Eröffnung: 21.05., 18 Uhr 
Laufzeit: 22.05. bis 09.08.2026
Kuratiert von Eylem Sengezer

Moumdjians künstlerische Praxis verbindet autobiografische Recherche mit einer kritischen Perspektive auf Geschichte und ihre Überlieferungsformen. Sie macht sichtbar, wie eng persönliche Lebensgeschichten mit politischen und historischen Prozessen verwoben sind, und wie sich diese Verflechtungen durch künstlerische Verfahren befragen, verschieben und neu artikulieren lassen. Aus ihren verbliebenen Familienfotos, 150 Bildern, überführt sie herausgelöste fotografische Motive in dreidimensionale Objekte, die im Außen- und Ausstellungsraum neu arrangiert und fotografisch reinszeniert werden; die aus ihrem ursprünglichen Kontext herausgelösten Motive verlieren ihre repräsentative Funktion und verwandeln sich in eigenständige Bedeutungsträger und Beweismittel zwischen persönlicher Erinnerung und historischer Rekonstruktion. Beatrice Moumdjians Arbeit legt Spuren frei zwischen dem Genozid an den Armenier*innen, dem Exil in Bulgarien bis zur Migration in das Ost-Berlin der 1990er, und verknüpft Biografie und Geopolitik.

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Beatrice Moumdjian’s artistic practice combines autobiographical research with a critical perspective on history and its forms of transmission. She makes visible how closely personal life stories are interwoven with political and historical processes, and how these interconnections can be questioned, shifted, and rearticulated through artistic methods. From her remaining family photos—150 images—she transforms extracted photographic motifs into three-dimensional objects, which are rearranged and photographically restaged in the outdoor and exhibition spaces; the motifs, removed from their original context, lose their representational function and transform into independent carriers of meaning and evidence, situated between personal memory and historical reconstruction. Beatrice Moumdjian’s work unearths traces spanning the Armenian Genocide, exile in Bulgaria, and migration to East Berlin in the 1990s, linking biography and geopolitics.

Was bringt Menschen in Bewegung? Was bringt sie einander näher? Und wie dokumentieren wir die politische Arbeit jener, auf deren Schultern wir stehen?

Der Community Space »Emergent Archives« ist ein wachsendes Archiv für (post-)migrantisches und antirassistisches Engagement. Gesammelt werden Geschichten von Menschen, die sich organisiert haben – in Bündnissen, Initiativen, community übergreifend. Ihre Erfahrungen erzählen von Verantwortung, Widersprüchen, Verbundenheit und dem Ringen um eine gerechte Stadt.

Fünf Monate lang produziert der Community Space »Geschichte von unten«. Das Archiv entsteht entlang von einem Filmscreening, Erzählabenden und künstlerischen Workshops. Die beitragenden Gäste bringen ihre eigenen zeithistorischen Dokumente oder Objekte mit und füllen so nach und nach den Archivraum. Zusätzlich können alle zum Archiv beitragen, in dem sie an den künstlerischen Workshops teilnehmen oder eigene Spuren im Archiv hinterlassen.

»Emergent Archives« versteht sich sowohl als Prozess als auch Plattform für weitere Vernetzung. Die unterschiedlichen Formate sollen Anlässe für Verbindung, gemeinsames Zuhören und kollektives Empowerment bieten.

Ein Programm mit APO-Enquete Berlin, Garip Bali, Bino Byansi Byakuleka, Hamid Nowzari, Frauen Machen Druck, Ohiniko Mawussé Toffa, Koray Yılmaz-Günay, Iris Rajanayagam u.a.

Räumliche Gestaltung von Arwa Al-Damerji

A community space initiated by Trang Tran
Duration 12.09.-01.02.2025
Programlaunch 13.09.2025, 7 pm with Activistar Film Collective

What sets people in motion? What brings them closer together? And how do we document the political work of those on whose shoulders we stand?

The community space »Emergent Archives« is a growing archive of (post-)migrant and anti-racist engagement. It collects stories of people who have organized—through alliances, initiatives, and across communities. Their experiences speak of responsibility, contradictions, solidarity, and the struggle for a just city.

Over five months, the community space will produce »history from below.« The archive will evolve through film screenings, storytelling evenings, and artistic workshops. Contributing guests will bring their own historical documents or objects, gradually filling the archive space. Everyone is also invited to contribute by participating in the workshops or leaving behind their own traces in the archive.

»Emergent Archives« sees itself both as a process and as a platform for further networking. Its various formats aim to create opportunities for connection, collective listening, and empowerment.

A programme with APO-Enquete Berlin, Garip Bali, Bino Byansi Byakuleka, Hamid Nowzari, Frauen Machen Druck, Ohiniko Mawussé Toffa, Koray Yılmaz-Günay, Iris Rajanayagam among others.

Spatial design by Arwa Al-Damerji

Im Rahmen der Berlin Art Week

Die Ausstellung »Cemetery of the Nameless« (dt. Friedhof der Namenlosen) der Künstlerin Pınar Öğrenci verknüpft ökologische, historische und soziale Aspekte rund um den See Van im Osten der Türkei miteinander und schafft so ein eindringliches Porträt einer Gegend, die von tiefgreifendem Verlust geprägt ist.

Der Titel der Ausstellung leitet sich von Friedhöfen in der Region Van ab, auf denen viele Geflüchtete, Kurd*innen anonym begraben sind, und auf deren Grabsteinen anstelle ihrer Namen forensische Registriernummern stehen. Friedhöfe dieser Art sind auch auch in anderen Städten der Türkei zu finden. Im Rahmen einer 2021 begonnenen künstlerischen Recherche kehrt Öğrenci in ihre Heimatstadt zurück und fördert Geschichten über das Verschwinden von Wasser und Menschen zutage.

Der Klimawandel hat den Wasserspiegel des Vansees dramatisch sinken lassen und dabei außergewöhnliche Strukturen, die bis dahin in den Tiefen des Sees verborgen waren, freigelegt: Mikrobialite, bizarr gestaltete Gesteinsschichten, die Korallen und Stalagmiten ähneln. Diese Mineralablagerungen sind das Werk einer tausende Jahre anhaltenden Anreicherung von Kalzium, Karbonat, Phosphat und Magnesium – ebenjene Elemente, aus denen menschliche Knochen bestehen – und nehmen in Öğrencis geisterhaften Allegorie eine zentrale Rolle ein.

Die Ausstellung suggeriert eine verstörende Parallele zwischen dem Verlust von Wasser und dem Verlust von Menschenleben: der See dient als Massengrab, und diese gespenstischen Formationen könnten durchaus Denkmäler für all die unzähligen Opfer sein, die in der Region ohne Begräbnis ums Leben gekommen sind – Armenier und Armenierinnen, die während des Völkermords von 1915 und 1916 umgebracht wurden, kurdische Dorfbewohner*innen, die an der türkischen Grenze zu Iran erschossen wurden, Geflüchtete aus Afghanistan, die sich im nahegelegenen Gebirge verirrt hatten.

Mittels dieser ineinander verwobenen Erzählungen der Vertreibung, Verfolgung und Flucht hinterfragt die Ausstellung die Verflechtung von Umweltkatastrophen mit menschlichem Leid. Der See Van ist hier nicht nur ein Gewässer, sondern ein Archiv traumatischer Erlebnisse – ein Aufbewahrungsort, wo sich die Geschichten der Lebenden und Toten, der Menschen und Nicht-Menschen, aufeinander ablagern und Schichten eines kollektiven Gedächtnisses bilden.

Öğrencis Einsatz von Drohnentechnologie zur Erfassung dieser Enthüllungen verleiht der Komplexität eine weitere Dimension. Dasselbe Überwachungssgerät, das heutzutage die Kriegsführung mit KI-gestützter Präzision revolutioniert, wird nun eingesetzt, um genau diese Landschaft der Gewalt an der türkisch-iranischen Grenze zu dokumentieren.

Seit ihrer Erfindung im 19. Jahrhundert wurden sowohl die Fotografie als auch die Kinematografie für militärische Zwecke genutzt, aber die heutigen Satelliten- und Drohnenbilder machen die Dokumentation von Klimazerstörung und Vertreibung auf beängstigende Weise effizient.

Indem sie mit dieser Technologie Zeugnis ablegt statt etwas ins Visier nimmt, unterläuft Öğrenci das der Technologie innewohnende destruktive Potenzial und macht aus einem Werkzeug der Überwachung ein Instrument der Zeugenschaft und des Gedenkens.

»Cemetery of the Nameless«
An exhibition by Pınar Öğrenci

From 12.9.2025 until 1.2.2026
Opening 11.9.2025, 7 pm
Curated by Eylem Sengezer

As part of Berlin Art Week

The exhibition »Cemetery of the Nameless« by artist Pınar Öğrenci weaves together the ecological, historical, and social threads surrounding Lake Van in eastern Turkey, creating a haunting portrait of the region shaped by profound loss. The exhibition takes its name from cemeteries in the Van region where many refugees and Kurds are buried without their names but with forensic registry numbers on their tombstones. Cemeteries of this kind also exist in other cities in Turkey. Returning to her hometown as part of an ongoing artistic investigation which she initiated in 2021, Öğrenci excavates stories of disappearance—of both waters and people.

Climate change has dramatically lowered Lake Van’s water level, exposing extraordinary structures that lay hidden in the lake’s depths: microbialites, bizarre sedimentary formations resembling corals and stalagmites. These mineral deposits are the result of a millenia-lasting accumulation of calcium, carbonate, phosphate and magnesium—the very elements that human bones are made of—and take on a central role in Öğrenci’s haunting allegory.

The exhibition suggests an unsettling parallel between the loss of water and the loss of people’s lives: the lake serves as a mass grave, and these ghostly formations may well be monuments to the countless victims who perished in the region without burial—Armenians killed in the genocide of 1915-1916, Kurdish villagers shot at the Iranian borders, Afghan refugees who lost their way in the nearby mountains.

Through these interwoven narratives of displacement, persecution and flight, the exhibition questions the entanglement of environmental catastrophe and human suffering. Lake Van emerges not merely as a water body, but as an archive of traumatic events—a repository where the stories of the living and the dead, the human and non-human, sediment together in layers of collective memory.

Öğrenci’s use of drone technology to capture these revelations adds another dimension of complexity. The same surveillance apparatus that now revolutionises warfare through AI-enhanced precision is used to document this very landscape of violence at Turkey’s border with Iran. Since their invention in the 19th century, both photography and cinematography have been used for military purposes, but today’s satellite and drone imagery render the documentation of climate destruction and displacement chillingly efficient. By making use of this technology in order to bear witness rather than to target, Öğrenci subverts its destructive potential, transforming these tools of surveillance into instruments of testimony and remembrance.

Von 24.05. bis 31.08.2025

Co-kuratiert von Ibou Coulibaly Diop und Julien Enzanza

Eröffnung am 23.05.2025 von 19 bis 22 Uhr.

Am 23. Mai 2025 eröffnet um 19 Uhr in der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst – die Ausstellung »Wege des Erinnerns.« Sie ist den Menschen und Initiativen gewidmet, deren jahrzehntelanges Engagement durch Kunst, Kultur, Wissenschaft und Vermittlung maßgeblich zur Transformation des Berliner Stadtraums beigetragen und den Blick auf Berlins koloniale Vergangenheit erweitert hat.

Die großformatige Fotoserie von Yero Adugna Eticha zeigt Persönlichkeiten, die eine plurale Erinnerungsarbeit in Berlin maßgeblich mitgestaltet und geprägt haben. Ergänzt wird die Ausstellung durch die Schaufensterinstallation »Erinnern. Entschuldigen. Entschädigen«. Sie setzt sich mit der Berliner Afrika-Konferenz von 1884/85 in der Reichskanzlei in der heutigen Wilhelmstraße 92 auseinander, die die Grundlage für die spätere Aufteilung Afrikas durch die europäischen Kolonialmächte bildete. Außerdem zu sehen sind filmische Arbeiten von Nicolas Premier und Siska, die im Auftrag des Erinnerungsortes Kolonialismus realisiert wurden und weitere Hintergrundinformationen zum Thema der Ausstellung vermitteln.Im Dialog mit „Wege des Erinnerns“ wird in der Galerie Wedding zugleich die Ausstellung »KaKaKaTi Nno Munange« mit neuen fotografischen Arbeiten von DeLovie Kwagala aka Papa De gezeigt und am selben Abend eröffnet.

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»Paths of Remembrance«

An exhibition by Yero Adugna Eticha, Nicolas Premier and Siska

From 24.05. to 31.08.2025

Co-curated by Ibou Coulibaly Diop and Julien Enzanza

Opening on 23.05.2025 from 7 to 10 pm.

On May 23, 2025 at 7 pm, the exhibition »Paths of Remembrance.« will open at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst. It is dedicated to the people and initiatives whose decades of commitment through art, culture, science and mediation have contributed significantly to the transformation of Berlin’s urban space and broadened the view of Berlin’s colonial past.

The large-format photo series by Yero Adugna Eticha shows personalities who have played a key role in shaping and influencing pluralistic remembrance work in Berlin. The exhibition is complemented by the window installation »Remember. Apologize. Compensate.« It deals with the Berlin Africa Conference of 1884/85 in the Reich Chancellery at today’s Wilhelmstraße 92, which formed the basis for the later division of Africa by the European colonial powers. Also on display are cinematic works by Nicolas Premier and Siska, which were commissioned by the Erinnerungsort Kolonialismus and provide further background information on the exhibition’s theme. In dialog with »Paths of Remembrance,« the exhibition »KaKaKaTi Nno Munange« with new photographic works by DeLovie Kwagala aka Papa De will also be shown at Galerie Wedding and opened on the same evening.

Eine Ausstellung von DeLovie Kwagala aka Papa De

Kuratiert von Malte Pieper

Ausstellungseröffnung am 23.5.2025 von 19 bis 22 Uhr.

Die Ausstellung »KaKaKaTi Nno Munange« zeigt neue fotografischen Arbeiten von DeLovie Kwagala aka Papa De. Kwagala nutzt die Kamera als Mittel zur Selbstermächtigung und Selbstbefragung. Die Bilder erinnern an ein Familienalbum und loten Bruchlinien zwischen den Generationen aus. Welche Erinnerungen tragen wir in uns, und wie erzählen wir unsere Geschichte neu?

Der Titel »KaKaKaTi Nno Munange«, eine Äußerung in Luganda, widersetzt sich der direkten Übersetzung. In der verbalen Konversation erzeugt sie eine Pause, einen Seufzer, gibt Raum zu Atem, den man nimt, bevor man lügt oder die Wahrheit sagt, den Atem, den man nimmt, bevor man etwas Schwieriges oder Intimes ausspricht. Kakakati bedeuet etwa »Jetzt« und munange »Freund*in« In einer neuen Serie von Selbstporträts, inszeniert im Kleid der eigenen Großmutter, erzählt Kwagala eine Geschichte von Erinnerung, Widerstand und Zugehörigkeit.

Die Ausstellung wird im Dialog mit der Gruppenausstellung »Wege des Erinnerns« gezeigt. Die gemeinsame Präsentation der Ausstellungen ist eine Kooperation zwischen dem Team Erinnerungsort Kolonialismus (Stiftung Stadtmuseum) und der Galerie Wedding — Raum für zeitgenössische Kunst (Fachbereich Kunst, Kultur und Geschichte im Bezirksamt Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur).

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»KaKaKaTi Nno Munange«

24.05 – 31.08.2025

An exhibition by DeLovie Kwagala aka Papa De

Curated by Malte Pieper

Exhibition opening on 23.5.2025 from 7 to 10 pm.

The exhibition »KaKaKaTi Nno Munange« shows new photographic works by DeLovie Kwagala aka Papa De. Kwagala uses the camera as a means of self-empowerment and self-questioning. The images are reminiscent of a family album and explore fault lines between generations. What memories do we carry within us and how do we retell our history?

