Die Autorin Inana Othman wird musikalisch von Ahmad Ajouz begleitet und spricht im Anschluss mit dem*der Regisseur*in Thu Hoài Trần über ihre Lyrik und ihre neuesten Texte.

Zwischen den Zeilen lagern Stimmen. Unter der Haut ruhen Archive. In den Rissen der Erinnerung sammeln sich Bilder, Gerüche, Namen und Sprachen, die kein staatliches Gedächtnis bewahren kann. Begleitet von Oud-Klängen sowie Fragmenten aus Bild, Ton und Bewegung führt Inana Othman durch poetische Räume entlang der Spuren des Vermissten: den Blicken eines inhaftierten Vaters, den Liedern einer Großmutter, den Händen einer schweigenden Mutter, den Bruchlinien einer Exilsgeologie. Zwischen den Gefängnissen Syriens und den Asylheimen Deutschlands, zwischen mesopotamischen Mythen und kosmischen Vorstellungswelten erscheint Erinnerung als lebendige Kraft – eingeschrieben in Körper, Narben und Sprache. Es entsteht ein vielstimmiges Gegenarchiv aus Klang, Bild und Wort, in dem das Gedicht zur vorübergehenden Heimat wird und das Verschwundene weiteratmet

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Voices are stored between the lines. Archives rest beneath the skin. In the cracks of memory, images, smells, names and languages gather that no state memory can preserve. Accompanied by the sounds of the oud and fragments of image, sound and movement, Inana Othman leads us through poetic spaces along the traces of the missing person: the glances of an imprisoned father, the songs of a grandmother, the hands of a silent mother, the fault lines of an exile geology. Between the prisons of Syria and the asylum homes of Germany, between Mesopotamian myths and cosmic imaginative worlds, memory appears as a living force – inscribed in bodies, scars and language. A polyphonic counter-archive of sound, image and word is created, in which the poem becomes a temporary home and the disappeared continues to breathe.

Adama ist Sängerin und Produzentin des Trios; noch im Gründungsjahr erschien ihre erste EP, auf der auch Valerie und Tara zu hören sind. Valerie studiert Viola an der Hochschule für Musik Franz Liszt in Weimar und arbeitete bereits mit internationalen Künstler*innen wie Aron Ottignon, Pamela Badjogo und Martin Kohlstedt zusammen. Auch Tara studiert dort und spielte u.a. mit Alibeta, Natalie Greffel und Juliane Gamboa; 2024 veröffentlichte sie ihre erste eigene Jazzplatte.

13.03.2026, 19:00 Uhr

Eintritt frei

Kuratiert von Kaya Peters.

Eröffnung 26.02.2026, 18 Uhr
Von 27.02.2026 bis 10.05.2026
Kuratiert von Eylem Sengezer

Galerie Wedding präsentiert im Frühjahr 2026 die Einzelausstellung »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« von Ahu Dural. Die Ausstellung nimmt eine Wohnung zum Ausgangspunkt einer künstlerischen Auseinandersetzung mit Familiengeschichte, Migration, Arbeit, weiblicher Solidarität und Aneignung. Montage erscheint hier nicht nur als manuelle Tätigkeit migrantischer Frauen, die in Produktionsstätten der Berliner Elektroindustrie im Akkord arbeiten, sondern auch als ästhetisches Verfahren und Prinzip: Die Skulpturen Durals bestehen aus Grundformen – häufig aus Holz oder industriellen Aluminiumleisten –, die mit Fotografien, Textilien oder Alltagsobjekten zusammengefügt und kombiniert werden. Montage wird zur Methode der Aneignung und zur Form des Denkens. Persönliche Erinnerung, fotografisches Detail und architektonische Referenz überlagern sich. Auch Farbe wird zu einem wichtigen Träger von Erinnerung und zum verbindenden Element zwischen Erzählung, Bild und Objekt. »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« ist eine Ausstellung über das Ankommen und das Arbeiten, über migrantische Lebenswelten, über industrielle Rhythmen und häusliche Lebensformen, über Erinnerung als fragmentarischen, montierten Prozess. 

In spring 2026, Galerie Wedding will present »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« (Malplaquetstraße 33 – Youth of a Female Assembly Worker), a solo exhibition by Ahu Dural. Taking an apartment as a starting point, the exhibition explores family history, migration, work, female solidarity and appropriation artistically. Here, assembly is not only presented as a manual activity carried out by migrant women employed on a piecework basis in Berlin’s electrical industry production facilities, but also as an aesthetic process and principle: Dural’s sculptures consist of basic forms – often made of wood or aluminium strips – which are assembled and combined with photographs, textiles or everyday objects. Assembly becomes a method of appropriation and a form of thinking. Personal memories, photographic details and architectural references overlap. Color also becomes an important vehicle for memory and a connecting element between narrative, image and object. »Malplaquetstraße 33 – Jugend einer Monteurin« is an exhibition about arrival and work, migrant life worlds, industrial rhythms and domestic ways of life, and memory as a fragmented, assembled process.

Kuratorische Assistenz: Philipp Hennch, Kaya Peters

Hinter diesem Buch steht eine langfristige Zusammenarbeit unseres Netzwerks von Frauen unterschiedlicher Herkunft, Generationen und Perspektiven. Was uns verbindet, ist der Einsatz für Empörung, Utopien und die Freude, miteinander zu lernen und zu wachsen. Jede von uns war Erzählerin, Autorin und Illustratorin: Eine Person erzählt eine wahre Begebenheit aus ihrem Leben, eine zweite schreibt sie in ihrer eigenen Form weiter – als Brief, Gedicht oder Erzählung – und eine dritte verwandelt sie in ein Bild. Aus diesem Spiel der „Dreiecksgeschichten“ entsteht dieses besondere Buch für Mädchen und junge Frauen. Wenn du fragst: „Wessen Geschichte ist das?“, antworten wir: „Meine, unsere – und jetzt auch deine.“ Auch du kannst deine eigene Geschichte schreiben und illustrieren. Wir laden euch ein, zu entdecken, wie aus einem einzelnen Erlebnis eine gemeinsame Geschichte entstehen kann. Wir haben 12 Exemplare dieses besonderen Buchs, das wir am Tag der Veranstaltung gerne an Mädchen und junge Frauen verschenken möchten.

Mädchen machen Druck Projekt ist Teil des Netzwerks Frauen Machen Druck. Dabei arbeiteten wir mit jungen Menschen, vor allem mit Migrantinnen, zusammen. Wir organisierten Workshops, hörten einander zu, teilten Erfahrungen und gaben das Gelernte weiter. Dieses Buch ist ein Teil davon: Es soll Mut machen, Hoffnung geben und Resilienz zeigen. Es ist ein Zeichen dafür, dass niemand allein ist, dass unsere Stimmen zählen und dass wir gemeinsam Antworten finden können.

Frauen machen Druck  ist eine offene Druckwerkstatt für Menschen, die sich als Frauen in Berlin identifizieren. Frauen beteiligen sich aktiv an der Co-Verwaltung und Co-Organisierung. Die Teilnehmerinnen kommen aus unterschiedlichen sprachlichen Hintergründen, sozialen Schichten und Altersgruppen und haben verschiedene nationale und migrantische Biografien. Es ist ein Netzwerk von mehr als 100 Frauen. Frauen machen Druck hatte bereits zwei Ausstellungen im Käthe-Kollwitz-Museum und bei Savvy Contemporary in Berlin. Ihre jüngste Ausstellung, Frauen porträtieren Frauen, wurde in Berlin, Oaxaca, Kairo und Gent gezeigt.

Yousra verbindet auf eindrucksvolle Weise poetische Texte mit Neo-Soul und von RnB inspirierten Klängen. Die gebürtige Berlinerin singt über das postmigrantische Aufwachsen in Neukölln, Freundschaften und ihre Verbindung zu Marokko — eine musikalische Reise zwischen Erinnerung, Sehnsucht und Zugehörigkeit.

Neben ihrer musikalischen Arbeit koordiniert Yousra Projekte beim WIB e.V.. Zudem gestaltet sie Workshops im Bereich der politischen Bildungsarbeit an Schulen.

Kuratiert von Kaya Peters.

Im Vorfeld ab 18:00 Uhr – Erzählabend mit Koray Yilmaz-Günay

Eintritt frei.

Ursprünglich als ambitioniertes Kunstprojekt an der Stuttgarter Kunstakademie gestartet,
entwickelte sich Horizontaler Gentransfer schnell zu einer Sensation: Sechs Künstlerinnen
mit Migrationshintergrund vereinen in ihren Songs K-Punk, Spoken-Word-Performance und
Art-Pop und schlagen mit pointierten Texten kulturelle Brücken. Oder, wie sie es selbst
nennen: Empowerment Karaoke. Ihre Songs handeln vom Koreanischsein in Stuttgart, von
Rassismus, Butterbrezeln oder dem österreichischen Schriftsteller Thomas Bernhard.

Nach dem Release ihres zweiten Albums “Everything PossiBBong” beim Stuttgarter
Lieblingslabel Treibender Teppich Records und darauffolgend ihrer allerersten
Deutschland-Tour im September und einigen Festivals (Pop Kultur, Fuchsbau Festival,
Blechsonne,…) sind HGT 2026 in einer transformativen Phase. Neue Ideen, neue Songs und
neue Konstellationen.

Kuratiert von Kaya Peters.

Musikprogramm:
14 bis 16 Uhr: Ray de Berlin & Friends
16 bis 17 Uhr: Kaloan Meenochite

14 bis 17 Uhr: Workshop »This Bridge Called My Boca« von Rebeca Morreo in der Galerie Wedding

»This Bridge Called My Boca« ist ein Workshop, der Essen und Erinnerungen miteinander verknüpft. Die Teilnehmenden lernen, wie man ein einfaches venezolanisches Bollito aus Maismehl zubereitet, während wir gemeinsam über Herkunft, Essenserinnerungen und Ideen rund um Intuition, Absicht und friedlichen Widerstand in Essensräumen refelktieren. Der Workshop ist auch ein offener Dialog über Mais, seine Reise, seine Anpassungen und die Art und Weise, wie er Geschichte in die Gegenwart trägt.
Die Plätze für den Workshop sind begrenzt. Anmeldung an per Email an lina.kroeger@ba-mitte.berlin.de

Kuratiert von Lina Kröger

Die Veranstaltung wird aus Geldern des Berliner Sicherheitsgipfels finanziert.

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»Space for Us«

23.08.2025, 2 – 5 pm
FREE

Music program:
2-4 pm: Ray de Berlin & Friends
4-5 pm: Kaloan Meenochite

2-5 pm: Rebeca Morreo’s workshop »This Bridge Called My Boca« takes place inside Galerie Wedding.

»This Bridge Called My Boca« is a workshop that combines food and memories. Participants learn how to prepare a simple Venezuelan bollito made from corn flour, while we reflect together on origins, food memories, and ideas about intuition, intention, and peaceful resistance in dining spaces. The workshop is also an open dialogue about corn, its journey, its adaptations, and the way it carries history into the present.
Places for the workshop are limited. Registration by email to lina.kroeger@ba-mitte.berlin.de

Curated by Lina Kröger

The event is financed by funds from the Berlin Security Summit.

Fr, 15. August | 17–19 Uhr | in deutscher Lautsprache

mit Kinderbetreuung vor Ort

Welche Erzählungen tragen wir mit uns?
In einer von The String Archestra musikalisch begleiteten Lesung stellt Afrikawissenschaftlerin, Autorin und Podcaster*in Josephine Apraku »Opa Olánrewájús’ Garten« vor – eine Erzählung aus der Sammlung Ein ganz normaler Tag. Opa Olánrewájús’ Garten wird darin zu einem Ort des Lernens, an dem für Iledáyò durch das gemeinsame Umpflanzen Fürsorge, Veränderung und Selbstwert erfahrbar werden.

Geeignet für Kinder ab 6 Jahren, offen für alle Altersgruppen.
Im Anschluss sprechen Josephine Apraku und Emilia Paloma Happi, Theater- und Lehramtsstudentin aus Berlin, über Alltag, Zugehörigkeit und darüber, wie sich die Frage »Wie sieht ein ganz normaler Tag aus – und für wen?« aus unterschiedlichen Perspektiven beantworten lässt.

»Conversation Between Generations«

Children’s Book Reading with Josephine Apraku & The String Archestra

Fri, 15 August | 5–7 pm | in spoken German

with childcare provided on site

What stories do we carry with us?
In a reading accompanied by live music from The String Archestra, African Studies scholar, author, and podcaster Josephine Apraku presents »Grandpa Olánrewájú’s Garden« – a story from the collection An Ordinary Day. In the tale, Grandpa Olánrewájú’s garden becomes a place of learning, where Iledáyò experiences care, change, and self-worth through the shared act of replanting. Suitable for children aged 6 and up, open to all ages.
Following the reading, Josephine Apraku will be in conversation with Emilia Paloma Happi, a Berlin-based theatre and education student, about everyday life, belonging, and how the question »What does an ordinary day look like – and for whom?« can be answered from different perspectives

In Lesungen, Gesprächen, Führungen, musikalischen Beiträgen und künstlerischen Interventionen setzen wir uns in den kommenden Wochen mit Fragen des Erinnerns, familiären Archiven und globalen Verflechtungen kolonialer Geschichte auseinander.

Freitag, 18. Juli 2025 | Galerie Wedding

Lesung mit Sharon Dodua Otoo, musikalisch begleitet von Daniele Daude und dem String Archestra

Diasporische Kunst ist untrennbar mit Erinnerung und Widerstand verbunden. Auf der Suche nach alternativen Ausdrucksformen verbindet sie persönliche Erfahrungen mit globalen Zusammenhängen und kollektiven Geschichten. So entsteht eine vielstimmige Praxis, die neue Perspektiven auf diasporische Lebensrealitäten eröffnet. 

Einlass: ab 17:00 Uhr
Beginn: 18:00 Uhr    

Ab 18:45 Uhr: Gespräch mit Sharon Dodua Otoo & Daniele Daude Moderation: Aidan Riebensahm
Ausgewählte Textpassagen, die auf Deutsch gelesen werden, können auf Englisch mitgelesen werden.

Das Abschlussgespräch wird simultan vom Deutschen ins Englische verdolmetscht.

Content Note: „Adas Raum“ enthält Passagen, in denen sexualisierte Gewalt und Kindstod thematisiert werden.

Ein Awareness-Team ist während der Veranstaltung vor Ort und ansprechbar.
Ein barrierefreies WC befindet sich im Erdgeschoss.
Weitere Toiletten sind über einen Aufzug im Rathaus erreichbar

EN – Übersetzung 

Diasporic Art – Memory and Resistance

We warmly invite you to the opening of the event series accompanying the exhibition Paths of Remembrance.

Over the coming weeks, readings, talks, guided tours, musical contributions, and artistic interventions will explore questions of remembrance, family archives, and the global entanglements of colonial history.

Friday, July 18, 2025 | Galerie Wedding

Reading by Sharon Dodua Otoo, musically accompanied by Daniele Daude and String Archestra

Diasporic art is inextricably linked to memory and resistance. In its search for alternative forms of expression, it weaves together personal experiences, global contexts, and collective histories. The result is a polyphonic practice that opens up new perspectives on diasporic lived realities.

Doors open: from 5:00 PM
Start: 6:00 PM
From 6:45 PM: Conversation with Sharon Dodua Otoo & Daniele Daude
Moderation: Aidan Riebensahm

Selected excerpts, read in German, will be available in English for simultaneous reading.

The final conversation will be interpreted live from German into English.

Content Note: Adas Raum includes passages that address sexualized violence and the death of a child.

An awareness team will be present and available throughout the event.

An accessible restroom is located on the ground floor.
Additional restrooms can be reached via elevator or stairs in the Rathaus building.

»Rage Is a Prayer ist ein Ausdruck gelebter Erinnerung – ein improvisiertes Ritual, in dem Klang, Atem und Bewegung zu Trägern von Geschichte, Erschütterung und Heilung werden. Es ist eine persönliche und zugleich kollektive Auseinandersetzung mit dem emotionalen Erbe der Schwarzen Diaspora – mit den Spuren von Leben, die durch Gewalt entwurzelt, geraubt und über Kontinente verstreut wurden, fern der Orte, die sie einst trugen. Es geht aber auch um die leisen, alltäglichen Formen von Ausgrenzung und dem fortdauernden Versuch, Spuren auszulöschen. Dabei geht es nicht nur um die Vergangenheit – sondern darum, wie diese Vergangenheit bis heute in uns wirkt. Es geht darum, ein inneres Feuer durch kalte Städte und fremde Straßen zu tragen. Es geht darum, unserer Seele Raum zu geben – inmitten von Ankunft, Verletzung und der Suche nach Heilung.

Im Dialog mit PURE bringt der*die multidisziplinäre Künstler*in Bláthin Klänge ein, die als Impulse, Fragen oder Zeichen wirken – jede löst eine unmittelbare, gefühlte Reaktion aus. Es entsteht ein freies Zusammenspiel, ein Hören und Antworten, getragen von gegenseitigem Spüren. Wut ist hier kein Spektakel – sie ist ein Heilmittel. Sie ist das, was von Geschichten bleibt, die über Meere, durch Zeiten und Sprachen getragen wurden. Sie ist der Klang des Widerstands. Sie ist ein Gebet – gesprochen in der Sprache des Feuers.«

– die Künstler*innen

Eintritt frei

13.06.2025, Doors 7 pm / Performance 7.30 pm

»Rage Is a Prayer is an act of embodied testimony, an improvised ritual where sound, breath, and movement become vessels for memory, for rupture, and for repair. It is a sacred confrontation with the emotional and psychic afterlife of the ancestral memory of the Black diaspora, echoes of lives displaced, stolen, and scattered across continents, far from the lands that once held them and with the quieter, more insidious violences of ongoing erasure. This is not only about history, it is about what history still does to us now. It is about carrying fire through cold cities and unwelcoming streets. It is about holding space for our spirits in a constant state of arrival, harm and healing.

