gemischten, multimodalen oder alternativen Diskursen, in der die (Land-)Karte und die mit ihr verbundenen Texte als legitime Formen der akademischen und öffentlichen Untersuchung, kulturellen Interessenvertretung und Mobilisierung von Wissen eingesetzt werden.^[1]

Diesem Phänomen folgend, ist der partizipative Aspekt des »cultural mapping« als eine Plattform für ein Zusammentreffen von Menschen, das Teilen (und Bewältigen) der zentralen Fragen in Hinblick auf ihre Räume und die gemeinsame Herstellung von Bedeutung für uns von besonderem Interesse. Es schafft die Möglichkeit, verschiedene, auf die multiplen Dimensionen von Kultur bezogene Agenden zu artikulieren und zu verhandeln. »Das Teilen von technischem Wissen, Informationen und gemeinschaftlichen Räumen kann Verständnis und gegenseitigen Respekt vergrößern; die geteilte Interpretation von Raum hat die Überlagerung und Verwobenheit von ›place-making‹ sichtbar gemacht und damit die Idee der sich über die Zeit verändernden Identität eingeführt.«^[2]

Das Konzept für »Mapping Berlin« wurde von Andrzej Raszyk entworfen und stellt eine Weiterentwicklung früherer Projekte um das Thema der Visualisierung von Daten und Geschichte dar, das vom kuratorischen Team Berlinerpool Arts Network (Andrzej Raszyk & Paz Ponce) recherchiert wurde. Für diesen Anlass luden die Kurator*innen acht Berliner Künstler*innen aus ihrem Netzwerk ein, Kunstwerke für die Ausstellung zu präsentieren, sowie drei Gastreferent*innen für das partizipative Veranstaltungsprogramm.

Die ausstellenden Künstler*innen sind Roland Fuhrmann, Michael Johansson, Margret Holz, Christine Kisorsy, Katrin von Lehmann, Sara Wallgren, Marcelina Wellmer und Sencer Vardarman

Künstlerische Beiträge für das Veranstaltungsprogramm liefern Rebecca Agnes, Stefania Migliorati und Ame Zek

Die kuratorische Praxis von Berlinerpool konzentrierte sich in den letzten drei Jahren auf die Schaffung eines »Archivs des Jetzt«; dabei entstand ein Netzwerk von Expert*innen (Künstler*innen, Kurator*innen und Manager*innen von Kunstinitiativen), die Teil des täglichen Kunstbetriebs der Stadt sind. Berlinerpool versteht den Prozess des Archivierens als ein kollektives Projekt und eine Architektur der Begegnung, und konzentriert sich auf die Entwicklung und Prüfung experimenteller Formen der Mediation, basierend auf kooperativen und interdisziplinären Arbeitsmethoden. Prozessualität und fortlaufende Recherche bilden dabei die Achse, um Menschen, Projekte und Ideen durch lokale und internationale Kollaboration aktiv zu engagieren und zu mobilisieren.

Die Organisation verwirklichte bisher unter anderem folgende Projekte: »Pflegeanweisungen. The art of living together« (Galerie Wedding, 12.12.2014 – 24.01.2015, kuratiert von Paz Ponce und Andrzej Raszyk), ein Ausstellungs- und Rechercheprojekt, das die kooperative Kultur der Künstler*innen-Interessenvertretungen in Berlin als ein (Öko-)System der Zuwendung kartografiert, das in sich selbst Modelle des Zusammenlebens und -arbeitens in Berlins soziokulturellem Umfeld schafft. »Mapping Contemporary Concerns« ist eine Serie von Podiumsdiskussionen, die aus dem Bedürfnis nach der Diskussion gegenwärtiger Themen im Kontext der Berliner Kunstszene entstanden und die Frage aufwerfen, ob man von einem potenziellen »Vokabular« der Berliner Kunstproduktion sprechen kann – in Bezug auf das Medium, die Herangehensweisen, die Themen, Materialien oder Quellen, mit denen die Schaffenden sich auseinandersetzen beziehungsweise die sie inspirieren.

Für die aktuelle Forschung zum Thema des »cultural mapping« als kulturelle Recherche folgt »Mapping Berlin« der Genealogie vorangegangener Arbeiten, durchgeführt von Teams bestehend aus Soziolog*innen und Politikwissenschaftler*innen (Institut für Strategieentwicklung – IFSE und Séverine Marguin), unabhängigen Netzwerken (Haben und Brauchen) und internationalen Initiativen (a.IGBK und New Museum New York).

^[1] Nancy Duxbury, W. F. Garrett-Petts, David MacLennan (Hg.), Cultural Mapping as Cultural Inquiry, New York u. a., Routledge, 2015, S. 22.
^[2] Ebd., S. 168., eigene Übersetzung.