The title »KaKaKaTi Nno Munange,« an utterance in Luganda, defies direct translation. In verbal conversation, it creates a pause, a sigh, gives space to the breath one takes before lying or telling the truth, the breath one takes before saying something difficult or intimate. Kakakati means »now« and munange means »friend.« In a new series of self-portraits, staged in their own grandmother’s dress, Kwagala tells a story of memory, resistance and belonging.

The exhibition will be shown in dialog with the group exhibition »Paths of Remembrance.« The joint presentation of the exhibitions is a cooperation between Team Erinnerungsort Kolonialismus (Stiftung Stadtmuseum) and Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst (Fachbereich Kunst, Kultur und Geschichte im Bezirksamt Mitte von Berlin, Amt für Weiterbildung und Kultur).

Eröffnung 27.02. 19 – 22 Uhr 

Kuratiert von Maj Smoszna

*English version below

»Elsewhere I am you | Woanders bin ich du« ist die erste Einzelausstellung des in Berlin lebenden österreichischen Künstlers, Choreographen und Autors Adam Man (alias Sandra Man). In der Ausstellung in der Galerie Wedding präsentiert der Künstler seine Videoarbeiten, die eng mit der Performancekunst verbunden sind, sowie seine Poesie, textbezogene Arbeiten und ein Begleitprogramm mit Performances, Workshops und Live-Aktionen. 

Die Arbeiten von Adam Man in der Ausstellung basieren auf seiner langjährigen Forschung über die Beziehungen zwischen dem menschlichen Körper und der Landschaft. In seinen Video- und Performance-Arbeiten integrieren der Künstler und die eingeladenen Performer besonders isolierte hybride Techno-Naturlandschaften, wie etwa ein gebirgiges Wasserkraftwerk in Österreich, eine Wüstenlandschaft mit einem ausgetrockneten Wald in Südspanien oder einen Friedhof alter Boote in einem ehemaligen Hafen von Kopenhagen. In seiner künstlerischen Praxis sprengt Adam Man die Grenzen zwischen Menschen und Landschaft, zwischen bildender und darstellender Kunst, und als queerer Künstler hinterfragt er auch die binäre Natur der Sprache, die wir verwenden, um die Welt um uns herum und uns selbst zu beschreiben.  

Für die Ausstellung lehnt sich Adam Man an die urbane Landschaft rund um die Galerie Wedding an. Sowohl der Galerieraum als auch seine Umgebung, insbesondere der Rathausvorplatz, dienen als Inspiration, um im Laufe der Ausstellung performative und literarische Arbeiten vor Ort zu schaffen. 

»Elsewhere I am you | Woanders bin ich du« ist eine Fortsetzung des performativen Programms rund um die Bewegungsforschung, das die Galerie Wedding seit 2021 durchführt. Es entsteht aus einem tiefen Interesse an dem Ort und der Nachbarschaft, in der sich die Galerie Wedding als kommunale Kunstgalerie befindet. 

An Exhibition by Adam Man

28.02. – 11.05.2025

Opening 27.02. 19 – 22 Uhr 

Curated by Maj Smoszna

»Elsewhere I am you | Woanders bin ich du« is the first solo exhibition by Berlin-based Austrian artist, choreographer and author Adam Man (aka Sandra Man)*. In the exhibition at Galerie Wedding, the artist presents his video works, deeply related to performance art, as well as their poetry, text-related works and an accompanying programme of performances, workshops and live actions. 

Adam Man’s works in the exhibition draw on his long-standing research into the relationships between the human body and landscape. In their video and performance works, the artist and invited performers integrate especially isolated hybrid techno-natural landscapes, such as a mountainous hydroelectric power station in Austria, a desert landscape with a dried-up forest in Southern Spain, or a graveyard of old boats in a former harbour of Copenhagen. In his artistic practice, Adam Man breaks down the boundaries between human and landscape, between visual and performing arts, and as a queer artist he also questions the binary nature of the language we use to describe the world around us and ourselves.  

Especially for the exhibition, Adam Man is leaning into the urban landscape around the Galerie Wedding. he gallery space as well as its surroundings, in particular the square in front of the gallery (Rathausvorplatz), serve as inspiration to create performative and literary work on site over the course of the exhibition. 

»Elsewhere I am you | Woanders bin ich du« is a continuation of the performative programme around movement research, which has been led by the Galerie Wedding since 2021. It emerges from a deep interest in the location and neighbourhood in which Galerie Wedding is located as a communal art gallery. 

14.09. bis 17.11.2024

Eröffnung am Freitag, 13.09.2024 von 17 bis 22 Uhr

Eine Ausstellung mit Raquel van Haver und Chie Marquart-Tabel 

Kuratiert von Malte Pieper und Maja »May« Smoszna

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY, konzipiert von Solvej Helweg Ovesen

In ihrer künstlerischen Praxis beschäftigt sich Raquel van Haver mit sozialen Themen. In kraftvollen und energiegeladenen Gemälden, Zeichnungen und Collagen stellt sie Menschen in alltäglichen Szenen dar. Mit ihrer künstlerischen Praxis des Archivierens und Rekonstruierens zentraler Lebensereignisse von Menschen und ihren Communities schreibt Raquel van Haver multiperspektivische Geschichten, die in der dominanten Geschichtsschreibung unterrepäsentiert sind.

Die Galerie Wedding, die selbst in einem diversen Stadtteil liegt, lädt die Künstlerin ein, den Fragen nachzugehen: »Wer prägt das soziale Leben in unserem Viertel, wer sind die sozialen Akteur*innen? Wie kann deren Arbeit dokumentiert werden?« Welche Geschichten werden erzählt, und welche nicht? 
Für die Ausstellung Rundhalle wird Raquel van Haver während ihres mehrwöchigen Aufenthaltes im Wedding Menschen porträtieren, die sich für den Kiez engagieren. Im Galerieraum entsteht dabei ein großes Wandbild mit Kreide auf Tafelfarbe. Die Rundhalle ist in verschiedenen öffentlichen Gebäuden ein besonderer Raum für Versammlungen und die repräsentative Ausstellung von Porträts. Die Netzwerke, Gruppen und Einzelpersonen, die die Künstlerin abbildet, repräsentieren Akteur*innen, deren unermüdliche Arbeit und ungebrochenes Engagement für die lokale Gemeinschaft oft sozusagen »hinter den Kulissen« bleibt und meistens weder dokumentiert, geschweige denn archiviert wird. Die Ausstellung versteht sich als ein künstlerisches Mittel, genau diese nachbarschaftliche Arbeit zu archivieren und möchte somit die Menschen würdigen, die im Herzen des Weddings wirken.

In diesem gemeinschaftlichen Forschungsprozess wird van Haver von dem*der im Wedding lebenden Künstler*in Chie Marquart-Tabel unterstützt werden. Chie hat in der Management- und Nachhaltigkeitsberatung gearbeitet und als Künstler*in und Illustrator*in verschiedene Kunstwerke für queere Community-Räume geschaffen. Chies Kunst dreht sich um Gleichzeitigkeit und Zugehörigkeit und lädt zu Momenten der Stille, des Schweigens und der Verbindung ein. In der Galerie Wedding installiert Chie auf prozesshafte Weise einen offenen Raum für gemeinschaftliche Aktivitäten, inspiriert von Trainingsräumen für Kampfsportarten, die Chie auch selbst unterrichtet.

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Round Hall

14.09. until 17.11.2024

Opening Friday, 13.09.2024 from 5 to 10 pm

An exhibition by Raquel van Haver and Chie Marquart-Tabel

Curated by Malte Pieper and Maja »May« Smoszna

As part of the exhibition programme POLY, created by Solvej Helweg Ovesen

Raquel van Haver’s practice is often informed by social issues. In bold and energetic paintings, drawings, and collages of everyday life she frequently depicts people who work or act as social entrepreneurs in various places all over the world. By archiving and reconstructing important moments in the life of these individuals and communities, she writes stories that have been erased from the traditional canon in history.

Galerie Wedding, itself located in a diverse neighbourhood, invites the artist to research the questions: »Who shapes social life, who are the social entrepreneurs in our neighbourhood today? How can their work be documented?« Which stories are told, and which are not? The exhibition Round Hall portrays people who are committed to the neighbourhood. The round hall is a particular space for assemblies and the display of representative portraits in various public buildings. Using chalk on blackboard paint, Raquel van Haver creates a large mural in the gallery. The social networks, groups and individuals which the artist depicts represent those important human beings whose tireless work and unfaltered dedication toward the local community often remain unseen, hidden »behind the scenes« and more often than not, has neither been documented, let alone archived. The exhibition is a means to archive this community-oriented work and wishes to celebrate the people who act at the heart of Wedding.

In this collaborative research process, van Haver will be joined by Wedding-based artist Chie Marquart-Tabel. Chie has worked in Management and Sustainability Consulting. As a freelance artist and illustrator they have created artworks for queer community spaces. Chie’s art evolves around simultaneity and belonging and invites moments of stillness, silence and connection. At Galerie Wedding, they install in a processual way an open space for community activity. The installation is inspired by training rooms for martial arts, which Chie also teaches.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Vom 24.10.–28.10.2024 wird die Soundinstallation »Points of Entry« von Oscar Atanga in leicht veränderter Form abgespielt aufgrund von technischer Wartung.
Am Dienstag, 29.10.2024 spielt die Installation wieder in vollständigem Umfang.

From 24.10.–28.10.2024 the sound installation »Points of Entry« by Oscar Atanga will be playing with slight variations due to technical maintenance. 
On Tuesday, 29.10.2024 the installation will resume playing in its full scale.

Rundhalle

Freitag, 13.09.2024 von 17 bis 22 Uhr
18 Uhr Künstler*innengespräch
20 Uhr DJ-Set von Sherryaeri

Eine Ausstellung mit Raquel van Haver und Chie Marquart-Tabel 

Kuratiert von Malte Pieper und Maja »May« Smoszna

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY, konzipiert von Solvej Helweg Ovesen

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Opening

Round Hall

Friday, 13.09.2024 from 5 to 10 pm
6 pm Artist Talk
8 pm DJ-Set by Sherryaeri

An exhibtion by Raquel van Haver and Chie Marquart-Tabel  

Curated by Malte Pieper und Maja »May« Smoszna

As part of the exhibition program POLY at Galerie Wedding, created by Solvej Helweg Ovesen

07.06. bis 24.08.2024

Eröffnung Donnerstag, 06.06.2024 von 18 bis 22 Uhr
19 Uhr Abschied von Solvej Helweg Ovesen, der langjährigen Leiterin & Willkommen des neuen künstlerischen Leitungsteams Malte Pieper und Maja Smoszna sowie der leitenden Kuratorin des Sachgebiets Gegenwartskunst, Eylem Sengezer
20-22 Uhr DJ-Set von Asidron

Eine Ausstellung mit Salwa Aleryani, Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk 

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2024, konzipiert von Solvej Helweg Ovesen

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Opening Three Suns

07.06. until 24.08.2024

Opening Tursday, 06.06.2024 from 6 to 10 pm
7pm Farewell to Solvej Helweg Ovesen, the long-time artistic director & Welcome to the new artistic direction team Malte Pieper and Maja Smoszna as well as the head curator of the department of contemporary art, Eylem Sengezer
8-10pm DJ-Set by Asidron

An exhibtion by Salwa Aleryani, Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk 

Curated by Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

As part of the exhibition program POLY 2024 at Galerie Wedding, created by Solvej Helweg Ovesen

Eine Ausstellung von Salwa Aleryani, Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

Eröffnung am Donnerstag, 06.06.2024 von 18 bis 22 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY, konzipiert von Solvej Helweg Ovesen

»Die drei Sonnen nahmen fast den gesamten Himmel ein, und als sie nach Westen drifteten, versank die Hälfte ihrer Formation unterhalb des Horizonts. Ein riesiger Fächer drehte sich unaufhörlich, gelegentlich schoss eine ihrer hellen Klingen über die Horizontlinie hoch, um der sterbenden Welt einen weiteren kurzen Sonnenaufgang und -untergang zu bescheren. Nach dem Sonnenuntergang glühte der Boden in einem gedämpften Rot, und der kurz darauf folgende Sonnenaufgang überflutete alles mit seinen gleißenden parallelen Strahlen.« Liu Cixin, The Three-Body Problem, 2014 

Die Sommerausstellung in der Galerie Wedding bringt drei Künstlerinnen zusammen, die sich mit dem Verdecken und Freilegen von Erinnerungen, Spuren und Geschichten beschäftigen. Ihre unterschiedlichen Praktiken stehen im Dialog mit der Architektur, in der sie sich befinden, sie bewegen sich in der Nähe der Science-Fiction und verhandeln ihre jeweilige Herkunft und ihre Solidarität zueinander. In der Ausstellung beziehen wir uns auf die Sonne bzw. Sonnen sowohl als Metapher als auch als konkreten Gegenstand und betrachten ihre Wirkung auf unser Leben auf nichtlineare, poetische und spekulative Art. Wiederherstellen, schützen, reflektieren, konfrontieren: die ausgestellten Werke von Salwa Aleryani, Maryna Makarenko und Anastasia Pilepchuk verstehen sich als Vorschläge für Transformationen, für neue Wege des Seins und des Zueinander-Stehens.

Außerdem wird in der Ausstellung das Archiv Touching Margins zugänglich gemacht, in dem Berliner Tanzschaffende in Interviews über ihre Arbeit mit Bewegung, Körper und erinnerter Geschichte berichten.

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Three Suns

An exhibition by Salwa Aleryani, Maryna Makarenko, Anastasia Pilepchuk

Curated by Nitsan Margaliot, Malte Pieper, Maja Smoszna

Opening Thursday, 06.06.2024 from 6 to 10 pm.

»The three suns took up almost the entire sky, and as they drifted toward the west, half of the formation sank below the horizon. The giant fan continued to spin, a bright blade occasionally shooting above the horizon to give the dying world another brief sunrise and sunset. After a sunset, the ground glowed dim red, and the sunrise a moment later flooded everything with its glaring, parallel rays.« Cixin Liu, The Three-Body Problem, 2014 

The summer exhibition at Galerie Wedding brings together three artists dealing with covering and uncovering memories, traces and histories. Their different practices are in conversation with the architecture they are situated in, sci-fi proximities alongside their backgrounds and shared solidarity. With the exhibition we use the sun(s) as both a metaphor and concrete matter, and look at its effect on our lives in non-linear, poetic and speculative variations. Recovering, protecting, reflecting, confronting – the exhibited works by Salwa Aleryani, Maryna Makarenko and Anastasia Pilepchuk propose transformations and ways of being and relating.

The exhibition also features the Touching Margins archive, in which Berlin dance makers talk about their work with movement, the body and remembered history in interviews.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

2.5.2024

20-22 Uhr »Heartbound – A different kind of love story«(2018) Filmvorführung (DA & THA, OmeU) und Online-Gespräch (ENG) mit Sine Plambech und Sommai Molbaek im Sinema Transtopia Tickets

Janus Metz & Sine Plambech, Dänemark, Thailand 2018, 90 Min., OmeU

Filmvorführung (in Dänisch und Thai, Original mit englischen Untertiteln) und Online-Gespräch (in Englisch) mit Sine Plambech und Sommai Molbaek.