In dialogue with PURE, multidisciplinary artist Bláthin offers sonic gestures which serve as prompts, provocations, or cues–each one invoking a visceral response, an improvisational call-and-response shaped by mutual attunement. Rage here is not a spectacle, it is a sacrament. It is the sacred residue of histories carried across oceans, across time zones, across languages. It is the sound of rupture and of refusal. It is prayer spoken in the mother tongue of fire.«

– the artists

Free admission

Raumgestaltung von Macla Valencia Carmona.

Das Programm wird laufend auf unserer Website, Social Media und den kommenden Newslettern angekündigt

ACROSS Festival

Performance & Musik & Workshops

September bis Dezember 2024

Galerie Wedding & Rathausvorplatz Wedding

Eröffnung, 7.09.2024, 16 bis 21 Uhr

»ACROSS« ist ein Performance-, Konzert- und Workshop-Programm in Berlin-Wedding, das von September bis Dezember an jedem zweiten Wochenende stattfindet, kostenlos ist und allen offen steht. Mit mehr als 20 Künstler*innen bewegt sich »ACROSS« zwischen künstlerischen Genres und sozialen Praktiken, spricht verschiedene Generationen an und regt an, sich zu bewegen und gemeinsam Zeit zu verbringen, zu beobachten, zu staunen, zuzuhören, zu tanzen und über Unterschiede hinweg Gemeinsamkeiten zu teilen, ACROSS (über) Müllerstraße.

Die Galerie Wedding ist ab September auch sonntags offen, immer von 12 bis 19 Uhr. Jeden zweiten Sonntag werden Workshops mit Künstler*innen veranstaltet. Details zum Programm werden online veröffentlicht. 

Angeboten werden Workshops, Performances und Konzerte auf dem Rathausvorplatz und teilweise in der Galerie Wedding.

Der Eintritt ist immer frei.

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Performance & Music & Workshops

September until December 2024

Galerie Wedding & Rathausvorplatz Wedding

Opening, 7.09.2024, 4 to 9 pm

»ACROSS« is a performance, concert and workshop programme in Berlin-Wedding that takes place on every second weekend from September to December, free of charge and open to all. »ACROSS« features around 20 artists and moves between artistic genres and social practices, appealing to different generations and proposing to move and spend time together, to observe, to marvel, to listen, to dance and to share common ground across differences, ACROSS Müllerstraße.

Galerie Wedding will also be open on Sundays from September, from 12 to 7 pm. Workshops with artists are organised every second Sunday. Details of the programme will be published online.

Workshops, performances and concerts are offered on the square in front of the town hall and partly in the Galerie Wedding.
Admission is always free.

06. April 2024
11-13 Uhr Kuratorinnenführung mit Sarnt Utamachote (in Englisch, Deutsch oder Thai) mit Übersetzung in Filipino
13-14 Uhr »Somtam Manifesto« von Mon Sisu Satrawaha (in Englisch), eine Mitmach-Performance mit Essen Ort: Galerie Wedding

Diese Performance ist Teil der ausgestellten Installation. In Anlehnung an ein altes siamesisches Sprichwort, das besagt, dass »eine Frau nach dem Klang ihres Mörsers beurteilt wird«, wird die Künstlerin das Publikum einladen, mit ihr Papayasalat zu machen. Diese Strategie, Essen als Gemeinschaftsachse und Ausgangspunkt für Diskussionen über Rechte zu nutzen, wurde auch in der Vergangenheit von vielen Aktivistinnen angewandt. Durch das Zusammenkommen entstehen Klänge, die womöglich eine Revolte auslösen können.

15-18 Uhr »Rosas ng Digma« Musik-Jam-Workshop mit dem Kollektiv Gabriela
Germany (in Englisch und Filipino)
Ort: Galerie Wedding
Anmeldung erforderlich: post@galeriewedding.de

Lieder und Gedichte zur Feier und Ehrung der Frauen im Kampf für Freiheit und Demokratie. Bei dieser Veranstaltung werden Lieder und Gedichte vorgetragen, die den unermesslichen Beitrag der Frauen im Kampf für Freiheit und Demokratie auf den Philippinen und darüber hinaus herausstellen. In die Performances werden Kurzgeschichten und Erzählungen über die Auswirkungen dieser progressiven kulturellen Beiträge in diesem Kampf eingestreut. Der Titel der Veranstaltung „Rosas ng digma“ ist ein Lied, das 2001 von Musikang Bayan veröffentlicht wurde und eine Hommage an die Frauen ist, die ihr Leben dem Kampf widmen.

20-22 Uhr Lesung aus eigenem Gedicht und Buch (in Englisch und Deutsch) mit Analie Gepulani
Neiteler und Anika Baluran Schäfer
Ort: Galerie Wedding
Anmeldung erforderlich: Bitte hier anmelden

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6 April 2024
11am-1pm Curator’s tour (in English or German or Thai) with Filipino translation
1-2pm Food-related Participatory Performance »Somtam Manifesto« (in English) by
Mon Sisu Satrawaha
Location: Galerie Wedding

This performance is a part of the installation exhibited, based on the old Siamese proverb that »judges the women by the sounds of her mortar«, the artist will invite audiences to make papaya salad with her. This strategy of using food as a community axis and beginning point of discussion on rights has been utilised by many activists in the past as well. Creating sounds of, perhaps, revolt by coming together.

3-6pm »Rosas ng Digma« (Rose of the War/Struggle, in English and Filipino) Music
Jam Workshop by collective Gabriela Germany
Location: Galerie Wedding
Registration required: post@galeriewedding.de

Songs and poems to celebrate and honour the women in the struggle for freedom and democracy. This event showcases performances of songs and poems highlighting the invaluable contributions of women in advancing the struggle for freedom and democracy in the Philippines and beyond. Short stories as well as narratives on the impacts of these progressive cultural performances in the struggle will be interspersed in the performances. The event title »Rosas ng digma« is a song released by Musikang Bayan in 2001 that pays homage to the women who dedicate their lives to the struggle.

8-10pm Collective reading from poem and book (in English and German) with Analie Gepulani Neiteler and Anika Baluran Schäfer
Location: Galerie Wedding
Registration required: Please register here

*English version below

Samstag, 19.8.2023 von 17.30 bis 22 Uhr

Immersive Rauminstallation mit Sound und Bildern von Oscar Ngu Atanga, Makossiri und Phillip Och, mit Spoken Word von Tianna Strickland

Im Austausch mit Thomias Radins aktueller Ausstellung POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira in der Galerie Wedding

Am Samstag, 19.8.2023, von 17.30 bis 22 Uhr lädt das Kollektiv afro.bahn zu The Creation of New Mythologies ein, einem Abend mit immersiven Klängen und Bildern im Gespräch mit Thomias Radins Ausstellung in der Galerie Wedding. „The Creation of New Mythologies“ ist eine panafrikanische Reise, die durch gesprochenes Wort, elektronische Live-Performance, Film und Ton erzählt wird und das Publikum durch die Welten führt, die durch Thomias Radins Wandgemälde geschaffen wurden. Afro.bahn ist ein Kollektiv afro-diasporischer multidisziplinärer Künstler*innen, die afro-futuristische Mythen durch audiovisuelle Performances und Installationen erforschen. Gemeinsam kombinieren sie Klang- und Filmideen, überlagern Gesang und Poesie mit afrikanischen Polyrhythmen über futuristischen elektronischen Beats. Seine Mitglieder sind Oscar Ngu Atanga alias O.N.A, ein in Manchester geborener kamerunischer Klangkünstler, Kurator und Selektor, Makossiri, eine in Kenia geborene und in Berlin ansässige Produzentin/DJ elektronischer Musik, deren Clubmusik, sich über Genregrenzen hinwegsetzt, Phillip Och ist ein multi-disziplinärer Bild- und Audiokünstler, der zwischen London und Berlin arbeitet, und Tianna Strickland, eine bildende Künstlerin mit Schwerpunkt auf analoger Fotografie.

„Unsere Arbeit ist eine Reflexion unserer Erfahrungen als in Europa lebende und arbeitende Künstler afrikanischer Herkunft, einschließlich der Kultur, Bräuche und Mythologien, die wir mitbringen. Neben den Wurzeln der Orte, aus denen wir kommen, gibt es auch bidirektionale Einflüsse der Räume, die wir bewohnen. In Echtzeit werden wir die Wahrnehmung dieser unzähligen Einflüsse präsentieren und hinterfragen.“
afro.bahn Kollektiv

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

The Creation of New Mythologies

Saturday, 19 August 2023 from 5.30 to 10 pm

Physical & immersive installation powered by sonics and visuals from
Oscar Ngu Atanga, Makossiri and Phillip Och, and spoken word by Tianna Strickland

in conversation with Thomias Radin’s exhibition POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira at Galerie Wedding

On Saturday, 19 August 2023, from 5.30 to 10 pm, afro.bahn collective invites you to The Creation of New Mythologies, an evening of immersive sonics and visuals in conversation with Thomias Radin’s exhibition at Galerie Wedding. The Creation of New Mythologies is a pan-African journey, told through spoken word, live electronic performance, film and sound that will move the audience through the worlds created by Thomias Radin’s mural. Afro.bahn is a collective of afro diasporic multi-displinary artists exploring afro-futuristic myths through audio visual performances and installations. Together, they combine ideas of sound and film layering song and poetry with african polyrhythms over futuristic electronic beats. It’s members are Oscar Ngu Atanga aka O.N.A, a Manchester born Cameroonian sound artist, curator and selector, Makossiri, a Kenyan born-berlin based electronic music producer/DJ who makes club music that defies genre limitations, Phillip Och is a multi-displinary visual and audio artist creating between London and Berlin and Tianna Strickland, a visual artist focusing on analog photography.

“Our work is a reflection on our experiences as artists of African heritage living and working in Europe including the culture, customs and mythologies we bring with us. Alongside the roots of the places we come from sits the bi-directional influences of the spaces we come to inhabit. In real time we will present and challenge the perceptions of these myriad influences.”
afro.bahn collective

In the framework of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in cooperation with KINDL – Centre for Contemporary Art.
Artistic director: Solvej Helweg Ovesen

16.06.2022 zwischen 19.30 und 20.30 Uhr ein Konzert von Isasi Armengod auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Isasi Armengod ist eine künstlerische Zusammenarbeit von Luna Carlos Armengod und Isasi Isasi. Die musikalische Produktion zeichnet sich durch eine ständige Suche aus, die sich in einer Mischung aus urbanen Rhythmen, lateinamerikanischen Wurzeln und afrikanischem Geist manifestiert. Bei Isasi Armengod wird die künstlerische Praxis der bzw. des jeweils anderen über die disziplinären Grenzen von Musik und Bildhauerei hinaus erweitert und zu neuen Welten verschmolzen.

***

Corrientes vitales II – El nido

16.06.2022 between 7.30 and 8.30 pm a concert by Isasi Armengod on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Isasi Armengod is an artistic collaboration between Luna Carlos Armengod & Isasi Isasi. Isasi Armengod’s musical production can be described as a continuous search: a mixture of urban rhythms, Latin American roots, and African spirit. The transdisciplinary expansion of their practices is an attempt to merge their respective musical and sculptural worlds, all the while re-assessing the boundaries of both.

16.06.2022 zwischen 19.30 und 20.30 Uhr ein Konzert von Isasi Armengod auf dem Rathausvorplatz (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Isasi Armengod ist eine künstlerische Zusammenarbeit von Luna Carlos Armengod und Isasi Isasi. Die musikalische Produktion zeichnet sich durch eine ständige Suche aus, die sich in einer Mischung aus urbanen Rhythmen, lateinamerikanischen Wurzeln und afrikanischem Geist manifestiert. Bei Isasi Armengod wird die künstlerische Praxis der bzw. des jeweils anderen über die disziplinären Grenzen von Musik und Bildhauerei hinaus erweitert und zu neuen Welten verschmolzen.

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Corrientes vitales II – El nido

16.06.2022 between 7.30 and 8.30 pm a concert by Isasi Armengod on Town Hall Square (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Isasi Armengod is an artistic collaboration between Luna Carlos Armengod & Isasi Isasi. Isasi Armengod’s musical production can be described as a continuous search: a mixture of urban rhythms, Latin American roots, and African spirit. The transdisciplinary expansion of their practices is an attempt to merge their respective musical and sculptural worlds, all the while re-assessing the boundaries of both.

16.06. bis 26.08.2023

Eine Ausstellung von Thomias Radin

Kuratiert von Malte Pieper

Eröffnung am 15.06. von 18 bis 22 Uhr
mit DJ Set von Peeps und Coco Calypso

19 Uhr Begrüßung und Gespräch mit Thomias Radin und Malte Pieper
20 Uhr Opening Ceremony mit Thomias Radin

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Im Sommer 2023 entfaltet sich Thomias Radins besondere Praxis der Verschmelzung von Tanz und Malerei in der Galerie Wedding als Wandbild, Bewegung und Szenografie für Performances. Seine farbintensive Malerei streckt sich als Installation durch den großen Galerieraum und bildet den Rahmen für das Tanz- und Performanceprogramm Movement Research ACROSS: POLY(e)MOTION. 

POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira erprobt Radin die schwer fassbare und doch fesselnde Natur eines Mythos, der von den indigenen Namen des heutigen Guadeloupe erzählt. Er erforscht die Fähigkeit des Mythos, die Wahrheit sowohl zu enthüllen als auch zu verbergen, so zeigen seinen Malereien oft verdrehte Körperhaltungen, Masken und abgewandte Gesichter. »Der Mythos von Karukera und Cibuqueira« behandelt die Bedingungen und Umstände des Menschseins, die Kraft der Bewegung und die fortdauernde Bedeutung von Erzählungen für unser Weltverständnis. Mythen faszinieren Radin als hochentwickeltes und ausgeklügeltes Kommunikationssystem. Für Radin ist der Mythos ein sich bewegendes und tanzendes Wissen, das sich wandelt, alt und modern zugleich ist. Die Ausstellung nimmt Bezug auf die vorkolonialen Bezeichnungen Karukera, »Insel der schönen Gewässer«, und Cibuqueira, »Insel der Gummibäume«, die präkolonialen Namen für die beiden Hauptinseln von Guadeloupe. Karukera und Cibuqueira sind in Radins Geschichte zwei gefallene Engel, die auf der Suche nach ihrer Vereinigung sind. Sie stehen für die transformative Kraft der Bewegung, die uns mit uns selbst, miteinander und mit der Welt um uns herum verbindet.

Radin, geboren in Guadeloupe, aufgewachsen in Frankreich und heute in Berlin lebend, lässt sich von der Kraft der Bewegung inspirieren, die Südamerika, die Karibik und Westafrika miteinander verbindet, um seine Bilder mit dynamischer Energie und Ausdruck zu erfüllen. Als Tänzer bewegt sich Radin zwischen Hip-Hop, Capoeira und Gwo Ka, der Musik- und Tanzkultur aus Guadeloupe. Angelehnt an die Technik des Sampling aus der Musik mischt Radin historische Referenzen, persönliche Erfahrungen und Popkultur. Das Wandgemälde verbindet dabei den Innenraum der Galerie mit den urbanen Außenräumen der Stadt, die Ausstellung verbindet Bühnenbild, Architektur, Malerei und Klang in einer Bewegung. Das Adjektiv »polychrom«, das aus dem Griechischen abgeleitet ist und »viele Farben« meint, bezieht sich auf eine Vielzahl von Farbtönen und Texturen, aber auch auf einen Poly-Rhythmus von Gesten, Techniken und Medien.

Nach seiner raumgreifenden Installation in der Galerie Wedding wird im Rahmen der Kooperation von Galerie Wedding mit dem KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst in der Ausstellung POLY. A Fluid Show, Radins Film »Rivals« in Konstellation mit der Malerei »The Annunciation: Tout‘ Moun doubout`, An nou ay !« im September seine Premiere haben.

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POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira

16.06. to 26.08.2023
An exhibition by Thomias Radin
Curated by Malte Pieper

Opening on 15.06., 6 to 10 pm
with DJ Set by Peeps and Coco Calypso

7 pm Greeting and talk with Thomias Radin and Malte Pieper
8 pm Opening Ceremony with Thomias Radin

In the framework of the exhibition programme POLY 2023-24 at Galerie Wedding in cooperation with KINDL – Centre for Contemporary Art.
Artistic director: Solvej Helweg Ovesen

In the summer of 2023, Thomias Radin’s distinctive practice of melding dance and painting unfolds at Galerie Wedding as a mural, movement and scenography for performances. His vivid and colourful work stretches through the large gallery space as an installation and forms the framework for the dance and performance programme Movement Research ACROSS: POLY(e)MOTION.

In POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira, Radin explores the elusive and captivating nature of a myth that talks about the indigenous names of today’s Guadeloupe. He delves into into the ability of myth to both reveal and conceal the truth, often showing twisted postures, masks and averted faces in his paintings. „The Myth of Karukera and Cibuqueira“ is an invitation to explore the human condition, the power of movement, and the enduring relevance of myth in shaping our understanding of the world. Myths fascinate Radin as a highly advanced and sophisticated communication system. For Radin, myth is a moving and dancing knowledge, morphing and travelling, ancient and modern at the same time. The exhibition refers to the pre-colonial names Karukera, „island of the beautiful waters“, and Cibuqueira, „island of the gum-trees“, the native names for the two main islands of Guadeloupe. In Radin’s story, Karukera and Cibuqueira are two fallen angels on a quest to be reunited. They represent the transformative power of movement, which connects us to ourselves, each other and to the world around us.