Programm
Buchpräsentation »Walk with the artist« am 28.07.2017, 19 Uhr
Projekt von Associazione 22:37, initiiert von Rebecca Agnes, Zara Audiello, Roberta Coletto und Stefania Migliorati mit Beiträgen von Silke Bauer, Dragan Strunjaš, Iva Kontić, Irina Novarese und Stephanie Schairer

In all directions Spaziergang mit Stefania Migliorati am 04.08.2017, 14 Uhr

Displaced Monuments and Disappeared Places Spaziergang mit Rebecca Agnes am 05.08.2017, 14 Uhr

Collective Narration on Imaginary and Emergent Spaces Künstler_innengespräch am 10.08.2017, 19 Uhr
Um 20 Uhr Soundperformance Sonusurbis II von Ame Zek

Collective Memory Atlas: http://mapping.berlinerpool.de/

Das Projekt wird realisiert mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds und der Ausstellungsvergütung für Kommunale Galerien und in Kooperation mit Associazione 22:37

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Mapping Berlin
Collective Narration on Imaginary and Emergent Spaces

A project by Berlinerpool Arts Network
Concept and Research by Andrzej Raszyk; exhibition design by Paz Ponce

Exhibition from 07. Juli to 12. August 2017

Opening on 06. Juli 2017, 7 pm

Welcome note Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Introduction to the exhibition concept Andrzej Raszyk
At 8 p.m. Sound performance Sonusurbis von Marcelina Wellmer

Exhibiting artists: Roland Fuhrmann, Michael Johansson, Margret Holz, Christine Kisorsy, Katrin von Lehmann, Sara Wallgren, Marcelina Wellmer, Sencer Vardarman.

Contributions to the events program by: Rebecca Agnes, Stefania Migliorati and Ame Zek.

Mapping Berlin is an exhibition and program of events where individually constructed systems for mapping space, time and urban history are showcased and discussed by eleven Berlin-based artists, extending an invitation to the public to participate in the making/editing/publication of a »Collective Memory Atlas« during the exhibition.

How is the image of a city constructed? Who is the author of the large collection of oral, textual and visual data meeting in it? Can cities be read? If so, who holds control over their interpretation?

This exhibition departs from the notion of cities as spatial archives embracing a multiplicity of meanings, juxtaposed narratives and shifting hierarchies, highlighting eight artworks echoing this metaphor while underlining a tension and resistance to the rules of classification and codification flattening the city and its scales of representation. The artistic proposals open spaces for new interpretations; a dialogical context in which present, imaginary and emergent histories/narrations are collected, visualized, remembered and also erased from our daily lives. Besides the selection of artistic positions articulating the exhibition’s discourse, the curatorial strategy of this project reflects on the method of cultural mapping as a cultural inquiry and as an inherently interdisciplinary research phenomenon: a combination of hybrid, mixed, multimodal or alternative discourses using the map and its associated texts as legitimate forms for academic and public inquiry, cultural advocacy, and knowledge mobilization.^[1]

Departing from this phenomenon, we find the participatory aspect of »cultural mapping« as a platform for people to meet, share (and deal with) the central questions regarding their space and the construction of meaning together particularly interesting, providing an opportunity for the articulation and negotiation of multiple agendas related to the multiple dimensions of culture. “Sharing technical knowledge, information, and communal space can expand understanding and mutual respect; shared interpretation of space has revealed the layering and interweaving of place-making thus introducing the notion of how identities constantly change over time”.^[2]

»Mapping Berlin« is a concept developed by Andrzej Raszyk and evolves from previous projects around the subject of data and history visualization researched by the Berlinerpool Arts Network curatorial team (Andrzej Raszyk & Paz Ponce). For this occasion, the curators invited eight Berlin-based artists from its network to present eight pieces for the exhibition, as well as three guest contributors for the participatory events program.

Exhibiting artists are: Roland Fuhrmann, Michael Johansson, Margret Holz, Christine Kisorsy, Katrin von Lehmann, Sara Wallgren, Marcelina Wellmer, Sencer Vardarman.

Contributions to the events program by: Rebecca Agnes, Stefania Migliorati and Ame Zek.

Berlinerpool’s curatorial trajectory in the past three years centered its efforts on the creation of an »archive of now«: shaping a network of active professionals (artists, curators, and managers of artist run initiatives) involved in the daily making of art in the city. Understanding archiving as a collective project and as an architecture of encounter, Berlinerpool’s program focuses on developing and testing experimental forms of mediation, based on cooperative and interdisciplinary working methods, supporting processuality and ongoing research as an axis to actively engage and mobilize people, projects and ideas through local and international collaboration.

The organization’s previous experiences include: »Pflegeanweisungen – The art of living together« (Galerie Wedding, 12.12.2014-24.01.2015, curated by Paz Ponce and Andrzej Raszyk), an exhibition and research project mapping the cooperative culture of artist advocacy groups in Berlin presented as an (eco) system of care in itself cultivating models of working and living together in Berlin’s socio cultural environment. And Mapping Contemporary Concerns, a series of panel discussions emerging from the need to discuss current issues that are present in the Berlin art context raising the question of whether we can speak of a potential »vocabulary« inherent to Berlin’s art production, in terms of medium, approaches, subjects, materials or sources the makers are dealing with and are driven by.