In einer kleinen, windgepeitschten Fischergemeinde an der Nordküste Dänemarks leben 926 Thai-Frauen. Vor 25 Jahren gab es noch keine. Heartbound ist eine einzigartige Studie über dieses beispiellose Netzwerk von thailändisch-dänischen Ehen. Der über zehn Jahre gedrehte Film folgt vier Paaren und ihren Kindern und dokumentiert, wie sich ihr Leben entwickelt und welche wirtschaftlichen und emotionalen Beziehungen sie miteinander verbinden. Eine faszinierende Erkundung der Globalisierung anhand der intimen Kulisse von Ehe und Familie. (SU)

3.5.2024

20-22 Uhr »We don’t dance for nothing« (2022) Filmvorführung (ENG, FIL, Kantonesisch, OmeU) und Online-Gespräch mit Stefanos Tai (ENG) im Sinema Transtopia Tickets

Filmvorführung (in Englisch und Filipino und Kantonesisch, Original mit englischen Untertiteln) und Online Gespräch mit Stefanos Tai (in Englisch)

We Don’t Dance for Nothing ist eine Fotomontage, ein Liebesbrief an die philippinischen Hausangestellten in Hongkong. Stefanos Tais Film folgt einer jungen Hausangestellten, die sich befreien und ihren Träumen von Unabhängigkeit, Liebe und Mutterschaft folgen will. Der Film wurde während der Proteste in Hongkong im Jahr 2019 auf Super 16 gedreht und besteht aus einer Mischung aus Standbildern und Live-Action-Filmen. Tai berührt LGBTQ+-Themen, Fragen der Arbeiter*innenrechte und die sich verändernde politische Landschaft Hongkongs und fängt Momente der Freude inmitten des Kampfes ein. Indem er die von philippinischen Hausangestellten empfundene Gefangenschaft und die Freiheit, die sie im Tanz finden, anschaulich zum Ausdruck bringt, geht Tais Film über die (falschen) Darstellungen ihrer Gemeinschaft in den Medien hinaus und zeigt sie als Menschen voller Talent, Freude und Anmut. (SU)

4.5.2024

18-20 Uhr »Westwärts« (1992), Filmvorführung und Gespräch (DE) mit Susanne Wycisk im Sinema Transtopia, 20-22 Uhr »BOON RAWD« (ผู้หญิงคนนั้นชื่อบุญรอด 1985) Filmvorführung (THA, ENG, OmeU) im Sinema Transtopia Tickets

Westwärt

Susanne Wycisk & Foundation for Women, Thailand, Westdeutschland 1992, 50 Min., OF

Als Ergebnis des deutsch-thailändischen Dialogprojekts im Jahr 1980 wurde dieses bilaterale Filmprojekt – ursprünglich unter dem Titel »Aufbruch« – von der Südostasien Infostelle (Bochum) und der Stiftung für Frauen Thailand entwickelt: mit einem Team bestehend aus Susanne Wycisk, Rangsima Limpisawas und Usa Lerdsrisuntad. Gemeinsam drehten sie einen der frühesten Dokumentarfilme über das Leben südostasiatischer Frauen (Thailänderinnen und Filipina) in westdeutschen Städten wie Bochum, Hamburg, Frankfurt am Main und West-Berlin,
in dem sie ihr soziales Miteinander, ihren Alltag und die Diskriminierungen, denen sie ausgesetzt waren, reflektierten. Das Rohmaterial des Films, das im Archiv für alternative Schriften (AFAS, Duisburg) aufbewahrt wird, wird für die Ausstellung IN NOBODY’S SERVICE und für einen zukünftigen Film von Sarnt Utamachote verwendet, der noch in der Entwicklung ist. (SU)

Boon Rawd ผู้หญิงคนนั้นชื่อบุญรอด

Vijitra Kunawut (วิจิตร คุณวุฒิ), Thailand 1985, 128 Min., OmeU

Während des US-amerikanischen Vietnamkriegs kehrt Boon Rawd, eine temperamentvolle junge Frau, in ihr Heimatdorf zurück, um Trost und Arbeit zu finden, nachdem sie von ihrem Arbeitgeber vergewaltigt wurde. Zu Hause stellt sie fest, dass viele Frauen aus finanzieller Verzweiflung Leih-Ehefrauen für die amerikanischen Soldaten auf dem Luftwaffenstützpunkt in der Nähe ihres Dorfes geworden sind. Sie ist entschlossen, nicht denselben Weg einzuschlagen, sieht sich aber mit harten Anfeindungen und Missverständnissen von ihrer Umgebung konfrontiert, als sie eine echte Zuneigung zu Robert Harry, dem Chefmechaniker des Luftwaffenstützpunkts, entwickelt. Der Film basiert auf dem populären Roman Phu Ying Khon Nan Chue Boonrod (1980) der bekannten thailändischen Autorin Supa Sirisingh (die unter dem Pseudonym Botan auftrat).

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2.5.2024

8-10pm »Heartbound – A different kind of love story« (2018) Film (DA & THA, with English subtitles) and online conversation with Sine Plambech and Sommai Molbaek (ENG) at Sinema Transtopia Tickets

Janus Metz & Sine Plambech, Denmark, Thailand 2018, 90 Min., OV with English subs

In a small, wind-swept fishing community on the Northern coast of Denmark live 926 Thai-women. 25 years ago there were none. Heartbound is a unique study of this unprecedented network of Thai/Danish marriages. Shot over ten years, it follows four couples and their children, documenting how their lives develop alongside the economic and emotional bonds that tie them together. A fascinating exploration of globalization set on the intimate stage of marriage and family. (SU)

3.5.2024

8-10pm »We don’t dance for nothing« (2022) film (ENG, FIL & Cantonese, with English Subtitles) and online-conversation with Stefanos Tai (English) at Sinema Transtopia Tickets

Stefanos Tai, Philippines, Hong Kong 2022, 86 Min., OV with English subs

We Don’t Dance for Nothing is a photo-montage love letter to the Filipina domestic workers of Hong Kong. Stefanos Tai’s film follows a young domestic worker who wants to break free and follow her dreams of independence, love and motherhood. Captured on Super 16 during the Hong Kong protests of 2019, the film’s imagery is a blend of stills and live-action footage. Tai touches upon LGBTQ+ themes, issues of workers‘ rights, and Hong Kong’s changing political landscape, capturing moments of joy amidst struggle. By vividly expressing the entrapment felt by Filipina domestic workers and the freedom they find in dance, Tai’s film moves beyond media (mis)representations of their community and shows them as people full of talent, joy and grace. (SU)

4.5.2024

6-8pm »Westwärts« (1992) film und conversation (GER) with Susanne Wycisk at Sinema Transtopia and 8-10pm »BOON RAWD« (ผู้หญิงคนนั้นชื่อบุญรอด 1985) film screening (THA & ENG, with English subtitles) at Sinema Transtopia Tickets

Westwärts

Susanne Wycisk & Foundation for Women, Thailand, West German 1992, 50 Min., OV
In 2020, whilst searching through the storage of Banying Berlin, curator Sarnt Utamachote found a VHS tape. It turned out to be Westwärts: Südostasiatinnen in der BRD, one of the earliest documentary films about the lives of Southeast Asian women (Thai and Filipina) in West German cities such as Bochum, Hamburg, Frankfurt and West Berlin. Initiated by Southeast Asia Information Center (Südostasien Infostelle, Bochum) in cooperation with Foundation for Women Thailand, the team behind the documentary consisted of researchers and activists on women’s issues. Now digitized and the raw footage held at the Archive of Alternative Writings (AFAS, Duisburg), the documentary stands as an important reflection on the social interactions, daily routines and discriminations faced by these women. Following this screening as part of IN NOBODY’S SERVICE, the footage is being used by Utamachote for a new film work. (SU)

Boon Rawd ผู้หญิงคนนั้นชื่อบุญรอด

Vijitra Kunawut (วิจิตร คุณวุฒิ), Thailand 1985, 128 Min., OV with English subs

During the U.S. Vietnam War, Boon Rawd, a feisty young woman returns to her hometown to seek solace and work after she is violated by her employer. Back home, she realizes many women have, out of financial desperation, become rent wives for the American soldiers at the military airbase near her village. She is determined not to go down the same route but faces harsh insults and misunderstandings from those around her when she develops a genuine bond with Robert Harry, the head mechanic of the airbase. The film is based on a popular novel, Phu Ying Khon Nan Chue Boonrod (1980), by the prominent Thai female author Supa Sirisingh aka Botan. (SU)

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Sa Serbisyo sa Walang Sinuman

ที่นี่ไม่เปิดให้บริการ

Sa Serbisyo sa Walang Sinuman

08.03. bis 18.05.2024

Eröffnung am 07.03.2024 von 17 bis 22 Uhr

Eine Ausstellung von Sarnt Utamachote & Wisanu Phu-artdun, Rosalia Namsai Engchuan, Natthapong Samakkaew, Jasmin Werner, Mon Sisu Satrawaha, Bussaraporn Thongchai und Krisanta Caguioa-Mönnich. 

Künstler*innen des Programms Kollektiv Gabriela Germany, Ban Ying Unterkunft und Beratungsstelle für migrantische Frauen*, Raksa Seelapan, Fah Passion-Asasu, Liad Hussein Kantoworicz, Analie Gepulani Neiteler & Anika Baluran Schäfer, Sine Plambech & Sommai Molbaek, Stefanos Tai, Susanne Wycisk, Vijitra Kunawut

Kuratiert von Sarnt Utamachote als Teil des Ausstellungsprogramms POLY 2024 in der Galerie Wedding

In Zusammenarbeit mit Woche gegen Rassismus, Thaispora Podcast, Sinema Transtopia, Ban Ying Berlin und Gabriela Germany

Was ist Pflege, wenn sie sich von den Kund*innen abwendet und zu den Anbieter*innen selbst zurückkehrt? 

Das Projekt nimmt die extrem gewalttätigen Klischeebilder, die insbesondere auf thailändische und philippinische Frauen und queere Körper projiziert werden, als seinen Ausgangspunkt. Einige von uns wurden bei der Beantragung eines Visums gefragt, ob wir mit einem deutschen Mann verheiratet seien, andere wurden als »Frauen aus dem Katalog«, wieder andere als »Prostituierte« oder »Dienstmädchen« bezeichnet. 

Diese rassistischen Ausdrücke haben uns, das Kollektiv un.thai.tled, dazu veranlasst, uns mit solchen Geschichten und – leider – auch mit der Realität unserer »Schwestern« und »Tanten« auseinanderzusetzen. Ein Forschungsstipendium der Akademie der Künste im Jahr 2022 ermöglicht es uns, unsere bereits begonnene Zusammenarbeit mit der thailändischen Anwohnerschaft am Preußenpark (»Thai Park«, Berlin) fortzusetzen. 

Das Ergebnis ist die Ausstellung und das Programm IN NOBODY’S SERVICE als integraler Teil des POLY-Programms der Galerie Wedding mit einem multidisziplinären, polysemischen Fokus auf Geschichtsschreibung, Arbeit, Liebe und Fürsorge in der zeitgenössischen Kunstpraxis.

Die Migrationsgeschichten aus Thailand und den Philippinen in den Westen sind von den amerikanischen Einflüssen und der Kolonialisierung der Region geprägt. Sie sind die direkte Konsequenz der Präsenz von Militärbasen der weißen Kolonisatoren in den jeweiligen Ländern, mitsamt ihrer Begierden, welche die geschlechtsspezifische Migration, die sich über die Jahre entwickelt hat, maßgeblich mitbedingen.

Im Zuge der sich hierzu parallel entwickelnden Interessen Westdeutschlands am Tourismus und dem Austausch an Arbeitskräften – in der Sex-, Pflege- und Reproduktionsindustrie – entstanden beispielsweise Heiratsagenturen in Berlin (die einen prospektiven Ehemann mit einer potenziellen Ehefrau zusammenbrachten) oder billige Dienstmädchenagenturen in Entwicklungsländern sowie Bordelle und Massagesalons in Frankfurt am Main und Hamburg. Hier wurden unsere Körper zu bloßen »Dienstleistungserbringern« gemacht – was notgedrungenermaßen zu Fragen wie denen bei der Visumbeantragung führt.

Sind wir »diese Art Frau«?

Gleichzeitig sehen wir aber auch in eben diesen, uns unterdrückenden Räumen das Potenzial und die Möglichkeit, sie in Orte der Fürsorge, des Trostes und des Wissens umzugestalten. Das Projekt IN NOBODY’S SERVICE zielt darauf ab, diese Vergangenheit, die mit unserer Gegenwart eng verbunden ist, als Material für eine künstlerische Zusammenarbeit mit unseren »Schwestern« und »Tanten« zu nutzen. Durch das Hervorheben der nicht-biologischen Verwandtschaft und unserer Beziehungshaftigkeit versuchen wir, uns auf die Gemeinsamkeiten in unseren Kämpfen und die daraus entstandene Empathie zu konzentrieren. Wir entstigmatisieren für uns diesen Dienstleistungssektor (einschließlich der Sexarbeit), nehmen ihm seine negativen Konnotationen und ergreifen die Chance, unsere Rechte auf Heilung und dauerhafte Befreiung zurückzufordern.

Wenn »jene Art« und »diese Art« zusammenkommen, dann sind wir unschlagbar.

An der Schnittstelle von Klasse, Geschlecht, Sexualität und – wenn man so sagen darf – Träumen würdigt IN NOBODY’S SERVICE den sich neu geformten Realitäten jenseits ihrer weißen Ehemänner oder der gesellschaftlichen Verhältnisse – jetzt für uns verfügbar, jetzt in niemandes Diensten. 

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IN NOBODY’S SERVICE

ที่นี่ไม่เปิดให้บริการ

Sa Serbisyo sa Walang Sinuman

An exhibition by: Sarnt Utamachote & Wisanu Phu-artdun, Rosalia Namsai Engchuan, Natthapong Samakkaew, Jasmin Werner, Mon Sisu Satrawaha, Bussaraporn Thongchai and Krisanta Caguioa-Mönnich. 

Program Artists: Collective Gabriela Germany, Ban Ying shelter house and consultant service for migrant women, Raksa Seelapan (with Fah Passion-Asasu, Liad Hussein Kantoworicz), Analie Gepulani Neiteler & Anika Baluran Schäfer, Sine Plambech & Sommai Molbaek, Stefanos Tai, Susanne Wycisk, Vijitra Kunawut

Curated by Sarnt Utamachote as part of the exhibition program POLY 2024 at Galerie Wedding

In collaboration with Week Against Racism, Thaispora Podcast, Sinema Transtopia, Ban Ying Berlin and Gabriela Germany

What is care, if turned away from the customers, back to the providers themselves? 

The project departs from the extremely violent cliché images that are projected on especially Thai and Filipina women and queer bodies. Some of us have been asked »are you married to a German guy? « during our visa application, some have been called »women from the catalogue«, some »prostitute«, some »maids«. These racist words triggered us, collective un.thai.tled, to dig deeper into such histories and, unfortunately, the realities of our »sisters and aunties«. A research grant by Akademie der Künste in 2022 therefore allows us to continue our trajectory from previous engagement with the Thai community in Preußenpark (»Thai Park«, Berlin). The result is the exhibition and programme IN NOBODY’S SERVICE, as part of the POLY programme of Galerie Wedding, focusing on a multidisciplinary polysemic approach to history writing, labour, love, and care in contemporary arts practice. 

Migration histories from Thailand and Philippines to the West have been shaped by American influences and colonisation in the region and entangled the white colonisers’ military bases and their desires with the conditions of gendered migration after. With West Germany’s parallel interests in tourism and developing labour exchanges – of sex, care and the reproductive industry, it gave birth to, for example, the marriage agencies in Berlin (that linked husband and wife together), or cheap maid agencies across developing countries, the brothels and massage salons in Frankfurt am Main and Hamburg. Here our bodies have been rendered to mere »providers« – resulting in questions like the ones posed at the visa application centre.

Are we »that kind of woman«?

At the same time, we also recognise that these oppressive spaces can be subverted into places of care, comfort, and knowledge. This project aims to allow such a past now entangled in our present to be our material for artistic collaboration with our »sisters and aunties«. Highlighting the non-biological kinship and relationality, we attempt to focus on the proximity of common struggles and empathy that arose. De-stigmatizing this service sector (including sexwork) and its negative connotations on us, we take this as a chance to reclaim our rights to healing and temporal liberation.

When »that kind« and »this kind« come together, then we are unbeatable.

Via the intersection of class, gender, sexuality, and – if we may say – dreams, IN NOBODY’S SERVICE recognises the carved-out realities beyond the realms of their white husbands or social conditions – now available for us, now in nobody’s service.