Born in Guadeloupe, raised in France and now living in Berlin, Radin draws inspiration from the power of movement that connects South America, the Caribbean and West Africa to infuse his images with dynamic energy and expression. As a dancer, Radin moves between Hip-Hop, Capoeira and Gwo Ka, the music and dance culture from Guadeloupe. Borrowing the technique of sampling from music, Radin mixes historical references, personal experiences and pop culture. The mural thereby unites the indoor gallery space to the outdoors, the exhibition combines stage design, architecture, painting and sound in one movement. The adjective „polychrome“, which is derived from the Greek and means „many colours“, refers to a multiplicity of shades and textures, but also to a poly-rhythm of gestures, techniques and media.

Following his spatial installation at Galerie Wedding, in the context of the cooperation between Galerie Wedding and KINDL – Centre for Contemporary Art, in the exhibition POLY. A Fluid Show, Radin’s film „Rivals“ will have its premiere in tandem with the painting „The Annunciation: Tout‘ Moun doubout`, An nou ay !“ in September.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

*English version below

Tanz, Performance und Musik mit Amelia Uzategui Bonilla & Joana Tischkau, Esther Siddiquie, Houseszene Berlin, Isasi Armengod, Juan Betancurth (mit Romany Dear & Daniel Neumann), Jule Flierl, Katana Six, Maque Pereyra, Peeps B2B Coco Calypso, Skinship, The Darvish & Judy LaDivina, Thomias Radin

15.06. bis 17.06.2023

Galerie Wedding & Rathausvorplatz Wedding

Kuratiert von Kathrin Pohlmann, Solvej Helweg Ovesen, Malte Pieper, Nitsan Margaliot.

Eröffnung am 15.06. um 18 Uhr mit DJ und dem karibischem & westafrikanischem Essen
DJ Set von Peeps B2B Coco Calypso ab 18 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

POLY(e)MOTION ist die zweite Ausgabe von Movement Research ACROSS, einem Musik- und Performance-Programm in der Galerie Wedding und auf dem anliegenden Rathausvorplatz im öffentlichen Raum, welches von XO Curatorial Projects, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann, in Zusammenarbeit mit den Kurator*innen Nitsan Margaliot und Malte Pieper entwickelt wurde. Der Künstler und Tänzer Thomias Radin, der die parallel stattfindende Ausstellung POLYCHROME – Der Mythos von Karukera und Cibuqueira in der Galerie Wedding kreiert, eröffnet mit seiner Performance den ersten Abend.

In POLY(e)MOTION verbinden wir Bewegungsforschung und Emotionen von allen Körpern und aus allen Ecken der Welt zu einem zeitgenössischen, interdisziplinären, lokalen Berliner Event. Kostenlos und offen für alle. Zeitgenössischer Tanz und partizipatorische Praktiken werden als kreative Raumgestaltung und soziales Bühnenbild im Herzen von Wedding eingesetzt. Body Positivity, ästhetische Qualität und Street Smartness werden im Mittelpunkt stehen.

POLY(e)MOTION ist ein polyzentrisches Nachbarschafts-Event mit einem Pop-Up Amphitheater. Für das dreitägige Festival werden wir den eigens für den Ort entworfenen und gebauten “Flexible Colour Circle” (dt. flexibler Farbenkreis) des Künstlers Viron Erol Vert, der bereits bei ACROSS 2022 zentraler Austragungsort der Performances war, erneut errichten.

Nach erfolgreicher Durchführung der ersten Ausgabe von Movement Research ACROSS mit 20 performativen Beiträgen im Juni 2022, folgt nun eine neue Reihe von Performances und Workshops lokaler und internationaler Künstler*innen an drei Tagen im Juni 2023. Die kommunale Galerie Wedding kehrt zurück in den Außenraum und verbündet sich erneut mit der internationalen freien Szene Berlins.

Die vielfältigen hybriden Formate des Festivals, konzipiert für den öffentlichen Raum, lockern die Körper mit Humor und bringen die Straße zum Vibrieren.

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Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Dance, performance and music with Amelia Uzategui Bonilla & Joana Tischkau, Esther Siddiquie, Houseszene Berlin, Isasi Armengod, Juan Betancurth (with Romany Dear & Daniel Neumann), Jule Flierl, Katana Six, Maque Pereyra, Peeps B2B Coco Calypso, Skinship, The Darvish & Judy LaDivina, Thomias Radin.

15.06. to 17.06.2023

Galerie Wedding & Town Hall Square (Rathausvorplatz) Wedding

Curated by Kathrin Pohlmann, Solvej Helweg Ovesen, Malte Pieper, Nitsan Margaliot.

Opening on 15.06. 6pm with DJ and Caribbean & West African food
DJ set by Peeps B2B Coco Calypso from 6 pm

As part of the exhibition programme POLY 2023-24 at Galerie Wedding.
Artistic direction: Solvej Helweg Ovesen

POLY(e)MOTION is the second edition of Movement Research ACROSS, a music and performance programme in public space at Galerie Wedding and the neighbouring Town Hall Square (Rathausvorplatz), developed and curated by XO Curatorial Projects, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann, in collaboration with curators Nitsan Margaliot and Malte Pieper. The artist and dancer Thomias Radin, who will be creating the accompanying exhibition POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira at Galerie Wedding, will open the first evening with his performance.

In POLY(e)MOTION we connect movement research and emotions of all bodies and from all corners of the world to a contemporary, interdisciplinary, local Berlin event. Free of charge and open to all. Contemporary dance and participatory practices are applied as creative space making and social stage setting in the heart of Wedding. Body positivity, aesthetic quality and street smartness will be the in the focus.

POLY(e)MOTION is a polycentric neighbourhood event with a pop-up amphitheatre. For the three-day festival, we will set up again the „Flexible Colour Circle“ by artist Viron Erol Vert, which already served as the central venue for the performances at ACROSS 2022.

After the successful first edition of Movement Research ACROSS with 20 performative contributions in June 2022, a new series of performances and workshops by local and international artists will follow over three days in June 2023. The municipal Galerie Wedding returns to the outdoor space and teams up again with Berlin’s international independent scene. 

The festival’s diverse hybrid formats, designed for public space, loosen bodies with humour and make the street vibrate.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, ifa-Galerie in Berlin, Institut für Auslandsbeziehungen und der Senatsverwaltung für Wirtschaft, Energie und Betriebe.

Am 18.11.2022 von 19 bis 21 Uhr abschließendes Event der akutellen Ausstellung Grounded Outer Space People mit musikalischer Performance und Lesung

mit:
Anja Jadryschnikova, Anton Kats, Kelly Krugman, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist

Die musikalische Performance von Grounded Outer Space People am 18. November bildet den Abschluss der jüngsten Ausgabe der nomadischen Künstler*innen Residenz und Musikensembles, das die Beziehungen zwischen Seelenwanderung und Musik untersucht. Die Beiträge der anwesenden Künstler*innen, die in einem performativen Musikkonzert zusammengefasst sind, umfassen abstrakte Improvisationen, Tanz und populäre elektronische Musik, die mit Jazz- und Soul-Einflüssen verschmelzen. Basierend auf der Transmigration Library, einer ständig wechselnden Sammlung von Büchern über Klang, Musik, politisch engagierte Praktiken und Herz, umfasst die Performance ausgewählte Lesungen und Stimmen von Künstler*innen, Musiker*innen und Wissenschaftler*innen. Indem sie diese Karten skizzieren und teilen, stellen Grounded Outer Space People ein erweitertes Verständnis von Migration vor, aus dem eine Poetik der Verdrängung entstehen könnte.

Zu den ausgewählten Lesungen gehören unter anderem: Lucy Mayblin und Joe Turner, Sarah Ahmed, Tara Rodgers, Shelley Trower, Hazrat Inayat Khan, Hans TenDam, Sun Ra, Hafiz and The Tibetian Book of The Dead, und weitere. Verwobene Klangstücke und Gespräche aus dem Archiv enthalten Worte und Stimmen von Ursula K. Leguin, Pauline Oliveros, Oberst Bruce Hampton, Don Cherry, bell hooks und Alice Coltrane.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Volta Finale: »If life has an end, why wouldn’t death?« with Grounded Outer Space People

18.11.2022 from 7 to 9 pm final event of the current exhibition Grounded Outer Space People with musical performance and readings

with:
Anja Jadryschnikova, Anton Kats, Kelly Krugman, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist

The musical performance by Grounded Outer Space People on the 18^th of November marks the finale of the latest iteration of the nomadic artist residency/music ensemble, tracing the relationships between transmigration and music. Woven together as a performative music concert, the contributions of artists in residency embrace abstract improvisations, dance, and popular electronic music as they coalesce with jazz and soul influences. Informed by the Transmigration Library, an ever-changing collection of books on sound, music, politically engaged practices and heart, the performance includes selected readings and listens to the voices of artists, musicians, and scholars. By sketching and sharing these maps, Grounded Outer Space People introduce an expanded understanding of migration from which the poetics of displacement might emerge.

Selected readings include, but are not limited to: Lucy Mayblin and Joe Turner, Sarah Ahmed, Tara Rodgers, Shelley Trower, Hazrat Inayat Khan, Hans TenDam, Sun Ra, Hafiz and The Tibetian Book of The Dead, among others. Interwoven sound pieces and archival conversations include words and voices of Ursula K. Leguin, Pauline Oliveros, Col. Bruce Hampton, Don Cherry, bell hooks, and Alice Coltrane.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

„Auf einer Seite, einem Absatz und in einem Satz kann viel passieren.“ In der neuesten Iteration von Same Page Different Corner lädt Anton Kats ukrainische Musiker*innen in Berlin ein, sich in geselliger Runde zu treffen, zu jammen, zu diskutieren und sich auszutauschen. 

Indem die Galerie Wedding in ein offenes Studio umgewandelt wird, werden ukrainische Musiker*innen gastfreundlich empfangen, um sich in der Transmigration Library zu treffen, die eine ständig wechselnde und kollektive Sammlung von Büchern beherbergt, die von Kats und dem Projekt »Grounded Outer Space People« bereitgestellt wurden. Die öffentlich zugängliche Bibliothek erforscht die Beziehungen zwischen Transmigration und Musik, die unter anderem durch die Bereiche Klang, Zeitlichkeit, politisches Engagement und Poesie assoziiert werden.

Es findet eine »Vostok 7« Listening Session statt, anlässlich zum Launch des Vinyls; ein Hörspiel, das als Anleitung zum Zuhören dient und die Politik des Krieges, Demenz und die Ethik der Liebe mit der Seelenwanderung, der Überwindung des Egos, kosmischen Reisen und Musik verknüpft.
„Aus den Leben und den Geschichten, die in und um Bücher herum eingebettet sind, kann sich viel eröffnen, wenn sie sich im selben Raum treffen und sprechen.“

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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»Same Page Different Corner« with Anton Kats, Helleroid, Oleksandra Monda, Yulia Vlaskina & Others

10.11.2022 at 6 pm Ukrainian musicians meet up and »Vostok 7« Listening Session.

“A lot can happen on one page, one paragraph, and within one sentence.” In the latest iteration of Same Page Different Corner, Anton Kats invites Ukrainian musicians in Berlin to come together to meet, jam, dialogue, and exchange in conviviality. 

Turning Galerie Wedding into an open studio, Ukrainian musicians are hospitably welcomed to meet in the Transmigration Library hosting an ever-changing and collaborative collection of books coming from Kats and the Grounded Outer Space People project. The open-access public library explores the relationships between transmigration and music, associatively engaged through the realms of sound, temporality, political engagement and poetry among others. 

A »Vostok 7« listening session will take place, honouring the launch of the vinyl: a radio play serving as a listening manual anchored in the politics of war, dementia, and the ethics of love as they bridge with transmigration, the overcoming of ego, cosmic travels, and music. “A lot can open from the lives and stories embedded within and around books, as they meet and speak in the same space.”

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

26.10.2022 ab 21 Uhr Radio Transmission von Aiko Okamoto (online)

In der (fast) wöchentlichen Sendung »Notiz für die Welt danach« liest Aiko Okamoto Texte vor bzw. berichtet von den Demos, von denen man etwas für die Welt danach mitnehmen kann und vielleicht muss.

Für die Sendung aus der Galerie Wedding stellt sie das neu eröffnete Museum der Trostfrauen vor.

Die Folge aus der Galerie Wedding kann über folgenden Link gehört werden:
https://sphere-radio.net/sendungen/notiz-fuer-die-welt-danach-2/

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg OvesenBitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Radio Transmission »Notiz für die Welt danach #91«

26.10.2022 at 9 pm Radio Transmission by Aiko Okamoto (online, in German)

In the (almost) weekly broadcast »Notiz für die Welt danach« Aiko Okamoto reads texts and reports from the demos, from which one can and perhaps must take something away for the world afterwards.

For the programme from Galerie Wedding she introduces the newly opened »Museum der Trostfrauen«.

Weblink for listening to the broadcast from Galerie Wedding: https://sphere-radio.net/sendungen/notiz-fuer-die-welt-danach-2/

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

25.10. 2022 von 19 bis 21 Uhr Musik Performance von Raman Khalaf (Oud, Stimme) und Khaled Kurbeh (Klavier, Synthesizer) in der Galerie Wedding

Die elektroakustischen Kompositionen des syrischen Duos erforschen die Maqām-Musik (ein System melodischer Modi) aus Mesopotamien und verwischen die Grenzen zwischen Geschriebenem und Improvisiertem. Ihre Debüt-EP Aphorisms wurde 2017 über das Label Between Buttons veröffentlicht. Seitdem trat das Duo bei XJAZZ Berlin, dem BBC Arabic Festival in London und dem Funkhaus Berlin auf.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Interlude Grounded Outer Space People

25.10.2022 from 7 to 9 pm a music performance by Raman Khalaf (Oud, Voice) and Khaled Kurbeh (Piano, Synthesizer).

The Syrian duo’s electroacoustic compositions explore Maqām music (system of melodic modes) from Mesopotamia and blur the lines between the written and the improvised. Their debut EP Aphorisms was released via Between Buttons label in 2017, they have since performed at the likes of XJAZZ Berlin, BBC Arabic Festival in London and Funkhaus Berlin.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

14.10. bis 19.11. 2022

Performative Ausstellung mit Künstler*innenresidenz und Musikensemble von Anton Kats

mit Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh,
Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy,
Aiko Okamoto, und Ziggy Zeitgeist

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung mit DJ am 13.10. 2022, 18 bis 22 Uhr

Am 13.10.2022 von 18 bis 22 Uhr eröffnet »Grounded Outer Space People« von Anton Kats, eine performative Ausstellung in der Galerie Wedding, die die neuste Ausgabe des nomadischen Projekts mit Live-Performances und DJs präsentiert. 

»Grounded Outer Space People« ist eine nomadische Künstler*innenresidenz und ein Musikensemble, das die Beziehung zwischen »transmigration« und Musik untersucht. Die in einem temporären Studio arbeitende Künstler*innengruppe bespielt den Galerieraum und erweitert den ausstellungsartigen Rahmen durch Ensembleproben, Konzerte, Präsentationen, Performances, Klang- und Bildarbeiten sowie Workshops. 

Raumgreifende Partituren und Zeichnungen erstrecken sich über die Wände der Galerie und kündigen den Launch des Vinyls »Vostok 7« an, ein Hörspiel, das als Reenactment des noch zu bauenden Raumschiffs konzipiert ist. Ausgehend von einer Wahrnehmungsverschiebung vom Visuellen zum Klanglichen betreibt das Projekt ein mobiles Soundsystem, eine Radiostation und einen Hörraum voller Musikinstrumente und akustischer Geräte. 

Anton Kats (*1983 in Cherson) ist ein ukrainischer bildender Künstler, Musiker und Tänzer. In einem Moment, in dem die meisten politischen Konzepte scheitern, wendet sich der Künstler den Protagonist*innen des ukrainischen Kosmismus wie Fedir Tetyanych zu und lässt sich auch von Musiker*innen, Improvisator*innen und Künstler*innen wie Don Cherry und Mocki Cherry inspirieren. Diese Synthese bietet einen dynamischen Ausgangspunkt, um das Konzept der Seelenwanderung als performative, künstlerische und kollektive Praxis zu erforschen. »Grounded Outer Space People« lädt multidisziplinäre Künstler*innen mit unterschiedlichem Hintergrund ein, das zeitgenössische Verständnis von Migration mit Hilfe eines ephemeren Musikensembles zu erweitern, und schlägt ein kritisches Mapping vor, aus dem die Poetik geographischer Verdrängung hervorgehen könnte.

Für das Publikum öffnet zum ersten Mal auch die »Transmigration Library«, eine sich ständig wandelnde Sammlung von Büchern, die speziell auf der Grundlage von Kats‘ Forschungsinteressen im Bereich Klang und Musik, ebenso wie aus einer politisch engagierten künstlerischen Praxis heraus, ausgewählt wurden. Indem das Projekt spielerisch die Idee der Seelenwanderung aufgreift und ein Leben nach dem anderen annimmt, verweist es auf die sehr konkreten Dimensionen eines Körpers, einer Familie, eines Landes, eines Planeten und einer Geschichte. Diese kosmische Landschaft, die furchtlos mit Geist und Mythos, dem Akt des Storytellings, verwoben ist, kommt den Besucher*innen auf halbem Weg entgegen und lädt dazu ein, vorgegebene Beziehungsmodelle zu verlernen.

Ein offenes Veranstaltungsprogramm aus Präsentationen, Konzerten, Listening Session und Ausstellungsführung begleitet das Projekt im Oktober und November. 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Grounded Outer Space People

14.10. – 19.11. 2022

Artist residency and Music ensemble by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt,
Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening with DJ on 13.10. 2022, 6 to 10 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

On 13.10.2022 »Grounded Outer Space People« by Anton Kats opens from 6 to 10 pm a performative exhibition at Galerie Wedding marking the latest iteration of the nomadic project with live performances and DJs.

»Grounded Outer Space People« is a nomadic artist residency/music ensemble investigating the relationship between transmigration and music. Operating in a temporary studio the group of artists inhabits the gallery space and expands the exhibition-like frame through ensemble rehearsals, concerts, presentations, performances, sound- and visual works, and workshops. Upscaled scores and drawings extend over the gallery walls setting forth the launch of »Vostok 7« vinyl, a radio play conceived as a reenactment of the spaceship that has yet to be built. Driven through the perceptual shift from the visual to the sonic, the project operates a mobile sound system, a radio station, and a listening space full of musical instruments and sonic devices.