For the present research around the subject of cultural mapping as a method of culture inquiry, »Mapping Berlin« follows the genealogy of previous efforts undertaken by teams of trained sociologists and political scientists (Institut für Strategieentwicklung – IFSE and Séverine Marguin), independent networks (Haben und Brauchen) and international initiatives (a.IGBK and New Museum New York).

^[1] Nancy Duxbury, W. F. Garrett-Petts, David MacLennan (Hg.), Cultural Mapping as Cultural Inquiry, New York u. a., Routledge, 2015, p. 22.
^[2]Ibid., p.168, own translation.

++For English Version please scroll down++

Ein Projekt von Berlinerpool Arts Network
Konzeption und Recherche von Andrzej Raszyk; Ausstellungsdesignvon Paz Ponce

Ausstellung vom 07. Juli bis 12. August 2017

Eröffnung am 06. Juli 2017, 19 Uhr
Begrüßung: Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Einführung zur Ausstellung: Andrzej Raszyk
Um 20 Uhr Sound performance Sonusurbis von Marcelina Wellmer

Ausstellende Künstler_innen: Roland Fuhrmann, Michael Johansson, Margret Holz, Christine Kisorsy, Katrin von Lehmann, Sara Wallgren, Marcelina Wellmer und Sencer Vardarman

Künstlerische Beiträge Veranstaltungsprogramm: Rebecca Agnes, Stefania Migliorati und Ame Zek

Mapping Berlin ist eine Ausstellung und ein Veranstaltungsprogramm, in dem elf Berliner Künstler*innen individuell konstruierte Systeme des Kartografierens von Raum, Zeit und urbaner Geschichte präsentieren und diskutieren. Das Publikum ist eingeladen, an den Ausstellungstagen an der Herstellung, Bearbeitung und Veröffentlichung eines »Collective Memory Atlas« mitzuwirken. Wie wird das Bild einer Stadt konstruiert? Wer sind die Autor*innen der großen Sammlung von mündlichen, textlichen und visuellen Daten, die in ihr zusammentreffen? Können Städte gelesen werden? Und falls ja, wer kontrolliert ihre Interpretation?

Ausgangspunkt der Ausstellung ist die Vorstellung von Städten als räumliche Archive, die eine Vielzahl an Bedeutungen, nebeneinandergestellten Narrativen und sich verschiebenden Hierarchien umfassen. Sie stellt acht Kunstwerke in den Mittelpunkt, die mit dieser Metapher arbeiten und die gleichzeitig die Spannung und den Widerstand gegen die Regeln der Klassifikation und Kodifikation hervorheben, mit denen die Stadt und ihre Repräsentationsskalen verflacht werden. Die künstlerischen Entwürfe eröffnen den Raum für neue Interpretationen, einen dialogischen Kontext, in dessen Rahmen zeitgenössische, imaginäre und neu entstehende Geschichten/Narrationen gesammelt, visualisiert, erinnert wie auch aus unserem täglichen Leben gelöscht werden.

Neben der Auswahl künstlerischer Positionen, die den Ausstellungsdiskurs formulieren, reflektiert die kuratorische Strategie über die Methode des »cultural mapping« als eine kulturelle Recherche, als grundsätzlich interdisziplinäres Forschungsphänomen: eine Kombination aus hybriden, gemischten, multimodalen oder alternativen Diskursen, in der die (Land-)Karte und die mit ihr verbundenen Texte als legitime Formen der akademischen und öffentlichen Untersuchung, kulturellen Interessenvertretung und Mobilisierung von Wissen eingesetzt werden.^[1]

Diesem Phänomen folgend, ist der partizipative Aspekt des »cultural mapping« als eine Plattform für ein Zusammentreffen von Menschen, das Teilen (und Bewältigen) der zentralen Fragen in Hinblick auf ihre Räume und die gemeinsame Herstellung von Bedeutung für uns von besonderem Interesse. Es schafft die Möglichkeit, verschiedene, auf die multiplen Dimensionen von Kultur bezogene Agenden zu artikulieren und zu verhandeln. »Das Teilen von technischem Wissen, Informationen und gemeinschaftlichen Räumen kann Verständnis und gegenseitigen Respekt vergrößern; die geteilte Interpretation von Raum hat die Überlagerung und Verwobenheit von ›place-making‹ sichtbar gemacht und damit die Idee der sich über die Zeit verändernden Identität eingeführt.«^[2]

Das Konzept für »Mapping Berlin« wurde von Andrzej Raszyk entworfen und stellt eine Weiterentwicklung früherer Projekte um das Thema der Visualisierung von Daten und Geschichte dar, das vom kuratorischen Team Berlinerpool Arts Network (Andrzej Raszyk & Paz Ponce) recherchiert wurde. Für diesen Anlass luden die Kurator*innen acht Berliner Künstler*innen aus ihrem Netzwerk ein, Kunstwerke für die Ausstellung zu präsentieren, sowie drei Gastreferent*innen für das partizipative Veranstaltungsprogramm.