*English version below

Eine Ausstellung von Nile Koetting

Kuratiert von Nitsan Margaliot

Eröffnung am 07.12.2023 von 19 bis 22 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit dem KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

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POLYHARMONY
Downtime Salon 23-24

An exhibition by Nile Koetting

Curated by Nitsan Margaliot

Part of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in collaboration with KINDL – Centre for Contemporary Art
Artistic Direction POLY: Solvej Helweg Ovesen

Opening on 07.12.2023 from 7 to 10 pm

*English version below

Downtime Salon 23 -24

Eine Ausstellung von Nile Koetting

Kuratiert von Nitsan Margaliot

Eröffnung am 07.12.2023 von 19 bis 22 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit dem KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Für POLYHARMONY entsteht in der Galerie Wedding eine Lounge oder „Downtime Salon“ um aufzuzeigen, wie Klang, Licht und räumliches Design eingesetzt werden können, um Resonanzräume zu schaffen. Der Begriff „Polyharmony“ bezieht sich auf eine Struktur, in der zwei oder mehr musikalische Harmonien gleichzeitig erklingen. Koetting spiegelt die japanische Kultur, in welcher sehr viel Wert daraufgelegt wird, dass Situationen harmonisch ablaufen, was durch Redewendungen wie „die Luft lesen“ vermittelt wird. Wenn jemand nicht im Einklang ist, ist diese Person jemand „der die Luft nicht lesen kann“.

Die Ausstellung schafft eine Atmosphäre der Achtsamkeit, die Wege zu verschiedenen Arten des Zuhörens aufzeigt, in der eine Vielzahl von Tönen Vibrationen in ständigem Fluss erzeugt. Im Raum gibt es mehrere Werke, die diese Atmosphäre mitgestalten: eine Maschine, die trinkbares Wasser aus der Luft erzeugt, Ikebana-Blumenarrangements und eine Klanglandschaft, die aus einer entschärften Komposition besteht und in Mustern des endlosen Wartens zirkuliert. Koettings Ausstellung POLYHARMONY ist eine Zusammenarbeit mit dem Berliner Solistenensemble Kaleidoskop.

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POLYHARMONY
Downtime Salon 23-24

An exhibition by Nile Koetting

Curated by Nitsan Margaliot

Part of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in collaboration with KINDL – Centre for Contemporary Art
Artistic Direction POLY: Solvej Helweg Ovesen

Opening on 07.12.2023 from 7 to 10 pm

For POLYHARMONY, a lounge or „downtime salon“ is being created at Galerie Wedding to demonstrate how sound, light and spatial design can be used to create resonant spaces. The term „polyharmony“ refers to a structure in which two or more musical harmonies sound simultaneously. Koetting reflects Japanese culture, where great importance is placed on situations being harmonious, conveyed by phrases such as „reading the air“. If someone is not in harmony, that person is someone „who cannot read the air“.

The exhibition creates an atmosphere of mindfulness that shows ways to different ways of listening, where a variety of sounds create vibrations in constant flux. There are several works in the space that help create this atmosphere: a machine that creates drinkable water from the air, Ikebana flower arrangements and a soundscape consisting of a defused composition that circulates in patterns of endless waiting. Koetting’s exhibition POLYHARMONY is a collaboration with the Berlin soloist ensemble Kaleidoskop.

POLYMORPH

Ein <Wellenfunktionssalon/> 2.0

Eine Ausstellung von Cibelle Cavalli Bastos

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 14.09.2023 von 15 bis 21 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Wenn sich jemand im Dazwischen zu Hause fühlt, dann ist es Cibelle Cavalli Bastos (* 1978 in São Paulo, Brasilien), auch bekannt als »aevtarperform« oder »Cibelle« (Sänger*in). Eine genre- und gender-nonkonforme Person. Cibelles Soloausstellung POLYMORPH und der skulpturale Beitrag zur Gruppenausstellung POLY. A Fluid Show im KINDL sind hybride Manifestationen von gelebter Erfahrung, die algorithmisch, physisch und materiell verarbeitet wird. Konkret zeigt eine großflächige Wandtapete Kunstwerke von Cibelle im Lauf der Zeit, durch unsere Telefone wird die Ausstellung in der Galerie Wedding mittels Augmented Reality 3D-erweitert, und eine Reihe von Latexskulpturen sind an beiden Ausstellungsorten zu sehen.

Cibelle ist Meister*in des Morphings von Zeitlichkeiten. Die virtuellen und physischen Arbeiten werden präsentiert als Bewusstseinsströme durch ephemere und haptische Räume. Cibelles Praxis richtet sich gegen gesellschaftliche Algorithmen und bietet alternative, nicht-binäre Standards für soziale Medien, indem sie durch den virtuellen (Web3-)Raum, Künstliche Intelligenz oder maschinelles Lernen Mixed-Reality-Erfahrungen herstellt. Die Ergebnisse kommen in unzähligen formalen Auflösungen und sind »ein De-Programmierungs- oder Debugging-Prozess, um die Beseitigung von gesellschaftlicher Malware bewusst und unbewusst zu erleichtern« (Cibelle Cavalli Bastos). Cibelle beschreibt die Ausstellung in der Galerie Wedding als <Wellenfunktionssalon/> 2.0, wo der Raum zu einem Ort für Erfahrungen mit gemischter Realität, Materialität und Zeitlichkeit und zu einem Rahmen für Workshops, kritisches Denken und Performance wird.

Parallel zu POLYMORPH zeigt Cibelle Cavalli Bastos auch skulpturale Arbeiten in POLY. A Fluid Show im KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst im Rahmen einer institutionellen Zusammenarbeit, 17.09.2023 bis 25.02.2024.

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POLYMORPH
a <wave function salon/> 2.0

An exhibition by Cibelle Cavalli Bastos

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Part of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in collaboration with KINDL – Centre for Contemporary Art
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Opening on 14.09.2023 from 3 to 9 pm

If anyone feels at home in the in-between, it is Cibelle Cavalli Bastos (* 1978 in São Paulo, Brazil), aka »aevtarperform« or »Cibelle« (the singer), who is a genre/gender-non-conforming, neurodiverse, and polyvalent being. Their exhibition POLYMORPH and artwork contribution to the group show POLY. A Fluid Show in the KINDL is a hybrid manifestation of lived experience and mental detritus processed algorithmically, physically and trans-materially. What we see is a large scale wallpaper of their different artworks throughout time, a 3D extension of the Galerie Wedding show through our phones, and a series of latex sculptures distributed in both exhibition venues. 

Bastos is a master of morphing temporalities, virtual and physical spaces, the ephemeral and the haptic, and presents their work as a non-retinal flow of consciousness. A challenging and activist state in its own right. Bastos’ practice operates against societal algorithms and offers alternative non-binary standards through their agency in social media and the creation of mixed reality experiences. The activist agency also includes web3 space, AI, AR and machine learning. The outputs come in myriad formal resolutions and are »a de-programming, or debugging, process to facilitate the riddance of societal malware consciously and subconsciously« (Cibelle Cavalli Bastos). Bastos describes the exhibition in Galerie Wedding as a <wave function salon/> 2.0, where the space becomes a site for experiences of mixed reality, materiality and temporality and a framework for workshops, critical thinking and performance.

Parallel to POLYMORPH, Cibelle Cavalli Bastos also shows sculptural work in POLY. A Fluid Show in the KINDL – Centre for Contemporary Art as part of an institutional collaboration, 17.09.2023 to 25.02.2024.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Ein <Wellenfunktionssalon/> 2.0

Eine Ausstellung von Cibelle Cavalli Bastos

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 14.09.2023 von 15 bis 21 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Wenn sich jemand im Dazwischen zu Hause fühlt, dann ist es Cibelle Cavalli Bastos (* 1978 in São Paulo, Brasilien), auch bekannt als »aevtarperform« oder »Cibelle« (Sänger*in). Eine genre- und gender-nonkonforme Person. Cibelles Soloausstellung POLYMORPH und der skulpturale Beitrag zur Gruppenausstellung POLY. A Fluid Show im KINDL sind hybride Manifestationen von gelebter Erfahrung, die algorithmisch, physisch und materiell verarbeitet wird. Konkret zeigt eine großflächige Wandtapete Kunstwerke von Cibelle im Lauf der Zeit, durch unsere Telefone wird die Ausstellung in der Galerie Wedding mittels Augmented Reality 3D-erweitert, und eine Reihe von Latexskulpturen sind an beiden Ausstellungsorten zu sehen.

Cibelle ist Meister*in des Morphings von Zeitlichkeiten. Die virtuellen und physischen Arbeiten werden präsentiert als Bewusstseinsströme durch ephemere und haptische Räume. Cibelles Praxis richtet sich gegen gesellschaftliche Algorithmen und bietet alternative, nicht-binäre Standards für soziale Medien, indem sie durch den virtuellen (Web3-)Raum, Künstliche Intelligenz oder maschinelles Lernen Mixed-Reality-Erfahrungen herstellt. Die Ergebnisse kommen in unzähligen formalen Auflösungen und sind »ein De-Programmierungs- oder Debugging-Prozess, um die Beseitigung von gesellschaftlicher Malware bewusst und unbewusst zu erleichtern« (Cibelle Cavalli Bastos). Cibelle beschreibt die Ausstellung in der Galerie Wedding als <Wellenfunktionssalon/> 2.0, wo der Raum zu einem Ort für Erfahrungen mit gemischter Realität, Materialität und Zeitlichkeit und zu einem Rahmen für Workshops, kritisches Denken und Performance wird.

Parallel zu POLYMORPH zeigt Cibelle Cavalli Bastos auch skulpturale Arbeiten in POLY. A Fluid Show im KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst im Rahmen einer institutionellen Zusammenarbeit, 17.09.2023 bis 25.02.2024.

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POLYMORPH
a <wave function salon/> 2.0

An exhibition by Cibelle Cavalli Bastos

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Part of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in collaboration with KINDL – Centre for Contemporary Art
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Opening on 14.09.2023 from 3 to 9 pm

If anyone feels at home in the in-between, it is Cibelle Cavalli Bastos (* 1978 in São Paulo, Brazil), aka »aevtarperform« or »Cibelle« (the singer), who is a genre/gender-non-conforming, neurodiverse, and polyvalent being. Their exhibition POLYMORPH and artwork contribution to the group show POLY. A Fluid Show in the KINDL is a hybrid manifestation of lived experience and mental detritus processed algorithmically, physically and trans-materially. What we see is a large scale wallpaper of their different artworks throughout time, a 3D extension of the Galerie Wedding show through our phones, and a series of latex sculptures distributed in both exhibition venues. 

Bastos is a master of morphing temporalities, virtual and physical spaces, the ephemeral and the haptic, and presents their work as a non-retinal flow of consciousness. A challenging and activist state in its own right. Bastos’ practice operates against societal algorithms and offers alternative non-binary standards through their agency in social media and the creation of mixed reality experiences. The activist agency also includes web3 space, AI, AR and machine learning. The outputs come in myriad formal resolutions and are »a de-programming, or debugging, process to facilitate the riddance of societal malware consciously and subconsciously« (Cibelle Cavalli Bastos). Bastos describes the exhibition in Galerie Wedding as a <wave function salon/> 2.0, where the space becomes a site for experiences of mixed reality, materiality and temporality and a framework for workshops, critical thinking and performance.

Parallel to POLYMORPH, Cibelle Cavalli Bastos also shows sculptural work in POLY. A Fluid Show in the KINDL – Centre for Contemporary Art as part of an institutional collaboration, 17.09.2023 to 25.02.2024.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

POLYCHROME
The Myth of Karukera and Cibuqueira

Eine Ausstellung von Thomias Radin

Kuratiert von Malte Pieper

Finissage am 26.08.2023

15 Uhr – Ausstellungsrundgang
ab 16 Uhr Installation mit Klang und Video von Oscar Ngu Atanga und Phillipp Och (knwn.labs) und Kurzfilm mit Tianna Strickland und AUCO
19 Uhr – Performance von Thomias Radin
20 Uhr – DJ Set von O.N.A

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

In der Ausstellung stellt Thomias Radin in der Galerie Wedding sein neu geschaffenes Wandgemälde „Der Mythos von Karukera und Cibuqueira” vor. Der Titel lehnt an die Eigennamen der beiden Hauptinseln von Guadeloupe an. Mit dem Wandgemälde knüpft Radin eine Geschichte rund um die Bedingung des Menschseins, die Kraft der Bewegung und die fortwährende Bedeutung von Mythen für unser Weltbild. Thomias Radin wird das Werk im Rahmen der Finissage mittels Klang und Bewegung aktivieren. 

knwn.labs, bestehend aus Oscar Ngu Atanga und Phillipp Och, werden bei der Finissage von POLYCHROME eine audiovisuelle Installation mit dem Titel »Swim or Sway« präsentieren. Die Installation zeigt auch einen Kurzfilm mit Tianna Strickland und AUCO und ist inspiriert von der drexcyanischen Mythologie und dem Werk von Thomias Radin, insbesondere dem Mythos von Karukera und Cibuqueira.

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POLYCHROME
The Myth of Karukera and Cibuqueira

An exhibition by Thomias Radin

Curated by Malte Pieper

Part of the exhibition programme POLY 2023–24 at Galerie Wedding in collaboration with KINDL – Centre for Contemporary Art
Künstlerische Leitung POLY: Solvej Helweg Ovesen

Finissage on 26.08.2023

3 pm – Exhibition Tour
from 4 pm Visual and sonic installation by Oscar Ngu Atanga and Phillip Och (knwn.labs), including a short film featuring Tianna Strickland and AUCO
7 pm – Performance by Thomias Radin
8 pm – DJ Set by O.N.A

Thomias Radin premieres his newly created mural ›The Myth of Karukera and Cibuqueira‹, inspired by the two native names of the main islands of Guadeloupe. Radin weaves a story exploring the human condition, the power of movement, and the enduring relevance of myth in shaping our understanding of the world.

For the finissage ceremony, Thomias Radin activates the work through sound and movement. Moreover, knwn.labs comprised of Oscar Ngu Atanga and Phillipp Och, will present an audio visual installation entitled »Swim or Sway« at the finissage of POLYCHROME. The installation includes a short film featuring Tianna Strickland and AUCO, and is inspired by Drexcyian mythology and the work of Thomias Radin, particularly the Myth of Karukera and Cibuqueira.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

16.06. bis 26.08.2023

Eine Ausstellung von Thomias Radin

Kuratiert von Malte Pieper

Eröffnung am 15.06. von 18 bis 22 Uhr
mit DJ Set von Peeps und Coco Calypso

19 Uhr Begrüßung und Gespräch mit Thomias Radin und Malte Pieper
20 Uhr Opening Ceremony mit Thomias Radin

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Im Sommer 2023 entfaltet sich Thomias Radins besondere Praxis der Verschmelzung von Tanz und Malerei in der Galerie Wedding als Wandbild, Bewegung und Szenografie für Performances. Seine farbintensive Malerei streckt sich als Installation durch den großen Galerieraum und bildet den Rahmen für das Tanz- und Performanceprogramm Movement Research ACROSS: POLY(e)MOTION. 

POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira erprobt Radin die schwer fassbare und doch fesselnde Natur eines Mythos, der von den indigenen Namen des heutigen Guadeloupe erzählt. Er erforscht die Fähigkeit des Mythos, die Wahrheit sowohl zu enthüllen als auch zu verbergen, so zeigen seinen Malereien oft verdrehte Körperhaltungen, Masken und abgewandte Gesichter. »Der Mythos von Karukera und Cibuqueira« behandelt die Bedingungen und Umstände des Menschseins, die Kraft der Bewegung und die fortdauernde Bedeutung von Erzählungen für unser Weltverständnis. Mythen faszinieren Radin als hochentwickeltes und ausgeklügeltes Kommunikationssystem. Für Radin ist der Mythos ein sich bewegendes und tanzendes Wissen, das sich wandelt, alt und modern zugleich ist. Die Ausstellung nimmt Bezug auf die vorkolonialen Bezeichnungen Karukera, »Insel der schönen Gewässer«, und Cibuqueira, »Insel der Gummibäume«, die präkolonialen Namen für die beiden Hauptinseln von Guadeloupe. Karukera und Cibuqueira sind in Radins Geschichte zwei gefallene Engel, die auf der Suche nach ihrer Vereinigung sind. Sie stehen für die transformative Kraft der Bewegung, die uns mit uns selbst, miteinander und mit der Welt um uns herum verbindet.