Anton Kats (*1983 in Kherson) is a Ukrainian visual artist, musician, and dancer. At a moment when most political concepts fail, the artist turns to the protagonists of Ukrainian cosmism such as Fedir Tetyanych, also drawing inspiration from musicians, improvisers, and artists such as Don Cherry and Mocki Cherry. This synthesis offers a dynamic starting point to explore and expand the concept of transmigration as a performative, artistic, and collective practice. Inviting multidisciplinary artists from different backgrounds to explore and expand the contemporary understanding of migration through an ephemeral music ensemble, »Grounded Outer Space People« propose a critical mapping from which the poetics of displacement might emerge.

Opening doors to the first iteration of the »Transmigration Library« the audience is invited to engage with an ever-changing collection of books curated through Kats‘ practice in sound, music, and politically engaged artistic practice. Playfully embracing the notion of reincarnation, taking one lifetime at a time, the project points towards the very concrete dimensions of a body, family, country, planet, and history. Fearlessly entangled with spirit and mythos, the act of storytelling, this cosmic landscape meets the visitor halfway and invites to unlearning of predetermined relational models.

An event program with presentations, concerts, a listening session, and an exhibition tour accompanies the project in October and November. 

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

14.10. bis 19.11. 2022

Performative Ausstellung mit Künstler*innenresidenz und Musikensemble von Anton Kats

mit Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh,
Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy,
Aiko Okamoto, und Ziggy Zeitgeist

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung mit DJ am 13.10. 2022, 18 bis 22 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Am 13.10.2022 von 18 bis 22 Uhr eröffnet »Grounded Outer Space People« von Anton Kats, eine performative Ausstellung in der Galerie Wedding, die die neuste Ausgabe des nomadischen Projekts mit Live-Performances und DJs präsentiert. 

»Grounded Outer Space People« ist eine nomadische Künstler*innenresidenz und ein Musikensemble, das die Beziehung zwischen »transmigration« und Musik untersucht. Die in einem temporären Studio arbeitende Künstler*innengruppe bespielt den Galerieraum und erweitert den ausstellungsartigen Rahmen durch Ensembleproben, Konzerte, Präsentationen, Performances, Klang- und Bildarbeiten sowie Workshops. 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Grounded Outer Space People

14.10. – 19.11. 2022

Artist residency and Music ensemble by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt,
Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening with DJ on 13.10. 2022, 6 to 10 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

On 13.10.2022 »Grounded Outer Space People« by Anton Kats opens from 6 to 10 pm a performative exhibition at Galerie Wedding, Berlin marking the latest iteration of the nomadic project with live performances and DJs.

»Grounded Outer Space People« is a nomadic artist residency/music ensemble investigating the relationship between transmigration and music. Operating in a temporary studio the group of artists inhabits the gallery space and expands the exhibition-like frame through ensemble rehearsals, concerts, presentations, performances, sound- and visual works, and workshops.

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

10.06.2022 zwischen 21 und 22 Uhr Konzert von Namosh auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

In seinem Konzert kombiniert Namosh Elektronik mit Vocals auf einer Basis von Funk-Rhythmen. Mit ausdrucksstarken Gesten, die denen eines Stummfilmschauspielers nicht unähnlich sind, nimmt eine Geschichte durch Bewegung und Klang Gestalt an. 

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Party Alone

10.06.2022 between 9 und 10 pm concert by Namosh on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

Namosh performs a combined electronic and vocal concert based on funk rhythms.  With expressive movements not unlike a silent film actor, a story takes shape through motion and sound. 

02.06.2022 zwischen 20 und 22 Uhr & 4.06.2022 zwischen 20 und 22 Uhr & 11.06.2022 zwischen 21.30 und 22 Uhr ein DJ Set von Sloush+Zarrt auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Im Rahmen von Movement Research ACROSS

Sigourney Pilz (Berlin 1992) und Thomas Fornoff (Odenwald 1985) sind zwei in Berlin lebende Künstler*innen, welche seit 2011 unter verschiedenen Pseudonymen Solo, als Duo oder in Kollektiven arbeiten. Sie sind Soundkünstler*innen, Hosts einer regelmäßigen Show bei Cashmere Radio, Mitglieder bei Hooops, Kuratoren*innen, Veranstalter*innen und Multimedia-Künstler*innen.

Im Bereich Sound experimentieren sie neben DJ-Sets auch mit Formen von künstlerischer Recherche in den Naturwissenschaften und der Emotionswissenschaft. Fieldrecordings, Geräusche, Text und Musik dienen ihnen als Sprache, um die Zuhörer*innen einzuladen, verschiedene Perspektiven und Zustände einzunehmen. Einige Beispiele sind ein Pilzspaziergang, die Welt der Mikroben, Schlamm und ein performatives Hörspiel über die Welt der Tropfsteinhöhlen und Axolotl. Mit einem Hintergrund aus Film- und Theaterarbeit/Szenenbild/Design/Sozialer Kunst legen sie den Schwerpunkt in ihrer derzeitigen künstlerischen Arbeit vor allem auf Möglichkeiten, Räume zu schaffen, in denen sich Menschen gegenseitig sowie den sie umgebenden Ökosystemen begegnen können.

Die Planung ihrer Veranstaltungen, wie „Pechüler Beckenrand 2021“, beinhaltet Ansätze sozialer Kunst und Praktiken, um das Potenzial des kollektiven Lernens, Wahrnehmens und Austauschs zu erforschen.

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DJ-Set

02.06.2022 between 8 and 10 pm & 4.06.2022 between 8 and 10 pm & 11.06.2022 between 9.30 and 10 pm DJ Set by Sloush+Zarrt on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

In the framework of Movement Research ACROSS

Sigourney Pilz (Berlin 1992) and Thomas Fornoff (Odenwald 1985) are two Berlin-based artists who have been working solo, as a duo or in collectives under various pseudonyms since 2011. They are sound artists, hosts of a regular show on Cashmere Radio, members of Hooops, curators, organisers and multimedia artists.

In the field of sound, they experiment not only with DJ sets but also with forms of artistic research in the natural sciences and the science of emotions. Field recordings, sounds, text and music serve as a language to invite the listener to take on different perspectives and states. Some examples are a mushroom walk, the world of microbes, mud and a performative radio play about the world of stalactite caves and axolotls. With a background in film and theatre work/scenic design/social art, they focus in their current artistic work primarily on possibilities, spaces where people can encounter each other as well as the ecosystems that surround them.

The planning of their events, such as „Pechüler Beckenrand 2021“, incorporates social art approaches and practices, to explore the potential of collective learning, perception and exchange.

20.05.2022 um 19 Uhr Konzert und Record Release “Corrientes vitales” von Isasi Armengod

Luna Carlos Armengod und Isasi Isasi (Isasi Armengod) sind beide Inselbewohner*innen, sie sind in der Nähe unterschiedlicher Meere aufgewachsen. Der salzige Geruch und die Feuchtigkeit in der Luft sind Aspekte, die für beide eng mit dem Begriff “Heimat” verbunden sind. Die pandemiebedingte Unmöglichkeit, an die jeweiligen Herkunftsmeere zurückzukehren, führte zu einer gemeinsamen Erkundung der lokalen Seen und sie entdeckten ihre Liebe zu süßen Gewässern. Diese neue Erkenntnis ging einher mit wichtigen Veränderungen in ihrem Leben: Trauer und Mutterschaft. Sie fanden darin eine Analogie zur afrokubanischen Mythologie und der Figur der Oshun – Göttin der Mutterschaft, der Weiblichkeit und des süßen Wassers). Sie haben gemeinsam begonnen, eine musikalische Produktion zu entwickeln, die den Klang des Wassers auf auditiver und installativer Ebene verkörpert. Isasi Isasi´s musikalische Produktion ist das Ergebnis einer ständigen Suche: eine Mischung aus urbanen Rhythmen, lateinamerikanischen Wurzeln & afrikanischem Geist. Luna Carlos Armengod arbeitet als Künstlerin mit verschiedenen Medien von Video- und Textilarbeiten bis Installationen. Die transdisziplinäre Erweiterung der jeweiligen Praxis bildete den Start der Kollaboration der beiden, die als der Versuch skizziert wurde, die jeweils eigene musikalische und plastische Welt zu verschmelzen, und die Grenzen beider zu überwinden.

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Corrientes vitales

20.05.2022 at 7 pm Concert and Record Release “Corrientes vitales” by Isasi Armengod

Luna Carlos Armengod & Isasi Isasi (Isasi Armengod) are both islanders, they grew up near different seas. The salty smell & the humidity in the air are aspects that for both of them are closely connected to the term „home“. The pandemic inability to return to their respective seas of origin led to a joint exploration of local lakes & they discovered their love for sweet waters. This new realization was accompanied by important changes in their lives: Grief & Motherhood. They found in it an analogy to Afro-Cuban mythology & the figure of Oshun – goddess of motherhood, femininity & sweet waters). Together they have begun to develop a musical production that embodies the sound of water on an auditory & installation level. Isasi Isasi’s musical production is the result of a constant search: a mixture of urban rhythms, Latin American roots and African spirit. Luna Carlos Armengod works as an artist with different media from video and textile works to installations. The transdisciplinary expansion of their respective practices formed the start of their collaboration, outlined as an attempt to merge their respective musical and sculptural worlds and to transcend the boundaries of both.

29.04.2022 um 17 Uhr Flamenco-Abend “Jaleo y Risa” mit Tablao Flamenco Tempelhof & Friends

Im Rahmen des Ausstellung Existing Otherwise – Inner Jungle von Irene Fernández Arcas in der Galerie Wedding – kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Seit dem Frühjahr 2020 trifft sich die Berliner Flamenco-Community auf dem Tempelhofer Feld. Jeden Samstagabend in den warmen Monaten teilen Musiker*innen, Tänzer*innen und Flamenco-Liebhaber*innen ihre Kunst und ihr Wissen miteinander und helfen Anfänger*innen, mit dem Tanzen zu beginnen.

Am 29. April wird der Frühling in der Galerie Wedding im Rahmen der Ausstellung von Irene Fernández Arcas mit dem „Altar a la Alegria“ gefeiert – inspiriert von der Tradition des 3. Mai-Festes in Andalusien zur Feier des Frühlings, bei dem sich Nachbar*innen und Familien auf den Straßen treffen, um zu tanzen und Spaß zu haben.

„Jaleo y Risas“ ist eine Veranstaltung, bei der sich Tablao Flamenco (Der Tanzboden Tempelhofer Feld) & Friends zum Tanzen, Singen, Lachen und Teilen treffen. Alle Besucher*innen sind eingeladen und willkommen, mitzumachen.

Keine Anmeldung erforderlich.

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Flamenco-Evening

29.04.2022 at 5 pm Flamenco evening “Jaleo y Risa” with Tablao Flamenco Tempelhof & Friends

Within the framework of the exhibition
Existing Otherwise – Inner Jungle by Irene Fernández Arcas at Galerie Wedding – curated by Solvej Helweg Ovesen.

Since spring 2020, Berlin’s flamenco community has been meeting at Tempelhofer Feld. Every Saturday evening during the warm months, musicians, dancers and flamenco lovers share their art and knowledge with each other and help beginners to start dancing.

On April 29th, Galerie Wedding hosts the celebration of spring in context of Irene Fernández Arcas‘ exhibition, at the „Altar a la Alegria“ – inspired by the tradition of the 3rd of May festivity in Andalucía for the celebration of spring, when the neighbors and families meet on the streets to dance and have fun.

„Jaleo y Risas“ is an event in which Tablao Flamenco (Der Tanzboden Tempelhofer Feld) & Friends reunite to dance and sing. All visitors are invited and welcome to join.

No registration required.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

08.04. bis 21.05. 2022

Eine Ausstellung von Irene Fernández Arcas

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 07.04 2022, 19 bis 22 Uhr

Hot shot de Yoggaton + DJ Set mit Maque Pereyra ab 19 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Die Künstlerin bietet mit farbenfrohen und humorvollen Gemälden, Keramiken, Filmen und Ritualen einen alternativen mentalen und physischen Raum zu dem rauen Großstadtdschungel. Die Ausstellung  spricht Menschen in jeden Alters an und bietet ein sanftes Ankommen im Frühling, trotz der Turbulenzen, die sich seit Winter ereignen.

Irene Arcas Fernandéz beschreibt den Inner Jungle (Innerer Dschungel) als „ein utopischer innerer Schutzraum, ein Zufluchtsort, vielleicht voller Licht, Landschaftserinnerungen oder einfach ein imaginärer Ort. Wir alle können solche inneren Räume mit sehr wenig Mitteln schaffen – auch Kinder, es ist kein spezielles Lernen nötig. Wenn man sich einen inneren Dschungel schafft und dorthin bewegt, findet man alles, was man sucht, z. B. Ruhe oder Entspannung“. 

Der Altar ist ein zentrales Gestaltungsmittel in Fernández Arcas Installationen, auch im „Inneren Dschungel“. Hier verwandelt sich der Ausstellungsort in einen physisch weichen Raum, in dem es sowohl Platz für Trauer als auch für Erleichterung oder gar körperliche Auflösung gibt. Es gibt einen Altar, keinen religiösen, aber einen Ort, der eine Menge Schönheit und heilende Energien in sich vereint. 

So viel ihr die Malerei und Keramik auch bedeutet, für Irene Fernández Arcas ist die Zusammenarbeit mit anderen die höchste Form der Kunst. Mit der Ausstellung Inner Jungle versucht sie mit einer Reihe von Mitgestalter*innen sowie dem Team der Galerie Wedding ein Gesamtkunstwerk zu entfalten. Zahlreiche Veranstaltungen werden die Ausstellung begleiten: Yoggaton zur Eröffnung, Künstlerin/Kuratorinnenn-Führung, Lesung und Ritual sowohl als Flamenco zum Gallery Weekend, Kindertanz auf dem Rathausvorplatz, und ein Konzert als Finissage. Irene Fernández Arcas erklärt zur farbenprächtigen, einladenden Ausstellung umhüllender Malerei : „Die von mir geschaffenen Räume sind Materialisierungen unseres inneren Dschungels. Es sind Räume, um anders zu existieren, rein und im Moment.“ 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Existing Otherwise – Inner Jungle

08.04. – 21.05. 2022

Exhibition by Irene Fernández Arcas

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening on 07.04. 2022, 7 to 10 pm

Hot shot de Yoggaton + DJ Set with Maque Pereyra, 7 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

With her colourful and humorous paintings, ceramics, films and rituals, the artist provides an alternative mental and physical space out of the harsh urban jungle. The exhibition addresses people of all ages and offers a soft landing into spring, despite the turbulences that have been happening since winter. 

Irene Fernandéz Arcas describes the Inner Jungle as „a utopian inner safe space, a refuge, full of lights maybe, landscape memories, or simply an imaginary place. We can all create such inner spaces with very little tools – also children, there is for specific learning. If you create an inner jungle and go there, you can find whatever you want to find, such as peace or relaxation.“ 

The altar is a vital design element in Fernández Arcas’s installations in general, and in the Inner Jungle in particular. Here, the exhibition space is transformed into a tangible soft space where there is room for both mourning and relief, or even a sense of bodily dissolution. There is an altar, not a religious one, but a site that holds a lot of beauty and healing energies. 

As much as painting and ceramics mean to her, for Irene Fernández Arcas, collaboration with others is the highest form of art. With the exhibition Inner Jungle, she is attempting to unfold a „Gesamtkunstwerk“, a total work of art, in cooperation with a number of co-creators and the team at Galerie Wedding. Various events will accompany the exhibition: Yoggaton at the opening, a guided tour by the artist and curator, a reading and ritual as well as flamenco for the Gallery Weekend, kids‘ dance on the square in front of the town hall, and a concert at the finissage. Irene Fernández Arcas comments on the colourful, enveloping exhibition of paintings: „The spaces I create are materialisations of our inner jungle. They are spaces to exist otherwise, pure and in the moment.“

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

10. Dezember 2021 von 18 bis 22 Uhr

Listening Session mit REIF

Teil von
INTIM/E Occasions and Other Occurrence
Eingeladen von Isabel Lewis und Dirk Bell

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Dies ist eine 2G+ Veranstaltung. Wir bitten darum, einen aktuellen Negativtest (nicht älter als 24 Stunden) zusätzlich zur gültigen Impfung oder Genesungsbescheinigung mitzubringen

Die erste Plattenveröffentlichung des Label REIF ist für Isabel Lewis und Dirk Bell Anlass, zum gemeinsamen Hören in die Ausstellung INTIM/E in der Galerie Wedding einzuladen.

Zu seiner ersten Veröffentlichung – 01, lud REIF Künstler*innen, aus der frühen Phase von REIF wie auch Mitwirkende der nächsten Generation ein, zu einem Stück Klangkunst beizutragen. Diese Arbeiten nehmen die Form klanglicher Geschenke an REIF an, als Erinnerungen, die geschaffen wurden und kommende Werke, die noch gemeinsam realisiert werden.

REIF versteht Klang als Instrument, das von Künstler*innen als Mittel politischer Katharsis untersucht wird. Klang an sich spiegelt die Zeiten wieder, was auch immer in der Welt passiert, wir „hören“ es. Als Klang-Kurator*innen ist es ihr Anliegen, solch von ihnen als kathartische Sounds bezeichnete Klänge herauszukristallisieren und ihnen neue Formen zu geben, sie davor zu bewahren, verloren zu gehen, vergessen oder begraben zu werden oder zu verstummen.

Das plötzliche Ende der Gesellschaft, wie wir sie kannten, zwang Gemeinschaften der Gegenkultur dazu, mit dem Verschwinden ihrer Spielräume umzugehen und neue Orte zu gestalten, an die sie weiterziehen könnten – notwendig wurde dabei zugleich das eigene Denken zu erweitern und sichere Räume neu zu entwerfen.