Die ausstellenden Künstler*innen sind Roland Fuhrmann, Michael Johansson, Margret Holz, Christine Kisorsy, Katrin von Lehmann, Sara Wallgren, Marcelina Wellmer und Sencer Vardarman

Künstlerische Beiträge für das Veranstaltungsprogramm liefern Rebecca Agnes, Stefania Migliorati und Ame Zek

Die kuratorische Praxis von Berlinerpool konzentrierte sich in den letzten drei Jahren auf die Schaffung eines »Archivs des Jetzt«; dabei entstand ein Netzwerk von Expert*innen (Künstler*innen, Kurator*innen und Manager*innen von Kunstinitiativen), die Teil des täglichen Kunstbetriebs der Stadt sind. Berlinerpool versteht den Prozess des Archivierens als ein kollektives Projekt und eine Architektur der Begegnung, und konzentriert sich auf die Entwicklung und Prüfung experimenteller Formen der Mediation, basierend auf kooperativen und interdisziplinären Arbeitsmethoden. Prozessualität und fortlaufende Recherche bilden dabei die Achse, um Menschen, Projekte und Ideen durch lokale und internationale Kollaboration aktiv zu engagieren und zu mobilisieren.

Die Organisation verwirklichte bisher unter anderem folgende Projekte: »Pflegeanweisungen. The art of living together« (Galerie Wedding, 12.12.2014 – 24.01.2015, kuratiert von Paz Ponce und Andrzej Raszyk), ein Ausstellungs- und Rechercheprojekt, das die kooperative Kultur der Künstler*innen-Interessenvertretungen in Berlin als ein (Öko-)System der Zuwendung kartografiert, das in sich selbst Modelle des Zusammenlebens und -arbeitens in Berlins soziokulturellem Umfeld schafft. »Mapping Contemporary Concerns« ist eine Serie von Podiumsdiskussionen, die aus dem Bedürfnis nach der Diskussion gegenwärtiger Themen im Kontext der Berliner Kunstszene entstanden und die Frage aufwerfen, ob man von einem potenziellen »Vokabular« der Berliner Kunstproduktion sprechen kann – in Bezug auf das Medium, die Herangehensweisen, die Themen, Materialien oder Quellen, mit denen die Schaffenden sich auseinandersetzen beziehungsweise die sie inspirieren.

Für die aktuelle Forschung zum Thema des »cultural mapping« als kulturelle Recherche folgt »Mapping Berlin« der Genealogie vorangegangener Arbeiten, durchgeführt von Teams bestehend aus Soziolog*innen und Politikwissenschaftler*innen (Institut für Strategieentwicklung – IFSE und Séverine Marguin), unabhängigen Netzwerken (Haben und Brauchen) und internationalen Initiativen (a.IGBK und New Museum New York).

^[1] Nancy Duxbury, W. F. Garrett-Petts, David MacLennan (Hg.), Cultural Mapping as Cultural Inquiry, New York u. a., Routledge, 2015, S. 22.
^[2] Ebd., S. 168., eigene Übersetzung.

Programm
Buchpräsentation »Walk with the artist« am 28.07.2017, 19 Uhr
Projekt von Associazione 22:37, initiiert von Rebecca Agnes, Zara Audiello, Roberta Coletto und Stefania Migliorati mit Beiträgen von Silke Bauer, Dragan Strunjaš, Iva Kontić, Irina Novarese und Stephanie Schairer

In all directions Spaziergang mit Stefania Migliorati am 04.08.2017, 14 Uhr

Displaced Monuments and Disappeared Places Spaziergang mit Rebecca Agnes am 05.08.2017, 14 Uhr

Collective Narration on Imaginary and Emergent Spaces Künstler_innengespräch am 10.08.2017, 19 Uhr
Um 20 Uhr Soundperformance Sonusurbis II von Ame Zek

Collective Memory Atlas: http://mapping.berlinerpool.de/

Das Projekt wird realisiert mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds und der Ausstellungsvergütung für Kommunale Galerien und in Kooperation mit Associazione 22:37

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Mapping Berlin
Collective Narration on Imaginary and Emergent Spaces

A project by Berlinerpool Arts Network
Concept and Research by Andrzej Raszyk; exhibition design by Paz Ponce

Exhibition from 07. Juli to 12. August 2017

Opening on 06. Juli 2017, 7 pm
Welcome note: Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Introduction to the exhibition concept: Andrzej Raszyk
At 8 p.m. Sound performance Sonusurbis von Marcelina Wellmer

Exhibiting artists: Roland Fuhrmann, Michael Johansson, Margret Holz, Christine Kisorsy, Katrin von Lehmann, Sara Wallgren, Marcelina Wellmer, Sencer Vardarman.