Radin, geboren in Guadeloupe, aufgewachsen in Frankreich und heute in Berlin lebend, lässt sich von der Kraft der Bewegung inspirieren, die Südamerika, die Karibik und Westafrika miteinander verbindet, um seine Bilder mit dynamischer Energie und Ausdruck zu erfüllen. Als Tänzer bewegt sich Radin zwischen Hip-Hop, Capoeira und Gwo Ka, der Musik- und Tanzkultur aus Guadeloupe. Angelehnt an die Technik des Sampling aus der Musik mischt Radin historische Referenzen, persönliche Erfahrungen und Popkultur. Das Wandgemälde verbindet dabei den Innenraum der Galerie mit den urbanen Außenräumen der Stadt, die Ausstellung verbindet Bühnenbild, Architektur, Malerei und Klang in einer Bewegung. Das Adjektiv »polychrom«, das aus dem Griechischen abgeleitet ist und »viele Farben« meint, bezieht sich auf eine Vielzahl von Farbtönen und Texturen, aber auch auf einen Poly-Rhythmus von Gesten, Techniken und Medien.

Nach seiner raumgreifenden Installation in der Galerie Wedding wird im Rahmen der Kooperation von Galerie Wedding mit dem KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst in der Ausstellung POLY. A Fluid Show, Radins Film »Rivals« in Konstellation mit der Malerei »The Annunciation: Tout‘ Moun doubout`, An nou ay !« im September seine Premiere haben.

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POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira

16.06. to 26.08.2023
An exhibition by Thomias Radin
Curated by Malte Pieper

Opening on 15.06., 6 to 10 pm
with DJ Set by Peeps and Coco Calypso

7 pm Greeting and talk with Thomias Radin and Malte Pieper
8 pm Opening Ceremony with Thomias Radin

In the framework of the exhibition programme POLY 2023-24 at Galerie Wedding in cooperation with KINDL – Centre for Contemporary Art.
Artistic director: Solvej Helweg Ovesen

In the summer of 2023, Thomias Radin’s distinctive practice of melding dance and painting unfolds at Galerie Wedding as a mural, movement and scenography for performances. His vivid and colourful work stretches through the large gallery space as an installation and forms the framework for the dance and performance programme Movement Research ACROSS: POLY(e)MOTION.

In POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira, Radin explores the elusive and captivating nature of a myth that talks about the indigenous names of today’s Guadeloupe. He delves into into the ability of myth to both reveal and conceal the truth, often showing twisted postures, masks and averted faces in his paintings. „The Myth of Karukera and Cibuqueira“ is an invitation to explore the human condition, the power of movement, and the enduring relevance of myth in shaping our understanding of the world. Myths fascinate Radin as a highly advanced and sophisticated communication system. For Radin, myth is a moving and dancing knowledge, morphing and travelling, ancient and modern at the same time. The exhibition refers to the pre-colonial names Karukera, „island of the beautiful waters“, and Cibuqueira, „island of the gum-trees“, the native names for the two main islands of Guadeloupe. In Radin’s story, Karukera and Cibuqueira are two fallen angels on a quest to be reunited. They represent the transformative power of movement, which connects us to ourselves, each other and to the world around us.

Born in Guadeloupe, raised in France and now living in Berlin, Radin draws inspiration from the power of movement that connects South America, the Caribbean and West Africa to infuse his images with dynamic energy and expression. As a dancer, Radin moves between Hip-Hop, Capoeira and Gwo Ka, the music and dance culture from Guadeloupe. Borrowing the technique of sampling from music, Radin mixes historical references, personal experiences and pop culture. The mural thereby unites the indoor gallery space to the outdoors, the exhibition combines stage design, architecture, painting and sound in one movement. The adjective „polychrome“, which is derived from the Greek and means „many colours“, refers to a multiplicity of shades and textures, but also to a poly-rhythm of gestures, techniques and media.

Following his spatial installation at Galerie Wedding, in the context of the cooperation between Galerie Wedding and KINDL – Centre for Contemporary Art, in the exhibition POLY. A Fluid Show, Radin’s film „Rivals“ will have its premiere in tandem with the painting „The Annunciation: Tout‘ Moun doubout`, An nou ay !“ in September.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

*English version below

Tanz, Performance und Musik mit Amelia Uzategui Bonilla & Joana Tischkau, Esther Siddiquie, Houseszene Berlin, Isasi Armengod, Juan Betancurth (mit Romany Dear & Daniel Neumann), Jule Flierl, Katana Six, Maque Pereyra, Peeps B2B Coco Calypso, Skinship, The Darvish & Judy LaDivina, Thomias Radin

15.06. bis 17.06.2023

Galerie Wedding & Rathausvorplatz Wedding

Kuratiert von Kathrin Pohlmann, Solvej Helweg Ovesen, Malte Pieper, Nitsan Margaliot.

Eröffnung am 15.06. um 18 Uhr mit DJ und dem karibischem & westafrikanischem Essen
DJ Set von Peeps B2B Coco Calypso ab 18 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

POLY(e)MOTION ist die zweite Ausgabe von Movement Research ACROSS, einem Musik- und Performance-Programm in der Galerie Wedding und auf dem anliegenden Rathausvorplatz im öffentlichen Raum, welches von XO Curatorial Projects, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann, in Zusammenarbeit mit den Kurator*innen Nitsan Margaliot und Malte Pieper entwickelt wurde. Der Künstler und Tänzer Thomias Radin, der die parallel stattfindende Ausstellung POLYCHROME – Der Mythos von Karukera und Cibuqueira in der Galerie Wedding kreiert, eröffnet mit seiner Performance den ersten Abend.

In POLY(e)MOTION verbinden wir Bewegungsforschung und Emotionen von allen Körpern und aus allen Ecken der Welt zu einem zeitgenössischen, interdisziplinären, lokalen Berliner Event. Kostenlos und offen für alle. Zeitgenössischer Tanz und partizipatorische Praktiken werden als kreative Raumgestaltung und soziales Bühnenbild im Herzen von Wedding eingesetzt. Body Positivity, ästhetische Qualität und Street Smartness werden im Mittelpunkt stehen.

POLY(e)MOTION ist ein polyzentrisches Nachbarschafts-Event mit einem Pop-Up Amphitheater. Für das dreitägige Festival werden wir den eigens für den Ort entworfenen und gebauten “Flexible Colour Circle” (dt. flexibler Farbenkreis) des Künstlers Viron Erol Vert, der bereits bei ACROSS 2022 zentraler Austragungsort der Performances war, erneut errichten.

Nach erfolgreicher Durchführung der ersten Ausgabe von Movement Research ACROSS mit 20 performativen Beiträgen im Juni 2022, folgt nun eine neue Reihe von Performances und Workshops lokaler und internationaler Künstler*innen an drei Tagen im Juni 2023. Die kommunale Galerie Wedding kehrt zurück in den Außenraum und verbündet sich erneut mit der internationalen freien Szene Berlins.

Die vielfältigen hybriden Formate des Festivals, konzipiert für den öffentlichen Raum, lockern die Körper mit Humor und bringen die Straße zum Vibrieren.

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Movement Research ACROSS POLY(e)MOTION

Dance, performance and music with Amelia Uzategui Bonilla & Joana Tischkau, Esther Siddiquie, Houseszene Berlin, Isasi Armengod, Juan Betancurth (with Romany Dear & Daniel Neumann), Jule Flierl, Katana Six, Maque Pereyra, Peeps B2B Coco Calypso, Skinship, The Darvish & Judy LaDivina, Thomias Radin.

15.06. to 17.06.2023

Galerie Wedding & Town Hall Square (Rathausvorplatz) Wedding

Curated by Kathrin Pohlmann, Solvej Helweg Ovesen, Malte Pieper, Nitsan Margaliot.

Opening on 15.06. 6pm with DJ and Caribbean & West African food
DJ set by Peeps B2B Coco Calypso from 6 pm

As part of the exhibition programme POLY 2023-24 at Galerie Wedding.
Artistic direction: Solvej Helweg Ovesen

POLY(e)MOTION is the second edition of Movement Research ACROSS, a music and performance programme in public space at Galerie Wedding and the neighbouring Town Hall Square (Rathausvorplatz), developed and curated by XO Curatorial Projects, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann, in collaboration with curators Nitsan Margaliot and Malte Pieper. The artist and dancer Thomias Radin, who will be creating the accompanying exhibition POLYCHROME – The Myth of Karukera and Cibuqueira at Galerie Wedding, will open the first evening with his performance.

In POLY(e)MOTION we connect movement research and emotions of all bodies and from all corners of the world to a contemporary, interdisciplinary, local Berlin event. Free of charge and open to all. Contemporary dance and participatory practices are applied as creative space making and social stage setting in the heart of Wedding. Body positivity, aesthetic quality and street smartness will be the in the focus.

POLY(e)MOTION is a polycentric neighbourhood event with a pop-up amphitheatre. For the three-day festival, we will set up again the „Flexible Colour Circle“ by artist Viron Erol Vert, which already served as the central venue for the performances at ACROSS 2022.

After the successful first edition of Movement Research ACROSS with 20 performative contributions in June 2022, a new series of performances and workshops by local and international artists will follow over three days in June 2023. The municipal Galerie Wedding returns to the outdoor space and teams up again with Berlin’s international independent scene. 

The festival’s diverse hybrid formats, designed for public space, loosen bodies with humour and make the street vibrate.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, ifa-Galerie in Berlin, Institut für Auslandsbeziehungen und der Senatsverwaltung für Wirtschaft, Energie und Betriebe.

30.04.2023, 18 Uhr

Ausstellungsführung mit der Künstlerin Anna Nowak und Kurator*in Maja Smoszna

Im Rahmen des Ausstellung Ill Delights in der Galerie Wedding

Die Führung findet in Englischer, Deutscher Laut- und Gebärdensprache statt.

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Exhibition tour

30.04.2023, 6 pm

Exhibition tour with the artist Anna Nowak and curator Maja Smoszna

In the context of the exhibition Ill Delights at Galerie Wedding

The tour will take place in English, German spoken and sign language.

30.04.2023, 17 Uhr

Eine Performance von Ania Nowak

Im Rahmen des Ausstellung Ill Delights in der Galerie Wedding

In Deep Inside widmet sich Ania Nowak der Ekstase. Sie stellt die House-Musik und ihre Texte der barocken Poesie und den skulpturalen Darstellungen göttlicher Ekstase gegenüber. Visuelle Bezüge zu Jan Lorenzo Berninis Heiliger Ludovica Albertoni überlagern sich mit der Sprache des Verlangens und der Sehnsucht nach Gott, den Liebenden und der gemeinschaftsbildenden Energie der House-Musik.

Nowak nutzt die Wiederholung, den Rhythmus und den Inhalt sowohl der House-Musik als auch der barocken Texte, um in einer Zeit des (post)pandemischen sozialen Unbehagens nach dem kollektiven Körper und der Seele zu suchen. Sie lauscht den Stimmen, die die House-Rhythmen antrieben, um viele längst vergessene schwarze Sängerinnen und Sänger in Erinnerung zu rufen, die oft aufgrund ihres Geschlechts und ihrer Rasse marginalisiert wurden. Nowak spricht mit den Geistern dieser Stimmen und ehrt sie als Leader*innen und Partner*innen. Für Erinnerung und Ekstase.

Text Remix, Choreografie, Performance: Ania Nowak
Sound: Justyna Stasiowska
Kostüm: Grzegorz Matląg
Äußeres Auge: Julia Plawgo
Textauszüge aus Frankie Knuckles (feat. Jamie Principle), „Your Love“; Fonda Rae, „Tuch Me“ und „Living in Ecstasy“; Ellis D. Presents Boom-Boom, „Work This Pussy (Hurt Me Mix)“; Robin S, „Show Me Love“; Black Box, „Ride on Time“; House to House, „Taste My Love“; Crystal Waters, „Gypsy Woman (She’s Homeless)“; Sonikku ft. LIZ (SOPHIE remix), „Sweat“; Rozalla, „Everybody’s Free“; Clivilles‘ & Cole, „A Deeper Love (A Deeper Feeling Mix)“; Peech Boys „Don’t Make Me Wait“; Lope de Vega, „Various Effects of Love“; Francisco de Quevedo, „Love That Endures Beyond Death“
Produktion: La Casa Encendida
Unterstützt durch das Ankara Queer Art Program

The performance is in English.

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Deep Inside

30.04.2023, 5pm

A Performance by Ania Nowak

In the framework of exhibition Ill Delights at Galerie Wedding

In Deep Inside Ania Nowak looks at ecstasy. She juxtaposes house music and its lyrics with Baroque poetry and sculpturesque depictions of divine ecstasy. Visual references to Jan Lorenzo Bernini’s Blessed Ludovica Albertoni overlap with language of desire and longing for God, the lover and the community building energy of house music.

Nowak uses repetition, rhythm and content of both house music and Baroque texts to search for collective body and soul in a time of (post)pandemic social awkwardness. She listens to voices that drove house rhythms to summon many long forgotten black singers, often marginalised due to their gender and race. Nowak speaks with the ghosts of those voices, honouring them as leaders and partners. For memory and ecstasy.

Text remix, choreography, performance: Ania Nowak
Sound: Justyna Stasiowska
Costume: Grzegorz Matląg
Outside Eye: Julia Plawgo
Text excerpts from Frankie Knuckles (feat. Jamie Principle), „Your Love“; Fonda Rae, „Tuch Me“ und „Living in Ecstasy“; Ellis D. Presents Boom-Boom, „Work This Pussy (Hurt Me Mix)“; Robin S, „Show Me Love“; Black Box, „Ride on Time“; House to House, „Taste My Love“; Crystal Waters, „Gypsy Woman (She’s Homeless)“; Sonikku ft. LIZ (SOPHIE remix), „Sweat“; Rozalla, „Everybody’s Free“; Clivilles‘ & Cole, „A Deeper Love (A Deeper Feeling Mix)“; Peech Boys „Don’t Make Me Wait“; Lope de Vega, „Various Effects of Love“; Francisco de Quevedo, „Love That Endures Beyond Death“
Production: La Casa Encendida
Supported by Ankara Queer Art Program

Die Performance ist auf Englisch.

14.04. bis 27.05.2023

Eine Ausstellung von Ania Nowak & Friends

Freund*innen/Mitwirkende: Angela Alves, Anu Czerwinski, Athena Lange, Cee Füllemann, Grzegorz Matlag »Maldoror«, Janne Ebel, Justyna Stasiowska

Kuratiert von Maja Smoszna

Eröffnung mit DJ am 13.04. von 19 bis 22 Uhr

DJ Set von Kasja ab 21 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Am Donnerstag, dem 13. April 2023 um 19 Uhr lädt die Galerie Wedding ein zur Eröffnung der Ausstellung »Ill Delights« von Ania Nowak & Friends, kuratiert von Maja Smoszna.

Subversive Strategien der Performancekunst, die sich aus Drag, politischen Manifesten und engagierten Formen des körperlichen Widerstands ableiten, setzt die Choreografin und Künstlerin Ania Nowak ein, um mit den Rollen zu spielen, die wir einnehmen. Dabei arbeitet sie eng mit anderen Künstler*innen zusammen. In ihren choreografierten Videoarbeiten und kollaborativen Bühnenprojekten versucht sie, Raum und Möglichkeiten für kollektives Vergnügen sowohl innerhalb als auch jenseits des Unbehagens zu eröffnen. In ihrer jüngsten Videoarbeit hinterfragen Ania Nowak und die gehörlose Performerin Athena Lange die auf der verbalen Sprache und dem Gehörsinn basierenden Kommunikationsgewohnheiten. Darüber hinaus schlagen sie ein relationales Alphabet von intimen Gesten, nonverbalem Humor und Gebärdensprache vor, um normative Kommunikationscodes zu erweitern und zu diversifizieren.