REIF ist eine vielseitige kulturelle Bewegung, die sich durch Plattenveröffentlichungen und gemeinschaftliche Veranstaltungen realisiert – diese Aktionen vertiefen den Austausch zwischen Künstler*innen und Publikum. Die Veröffentlichung 01 ist wie ein Zusammenprall, der die Kultur und Akteur*innen insgesamt stärker vernetzen will um gemeinsam in eine erweiterte Zukunft vorzustoßen.

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REIF presents 01

December 10, 2021 from 6 to 10 pm

Listening Session with REIF

Part of
INTIM/E Occasions and Other Occurrences
Hosted by Isabel Lewis and Dirk Bell

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

This is a 2G+ event. Please bring a current negative test (not older than 24 hours) in addition to the valid vaccination or recovery certificate.

On the occasion of its first record release, Isabel Lewis and Dirk Bell invite REIF at INTIM/E for a listening occasion.

For its first compilation – 01, REIF invited artists that were involved with REIF in its early stages and next generation collaborators to contribute a piece of sonic art. These works take form as sonic offerings to REIF, the memories created, and the future work to actualize together.

REIF understands sound as the chosen instrument for political catharsis that artists explore. Sound in itself encompasses a broad reflection of the times– whatever is happening or changing in the world, we “hear” it. As sound curators, it is their commitment to crystalize these, as they say, „cathartic“ sounds and give them new forms, preventing them from being lost or forgotten; buried or silenced.

With the abrupt disruption of society as we knew it, countercultural communities were forced to deal with their spaces for play vanishing, forcing these to imagine new spaces they could migrate – simultaneously reinforcing the need for thought expansion and a reimagined a safe space.

REIF is a multifaceted cultural movement that actualizes through record releases and community activations – these actions deepen the conversation between artists and audience, and this new intersectional 01 compilation is a collision that allows culture at large to connect deeper in order to collectively progress into an expanded future.

Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, sowie dem Bezirkskulturfonds, Berlin Mitte.

Gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes

Gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien

Samstag, 26. September 19 Uhr – 22 Uhr
Jam Session mit “إنسِجام” (Musikalisches Kollektiv) und Freunden

Insi’Jam ist eine offene Gruppe von Musiker*innen und Musikliebhaber*innen mit unterschiedlichen musikalischen, ethnischen und sozialen Hintergründen.
In der wöchentlich stattfindenden Jamsession (am Moabit Mountain College) bietet Insi’Jam einen Raum mit einem kompletten Set-up von Instrumenten von der E-Gitarre bis zur Darbuka – offen für alle zum Spielen und Zuhören, ganz gleich, wie unterschiedlich die individuellen Interessen, Emotionen, Stile und Fähigkeiten sind, die geteilt werden. Beim Jammin‘, beim Organisieren externer Konzerte und beim Üben in einem neu gegründeten Bandprojekt lernen wir voneinander und teilen unser Wissen.

Freunde
Art Critics Orchestra (ACO):
Micz Flor (Gitarre)
Andreas Schlaegel (Gesang, Schlagzeug)
Raimar Stange (Bass)

Das ACO-Live-Repertoire aus eigenen Kompositionen und einer Sammlung von Artist-Songs, die speziell für ACO geschaffen wurden – einige davon als Lieder, manche als Ideen, viele nur als Konzept.

Pesto:
Baris Numanoglu (Vox/Git)
Bert Splettstößer (Git)
Sasha Sgroi (Perc.)
Kiet Phung (Bass)
Tuan Tran Cl
Rumba, Flamenco, Türkisch Pop mit Jazz Elementen.

Die Veranstaltung ist Teil des Moabit Mountain College Panel

„Moabit Mountain College Panel“ findet vom 23. bis zum 26. September auf dem Rathausvorplatz vor der Galerie Wedding statt. Der offene Ansatz des Moabit Mountain College wird in verschiedenen Formaten wie Workshops, Lesungen, Vorträgen und Konzerten erlebbar gemacht.

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Saturday, 26 September, 7pm – 10pm
Jam Session mit “إنسِجام” (Musical Collective) and Friends

Insi’Jam is a open group of musicians and music-lovers of different musical, ethnical and social backgrounds.
In the weekly Jamsession (at Moabit Mountain College) Insi’Jam provids a space with a complete setup of instruments from electric guitar to darbuka – open for everyone to play and listen to no matter how different the individual interests, emotions, styles and skills shared may be. While Jammin’, organizing external concerts and exercising in a recently founded band-project, we learn from each other and share our knowledge.

Friends
Art Critics Orchestra (ACO):
Micz Flor (guitar)
Andreas Schlaegel (vocals, drums)
Raimar Stange (bass)
The ACO-live-repertoire of own compositions and a collection of artist songs created especially for ACO – some of them as songs, some as ideas, many only as concepts.

Pesto:
Baris Numanoglu (Vox/Git)
Bert Splettstößer (Git)
Sasha Sgroi (Perc.)
Kiet Phung (Bass)
Tuan Tran Cl
Rumba, flamenco, Turkish pop with jazz elements.

The event is part of Moabit Mountain College Panel

„Moabit Mountain College Panel“ will take place from 23 to 26 September on the town hall forecourt in front of Galerie Wedding. The open approach of Moabit Mountain College will be shared and come to life in various formats such as workshops, readings, talks and concerts.

Die Teilnahme ist kostenfrei jedoch ist eine Anmeldung vorab erforderlich. Bitte senden Sie dafür eine E-Mail an: performance_laurynyouden@galeriewedding.de

Eine Performance von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig im Rahmen der Gruppenausstellung I Am Large, I Contain Multitudes mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Liping Ting, Hanne Lippard, Lauryn Youden und Marco Bruzzone, kuratiert von Nadia Pilchowski

Im Kontext des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Lauryn Youdens Performance You Say I For Me ist eine Zusammenarbeit mit dem Musiker und Künstler Florian T M Zeisig. Zu seinen subtilen Modulationen von Synthesizer- und Klangschalen spielt Youden »crystal singing bowls« und trägt ihren Text »Nocebo« vor. »Nocebo« ist Beleg ihres offenen persönlichen Ansatzes, sich in zunehmend schwierigen Zeiten um das eigene körperliche und seelische Wohlbefinden zu sorgen. Die Künstlerin erzählt darin über die Krankheit »Seasonal Affective Disorder«, auch bekannt als Winterdepression, und dessen Behandlung durch von Beifußtee induzierten Klarträumen sowie die Konfrontation mit den eigenen Dämonen. Dazu gehört auch eine Zeitachse von Diagnosen, die speziell auf die sich verändernde Wahrnehmung des weiblichen Körpers und der pflanzlichen Medizin während die Ausbreitung der monotheistischen Religionen und des Kapitalismus bezogen sind.

Zu Beginn der Performance wird Beifußtee (Artemisia vulgaris) serviert und die Besucher sind dazu eingeladen, es sich gemütlich zu machen, diesen zu trinken oder sich hinzulegen und die Augen zu schließen. Bitte beachten Sie, dass Beifußtee nicht von schwangeren oder stillenden Frauen getrunken werden soll.

Bei erfolgreicher Anmeldung erhalten Sie eine Bestätigung. Außerdem ist es empfehlenswert bequeme Kleidung zu tragen und gut hydriert zu kommen.

Website Lauryn Youden

Foto: Lauryn Youden, You Say I For Me. A performative reading and sound bath, 2018, Stedelijk Museum Amsterdam. Foto von Ernst Van Deursen.

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag, 24.06., 08.07. und 15.07.2018
Bitte beachten Sie, dass die Ausstellung I Am Large I Contain Multitudes am Sonntag, den 8. Juli 2018  von 12 bis 21 Uhr geöffnet ist.

Weitere Informationen zur Ausstellung und zum Programm finden sie unter www.galeriewedding.de

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfond für Kommunale Galerien und der Botschaft von Kanada.

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You Say I For Me
8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Please note that this event is free of charge but in order to participate you are kindly asked to register RSVP ASAP by sending an E-Mail to: performance_laurynyouden@galeriewedding.de

A performance by Lauryn Youden in cooperation with Florian T M Zeisig within the framework of the group exhibition I Am Large, I Contain Multitudes with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone curated by Nadia Pilchowski

In the context of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Lauryn Youden’s performance You Say I For Me is a collaboration with musician and artist Florian T M Zeisig. His »modulated binaural beats« comprise the background for Youden playing »crystal singing bowls« and reciting her text »Nocebo« – an illness narrative and historical essay that depicts the artist’s personal relationship with Seasonal Affective Disorder (SAD), lucid dreaming as a form of treatment and confronting of personal demons. As well, a timeline of diagnoses specifically related to the changing perception of the female body and plant-based medicine during the growth of monotheistic religions and capitalism.

At the beginning of the performance Mugwort (Artemisia vulgaris) tea will be served. The audience is invited to enjoy the tea during the performance while taking a comfortable seat, laying down and closing their eyes. Please note that the Mugwort should not be ingested by any pregnant women or women who are breast-feeding.

You will receive a confirmation when the registration was successful. Further it is advised to wear something comfortable and to come well hydrated.

Website Lauryn Youden

Photo: Lauryn Youden, You Say I for me. A performative reading and sound bath, 2018, Stedelijk Museum Amsterdam. Photo by Ernst Van Deursen.

Special opening hours
Sunday, 24th June, 8th and 15. July 2018
On Sunday  8th of July 2018  the exhibition I Am Large I Contain Multitudes will open from 12 to 9 pm

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen«, funds »Kommunale Galerien Berlin« and the Embassy of Canada.

27. August bis 23. September 2017

Eine Ausstellung von Surya Gied im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 26. August um 19 Uhr mit Performance des Geigers Ali Moraly um 20:30 Uhr

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
Looking into the Distance Becomes Difficult_deutsch
Looking into the Distance Becomes Difficult_englisch

Im Rahmen der Ausstellungsreihe UP (Unsustainable Privileges) widmet sich die Ausstellung Looking Into The Distance Becomes Difficult der Malerin Surya Gied den Narrativen der  sogenannten »privilegierten Medien«. Die Berichterstattung des westlichen Europas ruft bei immer mehr Zuschauenden eine immer größer werdende Distanz zu den aktuellen Weltgeschehnissen hervor , seien diese die Situation von Geflüchteten, der Anschlag in Manchester oder eine Anti-Trump-Demonstration.

Ausgangspunkt für die Arbeiten der Künstlerin ist die »Hypervisibilität« und Allgegenwärtigkeit  von Krisensituationen in den Massenmedien.Surya Gieds Serie »Looking into the Distance Becomes Difficult« zeugt von der eingängigen Beschäftigung mit der Frage, wie man diese Realitäten thematisieren kann, ohne die Gewalt der zirkulierenden Bilder zu reproduzieren und die betroffenen Menschen damit zu verdinglichen. Wie lässt sich angesichts solch fataler Momente eine Bildsprache finden, ohne die Würde der Beteiligten zu verletzen?

Gieds Auseinandersetzung mit fotojournalistischem Material aus dem Internet, das zumeist ein direktes oder indirektes Zeugnis von Menschen auf der Flucht vor Krieg, Verfolgung, Folter, Vergewaltigung und Hoffnungslosigkeit ablegt, führt sie zu einer eigenen Sprache der Fragmentierung und Abstraktion. , Der Künstlerin geht es darum, das zu enthüllen, was sich hinter dem Bild versteckt; das hervorzuheben, was in dem Dazwischen existiert: die zwischenräumliche Fragmente. In der Fragmentierung und Abstraktion erforscht sie die Räume zwischen Formen, Farben, Ideen, Beziehungen, Ideologien, Politik, Geografien und Geschichte(n). Sie gelangt dadurch zu einem universelleren, aber nicht universalisierenden Verständnis von tiefen und fundmentalen Emotionen, die in den von ihr als Ausgangspunkt verwendeten Bildern enthalten sind.

Über den „dokumenta 14“-Violinisten Ali Moraly

auf deutschlandfunk:
http://www.deutschlandfunk.de/documenta-echo-ali-moraly-ross-birrell-der-klang-des-boesen.3259.de.html?dram%3Aarticle_id=388643

und in der ARD-Mediathek:
http://www.ardmediathek.de/radio/Cluster-Das-Musikmagazin/Der-Geiger-Ali-Moraly-Von-Damaskus-nach/SWR2/Audio-Podcast?bcastId=12855006&documentId=35068574

Sonderöffnungszeiten
An den Sonntagen, 27.08., 10.09 und 17.09.2017 ist die Ausstellung von 12- 19 Uhr geöffnet

Begleitveranstaltungen während der KGB-Kunstwoche:

Nothing Ever Comes Together –  ein performatives Gespräch mit Choonok Gied-Lee, Surya Gied und Toby Ashraf über neue Heimaten, Anwerbeabkommen und koreanische Töchter am 09.09.2017 um 18 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Künstlerin Surya Gied und Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung am 14.09.2017 um 17 Uhr

Ton / Schritt / Wedding – Akustische Entdeckungen der architektonischen Landschaft um den Leopoldplatz – ein Soundwalk mit Surya Gied und Tobias Purfürst am 16.09.2017 um 15 Uhr

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

Im Kontext der Ausstellung BARE LIVES von Mario Rizzi, kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) laden wir Sie herzlich ein zu einem Live-Konzert der syrischen Tarab-Band MUSIQANA aus Berlin.

Am Samstag, den 29. April um 17 Uhr im Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin)

*Der Eintritt ist frei* (Spenden willkommen, wir bitten um frühes Kommen wegen begrenzter Raumkapazität)

Vor dem Konzert wird in der Galerie Wedding um 15 Uhr eine Führung durch Mario Rizzis Ausstellung BARE LIVES angeboten, in deren Anschluss die Gruppe geschlossen zum Konzert im Silent Green Kulturquartier gehen wird.

MUSIQANA – Syrische Tarab-Musik aus Berlin

Abdallah Rahhal, Syrien Gesang
Alaa Zaitouna, Syrien Oud
Amjad Adam Oudeh, Syrien E-Bass
Adel Sabawi, Syrien E-Gitarre
Serdar Saydan, Deutschland Riq, Darbuka, Bendir
Markus Vassiliou, Lebanon Schlagzeug

MUSIQANA ist eine syrische Tarab-Band aus Berlin. Sie bringt die Atmosphäre und Musik von Syrien vor dem Krieg mit in den Konzertraum. Tarab bedeutet ›Euphorie‹ und sowie der Name schon besagt, möchten die Musiker durch ihre hochpoetischen Texte sowie Melodien das Publikum in eine musikalische Euphorie versetzen. 

MUSIQANA wird von der internationalen Presse als Symbol der integrativen Kraft der Musik in Deutschland gefeiert (New York Times, Associated Press, USA Today…).
Syrische Sänger Abdallah Rahhal, syrischer Oud Spieler Alaa Zaitouna und die schottische Kulturmanagerin Rachel Clarke gründeten die Band im Januar 2015 zusammen. 30 Konzerte in 2016 gipfelten in einem Konzert an der Berliner Philharmonie und in der Veröffentlichung ihrer ersten CD El Helwa Di – Das Schöne Wesen. Mit dem Perkussionisten Serdar Saydan und Schlagzeuger Markus Vassiliou sind z.B. Musiker aus aller Welt dazu gekommen, die ihre Liebe zur Tarab Musik teilen.

www.musiqana.eu / musiqana@gmail.com

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Within the context of the exhibition BARE LIVES by Mario Rizzi within the frame of UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, we cordially invite you to a live concert by the  Syrian Tarab-Ensemble MUSIQANA from Berlin.

Om Saturday, April 29, 5 pm at Silent Green Kulturquartier (Gerichtstraße 35, 13347 Berlin)

*Free entrance* (donations welcome, please come early, the capacity of the room is limited)

Please note: before the concert there will be a tour of the exhibition BARE LIVES by Mario Rizzi taking place at Galerie Wedding at 3 p.m., followed by a walk to Silent Green Kulturquartier.

MUSIQANA – Syrian Tarab Music from Berlin

Abdallah Rahhal Voice
Alaa Zaitouna Oud
Adel Sabawi  Electric Guitar
Amjad Adam Oudeh Electric Bass
Serdar Saydan Riq, Darbuka, Bendir
Markus Vasiliou Drums

MUSIQANA is a Syrian Tarab-Ensemble from Berlin. The band brings the atmosphere and music of their home country Syria – from before the war – to the concert space. Tarab means euphoria and as the name suggests, the musicians want to transport the audience through their highly poetic lyrics and beauty of their melodies into a state of musical euphoria. The singer and the musicians evoke this in their performance.

MUSIQANA are celebrated by the International Press als a symbol of the integrative power of music in Germany (New York Times, Associated Press, USA Today…).
The Syrian singer, Abdallah Rahhal, Syrian Oud player Alaa Zaitouna and Scottish arts manager Rachel Clarke founded the band together in January 2016. 30 concerts in 2016 culminated in a lunchtime concert at the Berlin Philharmonie in December and the release of their first CD El Helwa Di – The Beautiful One.

Now very much at home in the Berlin music scene, they have been joined by Berliner percussionist Serdar Saydan and Lebanese-Greek drummer Markus Vassiliou, who both share the band’s love of Tarab music

www.musiqana.de / musiqana@gmail.com

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien. Das Ausstellungsprogramm UP wird durch die Unterstützung des Bezirksamtes Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur, Fachbereich Kunst und Kultur ermöglicht.

Eine Ausstellung von Viron Erol Vert im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von
Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence_ deutsch
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence_english

Eröffnung am 09.02. um 19 Uhr
Begrüßung Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Live Performance »Morpheus« von Driftmachine von 20 bis 23 Uhr

Das diesjährige Ausstellungspogramm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding widmet sich mit vier Einzelausstellungen und einem Performance- und Diskussionsprogramm weiter dem Thema Migration, aber auch den Möglichkeiten, wie unsere Privilegien in Nordeuropa anders zu verteilen wären. Den Anfang macht der deutsch-türkische Künstler Viron Erol Vert, der die Galerie in ein »Dreamatory«, eine Art Schlaflabor oder Trauminstitut verwandelt. Das Performanceduo Driftmachine entwirft dafür eigens sphärische Klänge, die auf Schlafgötter wie Morpheus, Phobetor und Phantasos Bezug nehmen.