Contributions to the events program by: Rebecca Agnes, Stefania Migliorati and Ame Zek.

Mapping Berlin is an exhibition and program of events where individually constructed systems for mapping space, time and urban history are showcased and discussed by eleven Berlin-based artists, extending an invitation to the public to participate in the making/editing/publication of a »Collective Memory Atlas« during the exhibition.

How is the image of a city constructed? Who is the author of the large collection of oral, textual and visual data meeting in it? Can cities be read? If so, who holds control over their interpretation?

This exhibition departs from the notion of cities as spatial archives embracing a multiplicity of meanings, juxtaposed narratives and shifting hierarchies, highlighting eight artworks echoing this metaphor while underlining a tension and resistance to the rules of classification and codification flattening the city and its scales of representation. The artistic proposals open spaces for new interpretations; a dialogical context in which present, imaginary and emergent histories/narrations are collected, visualized, remembered and also erased from our daily lives. Besides the selection of artistic positions articulating the exhibition’s discourse, the curatorial strategy of this project reflects on the method of cultural mapping as a cultural inquiry and as an inherently interdisciplinary research phenomenon: a combination of hybrid, mixed, multimodal or alternative discourses using the map and its associated texts as legitimate forms for academic and public inquiry, cultural advocacy, and knowledge mobilization.^[1]

Departing from this phenomenon, we find the participatory aspect of »cultural mapping« as a platform for people to meet, share (and deal with) the central questions regarding their space and the construction of meaning together particularly interesting, providing an opportunity for the articulation and negotiation of multiple agendas related to the multiple dimensions of culture. “Sharing technical knowledge, information, and communal space can expand understanding and mutual respect; shared interpretation of space has revealed the layering and interweaving of place-making thus introducing the notion of how identities constantly change over time”.^[2]

»Mapping Berlin« is a concept developed by Andrzej Raszyk and evolves from previous projects around the subject of data and history visualization researched by the Berlinerpool Arts Network curatorial team (Andrzej Raszyk & Paz Ponce). For this occasion, the curators invited eight Berlin-based artists from its network to present eight pieces for the exhibition, as well as three guest contributors for the participatory events program.

Exhibiting artists are: Roland Fuhrmann, Michael Johansson, Margret Holz, Christine Kisorsy, Katrin von Lehmann, Sara Wallgren, Marcelina Wellmer, Sencer Vardarman.

Contributions to the events program by: Rebecca Agnes, Stefania Migliorati and Ame Zek.

Berlinerpool’s curatorial trajectory in the past three years centered its efforts on the creation of an »archive of now«: shaping a network of active professionals (artists, curators, and managers of artist run initiatives) involved in the daily making of art in the city. Understanding archiving as a collective project and as an architecture of encounter, Berlinerpool’s program focuses on developing and testing experimental forms of mediation, based on cooperative and interdisciplinary working methods, supporting processuality and ongoing research as an axis to actively engage and mobilize people, projects and ideas through local and international collaboration.

The organization’s previous experiences include: »Pflegeanweisungen – The art of living together« (Galerie Wedding, 12.12.2014-24.01.2015, curated by Paz Ponce and Andrzej Raszyk), an exhibition and research project mapping the cooperative culture of artist advocacy groups in Berlin presented as an (eco) system of care in itself cultivating models of working and living together in Berlin’s socio cultural environment. And Mapping Contemporary Concerns, a series of panel discussions emerging from the need to discuss current issues that are present in the Berlin art context raising the question of whether we can speak of a potential »vocabulary« inherent to Berlin’s art production, in terms of medium, approaches, subjects, materials or sources the makers are dealing with and are driven by.

For the present research around the subject of cultural mapping as a method of culture inquiry, »Mapping Berlin« follows the genealogy of previous efforts undertaken by teams of trained sociologists and political scientists (Institut für Strategieentwicklung – IFSE and Séverine Marguin), independent networks (Haben und Brauchen) and international initiatives (a.IGBK and New Museum New York).

^[1] Nancy Duxbury, W. F. Garrett-Petts, David MacLennan (Hg.), Cultural Mapping as Cultural Inquiry, New York u. a., Routledge, 2015, p. 22.
^[2]Ibid., p.168, own translation.