Grußworte der Bezirksbürgermeisterin Stefanie Remlinger, der Galerieleiterinnen Ute Müller-Tischler und Solvej Helweg Ovesen sowie der Kurator*in Maja Smoszna werden die Veranstaltung eröffnen.

Der Abend wird durch eine Simultanübersetzung in Deutsche Gebärdensprache begleitet.

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Ill Delights

14.04. – 27.05.2023

An exhibition by Ania Nowak & Friends

Friends/Contributors: Angela Alves, Anu Czerwinski, Athena Lange, Cee Füllemann, Grzegorz Matlag »Maldoror«, Janne Ebel, Justyna Stasiowska

Curated by Maja Smoszna

Opening with DJ on 13.04., 7 to 10 pm

DJ set by Kasja from 9 pm

Within the framework of POLY 2023–24 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

On Thursday, 13 April 2023 at 7pm, Galerie Wedding invites you to the opening of the exhibition »Ill Delights« by Ania Nowak & Friends, curated by Maja Smoszna.

With subversive performing arts strategies derived from drag, political manifestos, and engaged forms of physical resistance, the choreographer and artist Ania Nowak, in close collaboration with other artists, seeks to play with the roles we take on. In her choreographed video works and collaborative stage projects she tries to open up space and possibilities for collective pleasure both within and beyond discomfort. In their latest video work, Ania Nowak and the Deaf performer Athena Lange attempt to challenge the habits of communication based on verbal language and the sense of hearing. Instead, they propose a relational alphabet of homoerotic gestures, non-verbal humor, and sign language as a way of expanding and diversifying normative communication codes.

Greetings from the district mayor Stefanie Remlinger, the gallery directors Ute Müller-Tischler and Solvej Helweg Ovesen, and the curator Maja Smoszna will open the event.

The evening will be accompanied by simultaneous translation into German sign language.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen von NEUSTART KULTUR.

14.04. bis 27.05.2023

Eine Ausstellung von Ania Nowak & Friends

Freund*innen/Mitwirkende: Angela Alves, Anu Czerwinski, Athena Lange, Cee Füllemann, Grzegorz Matlag »Maldoror«, Janne Ebel, Justyna Stasiowska

Kuratiert von Maja Smoszna

Eröffnung mit DJ am 13.04. von 19 bis 22 Uhr

DJ Set von Kasja ab 21 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms POLY 2023–24 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Subversive Strategien der Performancekunst, die sich aus Drag, politischen Manifesten und engagierten Formen des körperlichen Widerstands ableiten, setzt die Choreografin und Künstlerin Ania Nowak ein, um mit den Rollen zu spielen, die wir einnehmen. Dabei arbeitet sie eng mit anderen Künstler*innen zusammen. In ihren choreografierten Videoarbeiten und kollaborativen Bühnenprojekten versucht sie, Raum und Möglichkeiten für kollektives Vergnügen sowohl innerhalb als auch jenseits des Unbehagens zu eröffnen. In ihrer jüngsten Videoarbeit hinterfragen Ania Nowak und die gehörlose Performerin Athena Lange die auf der verbalen Sprache und dem Gehörsinn basierenden Kommunikationsgewohnheiten. Darüber hinaus schlagen sie ein relationales Alphabet von intimen Gesten, nonverbalem Humor und Gebärdensprache vor, um normative Kommunikationscodes zu erweitern und zu diversifizieren.

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Ill Delights

14.04. – 27.05.2023

An exhibition by Ania Nowak & Friends

Friends/Contributors: Angela Alves, Anu Czerwinski, Athena Lange, Cee Füllemann, Grzegorz Matlag »Maldoror«, Janne Ebel, Justyna Stasiowska

Curated by Maja Smoszna

Opening with DJ on 13.04., 7 to 10 pm

DJ set by Kasja from 9 pm

Within the framework of POLY 2023–24 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

With subversive performing arts strategies derived from drag, political manifestos, and engaged forms of physical resistance, the choreographer and artist Ania Nowak, in close collaboration with other artists, seeks to play with the roles we take on. In her choreographed video works and collaborative stage projects she tries to open up space and possibilities for collective pleasure both within and beyond discomfort. In their latest video work, Ania Nowak and the Deaf performer Athena Lange attempt to challenge the habits of communication based on verbal language and the sense of hearing. Instead, they propose a relational alphabet of homoerotic gestures, non-verbal humor, and sign language as a way of expanding and diversifying normative communication codes.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen von NEUSTART KULTUR.

*English version below

Die Ausstellungsräume der Galerie Wedding werden zurzeit durch das Sozialamt genutzt. Wir sind im Frühling 2023 wieder für Sie da. In der Zwischenzeit können Sie die Werke von Anton Kats und Ania Nowak durch die Fenster der Galerie sehen:

Ania Nowak »Untitled 3 (Don’t Give Advice!)«, 2018

Das Gespenst des Populismus geht in Europa um. Es ist ein Populismus der guten Ratschläge und der autoritären Sorge um die Unterdrückten. Gleichheit ist ein kommunistischer Traum, während Produktivität eine kapitalistische Forderung ist. Die Menschen arbeiten, produzieren und konkurrieren. Wer hat heute noch Zeit für eine Revolution? Wer für (Selbst-)Pflege? Wer kann von zu Hause aus arbeiten? Und wer kümmert sich um den Haushalt? Wer kann die Welt verändern? Und wer räumt nach der Revolution auf?

Video: Aleksandra Osowicz

Text: Ania Nowak, Jayson Patterson & Ron Padgett »How to Be Perfect«, Kaitlyn Boulding »Questions to Ask Yourself Before Giving Up«, Charles Bukowski »The Laughing Heart«, Rumi »Oh Soul 

Die für Dezember 2022 – Februar 2023 geplante Ausstellung von Ania Nowak wurde auf April – Mai 2023 verschoben.

Wandzeichungen von Anton Kats, 2022 

»Vostok 6 landing on Altair«

»Laika«

»Baikonur cosmo drome«

»Valentina Tereshkova preparing for the flight«

Im Rahmen der Ausstellung »Grounded Outer Space People« hat Anton Kats verschiedene Ideen des Kosmismus und die russische Kolonialisierung des Weltraums durch u.a. das Raumfahrtprogramm »Vostok 1-6« kritisch untersucht.
Auf der großen orangefarbigen Wand in der Galerie Wedding sieht man unter anderen die Russin Valentina Tereschkowa, eine Antiheldin, die in einem Probesessel für ihre erste Reise als Kosmonautin im Weltall (1964) übt – »Valentina Tereshkova preparing for the flight«. Nach ihrer Rückkehr auf die Erde wurde Tereschkowa zu einer politischen Schlüsselfigur in Russland. Sie ist immer noch ein sehr aktives reaktionäres Mitglied von Putins Partei »Unser Russland«. Ihre Rolle in der Politik ist speziell darauf ausgerichtet, die verrücktesten Vorschläge einzubringen, wie z. B. die unbegrenzte Verlängerung von Putins Amtszeit als Präsident. Die großen Wandzeichnungen im Hauptausstellungsraum zeigen also die Vorbereitungen für ihre Reise (auf der rechten Wand) und ihre Landung (auf der linken Wand).

»Public Transport Library proposal in the U6 subway«

Die »Transmigration Library« befindet sich in ständigem Wandel. Ihre Iteration in der Galerie Wedding war ein Vorschlag, eine Bibliothek in der U-Bahn zu schaffen. Ein transitorischer Ort, an dem sich die Menschen mit Literatur auseinandersetzen können, die sich mit verschiedenen Übergangszuständen befasst. 

Die Wandzeichungen waren Teil der Ausstellung »Grounded Outer Space People« (14.10. bis 19.11. 2022) in der Galerie Wedding.

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Ania Nowak & Anton Kats

22.11.2022 – 31.03.2023

The exhibition space of the Galerie Wedding is currently being used by the Social Welfare Office. We will be back for you in spring 2023. In the meantime, you can see the works of Anton Kats and Ania Nowak through the gallery windows:

Ania Nowak „Untitled 3 (Don’t Give Advice!)“, 2018

The specter of populism is haunting Europe. It is a populism of good advice and authoritarian concern for the oppressed. Equality is a communist dream, while productivity is a capitalist demand. The people work, produce and compete. Who has time for revolution today? Who for (self-)care? Who can work from home? And who takes care of the household? Who can change the world? And who will clean up after the revolution? 

Ania Nowak »Untitled 3 (Don’t Give Advice!)«, 2018

Video: Aleksandra Osowicz

Text: Ania Nowak, Jayson Patterson & Ron Padgett »How to Be Perfect«, Kaitlyn Boulding »Questions to Ask Yourself Before Giving Up«, Charles Bukowski »The Laughing Heart«, Rumi »Oh Soul«

The exhibition by Ania Nowak planned for December 2022 – February 2023 has been postponed to April – May 2023.

Wall drawings by Anton Kats, 2022 

»Vostok 6 landing on Altair«

»Laika«

»Baikonur cosmo drome«

»Valentina Tereshkova preparing for the flight«

As part of the exhibition »Grounded Outer Space People« Anton Kats has critically examined different ideas of Cosmism and the Russian colonialization of the outer space through their space travel program »Vostok 1-6«. On the large orange wall in the Galerie Wedding, one sees, among others, the Russian Valentina Tereshkova, an anti-heroine, practicing in a rehearsal chair for her first journey as a cosmonaut in space (1964), »Valentina Tereshkova preparing for the flight«. After her return to Earth, Tereshkova became a key political figure in Russia. She is still a very active reactionary member of Putin’s »Our Russia« party. Her role in politics is specifically to bring in the most insane proposals, such as extending Putin’s term as president indefinitely. Thus, the large wall drawings in the main exhibition space show the preparations for her trip (on the right wall) and her landing (on the left wall).

»Public Transport Library proposal in the U6 subway«

The »Transmigration Library« is in constant transition. Its iteration in Galerie Wedding is a proposal to make a library on the subway train. A transitory place where people can engage with the literature that addresses different transitional states.

The wall drawings were part of the exhibition »Grounded Outer Space People« (14.10. – 19.11. 2022) at Galerie Wedding

Am 18.11.2022 von 19 bis 21 Uhr abschließendes Event der akutellen Ausstellung Grounded Outer Space People mit musikalischer Performance und Lesung

mit:
Anja Jadryschnikova, Anton Kats, Kelly Krugman, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist

Die musikalische Performance von Grounded Outer Space People am 18. November bildet den Abschluss der jüngsten Ausgabe der nomadischen Künstler*innen Residenz und Musikensembles, das die Beziehungen zwischen Seelenwanderung und Musik untersucht. Die Beiträge der anwesenden Künstler*innen, die in einem performativen Musikkonzert zusammengefasst sind, umfassen abstrakte Improvisationen, Tanz und populäre elektronische Musik, die mit Jazz- und Soul-Einflüssen verschmelzen. Basierend auf der Transmigration Library, einer ständig wechselnden Sammlung von Büchern über Klang, Musik, politisch engagierte Praktiken und Herz, umfasst die Performance ausgewählte Lesungen und Stimmen von Künstler*innen, Musiker*innen und Wissenschaftler*innen. Indem sie diese Karten skizzieren und teilen, stellen Grounded Outer Space People ein erweitertes Verständnis von Migration vor, aus dem eine Poetik der Verdrängung entstehen könnte.

Zu den ausgewählten Lesungen gehören unter anderem: Lucy Mayblin und Joe Turner, Sarah Ahmed, Tara Rodgers, Shelley Trower, Hazrat Inayat Khan, Hans TenDam, Sun Ra, Hafiz and The Tibetian Book of The Dead, und weitere. Verwobene Klangstücke und Gespräche aus dem Archiv enthalten Worte und Stimmen von Ursula K. Leguin, Pauline Oliveros, Oberst Bruce Hampton, Don Cherry, bell hooks und Alice Coltrane.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Volta Finale: »If life has an end, why wouldn’t death?« with Grounded Outer Space People

18.11.2022 from 7 to 9 pm final event of the current exhibition Grounded Outer Space People with musical performance and readings

with:
Anja Jadryschnikova, Anton Kats, Kelly Krugman, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist

The musical performance by Grounded Outer Space People on the 18^th of November marks the finale of the latest iteration of the nomadic artist residency/music ensemble, tracing the relationships between transmigration and music. Woven together as a performative music concert, the contributions of artists in residency embrace abstract improvisations, dance, and popular electronic music as they coalesce with jazz and soul influences. Informed by the Transmigration Library, an ever-changing collection of books on sound, music, politically engaged practices and heart, the performance includes selected readings and listens to the voices of artists, musicians, and scholars. By sketching and sharing these maps, Grounded Outer Space People introduce an expanded understanding of migration from which the poetics of displacement might emerge.

Selected readings include, but are not limited to: Lucy Mayblin and Joe Turner, Sarah Ahmed, Tara Rodgers, Shelley Trower, Hazrat Inayat Khan, Hans TenDam, Sun Ra, Hafiz and The Tibetian Book of The Dead, among others. Interwoven sound pieces and archival conversations include words and voices of Ursula K. Leguin, Pauline Oliveros, Col. Bruce Hampton, Don Cherry, bell hooks, and Alice Coltrane.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

9.11.2022 von 17 bis 19 Uhr Film Premiere von »ODYSSEY WITHIN« von Anja Jadryschnikova mit THE WAY Kollektiv

17 Uhr Einführung des „The Way“ Kollektiv mit Anja Jadryschnikova gefolgt von der Filmpremiere »ODYSSEY WITHIN« und einem Q&A mit Anja Jadryschnikova, Bastian Schmiedecke und Liam Wustrack

17.40 Gedichts- und Improvisationsperformance mit Bastian Schmiedecke, Liam Wustrack, Ezgi Ulubayrak & Anja Jadryschnikova 

THE WAY Improvisations-Kollektiv
Gegründet im Jahr 2017 von Anja Jadryschnikova

THE WAY schafft eine Performance-Plattform für Künstler*innen, die Improvisation als ihre höchste Ausdrucksform verstehen.
Dieses Konzept gibt den Performer*innen die Möglichkeit, mit all ihren Facetten zu glänzen und schafft ständigen Austausch, Fortschritt und kreative Freiheit. THE WAY ist eine Symbiose, die verschiedene Kunstformen wie Tanz, Musik, Gesang oder Malerei in einem ständigen Fluss der Improvisation miteinander verschmelzen lässt. Wie das Leben selbst ist es ständig im Wandel, einzigartig und ausdrucksstark.
Die internationalen Künstler*innen von THE WAY stehen für Authentizität, Freiheit und Einigkeit.