Viron Erol Vert nutzt diesen Hintergrundsound für seine Ausstellungsanordnung von zwölf verschiedenen Betten mit jeweils passenden Nachttischen und Lampen, die zugeschnitten auf die verschiedenen Komfortbedürfnisse unterschiedlicher Schläfer*innen ist und die Galerie in einen geschützten, demokratischen Raum zum Träumen verwandelt. In diesem künstlich geschaffenen Schlaflabor können Leute zusammenkommen und sich bewusst die Zeit nehmen, ihre Träume aus der letzten Nacht zu erzählen und aufzuschreiben. Sie können sich hier sogar zu einer Siesta hinlegen und sich ausruhen.

Zu bestimmten Terminen werden Traumdeuter*innen eingeladen, die auf Wunsch die Träume der Besucher*innen interpretieren. Täglich wird im »Dreamatory« ein Traum des Tages ausgewählt und veröffentlicht, so dass die Träume Raum im Alltag bekommen. Die Ausstellung verfügt über eine angeschlossene Bibliothek, dem  »Dreamatory Wisdom Center«, dort wird Fachliteratur zum Thema Traum in Wissenschaft und Mythologie angeboten, in die man sich im schummrigen Licht von Leselampen vertiefen kann.

Vert stellt uns das »Dreamatory« in einer Zeit zur Verfügung, in der wir angesichts von Kriegen, von terroristischen Gewaltakten und rechtspopulistischer Hetze durch Angst zum Schweigen gebracht werden und verstummen, in der sowohl die Worte als auch die Räume fehlen, um uns auszudrücken und miteinander zu sprechen. Er bietet somit einen Zufluchtsraum, in dem wir uns für einen Moment der Außenwelt entziehen können, um uns einzulassen auf unsere Träume und Ängste und um unsere Erlebnisse zu verarbeiten.

So wie der Ausstellungstitel einem Gedicht von Viron Erol Vert entstammt, so stellt die Ausstellung eine Transkription seiner Poesie in den Raum dar. Im Kontext des Unterbewusstseins von Schlaf und Traum zielt die Ausstellung darauf ab, Reflexionen und Widerstände aus dem gesellschaftspolitischen Raum zusammenzubringen. Sie schlägt einen Raum vor, in dem eine Gemeinschaft geschaffen wird, in der Nicht-Angst und Nicht-Schweigen erforscht und praktiziert wird. Dabei zieht sie auch die Tatsache in Betracht, dass wir zwar alle die Fähigkeit zum Träumen besitzen, aber dass es auch ein Luxus ist, sich an die eigenen Träume zu erinnern, da durch die Brutalität der Realität unsere Träume zum Schweigen gebracht werden können.

»Dreamatory« Begleitveranstaltungen
Am 16.02.2017 um 19 Uhr: Filmabend Kino Morph mit Yusuf Etiman
Am 03.03.2017 um 19 Uhr: Talk_about_Dreams mit Viron Erol Vert und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, moderiert von Dr. Elena Agudio und Dr. Joerg Fingerhut (AoN_Platform for Art and Neuroscience)
Umrahmt von der Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor« von Driftmachine (Um 18 Uhr und  von 21 Uhr bis 23 Uhr)
Am 23.03.2017 um 17 Uhr: Oneiro Trilogy Live Performance No.3 »Phantasos« von Driftmachine mit Live Drawing Performance von Viron Erol Vert 

Traumdeuterinnen-Sessions Ankündigung der Termine folgt an dieser Stelle, Anmeldung unter post@galeriewedding.de

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Viron Erol Vert
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence
From 10.02.2017 to 08.04.2017

An exhibiton by Viron Erol Vert, curated by Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the frame of UP (Unsustainable Privileges)

Opening on 09.02., at 7 pm
Welcome notes Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Oneiro Trilogy Live Performance No.1 »Morpheus« by Driftmachine from 8 to 11 pm

This year’s UP Wedding Program (Unsustainable Privileges) from Galerie Wedding continues its devotion the subject of migration with four individual exhibitions and a performance & discussion program, as well as exploring the possibilities for how our privileges in Northern Europe could be alternatively distributed. We begin with the German-Turkish artist Viron Erol Vert, who transforms the gallery into a »Dreamatory«, a kind of sleep laboratory (Schlaflabor) or dreamstitute (Traumstitut). The Performance duo Driftmachine creates peculiar ‘spherical’ sounds which reference the gods of Sleep, namely, Morpheus, Phobetor and Phantasos.

Viron Erol Vert utilizes these background sonorities in his exhibition arrangement of twelve different beds, each with matching bedside tables and lamps, tailored to the varying comfort needs of individual sleepers and transforms the gallery into a protected, democratic space for dreaming. In this artificially created sleep lab, people can gather and consciously take the time to share their dreams from the past night, and jot them down. You can even lay down for a siesta and rest here.

On specific dates, dream interpreters are invited to interpret the visitor’s dreams upon request. Each day, a dream of the day is selected and published in the »Dreamatory«, thus the dreams are given space to drift into everyday life. The exhibition features a connected library, the »Dreamatory Wisdom Center«, where specialist literature is offered on the subject of dreams in science and mythology, into which one can delve with its dimly lit reading lamps.

Vert provides us with the »Dreamatory«, at a time when we are silenced in the face of war, acts of terrorism, and right-wing populism, in which both the words, as well as the spaces, are missing for us to express ourselves and communicate with one another. It thus offers a refuge in which we are able to momentarily escape the outside world, to engage with our dreams and fears and process our experiences.

Just as the exhibition title is taken from a poem by Viron Erol Vert, the exhibition presents a transcription of his poetry within the space. In the context of the subconsciousness of sleep and dreams, the exhibition aims to bring together reflections and resistances from the socio-political sphere. It proposes a space in which a community is created where non-angst and non-silence can be explored and practiced. Furthermore, the exhibition brings into consideration the fact that while we all have the ability to dream, it is also a luxury to remember our own dreams, as the brutality of reality can result in the silencing of them.

Accompanying »Dreamatory« events

16.02.2017, 7 pm: Film screening Kino Morph by Yusuf Etiman
03.03.2017, 7pm: Talk_about_Dreams with Viron Erol Vert, Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, presented by Dr. Elena Agudio  and Dr. Joerg Fingerhut (AoN_Platform for Art and Neuroscience) Framed by Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor« by Driftmachine (at 6pm and from 9 to 11 pm)
23.03.2017 Oneiro Trilogy Live Performance No.3 »Phantasos« with Live Drawing Performance by Viron Erol Vert

Oneirocritics sessions Dates tba, registration via post@galeriewedding.de

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Website Viron Erol Vert
www.vironerolvert.com

Driftmachine videos
https://youtu.be/tn8wkO7Eqco
https://youtu.be/m9vZe5lOmTc

Driftmachine soundcloud
https://soundcloud.com/driftmachine

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Die Dreamatory Live Performances finden im Rahmen der Ausstellung The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence von Viron Erol Vert statt, kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen im Kontext von UP (Unsustainable Privileges)

Laufzeit der Ausstellung vom 10.02.2017 bis 08.04.2017

*for English version please scroll down*

In diesem letzten Konzert aus ihrer Oneiro Trilogie in der Galerie Wedding verweben Driftmachine die einzelnen, sich auf die drei Schlafgötter aus Ovids Metamorphosen beziehenden Klangstücke zu einem großen, vibrierenden Werk mit quasi vollständiger Schlafgötter-Besetzung.

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Beginn des Live Konzerts »Phantasos« von Driftmachine zwischen 17 und 18 Uhr

Beginn der Live Drawing Performance von Viron Erol Vert um 19 Uhr

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Live Performance No.3 »Phantasos« from the Oneiro Trilogy by Driftmachine with Live Drawing Performance by Viron Erol Vert

The Dreamatory live performances are brought to you within the frame of the exhibition The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence by Viron Erol Vert, curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the context of UP (Unsustainable Privileges)

Exhibition from 10.02.2017 to 08.04.2017

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Start of the live concert by Driftmachine between 5 and 6 pm

Start of the Live Drawing Performance by Viron Erol Vert at 7 pm

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Oneirocritics sessions, registration via post@galeriewedding.de

Website Viron Erol Vert
www.vironerolvert.com

Driftmachine videos
https://youtu.be/tn8wkO7Eqco
https://youtu.be/m9vZe5lOmTc

Driftmachine soundcloud
https://soundcloud.com/driftmachine

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP

Bild: Nicolas Beatrizet (before 1520- c. 1562) after Michelangelo, The Dream, Rijksmuseum Amsterdam.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Für die deutsche Version bitte nach unten scrollen

Talk_about_Dreams
At the Edge of Consciousness. Sightseeing in the Realm of Dreams

A symposium in collaboration with the AoN_Platform for Art and Neuroscience, framed by Live Performance No.2 »Phobetor« by Driftmachine

Within the context of the exhibition The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence by Viron Erol Vert, curated by Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the frame of UP (Unsustainable Privileges)

The symposium will be held in English and will give the audience the chance to explore the science and culture of dreams from different disciplinary perspectives and to engage with leading scientists in the field. It is presented as a collaboration between Galerie Wedding and AoN_Platform for Art and Neuroscience represented by Dr. Elena Agudio (AoN; SAVVY Contemporary) and Dr. Joerg Fingerhut (Berlin School of Mind and Brain, Humboldt-Universität zu Berlin; AoN).The participating scientists come from different fields of sleep / dream / cultural research and will give short presentations related to their work. Dr. Agudio and Dr. Fingerhut will lead through the event and interrelate between the dream topic of the symposium and the Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikungs curatorial concept of the »Dreamatory« exhibition by  Viron Erol Vert.

Dr. Elena Agudio is the artistic director of the »Association of Neuroesthetics« (AoN), a platform for Neuroscience and Art, promoting projects, interdisciplinary research and knowledge exchange between art and cognitive sciences, in collaboration with the Medical University of Charité and The School of Mind and Brain of the Humboldt University. She is also artistic co-director at SAVVY Contemporary.

Dr. Joerg Fingerhut is the scientific director of the Berlin based »Association of Neuroesthetics« (AoN_a platform for Neuroscience and Art). He is postdoctoral researcher at the Berlin School of Mind & Brain (Humboldt-Universität zu Berlin) where he works on the role cultural artifacts (like architecture, film, pictures) play for the kinds of minds we are.He also conducts experiments on our evaluation of art an the role the emotion of wonder plays therein.

Dr. med. Pascal Grosse is head of Neurologische Schlafmedizin (Neurological Sleep Medicine) of the Clinic for Experimental Medicine, Medical University of Charité and has explored both the neural underpinnings and psychology of sleep and dreaming as well as the history and culture of dreams. His presentation is titled »Iconographic Representations of Dream Spaces – Past and Present«.

Dr. Holger Brohm teaches »Kulturen des Traumes« at the department of Cultural Science Aesthetics, Institute for Cultural Science, Humboldt-Universität zu Berlin.

Amna Ghani is a PhD student in Computational Neuroscience at the Charité – University Medicine Berlin. She holds an MSc in Clinical and Cognitive Neuroscience from Goldsmiths, University of London. In her PhD, she explores the individuality of music emotion processing by using the large-scale brain network modelling. Her other research interests include creative problem solving, brain computer interfaces and cognitive training. She is also a member of doctoral program of Berlin School of Mind and Brain and Machine Learning Group, Technical University of Berlin.

The Symposium starts at 7 pm and is framed by the second concert in the Oneiro Trilogy by Driftmachine – Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor«.  The Driftmachine concert will begin at 6 pm and resume after the talk until approximatley 10 pm.

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Talk_about_Dreams
At the Edge of Consciousness. Sightseeing in the Realm of Dreams

Ein Symposium in Kollaboration mit AoN_Platform for Art and Neuroscience, umrahmt von Live Performance No.2 »Phobetor« von Driftmachine.

Im Kontext der Ausstellung The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence von Viron Erol Vert, kuratiert von Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges)

Die Gesprächsrunde findet in englischer Sprache statt und widmet sich natur- und kulturwissenschaftlichen Fragestellungen zur Funktion und Rolle des Träumens in Kunst und Gesellschaft. Sie eröffnet dem Publikum die Möglichkeit, die Wissenschaft und Kultur des Träumens aus unterschiedlichen disziplinären Perspektiven zu betrachten und mit führenden Wissenschaftlern dieses Feldes in Austausch zu treten. Das Talk_about_Dreams Symposium wird präsentiert als Kollaboration zwischen der Galerie Wedding und der AoN_Platform for Art and Neuroscience, vertreten durch Dr. Elena Agudio (AoN; SAVVY Contemporary e.V.) und Dr. Joerg Fingerhut (Berlin School of Mind and Brain, Humboldt-Universität zu Berlin; AoN).

Die eingeladenen Redner*innen sind renommierte Wissenschaftler*innen aus dem Bereich der Schlaf- und Traumforschung, darunter Dr. med. Pascal Grosse, Leiter der Neurologischen Schlafmedizin der Klinik für Experimentelle Medizin, Universitätsmedizin Charité und Dr. Holger Brohm, der im Fachbereich der Kulturwissenschaftlichen Ästhetik am Institut für Kulturwissenschaft der Humboldt-Universität zu Berlin das Seminar »Kulturen des Traumes« unterrichtet und Amna Ghani, Doktorandin im Fach Computational Neuroscience an der Charité – Universitätsmedizin Berlin. Dr. Agudio und Dr. Fingerhut werden durch die Veranstaltung führen und dabei auch den Bezug zwischen Symposium und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikungs kuratorischem Konzept der »Dreamatory« Ausstellung von Viron Erol Vert herstellen.

Das Symposium beginnt am Freitag, den 03.03. um 19 Uhr. Es wird musikalisch umrahmt vom zweiten Konzert in der Oneiro Trilogie von Driftmachine – Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor«. Das Driftmachine Konzert beginnt um 18 Uhr und wird im Anschluss an die Gesprächsrunde bis etwa 22 Uhr fortgesetzt.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

Eine Ausstellung von Viron Erol Vert im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence_ deutsch
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence_english

Eröffnung am 09.02. um 19 Uhr
Begrüßung Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Oneiro Trilogy Live Performance No.1 »Morpheus« von Driftmachine von 20 bis 23 Uhr

Das diesjährige Ausstellungspogramm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding widmet sich mit vier Einzelausstellungen und einem Performance- und Diskussionsprogramm weiter dem Thema Migration, aber auch den Möglichkeiten, wie unsere Privilegien in Nordeuropa anders zu verteilen wären. Den Anfang macht der deutsch-türkische Künstler Viron Erol Vert, der die Galerie in ein »Dreamatory«, eine Art Schlaflabor oder Trauminstitut verwandelt. Das Performanceduo Driftmachine entwirft dafür eigens sphärische Klänge, die auf Schlafgötter wie Morpheus, Phobetor und Phantasos Bezug nehmen.

Viron Erol Vert nutzt diesen Hintergrundsound für seine Ausstellungsanordnung von zwölf verschiedenen Betten mit jeweils passenden Nachttischen und Lampen, die zugeschnitten auf die verschiedenen Komfortbedürfnisse unterschiedlicher Schläfer*innen ist und die Galerie in einen geschützten, demokratischen Raum zum Träumen verwandelt. In diesem künstlich geschaffenen Schlaflabor können Leute zusammenkommen und sich bewusst die Zeit nehmen, ihre Träume aus der letzten Nacht zu erzählen und aufzuschreiben. Sie können sich hier sogar zu einer Siesta hinlegen und sich ausruhen.

Zu bestimmten Terminen werden Traumdeuter*innen eingeladen, die auf Wunsch die Träume der Besucher*innen interpretieren. Täglich wird im »Dreamatory« ein Traum des Tages ausgewählt und veröffentlicht, so dass die Träume Raum im Alltag bekommen. Die Ausstellung verfügt über eine angeschlossene Bibliothek, dem »Dreamatory Wisdom Center«, dort wird Fachliteratur zum Thema Traum in Wissenschaft und Mythologie angeboten, in die man sich im schummrigen Licht von Leselampen vertiefen kann.

Vert stellt uns das »Dreamatory« in einer Zeit zur Verfügung, in der wir angesichts von Kriegen, von terroristischen Gewaltakten und rechtspopulistischer Hetze durch Angst zum Schweigen gebracht werden und verstummen, in der sowohl die Worte als auch die Räume fehlen, um uns auszudrücken und miteinander zu sprechen. Er bietet somit einen Zufluchtsraum, in dem wir uns für einen Moment der Außenwelt entziehen können, um uns einzulassen auf unsere Träume und Ängste und um unsere Erlebnisse zu verarbeiten.

So wie der Ausstellungstitel einem Gedicht von Viron Erol Vert entstammt, so stellt die Ausstellung eine Transkription seiner Poesie in den Raum dar. Im Kontext des Unterbewusstseins von Schlaf und Traum zielt die Ausstellung darauf ab, Reflexionen und Widerstände aus dem gesellschaftspolitischen Raum zusammenzubringen. Sie schlägt einen Raum vor, in dem eine Gemeinschaft geschaffen wird, in der Nicht-Angst und Nicht-Schweigen erforscht und praktiziert wird. Dabei zieht die Ausstellung auch die Tatsache in Betracht, dass wir zwar alle die Fähigkeit zum Träumen besitzen, aber dass es auch ein Luxus ist, sich an die eigenen Träume zu erinnern, da durch die Brutalität der Realität unsere Träume zum Schweigen gebracht werden können.