Eine Ausstellung von Ahmet Öğüt im Rahmen von Post-Otherness-Wedding (POW) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Begrüßung & Worte zur Ausstellung
Sabine Weißler, Bezirksstadträtin für Weiterbildung, Kultur, Umwelt und Naturschutz
Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur

ab 20 Uhr Musik aus der Plattensammlung von realtalktalk (Alexander Peikert http://alexundantje.de/)

ab 23 Uhr DJ Set von Barbara Klein (https://www.facebook.com/photovideo.b.klein/)

»Invisible Cinema« im digitalen Zeitalter – eine Installation von Hannah Sioda

Kuratiert im Rahmen von POW Post-Otherness-Wedding von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

In seinen zehn Jahren als praktizierender Künstler war Öğüt selbst eine Art nomadischer Künstler, ohne ein festes oder physisches Studio. Sein Studio war der konzeptuelle Ort des Geistigen, den er mit sich von Istanbul nach Helsinki, Amsterdam und Berlin bringen konnte. Durch die Inszenierung des »LOFT«-Geistes wird Öğüt die Galerie in sein Arbeitsstudio verwandeln. Studio Öğüt ist ein Ort zum gemeinsamen Nutzen, Arbeiten, Lernen, Aufbewahren, Zeitverbringen, Zusammenkommen, Denken, Treffen, Kochen, Feiern, Produzieren und Präsentieren. Dabei wird Öğüt nicht nur die Bedeutung des Studios als Bezugspunkt und Grundlage radikal infrage stellen, sondern auch den kreativen Prozess des Künstlers hinterfragen. (Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung)

Der in Diyarbakir geborene Ahmet Öğüt vertrat 2009 die Türkei auf der Biennale in Venedig. Er arbeitet mit den Mitteln Humor, Ironie und Übertreibung – oft jenseits des Absurden. So gelingt es ihm, die Gleichschaltung unseres kollektiven Gedächtnisses sichtbar zu machen. Er erarbeitet eine eigene Version der Geschichte, in der die kleinen und vielfältigen Geschichten den Vorrang bekommen. Sein Blick auf die Moderne speist sich aus Literatur, Film und Philosophie und äußert sich in Zeichnung, Video, Fotografie und Installation.

Begleitende Veranstaltungen
ab 15.06.2016 »Invisible Cinema« im digitalen Zeitalter – eine Installation von Hannah Sioda
21.06.2016 von 12 bis 14.30 Uhr Der Künstler Ahmet Öğüt und die Kuratorin Solvej Helweg Ovesen sind anwesend und offen für Fragen und Gespräche.
21.06.2016 um 19 Uhr Le Brothers (Le Ngoc Thanh & Le Duc Hai) – Europa-Tour Of(f) Myth Performance Programme: Talk & Screening eingeladen von Savvy Contemporary Gallery Berlin e.V. kuratiert von Nathalie Mba Bikoro.

Weitere Veranstaltungen mit verschiedenen Akteur_innen werden auf unserer Web- und Facebookseite angekündigt werden. Geplante Veranstaltungen sind (tba) unter anderen mit dem Kreuzberger Nasenflötenorchester, The Curves – Women Motorcycle Club Berlin, Yoga mit Kindern und vielen mehr.

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
Studio Öğüt_ deutsch
Studio Öğüt_english

Biografie/ Biography
Ahmet Öğüt

Webseite/ Website
www.ahmetogut.com

Presseartikel/ Press Reviews
»Ahmet Ögüt im Ganzen« (Zitty vom 07.Juli 2016)

The Invisible Cinema was a theatre built in 1970 by Peter Kubelka in the Anthology Film Archives in New York. It was based upon the notion that, like the other machines a film is dependent on (cameras, developers, printers, editing machines, and projectors), the room in which one sees a film, should also be a machine designed for film viewing.

»A machine that permits an experience of the filmic image and sound, without distractions, where the viewer should not have any sense of the presence of walls or the seize of the auditorium. He should only have the white screen isolated in darkness as his guide to scale distance. All the other elements of the cinema are black: the rugs, the seats, the walls the ceiling. Seat hoods and the elevation of the rows protect one’s view of the screen from interception by the heads of viewers in front. Blinders eliminate the possibility of distractions from the side. We call it The Invisible Cinema.»(Anthology Film Archives in The Filmmakers Newsletter, 1971)

Workers taking over the Factory is a film about the installation of 8mm film activated through a sewing-machine by Ahmet Ogut in collaboration with Ozgur Kazova: Workers Self-managed Textile Cooperative, and commissioned by the 13th Biennale de Lyon.

Screened in this reproduction of the Invisible Cinema, the film enables a dialogue with the space it is hosted in – a dialogue reflecting our own viewing position within and outside of the black room.  This is a sometimes contradictory exchange between Lumières Film Sortie de l’usine, a sewing-machine that activates celluloid, a film documenting the installation itself and it’s projection inside this gallery-room transformed into a viewing-machine.

– Text by Hannah Sioda –

Further Reading:

Manifesto of the Anthology Film Archive:

Deutsch

Englisch

24.07. bis 29.08.2015
Eine Ausstellung kuratiert von Sabine Winkler

KünstlerInnen
Anna Artaker und Meike S. Gleim, Silvia Beck, Burak Delier, Francis Hunger, Nadia Kaabi-Linke, Susan Schuppli, Juliane Zelwies

Obwohl beide, Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit, immer schon reguliert wurden, stellt sich zunehmend die Frage nach dem sich verändernden Verhältnis von Regulierungstechnologien und deren Einsatzbereichen. In der Ausstellung werden politische Agenden, die sich immer mehr in geheime, informelle Bereiche verlagern, untersucht und nach den hierfür benutzten Strategien und Legitimationen befragt.