»ODYSSEY WITHIN«

Ein Kurzfilm von Anja Jadryschnikova mit THE WAY Kollektiv
Produziert im Juli 2020, veröffentlicht im August 2022
15 min 

„Die Menschen werden alles tun, egal wie absurd, um die
Konfrontation mit ihrer eigenen Seele zu vermeiden. Man wird nicht erleuchtet, indem man sich Lichtgestalten vorstellt, sondern indem man sich die Dunkelheit bewusst macht.“ C.G. Jung

Creative Direction, Script, Voice Over: Anja Jadryschnikova

DOP & Colorgrading: Miles-Vincent Kleveman

Tänzer*innen: Pelin Terzi, Nicole Kuhfeld, Liam Maria Wustrack, Thomias Radin, Andy Schmidt, Minh-Thu Nguyen

Soundtrack: Vizard
Bastian Schmiedecke & Simon Schmieder

Set Design: Nadja Buck

Kamera Assistenz: Tobias Auner

Standort: Kunstanstalt Berlin
Matthias Schlesinger

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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9.11.2022 from 5 pm tp 7 pm film premiere of »ODYSSEY WITHIN« by Anja Jadryschnikova with THE WAY Collective

17:00 Introduction of “The Way“ collective with Anja Jadryschnikova followed by a film premiere »Odyssey Within« and Q&A with Anja Jadryschnikova, Bastian Schmiedecke and Liam Wustrack

17:40 Poetry & Improvisation Performance with Bastian Schmiedecke, Liam Wustrack, Ezgi Ulubayrak & Anja Jadryschnikova 

THE WAY Improvisation Collective
Founded in 2017 by Anja Jadryschnikova

THE WAY creates a performance platform for artists, who understand improvisation as their highest form of expression.
This concept gives the performers an opportunity to shine with all of their facets and generates constant exchange, progress and creative freedom. THE WAY is a symbiosis melding together different art forms like dance, music, singing or painting in a constant flow of improvisation. Like life itself, it is ever changing, unique and expressive.
THE WAY’s international artists stand for authenticity, freedom and unity.

»ODYSSEY WITHIN«

A short film by Anja Jadryschnikova feat. THE WAY Collective
Produced in July 2020, released in August 2022
15 min 

“There is no coming to consciousness without People will do anything, no matter how absurd, in order to avoid facing their own soul. One does not become enlightened by imagining figures of light, but by making the darkness conscious.” C.G. Jung 

Creative Direction, Script, Voice Over by Anja Jadryschnikova 

DOP & Colorgrading by Miles-Vincent Kleveman 

Dancers: Pelin Terzi, Nicole Kuhfeld, Liam Maria Wustrack, Thomias Radin, Andy Schmidt, Minh-Thu Nguyen 

Soundtrack by Vizard 
Bastian Schmiedecke & Simon Schmieder 

Set Design by Nadja Buck

Camera Assistant Tobias Auner 

Location Kunstanstalt Berlin 
Matthias Schlesinger

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

„Auf einer Seite, einem Absatz und in einem Satz kann viel passieren.“ In der neuesten Iteration von Same Page Different Corner lädt Anton Kats ukrainische Musiker*innen in Berlin ein, sich in geselliger Runde zu treffen, zu jammen, zu diskutieren und sich auszutauschen. 

Indem die Galerie Wedding in ein offenes Studio umgewandelt wird, werden ukrainische Musiker*innen gastfreundlich empfangen, um sich in der Transmigration Library zu treffen, die eine ständig wechselnde und kollektive Sammlung von Büchern beherbergt, die von Kats und dem Projekt »Grounded Outer Space People« bereitgestellt wurden. Die öffentlich zugängliche Bibliothek erforscht die Beziehungen zwischen Transmigration und Musik, die unter anderem durch die Bereiche Klang, Zeitlichkeit, politisches Engagement und Poesie assoziiert werden.

Es findet eine »Vostok 7« Listening Session statt, anlässlich zum Launch des Vinyls; ein Hörspiel, das als Anleitung zum Zuhören dient und die Politik des Krieges, Demenz und die Ethik der Liebe mit der Seelenwanderung, der Überwindung des Egos, kosmischen Reisen und Musik verknüpft.
„Aus den Leben und den Geschichten, die in und um Bücher herum eingebettet sind, kann sich viel eröffnen, wenn sie sich im selben Raum treffen und sprechen.“

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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»Same Page Different Corner« with Anton Kats, Helleroid, Oleksandra Monda, Yulia Vlaskina & Others

10.11.2022 at 6 pm Ukrainian musicians meet up and »Vostok 7« Listening Session.

“A lot can happen on one page, one paragraph, and within one sentence.” In the latest iteration of Same Page Different Corner, Anton Kats invites Ukrainian musicians in Berlin to come together to meet, jam, dialogue, and exchange in conviviality. 

Turning Galerie Wedding into an open studio, Ukrainian musicians are hospitably welcomed to meet in the Transmigration Library hosting an ever-changing and collaborative collection of books coming from Kats and the Grounded Outer Space People project. The open-access public library explores the relationships between transmigration and music, associatively engaged through the realms of sound, temporality, political engagement and poetry among others. 

A »Vostok 7« listening session will take place, honouring the launch of the vinyl: a radio play serving as a listening manual anchored in the politics of war, dementia, and the ethics of love as they bridge with transmigration, the overcoming of ego, cosmic travels, and music. “A lot can open from the lives and stories embedded within and around books, as they meet and speak in the same space.”

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

26.10.2022 ab 21 Uhr Radio Transmission von Aiko Okamoto (online)

In der (fast) wöchentlichen Sendung »Notiz für die Welt danach« liest Aiko Okamoto Texte vor bzw. berichtet von den Demos, von denen man etwas für die Welt danach mitnehmen kann und vielleicht muss.

Für die Sendung aus der Galerie Wedding stellt sie das neu eröffnete Museum der Trostfrauen vor.

Die Folge aus der Galerie Wedding kann über folgenden Link gehört werden:
https://sphere-radio.net/sendungen/notiz-fuer-die-welt-danach-2/

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg OvesenBitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Radio Transmission »Notiz für die Welt danach #91«

26.10.2022 at 9 pm Radio Transmission by Aiko Okamoto (online, in German)

In the (almost) weekly broadcast »Notiz für die Welt danach« Aiko Okamoto reads texts and reports from the demos, from which one can and perhaps must take something away for the world afterwards.

For the programme from Galerie Wedding she introduces the newly opened »Museum der Trostfrauen«.

Weblink for listening to the broadcast from Galerie Wedding: https://sphere-radio.net/sendungen/notiz-fuer-die-welt-danach-2/

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

25.10. 2022 von 19 bis 21 Uhr Musik Performance von Raman Khalaf (Oud, Stimme) und Khaled Kurbeh (Klavier, Synthesizer) in der Galerie Wedding

Die elektroakustischen Kompositionen des syrischen Duos erforschen die Maqām-Musik (ein System melodischer Modi) aus Mesopotamien und verwischen die Grenzen zwischen Geschriebenem und Improvisiertem. Ihre Debüt-EP Aphorisms wurde 2017 über das Label Between Buttons veröffentlicht. Seitdem trat das Duo bei XJAZZ Berlin, dem BBC Arabic Festival in London und dem Funkhaus Berlin auf.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

Eine Ausstellung von Anton Kats mit Arbeiten von Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto und Ziggy Zeitgeist.

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Interlude Grounded Outer Space People

25.10.2022 from 7 to 9 pm a music performance by Raman Khalaf (Oud, Voice) and Khaled Kurbeh (Piano, Synthesizer).

The Syrian duo’s electroacoustic compositions explore Maqām music (system of melodic modes) from Mesopotamia and blur the lines between the written and the improvised. Their debut EP Aphorisms was released via Between Buttons label in 2017, they have since performed at the likes of XJAZZ Berlin, BBC Arabic Festival in London and Funkhaus Berlin.

Grounded Outer Space People
14.10. – 19.11.2022

An exhibition by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

14.10. bis 19.11. 2022

Performative Ausstellung mit Künstler*innenresidenz und Musikensemble von Anton Kats

mit Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh,
Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy,
Aiko Okamoto, und Ziggy Zeitgeist

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung mit DJ am 13.10. 2022, 18 bis 22 Uhr

Am 13.10.2022 von 18 bis 22 Uhr eröffnet »Grounded Outer Space People« von Anton Kats, eine performative Ausstellung in der Galerie Wedding, die die neuste Ausgabe des nomadischen Projekts mit Live-Performances und DJs präsentiert. 

»Grounded Outer Space People« ist eine nomadische Künstler*innenresidenz und ein Musikensemble, das die Beziehung zwischen »transmigration« und Musik untersucht. Die in einem temporären Studio arbeitende Künstler*innengruppe bespielt den Galerieraum und erweitert den ausstellungsartigen Rahmen durch Ensembleproben, Konzerte, Präsentationen, Performances, Klang- und Bildarbeiten sowie Workshops. 

Raumgreifende Partituren und Zeichnungen erstrecken sich über die Wände der Galerie und kündigen den Launch des Vinyls »Vostok 7« an, ein Hörspiel, das als Reenactment des noch zu bauenden Raumschiffs konzipiert ist. Ausgehend von einer Wahrnehmungsverschiebung vom Visuellen zum Klanglichen betreibt das Projekt ein mobiles Soundsystem, eine Radiostation und einen Hörraum voller Musikinstrumente und akustischer Geräte. 

Anton Kats (*1983 in Cherson) ist ein ukrainischer bildender Künstler, Musiker und Tänzer. In einem Moment, in dem die meisten politischen Konzepte scheitern, wendet sich der Künstler den Protagonist*innen des ukrainischen Kosmismus wie Fedir Tetyanych zu und lässt sich auch von Musiker*innen, Improvisator*innen und Künstler*innen wie Don Cherry und Mocki Cherry inspirieren. Diese Synthese bietet einen dynamischen Ausgangspunkt, um das Konzept der Seelenwanderung als performative, künstlerische und kollektive Praxis zu erforschen. »Grounded Outer Space People« lädt multidisziplinäre Künstler*innen mit unterschiedlichem Hintergrund ein, das zeitgenössische Verständnis von Migration mit Hilfe eines ephemeren Musikensembles zu erweitern, und schlägt ein kritisches Mapping vor, aus dem die Poetik geographischer Verdrängung hervorgehen könnte.

Für das Publikum öffnet zum ersten Mal auch die »Transmigration Library«, eine sich ständig wandelnde Sammlung von Büchern, die speziell auf der Grundlage von Kats‘ Forschungsinteressen im Bereich Klang und Musik, ebenso wie aus einer politisch engagierten künstlerischen Praxis heraus, ausgewählt wurden. Indem das Projekt spielerisch die Idee der Seelenwanderung aufgreift und ein Leben nach dem anderen annimmt, verweist es auf die sehr konkreten Dimensionen eines Körpers, einer Familie, eines Landes, eines Planeten und einer Geschichte. Diese kosmische Landschaft, die furchtlos mit Geist und Mythos, dem Akt des Storytellings, verwoben ist, kommt den Besucher*innen auf halbem Weg entgegen und lädt dazu ein, vorgegebene Beziehungsmodelle zu verlernen.

Ein offenes Veranstaltungsprogramm aus Präsentationen, Konzerten, Listening Session und Ausstellungsführung begleitet das Projekt im Oktober und November. 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Grounded Outer Space People

14.10. – 19.11. 2022

Artist residency and Music ensemble by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt,
Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening with DJ on 13.10. 2022, 6 to 10 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

On 13.10.2022 »Grounded Outer Space People« by Anton Kats opens from 6 to 10 pm a performative exhibition at Galerie Wedding marking the latest iteration of the nomadic project with live performances and DJs.

»Grounded Outer Space People« is a nomadic artist residency/music ensemble investigating the relationship between transmigration and music. Operating in a temporary studio the group of artists inhabits the gallery space and expands the exhibition-like frame through ensemble rehearsals, concerts, presentations, performances, sound- and visual works, and workshops. Upscaled scores and drawings extend over the gallery walls setting forth the launch of »Vostok 7« vinyl, a radio play conceived as a reenactment of the spaceship that has yet to be built. Driven through the perceptual shift from the visual to the sonic, the project operates a mobile sound system, a radio station, and a listening space full of musical instruments and sonic devices.

Anton Kats (*1983 in Kherson) is a Ukrainian visual artist, musician, and dancer. At a moment when most political concepts fail, the artist turns to the protagonists of Ukrainian cosmism such as Fedir Tetyanych, also drawing inspiration from musicians, improvisers, and artists such as Don Cherry and Mocki Cherry. This synthesis offers a dynamic starting point to explore and expand the concept of transmigration as a performative, artistic, and collective practice. Inviting multidisciplinary artists from different backgrounds to explore and expand the contemporary understanding of migration through an ephemeral music ensemble, »Grounded Outer Space People« propose a critical mapping from which the poetics of displacement might emerge.

Opening doors to the first iteration of the »Transmigration Library« the audience is invited to engage with an ever-changing collection of books curated through Kats‘ practice in sound, music, and politically engaged artistic practice. Playfully embracing the notion of reincarnation, taking one lifetime at a time, the project points towards the very concrete dimensions of a body, family, country, planet, and history. Fearlessly entangled with spirit and mythos, the act of storytelling, this cosmic landscape meets the visitor halfway and invites to unlearning of predetermined relational models.

An event program with presentations, concerts, a listening session, and an exhibition tour accompanies the project in October and November. 

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

14.10. bis 19.11. 2022

Performative Ausstellung mit Künstler*innenresidenz und Musikensemble von Anton Kats

mit Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh,
Jared Meier-Klodt, Hani Mojtahedy,
Aiko Okamoto, und Ziggy Zeitgeist

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung mit DJ am 13.10. 2022, 18 bis 22 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Am 13.10.2022 von 18 bis 22 Uhr eröffnet »Grounded Outer Space People« von Anton Kats, eine performative Ausstellung in der Galerie Wedding, die die neuste Ausgabe des nomadischen Projekts mit Live-Performances und DJs präsentiert. 

»Grounded Outer Space People« ist eine nomadische Künstler*innenresidenz und ein Musikensemble, das die Beziehung zwischen »transmigration« und Musik untersucht. Die in einem temporären Studio arbeitende Künstler*innengruppe bespielt den Galerieraum und erweitert den ausstellungsartigen Rahmen durch Ensembleproben, Konzerte, Präsentationen, Performances, Klang- und Bildarbeiten sowie Workshops. 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Grounded Outer Space People

14.10. – 19.11. 2022

Artist residency and Music ensemble by Anton Kats

with Anja Jadryschnikova, Khaled Kurbeh, Jared Meier-Klodt,
Hani Mojtahedy, Aiko Okamoto, and Ziggy Zeitgeist

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening with DJ on 13.10. 2022, 6 to 10 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

On 13.10.2022 »Grounded Outer Space People« by Anton Kats opens from 6 to 10 pm a performative exhibition at Galerie Wedding, Berlin marking the latest iteration of the nomadic project with live performances and DJs.

»Grounded Outer Space People« is a nomadic artist residency/music ensemble investigating the relationship between transmigration and music. Operating in a temporary studio the group of artists inhabits the gallery space and expands the exhibition-like frame through ensemble rehearsals, concerts, presentations, performances, sound- and visual works, and workshops.

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Musicboard Berlin.

20.08. bis 01.10. 2022

Eine Ausstellung von Rüzgâr Buşki

Kuratiert von Nadine Isabelle Henrich

Eröffnung (alkoholfreie Veranstaltung) am 19.08.2022, 19 bis 22 Uhr mit DJ İpek und MC Josh

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

In Rüzgâr Buşkis Einzelausstellung Wayward manifestieren sich Transidentität und Queerness nicht als utopische Zukunftsvision, sondern als eine unaufhaltsame Praxis und intersektionale Erzählung, die eine relationale Ästhetik entfaltet. Diese wird in der Ausstellung erfahrbar durch Film-Installationen, Siebdrucke und ausgewählte Skizzen.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Wayward

20.08. – 01.10. 2022

Exhibition by Rüzgâr Buşki

Curated by Nadine Isabelle Henrich

Opening (sober event) on 19.08.2022, 7 to 10 pm with DJ İpek and MC Josh

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

In Rüzgâr Buşki’s solo exhibition Wayward trans-identity and queerness manifest not as an utopian vision of the future, but an unstoppable practice. By intersectional storytelling unfolds a relational aesthetic that can be experienced in the exhibition through film installations, screen-prints and selected sketches.

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

20.08. bis 01.10. 2022

Eine Ausstellung von Rüzgâr Buşki

Kuratiert von Nadine Isabelle Henrich

Eröffnung (alkoholfreie Veranstaltung) am 19.08.2022, 19 bis 22 Uhr mit DJ İpek und MC Josh

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

In Rüzgâr Buşkis Einzelausstellung Wayward manifestieren sich Transidentität und Queerness nicht als utopische Zukunftsvision, sondern als eine unaufhaltsame Praxis und intersektionale Erzählung, die eine relationale Ästhetik entfaltet. Diese wird in der Ausstellung erfahrbar durch Film-Installationen, Siebdrucke und ausgewählte Skizzen.