»Dreamatory« Begleitveranstaltungen

Am 16.02.2017 um 19 Uhr: Filmabend Kino Morph mit Yusuf Etiman

Am 03.03.2017 um 19 Uhr: Talk_about_Dreams mit Viron Erol Vert und Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, moderiert von Dr. Elena Agudio und Dr. Joerg Fingerhut (AoN_Platform for Art and Neuroscience)
Umrahmt von der Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor« von Driftmachine (Um 18 Uhr und von 21 Uhr bis 23 Uhr)

Am 23.03.2017 um 17 Uhr: Oneiro Trilogy Live Performance No.3 »Phantasos« von Driftmachine mit Live Drawing Performance von Viron Erol Vert 

Oneirocritics-Sessions Ankündigung der Termine folgt an dieser Stelle, Anmeldung unter post@galeriewedding.de

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Viron Erol Vert
The Name of Shades of Paranoia, Called Different Forms of Silence
From 10.02.2017 to 08.04.2017

An exhibiton by Viron Erol Vert, curated by Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen within the frame of UP (Unsustainable Privileges)

Opening on 09.02., at 7 pm
Welcome notes Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Oneiro Trilogy Live Performance No.1 »Morpheus« by Driftmachine from 8 to 11 pm

This year’s UP Wedding Program (Unsustainable Privileges) from Galerie Wedding continues its devotion the subject of migration with four individual exhibitions and a performance & discussion program, as well as exploring the possibilities for how our privileges in Northern Europe could be alternatively distributed. We begin with the German-Turkish artist Viron Erol Vert, who transforms the gallery into a »Dreamatory«, a kind of sleep laboratory (Schlaflabor) or dreamstitute (Traumstitut). The Performance duo Driftmachine creates peculiar ‘spherical’ sounds which reference the gods of Sleep, namely, Morpheus, Phobetor and Phantasos.

Viron Erol Vert utilizes these background sonorities in his exhibition arrangement of twelve different beds, each with matching bedside tables and lamps, tailored to the varying comfort needs of individual sleepers and transforms the gallery into a protected, democratic space for dreaming. In this artificially created sleep lab, people can gather and consciously take the time to share their dreams from the past night, and jot them down. You can even lay down for a siesta and rest here.

On specific dates, dream interpreters are invited to interpret the visitor’s dreams upon request. Each day, a dream of the day is selected and published in the »Dreamatory«, thus the dreams are given space to drift into everyday life. The exhibition features a connected library, the »Dreamatory Wisdom Center«, where specialist literature is offered on the subject of dreams in science and mythology, into which one can delve with its dimly lit reading lamps.

Vert provides us with the »Dreamatory«, at a time when we are silenced in the face of war, acts of terrorism, and right-wing populism, in which both the words, as well as the spaces, are missing for us to express ourselves and communicate with one another. It thus offers a refuge in which we are able to momentarily escape the outside world, to engage with our dreams and fears and process our experiences.

Just as the exhibition title is taken from a poem by Viron Erol Vert, the exhibition presents a transcription of his poetry within the space. In the context of the subconsciousness of sleep and dreams, the exhibition aims to bring together reflections and resistances from the socio-political sphere. It proposes a space in which a community is created where non-angst and non-silence can be explored and practiced. Furthermore, the exhibition brings into consideration the fact that while we all have the ability to dream, it is also a luxury to remember our own dreams, as the brutality of reality can result in the silencing of them.

Accompanying events in the »Dreamatory«

16.02.2017, 7 pm: film screening Kino Morph with Yusuf Etiman

03.03.2017, 7pm: Talk_about_Dreams with Viron Erol Vert, Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, presented by Dr. Elena Agudio  and Dr. Joerg Fingerhut (AoN_Platform for Art and Neuroscience) Framed by Oneiro Trilogy Live Performance No.2 »Phobetor« by Driftmachine (at 6pm and from 9 to 11 pm)

23.03.2017, 5 pm: Oneiro Trilogy Live Performance No.3 »Phantasos« with Live Drawing Performance by Viron Erol Vert on

Oneirocritics sessions dates tba, registration via pow@galeriewedding.de

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und der Spartenübergreifenden Förderung

von Grand Inc & Swimming Tv

am 24. August 2016 um 20 Uhr

Grand Inc (IDM / Experimental / Electronica / Future Garage)

IDM at it’s best. Detail reich und feinfühlig arrangiert, verschobene Beats, und warme Klangkulissen – zeichnen Grand Inc aus! Jakob Neugebauer ist ein aufstrebender elektronischer Künstler aus Hildesheim/Niedersachen. Grand Inc geht mit einem besonderen künstlerischen Aspekt an seine Musik ran und weiss seine Hörer damit zu begeistern.
2016 ist seine neue LP Until It Comes Along via Sturm & Klang erschienen. Ein Konzeptalbum an dem zwei Jahre gearbeitet wurde.

Links zu Grand Inc
https://www.youtube.com/watch?v=pJTbcbO1aeA
www.soundcloud.com/grand-inc
www.facebook.com/grandmusicinc

Swimming Tv  (Ambient-Electronica / Future Garage)

Der junge Dortmunder Produzent Swimming TV, kreiert ein Gebilde an unverwechselbarer elektronischer Musik. Wabernde Soundflächen, gläserne Vocals und gebrochene, organische Beats. Ein Sound der sich so anhört, als würdest Du zur Hälfte Unterwasser und zur Hälfte auf dem Meer herumtreiben. Live darf man sich auf ein Auf und Ab zwischen Schlagzeug untermalten, experimentellen Beats und durchstrukturierten Ambient-Electronica, mit psychedelischen Visuals, gefasst machen.
Seine neue EP Raindance ist 2015 via Cosmonostro erschienen.

Links zu Swimming Tv
www.soundcloud.com/swimming-tv
www.facebook.com/swimmingtv

Eröffnung am 11. August um 19 Uhr

ab 20 Uhr
Still Life II Liveprobe der Band Luci Lippard
WG-Willkommensgetränk „Flower Water“ von Marisa Benjamim

Eine Ausstellung mit Dominique Baron-Bonarjee, Marisa Benjamim, Nathalie Mba Bikoro, Lucinda Dayhew, Andrés Galeano, Surya Gied, Fadi al-Hamwi, Funda Özgünaydin, Timea Anita Oravecz, Marijana Radovic

Zehn neue »MitbewohnerInnen«, die dem Open Call »Vacancies! In Post-Otherness-Flatshare« (»Zimmer frei! in Post-Otherness-WG«) gefolgt waren, wurden ausgewählt und ziehen nun mit ihren künstlerischen Ideen, Konzepten, Arbeiten, Objekten, diskursiven Strategien und performativen Ansätzen in die WG/Galerie Wedding ein. Der Ausstellungsraum – das »freie« Zimmer – wird dabei zu einem Möglichkeitsraum, um mittels Imagination, Inspiration, Widersprüchen und Unordnung Momente der »Post-Otherness« zu erzeugen. Nach dem von der Anthropologin Regina Römhild geprägten Begriff des »Post-Other« und gleichnamigen Diskurs werden auf unterschiedlichste Weise Praktiken oder nicht beachtete Politiken des urbanen Alltags in unsere Wahrnehmung geholt.

In der Ausstellung Vacancies! verstehen wir »Post-Otherness«  ganz explizit als die Vielzahl und Diversität von Lebensentwürfen, -erfahrungen und –strategien, die wiederum eine (auch innere) Vielfalt künstlerischer und sozialer Verortungen in sich tragen und mitbringen.  So steht die Gemeinschaft im Kunstraum (öffentlich) und in der WG (privat) – für das Verhandeln kollektiver Wirklichkeiten und Utopien, individueller Bedürfnisse und Ansprüche, aber auch für das Aushalten von Differenzen, Disharmonien und Widersprüchen. In der Gesamtschau entwerfen sie schließlich einen ganz eigenen sozialen Mikrokosmos.

Ausstellung: 12 . August – 24. September 2016

Kuratiert im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) von Kathrin Pohlmann und Julia Zieger

english version:

Opening: August 11, 7 pm
from 8 pm
‚Benjamim‘s Kitchen‘ – Performance by Marisa Bemjamim
‚Still Life II‘ – A live practice with Luci Lippard

Vacancies!
An exhibition with the artists:
Dominique Baron-Bonarjee, Marisa Benjamim, Nathalie Mba Bikoro, Lucinda Dayhew, Andrés Galeano, Surya Gied, Fadi al-Hamwi, Funda Özgünaydin, Timea Anita Oravecz, Marijana Radovic

Vacancies!
Ten new »flatmates«, who have responded our open call for »Vacancies! In Post-Otherness-Flatshare« have been selected for the exhibition and will now move into the flat share/Galerie Wedding with their artistic ideas, concepts, works, objects, discursive strategies and performative approaches. The exhibition space – the »vacant« room – is turned into a space of possibilities, in order to create instances of »Post-Otherness« through imagination, inspiration, contradictions and disorder. In reference to the discourse surrounding the term »Post-Other«, as coined by anthropologist Regina Römhild, various practices or unacknowledged politics of urban everyday life will be brought to light in different ways.

In the context of the Vacancies! exhibition we explicitly understand “Post-Otherness” as the abundance and diversity of ways of life, of experiences and strategies, which in turn bear an (also inner) variety of artistic and social positions. The community in the exhibition space (as public) and within the flat share (as private) thus comes to stand for the negotiation of collective realities and Utopias, individual needs and demands, but also for the endurance of differences, disharmonies and contradictions. The exhibition as a whole creates a very particular social microcosm.

Exhibition: August 12 – September 24, 2016

Curated in the frame of POW (Post-Otherness-Wedding) by Kathrin Pohlmann and Julia Zieger

Vacancies! Text von Kathrin Pohlmann und Julia Zieger

Photo: Al Sol, Andrés Galeano, 2016

Erstmals im Kontext der Ausstellungsreihe von Post-Otherness-Wedding POW öffnet sich die Galerie Wedding für eine Vielzahl künstlerischer Positionen. Die Gruppenausstellung wird dem Programm POW folgend den Ausstellungsraum erneut vollkommen verändern und einen neuen Bildraum erzeugen.

Die Ausstellung Vacancies! (Zimmer frei!) verwandelt die Galerie Wedding in eine meist im Privaten verborgene Einheit kollektiven Zusammenlebens – die Wohngemeinschaft. Zehn künstlerische Positionen ziehen als neue »Mitbewohner*innen« ein. Mit ihren künstlerischen Ideen, Konzepten, Arbeiten, Objekten, diskursiven Strategien und performativen Ansätzen verhandeln sie Aspekte des Zusammenlebens im Privaten und Öffentlichen Raum.

Nach dem von der Anthropologin Regina Römhild geprägten Begriff des »Post-Other« und dem gleichnamigen Diskurs lassen sich im urbanen Alltag (noch) nicht beachtete Praktiken und Politiken des heterogenen Zusammenlebens und schließlich Momente von »Post-Otherness« entdecken. Die WG als ein Mikrokosmos will in der Gesamtschau der künstlerischen Positionen eben jene Momente erfahrbar machen. Der Ausstellungsraum – das »freie« Zimmer – wird zu einem Möglichkeitsraum für Imaginationen, Inspirationen, Widersprüche und Unordnung.

Die Gruppenausstellung Vacancies! wird im Rahmen von POW (Post-Otherness-Wedding) von Kathrin Pohlmann und Julia Zieger kuratiert.

Vacancies! Text von Kathrin Pohlmann und Julia Zieger (english / deutsch)

Presse
RBB Kulturradio

TAZ Plan Galerie Wedding 18.August

02.- 04.09.2016
We do the rest!  3-tägiger Workshop mit Andrés Galeano (Pro Tag ca. 4 Stunden, Max. 10 Personen)

Specials zur KGB-Kunstwoche & Berlin Art Week
10.09. bis 18.09.2016

10.09.2016 von 15 bis 17 Uhr
It`s time to eat flowers! Workshop mit Marisa Benjamim*

11.09.2016 ab 13 Uhr
Den Kilimanjaro hinabsteigen: Koloniale Trümmer & Erinnerungen im Wedding Artist Walk mit Nathalie Mba Bikoro (Dauer ca. 3 Stunden)*

16.09.2016 von 17 Uhr bis 19 Uhr
Artist Talk mit Fadi al-Hamwi, Funda Özgünaydin, dem treuen Freund und Partnerperformer Macbook pro von Marijana Radovic und den beiden Kuratorinnen von Vacancies! Julia Zieger & Kathrin Pohlmann

16.09.2016 um 20 Uhr
Live-Konzert mit Namosh (Beat Electronic/Electroclash)

17.09.2016 von 12 bis 19 Uhr
Cleaning ROTA Performance von Dominique Baron-Bonarjee

*in englischer Sprache, max. 15 Personen
Anmeldungen bis 07.09.2016 an pow@galeriewedding.de

16.09.2016 um 20 Uhr

(see english informations below)

In der Presse wird er als »La Bomba« (neo2/madrid) oder »hyperaktive Enfant Terrible« (arte) beschrieben. Namosh setzt bei seinen Liveperformances jede Menge Energie frei. Den Körper setzt der Musiker bei seinen Konzerten als Medium ein und formt ihn wie ein Material. Er transformiert Klänge in Bewegungen oder, visa versa, formt er Klänge, die auf Bewegungen basieren. Der Rhythmus dabei ist funky, der Beat electronic. Ab und an sind die Stücke wiederum melodisch und breitflächig. Seit 2001 tritt Namosh in variierten Konstellationen in unterschiedlichsten Veranstaltungsorten auf, mit Le Tigre in der Volksbühne, auf Tour mit der Performerin und Musikerin Angie Reed, in Kollaboration mit dem Komponisten Peter Thomas und meistens hauptsächlich alleine.

Namosh’s Live Dynamik wurde 2004 erstmals in ein Solo-Album transformiert. Die erste EP hiess Namosh und wurde von Pale Music nur auf Vinyl herausgebracht. Der Erfolg der EP ermöglichte Namosh’s erste solo Tournee. Das erste reguläre Album Moccatongue erschien 2006 (Bungalow Records). Moccatongue besteht aus kontrastierenden, kaffeinisierten Stimmungen und Emotionen: mal leichtgängig und flexibel, dann wieder sperrig und gesättigt. Einige Songs der ersten EP wurden frisch aufgenommen und neu interpretiert. Die elektrische Spannung wird visuell in physischer Bildhaftigkeit übertragen. Cold Cream, das Video, wirkt kühl sowohl als heiss. Namosh generiert gleichermaßen Anziehung und Abstoßung, Nähe und Distanz. Bei seinen Konzerten trifft er auf Hotspots zwischen Eis und Feuer – zwischen Kälte und Hitze.

Namosh Live is indeed a discharge of high energy. During his concerts this singing & performing and occasionally stand-drum-set playing musician uses his body and vocals as a medium and sculpts it like a material. Namosh transforms sounds into movements or, visa versa, forms sounds based on movements. The rhythm is grounded, his beat mainly electronicly produced. Occasionally his songs sound melodic and smooth. Since 2001 Namosh performs in various constellations in different venues: supporting Le Tigre in Volksbühne/Berlin, on tour with the performer and musician Angie Reed, in collaboration with the composer Peter Thomas.
Yet primarily, Namosh plays solo.

In 2004 Namosh‘ live dynamic was turned into a solo-album. The E-LP carried the title Namosh and was released solely on vinyl by Pale Music. The EP became a hit on the dance floor and opened up a club- tour from siberia to london, though spain. HIs first regular album Moccatongue appeared in 2006 (Bungalow Records). Moccatongue consists of contrasting, caffeinated moods and emotions: light and flexible songs are followed up by unwieldy and saturated ones. The electric tension is transformed in the physique pictorial. The effect of Cold Cream, the video, is both hot and frosty. It was too creepy for Music Television while the Maxi-Single appeared in the german dance charts top 20 in 2005. Simultaneously Namosh generates attraction and repulsion, closeness and distance. In his concerts he hits the hotspots between ice and fire – between coolness and heat.

Links
www.namosh.com
www.soundcloud.com/namosh

Ausstellung mit Arbeiten von Folke Köbberling, AHAOK, Studierenden der Beuth Hochschule für Technik sowie Teilnehmerinnen und Teilnehmern der KinderKunstWerkstatt, des Ateliers Farbklang und des Education-Programms der Galerie Wedding
Programm mit Beiträgen der bedingungslosen akademie (ba), der Kunstwerkstatt der Lebenshilfe Kreuzberg, Doc Schoko, Bazon Brock, Grit Hachmeister und Pauline Recke, Silva Rymd und Paz Ponce (berlinerpool e.V.)

Kuratiert von Katja Stoye-Cetin

26.05.2016
17 Uhr
Eröffnung

17 bis 20 Uhr
Drucken inklusiv mit der Kunstwerkstatt der Lebenshilfe Kreuzberg

20 Uhr
Livekonzert mit Doc Schoko

Programm

27.05. und 28.05.2016 von 14 bis 18 Uhr
How to perform deliberation #1
Eine inoffizielle Sprechstunde der bedingungslosen akademie

28.05.2016 um 19 Uhr
Biografiepflicht und Werkwille – Verzicht von Liebe und Leben zugunsten von Werk und Wirken
Vortrag von Bazon Brock

31.05. und 01.06.2016 von 14 bis 18 Uhr
Mapping the Wedding / Was am Ende übrig bleibt
Workshop mit den Künstlerinnen Pauline Recke und Grit Hachmeister

03.06.2016 von 14 Uhr bis ca. 18 Uhr
Vinyl-DJ-Workshop mit Silva Rymd
DJ-Workshop für Jugendliche mit der Berliner DJ Silva Rymd (://about blank)

04.06.2016 um 16 Uhr
www – Wunderbares Wörterbuch Wedding
Präsentation des Web-Archivs und Live-Performance. Ein Projekt unter künstlerischer Leitung von Paz Ponce mit den Künstlerinnen Aída Gómez, Ulrike Jensen, Zorka Wollny und Kindern der Albert-Gutzmann-Schule

»Der Titel des diesjährigen Wedding Campus »Alice in den Städten« ist dem Roadmovie des Regisseurs Wim Wenders aus dem Jahr 1974 entliehen. Es erzählt die Geschichte des an sich und seiner Arbeit verzweifelnden Journalisten Philip Winter und des neunjährigen Mädchens Alice, die sich unverhofft begegnen und auf der Suche nach dem Wohnort von Alices Großmutter kreuz und quer durch das Ruhrgebiet unterwegs sind.