Eröffnung am 23.07.2015 um 19 Uhr

Begrüßung & Einführung
Sabine Weißler, Bezirksstadträtin für Weiterbildung, Kultur, Umwelt und Naturschutz
Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Zur Ausstellung
Sabine Winkler, Kuratorin der Ausstellung

Kuratorisches Statement/ Curatorial Statement (PDF-Dateien)
Unsichtbare Manöver
Invisible Manoevres

Presseartikel/ Press Review (PDF)
Zwischen Transparenz und Vertuschung (taz, 18.08.2015)

Biografie (PDF-Datei)
Sabine Winkler

Webseite
www.sabine-winkler.com

Presseartikel/ Press Reviews
Empfehlung, Vernissage. Unsichtbare Manöver (Stadtmagazin Zitty) (PDF)
Zwischen Transparenz und Vertuschung (TAZ, 18.8.2015) (PDF)

Rundgang durch die Ausstellung Unsichtbare Manöver – Interpretationsreservate und Definitionsreviere mit der Kuratorin Sabine Winkler

Um Voranmeldung bei Frau Julia Zieger wird gebeten: presse@galeriewedding.de
Treffpunkt:
Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst

Ziel von »Curator’s residency // Berlin-Lagos« ist die Stärkung des deutsch-nigerianischen Dialogs und lädt dazu junge Kurator*innen, die Gastinstitutionen Galerie Wedding und Zentrum für Kunst und Urbanistik (ZK/U) sowie die interessierte Öffentlichkeit zu einem Perspektivwechsel ein.

Den Anfang macht der 31-jährige Künstler und Kurator Folakunle Oshun aus Lagos, Nigeria. Er studierte Bildende Kunst (Skulptur) und Kunstgeschichte an der Universität von Lagos und kuratierte Ausstellungen u.a. in der African Artists’ Foundation – Stiftung zur Förderung aktueller Kunst in Afrika und der Osh Gallery. Darüber hinaus realisierte und initiierte er diverse Kunstprojekte und –Formate u.a. in Kooperation mit dem Goethe-Institut Lagos. Während seines Aufenthaltes in Berlin vom 5. Juli bis 30. September 2015 betreut Folakunle Oshun in der Galerie Wedding die Einzelausstellung »No Food For Lazy Man« mit Arbeiten des nigerianischen Künstlers Emeka Ogboh, die am 17. September 2015 eröffnet.
Darüber hinaus bietet ihm der Aufenthalt die Gelegenheit, die künstlerischen und kulturellen Ausdrucksformen urbaner und gesellschaftlicher Fragestellungen im Bezirk Mitte zu erforschen, die eigene kuratorische Praxis zu erweitern, sich auszutauschen und zu vernetzen. Für den Zeitraum der Residenz erhält Folakunle Oshun ein Arbeits- und Wohnatelier im ZK/U, wo er innerhalb der Residency sowie beim »OPEN HAUS« die Gelegenheit hat, sich und seine Arbeit einer breiteren Öffentlichkeit zu präsentieren.

Für das Goethe-Institut Nigeria, welches den Aufenthalt finanziell fördert, bedeutet dieser Austausch eine weitere Vertiefung des künstlerischen Austauschs zwischen Deutschland und Nigeria. Perspektivisch soll dieses Residenzprogramm zu einem festen Bestandteil ausgebaut werden, und auch deutschen Kurator*innen die Möglichkeit geben, in der Millionenmetropole Lagos künstlerische Praxis zu sammeln.

Informationen zu dem Residenzprogramm finden Sie in Kürze unter www.kultur-mitte.de, sowie unter www.goethe.de/nigeria und www.zku-berlin.org

Webseite von Folakunle Oshun
www.theoshgallery.com

Presseartikel
Interview Folakunle Oshun

Öffentliche Präsentation
12.07. 2015
von 16 bis 18 Uhr

Präsentation des durch den Projektkulturfonds des Bezirksamt Mitte geförderten Projektes unter der Leitung von Paz Ponce mit Künstlern aus dem Berlinerpool Netzwerk und Kindern aus dem Hort der Albert-Gutzmann-Schule.