Im Laufe der Geschichte gelingt es dem Erwachsenen, sich auf die Art des Suchens von Alice einzulassen, die sich zwar an den Geruch des Treppenhauses erinnert, aber weder die Adresse noch den Nachnamen der Großmutter weiß. Zusammen fahren sie durch die Straßen und halten Ausschau nach dem Haus, von dem Alice ein Foto hat. Dabei sieht der Zuschauer, wie die Menschen in Duisburg oder Gelsenkirchen gekleidet waren, wie die Häuser aussahen, wo man baden ging, wie ein Eiscafé aussah und welche Autos man fuhr. Letztendlich lernen die beiden Protagonisten die Wahrnehmung des anderen zu schätzen und zu respektieren, befreunden sich und finden gemeinsam das gesuchte Haus. Die filmischen Begegnungen zwischen dem Kind und dem Erwachsenen sind ein Ausgangspunkt für diese Ausstellung.

Die Darstellung der Sichtweisen auf städtischen Raum in Wim Wenders’ »Alice in den Städten« wird in der Ausstellung (auf andere Art und Weise) fortgesetzt. Momente der Begegnung machen auch das Leben in Berlin aus, und Begegnungen mit Kunst sind etwas zutiefst Individuelles und doch ein gesellschaftliches, gemeinsames Anliegen.

Während des Wedding Campus »Alice in den Städten« sind Kinder und Jugendliche eingeladen, mit den Künstlerinnen Grit Hachmeister und Pauline Recke durch den Wedding zu spazieren und ihre gesammelten Eindrücke künstlerisch an der Galeriewand auszudrücken. Daneben werden Arbeiten aus der KinderKunstWerkstatt und dem Atelier Farbklang gezeigt, die seit vielen Jahren Kindern einen Zugang zu Kunst vermitteln, Techniken lehren sowie Eigenständigkeit und soziales Miteinander anregen. Es findet ein DJ-Workshop mit der DJ Silva Rymd für Jugendliche statt, und ein Webarchiv mit dem Titel »www – Wunderbares Wörterbuch Wedding« wird unter der Leitung der Kuratorin Paz Ponce mit Kindern der Albert-Gutzmann-Schule erarbeitet.

Erwachsene Künstler*innen können sich von der bedingungslosen akademie in einer Sprechstunde zu ihrem Arbeitsalltag, ihrem Lebensentwurf, zur Planung weiterer Schritte ihrer künstlerischen Entwicklung und anderen selbstgewählten Themen beraten lassen. Dafür können sie sich bei Donata Rigg und Kathrin Pohlmann zu einem 30-minütigen Gespräch anmelden.

Für die Ausstellung »Alice in den Städten« wird die Galerie räumlich verändert. Zwei skulpturale Eingriffe sollen neue Räume im Raum schaffen und andere Benutzungen anregen. Auf der einen Seite schafft Folke Köbberling mit ihrer Arbeit »Event #4« eine lichtdurchlässige Raumteilung, die zum ruhigen Verweilen und Betrachten einlädt. Auf der anderen Seite entwickeln Studierende der Architektur an der benachbarten Beuth Hochschule für Technik eine Raumarchitektur zum Arbeiten, Klettern und Spielen für Kids. Dafür treffen sie sich mit Kindern der KinderKunstWerkstatt zur gemeinsamen Ideenentwicklung.

Die Besucher*innen sind eingeladen, sich ins Labyrinth der künstlerischen Arbeiten zwischen Underground (Doc Schoko), Über-Lebenskunst (Folke Köbberling) und Übergang zwischen den Welten (Beuth Hochschule) zu begeben. Sie können einen Vortrag des Denkers Bazon Brock über den Einfluss des Werkes auf das Leben von Künstler*innen hören, mit der Kunstwerkstatt der Lebenshilfe drucken und sich in die Geheimnisse des Plattenauflegens einweihen lassen.«

Katja Stoye-Cetin ist freischaffende Künstlerin,lebt und arbeitet in Berlin, Studium der Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, zur Zeit Studium am Institut für Kunst im Kontext der UDK Berlin.

Webseite/ Website
www.stoye-cetin.de

(Zeichnung von Pauline Recke)

26.05.2016 um 20 Uhr

Live-Konzert
Krautblues, Psych`n`Roll aus Berlin: Seit 20 Jahren spielt die Doc Schoko- Band eigenwillige, auf das wesentliche reduzierte Songs auf dem Nachhall von Postpunk und Psychedelic- Blues, knapp bis auf die Texte: „Kreuzchen hier, Kreuzchen da- das Formular!“ Trotz eines kurzen Ausflugs ins Popradio und Musikfernsehen mit dem „Puppentanz“ vor ein paar Jahren, konnte die Band bis heute beharrlich einen Underground- Status halten; war auf Tournee mit Jochen Distelmeyer, den Fehlfarben und the Fall; veröffentlichte bisher drei Alben sowie einige Singles und Samplerbeiträge. Derzeit arbeitet Doc Schoko eifrig an neuen Songs für die vierte LP.

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Doc Schoko

A pool of electronic and acoustic equipment starts to whirl and incarnates a bang of unexpected ! Everything can happen. Nothing needs to happen! EPIPHANY NOW form a circle and create a chameleon of sound. Live improvised music only, visually supported by Benjamin Augustin and his incredible slide and video projections illuminate the epiphanic tipi.
epiphany-now.tumblr.com
soundcloud.com/epiphany-now

01.04.2016 bis 14.05.2016

Eine Ausstellung im Rahmen von POW
kuratiert von Solvej Helweg Ovesen
und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 31.03.2016 um 19 Uhr

Begrüßung
Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Führung durch die Ausstellung
mit Solvej Helweg Ovesen (Kuratorin), Bonaventure Soh Bejeng Ndikung (Kurator) und Henrike Naumann (Künstlerin)
Musikperformances ab 20 Uhr
Pantene (live), Bastian Hagedorn (live), Joshua Ford (on the decks)

Donnerstag, 10. März 2016, 19.30 Uhr

Im Zentrum des Konzertes in der Installation NYMPHAE_M RAUSCH ECK stehen zwei EXTENSIONEN von Jan-Peter E.R. Sonntag:
Eine gedehnte Komposition aus dem 3. Akt seiner Kammeroper SINUS für den für sie entwickelten sonH-Vowel-Synth, sowie eine Komposition für ein und zwei Kontrabässe mit einer für den 2. Akt von SINUS neu entwickelten Spieltechnik – ein »deep listening space«.

Da wir nur einer limitierten Zahl von Zuhörern einen Platz in dem Setting für die Uraufführungen einrichten können, bitten wir um eine verbindliche Anmeldung bis einschließlich 9. März via e-mail: pow@galeriewedding.de.

Programm

Einführung

#1 NYMPHAE_M für 2 Kanal-Sound-System für die Architektur der Galerie Wedding
(UA, 11min)

#2 EXTENSION für sonH-Vowel-Synth
(UA, 55min)

Pause

#3 EXTENSION für ein und zwei Kontrabässe
(UA, 34min), Kontrabass – Lars Gühlcke

Die Frage nach einer »unerhörten Musik« mit bis jetzt auch noch ungehörten Schallereignissen – ein Phantasma nicht nur in der Neuen Musik der Moderne und darüber hinaus – ist für Jan-Peter E.R. Sonntag keine Glaubensfrage, sondern in erster Linie eine körpertechnische, mechanische, bautechnische, elektrotechnische und programmiertechnische – also erst einmal eine Frage nach Techniken beziehungsweise technischen Möglichkeiten. Für einen architektonischen Raum, der als hüllender Filter, Reflektor, Absorber oder Verstärker den Klang maßgeblich bestimmt extra ein Soundsystem zu entwickeln ist genauso Teil der Komposition für ihn, wie die Entwicklung von Instrumenten und Schaltungen. In den 90er Jahren standen in Sonntags Forschen und Entwickeln vor allem Fragen der Raumwahrnehmung unter Einbeziehung von Wissens-Feldern der Hörpsychologie und Kognitionswissenschaft im Vordergrund. 1993 produzierte Jan-Peter E.R. Sonntag erstmals zusammen mit dem Programmierer Jörg Spix für seine Installation im Treppenhaus des Ministeriums für Wissenschaft und Kultur in Hannover ein endlos steigendes wie auch fallendes Rauschen – eine bis dahin noch nicht realisierte Raumtäuschung an einer IRCAM Workstation –, das Ausgangspunkt der Raum-Klang-Komposition NYMHAE_M – ein psychoakustischer, kommunaler Rauschraum ist.

Nach seiner ersten Kammeroper N-Spiral (UA Kampnagel Fabrik, Hamburg 1999; pro musica nova, Bremen 2000) rückte bei ihm das Phantasma der elektronischen Klangerzeugung in den Vordergrund und so entwickelte er basierend auf seinen Medienarchäologischen Forschungen zu William Duddel, Lew Thermen und Nicola Tesla seine ersten sonArcs – domestizierte Blitze –  erste rein elektrisch/ elektronische Systeme, deren Schall – und Sende-Interfaces codierte Hochspannungsplasmen sind. 2006 kam im TESLA in Berlin Sonntags zweite Kammeroper sonArc::ion auf der Suche nach dem Wesen Elektrizität und den Anfängen der elektronischen Musik zur Uraufführung.

Als Reaktion auf den Tod Friedrich Kittlers im Herbst 2011 initiierte Sonntag apparatus operandi#1 – der Synthesizer des Friedrich A. Kittler (u.A. zkm, Karlsruhe 2012; transmediale, Berlin 2013). »Auf Kittlers Schreibspuren, mit scharfem Blick und wachem Ohr, mit und gegen Kittler an Nietzsche und über Foucault gilt es nicht schlicht den Modularsynthesizer einer Vivisektion zu unterziehen. Über das Denken und Dichten von Hardware betreiben wir an den nachgelassenen »Corpora« Philologie, Kittler-Exegese. Schaltungsgrammatologie. ›Sie haben Recht – unser Schreibzeug arbeitet mit an unseren Gedanken.‹ (Colli/Montinari, KSB III, 1, 172)«, so beschreibt eine weibliche Tonbandstimme im Herbst 2012 im ZKM die Anfänge des Projektes vor der Videoprojektion der ersten Anatomie. Zusammen werden Sebastian Döring und Jan-Peter E.R. Sonntag auch im Rahmen der gesammelten Schriften die Schaltungsnotationen zu Kittlers Synthesizer im Fink Verlag herausgeben.

Die jahrelange Auseinandersetzung des Sohnes, Enkels und Urenkels von HNO-Medizinern mit den Schriften von Herman von Helmholtz führte zur Entwicklung des sonH-Vowel-Synth´ und um ihn seine dritte Kammeroper SINUS, die er im letzten Jahr für das Tieranatomische Theater an der Humboldt Universität in Berlin komponierte. Der obertonlose, »einfache Ton« nach Hermann, dessen Wellenform mathematisch durch eine Sinusfunktion beschrieben werden kann, ist das poetische Kontinuum der Oper. Für Sonntag ist die Tonlehre Helmholtz’ nicht nur ein historischer Versuch aus der Mitte des 19. Jahrhunderts ein physiologische Grundlage der Musik zu schaffen, sondern es beschreibt und schafft zugleich die geistigen und apparativen Grundlagen der Ästhetik der Neuen und experimentellen Musik des 20. Jahrhunderts sowie die Technologien der elektronischen und digitalen Musik bis heute. So ist der Apparat zur »Synthese von Vocalen«, den Helmholtz zur experimentell sinnlichen Überprüfung seiner Theorien von König bauen lässt, wirklich ein erster elektroakustischer Synthesizer noch vor der Erfindung der Röhren, Transistoren und elektrodynamischen Schallwandler / Lautsprecher, die die so genannte elektronischen Musik im 20sten Jahrhundert erst technologisch ermöglichten. Nach mehreren Jahren Forschung und Entwicklung entstand im Herbst 2015 ein erster sonH-Vowel-Synth – ein computergesteuertes, akustisches Instrument mit dem zwei Partial Tonreihen aus insgesamt 20 »einfachen Tönen« zu Klängen mit verschiedenen Vokal-Charakteristiken und Schwebungen gemischt werden können.

am Sonntag, 13. Dezember 2015 von 12 bis 20 Uhr

Die Künstlerinnen auf Soundcloud/ The Artists on Soundcloud
DIWA
Silva Rymd
Schic

Die Künstlerinnen auf Facebook/ The Artists on Facebook
DIWA
Silva-Rymd

english version

DIWA
As part of the about blank collective, DIWA started to build up the club from the very beginning. For this reason she has an important influence in it’s musical orientation not only as a DJ but also as organizer. Succesful parties like memory, ghosts* and blank generation have been courated by her. DIWA`s musical background goes back to the 80s. She grew up with the new synth sound of bands like Depeche Mode, Soft Cell and Anne Clark. The melancholic and simple melodies are her strongest influences. Finally in 2005 she got infected by techno and digged deeper into 2 decades of electronic music from detroit techno and chicago house up to the new sound of berlin. Collecting vinyl from then on was her passion and she still is one of those rare vinyl-only DJs who had appearances at underground parties in Berlin and Leipzig. Her sound goes from bass driven house/techno-hybrids to twisted deeper and rougher techno styles. Though being diverse in her styles sometimes, she always proofs a strong passion for music and a deep understanding of the emotional aspects of techno. Her aim is to create a special groove that brings the crowd closer together. And she’s part of it.
Silva Rymd
It all started in 2007 at Spartacus Potsdam, where she immersed herself in the world of electronic beats, organizing parties and workshops, and representing a small club collective. This started her on her way in a developing scene with intense exchange between Leipzig and Berlin, Germany. In 2008 she decided to move to Berlin. Since then she has been working for ://about blank permanently – her »living room« as she calls it – and influenced by labels like Sandwell District or Prologue and the dark and echoing Techno-sound of this time, she started DJing in 2009.Today she passionately conjures the events named Ghosts* and Zeroize and when she’s not playing records at ://about blank you can find Silva DJing at venues like Berghain, Harry Klein, Vicious Club, Conne Island.. (Quelle: Soundcloud)
Schic
Originally from the Hip-Hop scene, she became addicted to Techno after a visit to Berlin in 2012. She celebrated it in Tokyo since that time. Finally she moved to Berlin in 2014 and the new city became a new center of her creative work. Now she restarts Djing in the Galerie Wedding for the first time after a baby leave.

Neue Musik wird präsentiert und die Galeriewand gemeinsam mit dem Publikum neu gestaltet.
DJ-Set Lee Stuart (Berlin Community Radio)

22.05.2015 von 15-16 Uhr

Ilja Karilampis Radioshow Downtown Ilja als »Hauptstadtrevier Spezial«
live aus dem Studio von Berlin Community Radio
im ACUD MACHT NEU

Livestream von Berlin Community Radio
http://www.berlincommunityradio.com/downtown-ilja

Website von ACUD MACHT NEU:
http://acudmachtneu.de/

Parallel zum Gallery Weekend Berlin
01.05.2015
15 – 16 Uhr Radioshow »Downtown Ilja 1. Mai Spezial« Live aus der Galerie Wedding
17 – 19 Uhr DJ Set Rupert, YYAA und Überraschungsgäste

Karilampi moderiert die wöchentliche Radiosendung Downtown Ilja im Berlin Community Radio. Die Übertragung von Downtown Ilja live aus der Galerie Wedding ist eine der wichtigen Aktivitäten des Ausstellungsprogramms.
»Thematische Shows mit Gesprächen über Musik und  über die Songs selbst – vom schwedischen Viking-Trance-Rap über Two Step aus den 90ern bis zu R’n’B, Instrumentals und anderen Clubhits aus den Charts«, so lautet die offizielle Beschreibung des Downtown Ilja-Radiomixes. Die Präsenz ausgewählter aktueller Musik in der Ausstellung eröffnet die Möglichkeit eines Dialogs zwischen Popmusik und Kunst. Das ist wichtig für die Arbeit des Künstlers.

Downtown Ilja wird Konzerte und Gespräche mit Leuten aus der Nachbarschaft veranstalten, welche an der Schnittstelle zwischen bildender Kunst und progressiver Popmusik arbeiten. Die Musiker/-innen, die Karilampi inspirieren, sind Faze Miyake (GB), der Instrumental Dub-Musik macht und dem Karilampi seine letzte Show in Stockholm widmete, Madi Banja (SE), den er als »Dr Alban-Future sounding trance RnB« bezeichnet, Polisens (SE) mit »inventive deephouse« und Giggs (GB) mit »Grime«. Für das Radioprogramm wählt Karilampi Künstler/-innen aus, die Musik und Kunst zusammenbringen, so zum Beispiel Nuzia (DE), ein Rapper/Sänger mit ghanaischen Wurzeln, TCF (DE/NO), ein norwegischer Musiker und Performer, der »algorithmic techno« produziert, und Dan Bodan (DE/CA), ein Künstler, der »crooner dance music« macht.

Auf die Frage, warum das Radioprogramm und die Musikstile relevant seien, antwortet Karilampi:

»Wie bei anderen Dingen auch sind Erneuerung und Veränderung das Wichtigste, und ich fühle mich zu moderner, progressiver Musik generell hingezogen. Techno kann manchmal konservativ sein, weil die deutsche Szene nur Vinyl oder eine bestimmte Art von Partys zulässt und alles, was wegen der Klangqualität oder dem Format nicht berücksichtigt wird, ignoriert.«

Die Ausstellung „Hauptstadrevier“ ist Teil des Ausstellungsprogramms POW