Wie prägt sich die Stadt in den Geist eines Kindes ein? Durch die Orte ihrer Kindheit. Walter Benjamin glaubt, dass die Stadt anhand der Bilder des Kindes – in verkörperter Form – in Erscheinung tritt. Das Buch von Walter Benjamin, »Berliner Kindheit um neunzehnhundert«, ist eine Expedition in die Tiefen der Erinnerung; der sogenannten Topografie der Erinnerung. Das Projekt baut auf die Struktur seines Buches auf, welches 30 Collagen versammelt. Der Autor arbeitet mit einer Form von Vignetten (Medien), um das synästhetische und poetische Lesen zu verstärken. Das Projekt »Meine Kindheit in Berlin um 2015« wird als 3-tägiger-Workshop mit Hort-Kindern der Albert-Gutzmann-Schule in Wedding entwickelt. Während des Workshops wird die Gruppe Orte ihres Alltags beobachten, sie beschreiben, dokumentieren und durch verschiedene künstlerische Medien in Form einer psychisch-geographischen Karte der Nachbarschaft in der Ausstellung präsentieren. Schließlich werden diese Orte des Alltags der Kinder, zu Orten ihrer Erinnerung.

Paz Ponce
Projektleiterin, Kuratorin

Webseite der Kuratorin Paz Ponce
http://pazponce.com/

Webseiten der beteiligten Künstler:
Marianne Ramsay-Sonneck http://clubrealblog.com
Steffi Weissman http://www.steffiweismann.de
Georg Klein http://www.georgklein.de

Webseite von Berlinerpool e.V.
https://www.berlinerpool.de/

JuKuMi_Flyer

Die jungen Wilden
10.06. bis 18.06.2015
Eröffnung am 09.06.2015 von 16 bis 18 Uhr
Eine gemeinsame Ausstellung der KinderKunstWerkstatt und Atelier Farbklang

Kunst in Schulen
25.06. bis 09.07.2015
Eröffnung am 25.07. von 14 bis 18 Uhr
Eine Ausstellung des Programms Kunst in Schulen
kuratiert von Andrea Pichl

Meine Kindheit in Berlin um 2015
– Eine kleine Topographie der Erinnerung
12.07. 2015
von 16 bis 18 Uhr
Präsentation des durch den Projektkulturfonds des Bezirksamt Mitte geförderten Projektes unter der Leitung von Paz Ponce mit Künstlern aus dem Berlinerpool Netzwerk und Kindern aus dem Hort der Albert-Gutzmann-Schule.

»Zur JuKuMi gehören gut ausgestattete Kunstwerkstätten und das Programm Kunst in Schulen, mit dem schon zahlreiche
Partnerschaften und Projektkooperationen angestoßen wurden. In der kulturellen Bildungslandschaft der Berliner Bezirke macht
die JuKuMi mit aufgeschlossenen Ideen und ausgewählten Fachkompetenzen ihres Künstlerkollegiums auf sich aufmerksam.«

Dr. Ute Müller-Tischler
Fachbereichsleiterin Kunst & Kultur

Eine Ausstellung des Programms Kunst in Schulen unter Beteiligung von 12 KünstlerInnen und 330 SchülerInnen in 10 verschiedenen Projekten kuratiert von der Künstlerin Andrea Pichl

Begrüßung
Sabine Weißler, Bezirksstadträtin für Weiterbildung, Kultur, Umwelt und Naturschutz
Einleitende Worte
Carola Tinius, Leiterin des Programms Kunst in Schulen und des Theateratelier
Theaterperformance
»Luisa und Jana«, Szenenausschnitt einer Komödie frei nach
»Der Hasenbraten« von Karl Valentin
(6. Klasse, Theater AG, Gesundbrunnen Grundschule)

Begleitende Workshops
30.06.2015 von 9 bis 12 Uhr
Modellbauworkshop mit Grundschulkindern, künstlerische Leitung Andrea Pichl, Tuna Arkun
01.07.2015 von 9 bis 12 Uhr
Modellbauworkshop mit Grundschulkindern, künstlerische Leitung Andrea Pichl, Tuna Arkun
08.07.2015 von 9 bis 13 Uhr
Performanceworkshop zum Thema »Be-Ziehung« unter Leitung der Theaterpädagogin und Bildenden Künstlerin Grit Röser. Der Workshop findet innerhalb der künstlerischen Werkstätten in Kooperation mit der Jugendkunstschule statt.

Anmeldungen sind bis zum 1. Juni bei Carola Tinius unter (030) 9018 33486 möglich.

Schulen und KünstlerInnen
Schulen Leo Lionnie GS, Wedding GS, Humboldthain GS, Gesundbrunnen GS, Tiergarten Gymnasium, Hedwig Dohm OS, John Lennon Gymnasium, Diesterweg Gymnasium, Quinoa Schule
Künstler Nikolaus Schrot, Tuna Arkun, Tania Bedriñana, Agnes Lörincz, Ute Hoffritz, Sandra Riche, Bettina Galle, Beate Spitzmüller, Andrea Pichl, Lukas Oertel

Kontakt
Theateratelier und Kunst in Schulen
Leitung: Carola Tinius
Schönwalder Straße 19, 13347 Berlin
F (030) 9018 33486

Webseiten zu der Künstlerin Andrea Pichl
http://www.artnews.org/andreapichl
http://home.krome-gallery.com/andreapichl/