Landkarten, tierische und menschliche Körper bilden den Ausgangspunkt, an dem sich Besucher*innen und dey Künstler*in begegnen, an denen Transformation und Reflektion dicht bei einander geschehen. Es herrscht ein Zustand des Ineinanderfließens, des Übergangs und der Hybridität, der den Blick auf individuelle wie kollektive Körper und Identität prägt. Dies ist jedoch nicht mit einer Abwesenheit von Spannung, Konflikt und Kollisionen gleichzusetzen – die Figuren sind ineinander verschlungen, verbunden und ineinander verkeilt.

Der Titel Wayward bezieht sich in seinen verschiedenen Bedeutungen auf Eigenschaften, welche je nach Kontext positiv oder negativ konnotiert sind: starrköpfig, willensstark, unberechenbar, widerständig. Er beschreibt eine Haltung oder ein Verhalten, das von Anderen nicht erwartet und als sich den sozialen Normen nicht beugend verstanden wird. Das Streben, außerhalb der normativen Schablonen in Selbstbestimmung und mit Integrität zu existieren, bildet das Zentrum in Rüzgâr Buşkis künstlerischer Praxis. Wayward präsentiert eine Übersicht an Arbeiten, die zwölf Jahre filmischen Schaffens, künstlerischer Praxis, LGBTQIA+ Aktivismus und Community-Arbeit umspannt.

Zu der Ausstellung finden im September vielfältige Veranstaltungen statt: Ein Siebdruckworkshop für Kinder, eine Fahrradtour im Rahmen der KGB-Kunstwoche und der Workshop »Connect to your super power – connect to your Voice«.

Im Text wird angelehnt an das Englische »they« im Deutschen »dey/deren/demm« als Pronomen für nicht-binäre Menschen verwendet.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Wayward

20.08. – 01.10. 2022

Exhibition by Rüzgâr Buşki

Curated by Nadine Isabelle Henrich

Opening (sober event) on 19.08.2022, 7 to 10 pm with DJ İpek and MC Josh

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

In Rüzgâr Buşki’s solo exhibition Wayward trans-identity and queerness manifest not as an utopian vision of the future, but an unstoppable practice. By intersectional storytelling unfolds a relational aesthetic that can be experienced in the exhibition through film installations, screen-prints and selected sketches.

Maps, animal and human bodies are the starting point where the visitors and the artist can join for revision and transformation processes. There is a state of confluence, transition and hybridity that shapes the view of individual and collective bodies and identity. However, this is not to be equated with an absence of tension, conflict, collisions and wedging – the figures are intertwined, connected and touching each other.

The title Wayward, in its various meanings, refers to qualities that can have positive or negative connotations depending on the context: headstrong, willful, unpredictable, resistant. It is an attitude or behavior that is not expected by others and is perceived as not conforming to social codes. The striving to exist outside the normative templates in self-determination and integrity is the central theme towards which Rüzgâr Buşki’s practice gravitates. Wayward presents a survey of works spanning 12 years of filmmaking, LGBTQIA+ activism, art-making and community work.

A variety of events will be upcoming in September to accompany the exhibition: A screen-printing workshop for children, a bicycle tour as part of „KGB Kunstwoche“, and the „Connect to your super power – connect to your Voice“ workshop. 

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

03.06. bis 30.07.2022

Ausstellung mit Werken von Viron Erol Vert, RA Walden, Jimmy Robert und temporären Interventionen von u.a. André Uerba und Angela Alves in der Galerie Wedding & auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

Für ACROSS hat der bildende Künstler Viron Erol Vert den “Flexible Colour Circle” geschaffen, eine öffentliche und bewohnbare Skulptur-Bühne auf dem Rathausvorplatz in Wedding. Sie dient als Movement Research Bereich für Performances und als Raum für Begegnungen mit und für die Weddinger Bevölkerung. Bei der Gestaltung dieser farbenfrohen Außenbühne ließ sich Vert von den Farbtafeln der Künstlerin Emily Noyes Vanderpoel (1842-1939) inspirieren, die sich mit der imaginären Wirkung von Farben beschäftigte, sowie von Johann Wolfgang von Goethes (1749-1832) Farbenlehre und Johannes Ittens (1888-1967) Farbrad und seinen Überlegungen zur Beeinflussung von Farbe auf Form. Die ACROSS-Ausstellung im Freien wird durch eine Ausstellung in den Räumen der Galerie Wedding ergänzt, in der Werke der Künstler RA Walden, Jimmy Robert und Intervention von u.a. André Uerba und Angela Alves gezeigt werden, die sich mit dem Moment der angehaltenen Bewegung auseinandersetzen

RA Walden kleidet die Galerie Wedding mit „A SCORE FOR REST(YIELDING)“, einem großformatigen Wandtext über die zufälligen Bewegungen von Staub, aus, der als verkörperte Science-Fiction präsentiert wird. Eine aus Aufnahmen außerirdischer Winde bestehende Klangkomposition ergänzt und erweitert den Text. Waldens Arbeit erforscht die Überschneidungen zwischen Krankheit, Behinderung, Bewegung und Technologie: Welche Verbindungen gibt es, welche Formen von Aktionen, Protest und Zukunftsvorstellungen sind möglich?

In seinem fotobasierten und architektonischen Kunstwerk „Untitled (Pilé VII)“ platziert Jimmy Robert die Fotografie eines ruhenden Tänzers in menschlicher Größe auf einem Sockel, seinen Rücken dem/der Betrachter*in zugewandt. Indem er die spezifischen Eigenschaften der in seiner Arbeit verwendeten Materialien hervorhebt, sowohl in der Ausstellung als auch im Aufführungsraum selbst, macht er sie zu Verbündeten im performativen Prozess und hebt die Trennung zwischen Objekt und Körper, Bild und Raum, Lebendigkeit und Stille auf.

Der Film von André Uerba „INVITING MOMENTS OF STILLNESS“ ist eine choreografisch-performative Erkundung der Berührung. Durch Verlangsamung und Konzentration auf den Körper erproben er und seine Mitstreiter*innen verschiedene Formen des Kennenlernens und der gegenseitigen Wahrnehmung als Mittel zur Entdeckung des Zusammenseins.

„REST“ ist eine Installation von Angela Alves im Movement Research Center der Galerie Wedding. Die Arbeit nähert sich dem Ruhen als einem Akt der Selbstfürsorge, der Hingabe und der Rebellion. Die Künstlerin lädt Menschen mit unterschiedlichem Hintergrund ein, sie im Bett zu besuchen und über ihre Beziehung zum Ruhen zu sprechen. Die Audioaufnahmen der Bettgespräche lassen Stimmen zu Wort kommen, die zu politischen Formulierungen werden, sobald sie die private Sphäre verlassen. Geschichten vom Kämpfen, Bewältigen, Widerstehen. Geschichten vom Feiern, Lieben, Schaffen. Die Installation ist bis zum 30. Juni zu sehen.

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Movement Research ACROSS Exhibition

03.06. – 30.07.2022

Exhibition with works by Viron Erol Vert, RA Walden, Jimmy Robert and temporary interventions by a.o. André Uerba and Angela Alves at Galerie Wedding & on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

Curated by Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

For the occasion of ACROSS, visual artist Viron Erol Vert created “Flexible Colour Circle”, a public and inhabitable stage, set in Wedding’s town hall square (Rathausvorplatz). It serves as a Movement Research area for performances and a space for encounters with and for the people of Wedding. When designing the outdoor colourful stage, Vert was inspired by artist Emily Noyes Vanderpoel’s (1842-1939) colour charts studying the imaginary effects of colour, Johann Wolfgang von Goethe‘ theory of colour as well as Johannes Itten’s (1888-1967) colour wheel and ideas of how colour influences shape. This outdoor part of ACROSS is complemented by an indoor exhibition at Galerie Wedding with works by RA Walden and Jimmy Robert with interventions a.o. by André Uerba and Angela Alves, exploring the moment of arrested or accidental movement .

RA Walden presents the work “a score for rest (yielding)” and thereby invests Galerie Wedding with a large-scale wall text on the accidental movements of dust, presented as embodied science fiction. The text is complemented by a new sound piece composed from field recordings of extra-terrestrial winds. Walden’s work explores the intersections between sickness, disability, movement, and technology: What are the connections, what forms of action, protest and imagined futures are possible? 

In this photo-based and architectural artwork, Jimmy Robert places a human-scale resting dancer photograph on a plinth, his back turned towards the audience. By emphasising the specific properties of the materials used in his work, in the exhibition as well as the performance space itself, he turns them into a partner within the performative process, extinguishing the divide between object and body, image and space, liveness and stillness.

„INVITING MOMENTS OF STILLNESS“ is a film by André Uerba, where the choreographic-performative exploration of touch, slow pace and togetherness are key themes. By slowing down and focussing on the body, he and his co-residents test different forms of becoming acquainted with, and sensing, one another as a means of uncovering togetherness.

„REST“ is an installation by Angela Alves at Movement Research Center at Galerie Wedding. It is an ongoing project about the practice of resting. The work approaches resting as an act of self-care, surrender and rebellion. It empowers those who spend a lot of time in bed to have their voices heard and to reveal perspectives on resting as a cultural and political technology. The artist invites people with different backgrounds to visit her in bed and talk about their relationship to rest. Audio recordings of the bed meetings present voices that become political wordings as soon as they leave the private sphere. Stories of struggling, coping, resisting. Stories of celebrating, loving, creating. The installation is on view until June 30.

02.06.2022 zwischen 17 und 22 Uhr eine Ausstellungseröffnung von Viron Erol Vert, RA Walden, Jimmy Robert und Interventionen von u.a. André Uerba und Angela Alves in der Galerie Wedding & auf dem Rathausvorplatz Wedding (neben der Galerie Wedding)

Bewohnbare Bühne im Außenraum – Ausstellung im Innenraum

Für ACROSS hat der bildende Künstler Viron Erol Vert den „Flexible Colour Circle“ geschaffen, eine öffentliche und bewohnbare Skulptur-Bühne auf dem Rathausvorplatz in Wedding. Sie dient als Movement Research Bereich für Performances und als Raum für Begegnungen mit und für die Weddinger Bevölkerung. Bei der Gestaltung dieser farbenfrohen Außenbühne ließ sich Vert von den Farbtafeln der Künstlerin Emily Noyes Vanderpoel (1842-1939) inspirieren, die sich mit der imaginären Wirkung von Farben beschäftigte, sowie von Johann Wolfgang von Goethes (1749-1832) Farbenlehre und Johannes Ittens (1888-1967) Farbrad und seinen Überlegungen zur Beeinflussung von Farbe auf Form. Die ACROSS-Ausstellung im Freien wird durch eine Ausstellung in den Räumen der Galerie Wedding ergänzt, in der Werke der Künstler RA Walden, Jimmy Robert und Intervention von u.a. André Uerba und Angela Alves gezeigt werden, die sich mit dem Moment der angehaltenen Bewegung auseinandersetzen.

RA Walden wird die Galerie Wedding mit einem großformatigen Wandtext über die zufälligen Bewegungen von Staub auskleiden, der als verkörperte Science-Fiction präsentiert wird. Eine aus Aufnahmen außerirdischer Winde bestehende Klangkomposition ergänzt und erweitert den Text. Waldens Arbeit erforscht die Überschneidungen zwischen Krankheit, Behinderung, Bewegung und Technologie: Welche Verbindungen gibt es, welche Formen von Aktionen, Protest und Zukunftsvorstellungen sind möglich?

In seinem fotobasierten und architektonischen Kunstwerk platziert Jimmy Robert die Fotografie eines ruhenden Tänzers in menschlicher Größe auf einem Sockel, seinen Rücken dem/der Betrachter*in zugewandt. Indem er die spezifischen Eigenschaften der in seiner Arbeit verwendeten Materialien hervorhebt, sowohl in der Ausstellung als auch im Aufführungsraum selbst, macht er sie zu Verbündeten im performativen Prozess und hebt die Trennung zwischen Objekt und Körper, Bild und Raum, Lebendigkeit und Stille auf.

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Movement Research ACROSS

02.06.2022 between 5 and 10 pm an exhibition opening by Viron Erol Vert, RA Walden, Jimmy Robert and interventions by a.o. André Uerba and Angela Alves at Galerie Wedding & on Town Hall Square Wedding (next to Galerie Wedding)

Inhabitable Outdoor Stage and Indoor Exhibition

For the occasion of ACROSS, visual artist Viron Erol Vert created “Flexible Colour Circle”, a public and inhabitable stage, set in Wedding’s town hall square (Rathausvorplatz). It serves as a Movement Research area for performances and a space for encounters with and for the people of Wedding. When designing the outdoor colourful stage, Vert was inspired by artist Emily Noyes Vanderpoel’s (1842-1939) colour charts studying the imaginary effects of colour, Goethe‘ theory of colour as well as Johannes Itten’s (1888-1967) colour wheel and ideas of how colour influences shape. This outdoor part of ACROSS is complemented by an indoor exhibition at Galerie Wedding with works by RA Walden and Jimmy Robert with interventions a.o. by André Uerba and Angela Alves, exploring the moment of arrested or accidental movement .

RA Walden presents the work “a score for rest (yielding)” and thereby invests Galerie Wedding with a large-scale wall text on the accidental movements of dust, presented as embodied science fiction. The text is complemented by a new sound piece composed from field recordings of extra-terrestrial winds. Walden’s work explores the intersections between sickness, disability, movement, and technology: What are the connections, what forms of action, protest and imagined futures are possible?  

In this photo-based and architectural artwork, Jimmy Robert places a human-scale resting dancer photograph on a plinth, his back turned towards the audience. By emphasising the specific properties of the materials used in his work, in the exhibition as well as the performance space itself, he turns them into a partner within the performative process, extinguishing the divide between object and body, image and space, liveness and stillness.

*English version below

Kreative Raumgestaltung durch Tanz, Open-Air-Performances und eine sozial-bewohnbare Bühne im Berliner Wedding. 

02.06.2022 bis 30.07.2022

Rathausvorplatz Wedding & Galerie Wedding

Mit Medhat Aldaabal, Lois Alexander, Angela Alves, Tatiana Echeverri Fernandez, Va-Bene Elikem Fiatsi, Jule Flierl, Carrie Hampel, Alexandra Hennig, Roni Katz, Justin F. Kennedy, Éva Mag/Krump Berlin, Tatjana Mahlke & Sonia Robak, Rachel Monosov, Namosh, Anna Nowicka, Jimmy Robert, Moran Sanderovich, Sloush+Zarrt, Colin Self, André Uerba, Viron Erol Vert, RA Walden.

Kuratiert von Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen und Kathrin Pohlmann

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

Bewegung, Vielfalt, Festlichkeit, Transformation. Mit ACROSS fragen wir, wie wir als Nachbar*innen, als Menschen mit unterschiedlichen Biographien und als Menschen mit verletzlichen Körpern im öffentlichen Raum durch künstlerische Interventionen und Choreographien zusammenkommen können, über Krisen und die Grenzen von Communities hinweg. ACROSS ist eine sozial dynamische Veranstaltungsreihe mit mehr als 16 Performances, konzipiert von einem Team von Kurator*innen aus der Freien Szene Berlins, initiiert und realisiert von XO Curatorial Projects. 

Während unserer Recherchen in den letzten zwei Jahren des Lockdowns haben wir ein starkes Bedürfnis nach körperlichen und improvisierten spontanen Begegnungen und Treffen, neuen Erkundungen sowie Austausch und Interaktion festgestellt. Wie können künstlerische oder bewegungsorientierte Interventionen den öffentlichen Raum in Berlin Wedding zu einem Safer Space für alle Menschen machen?

ACROSS bringt internationale, in Berlin ansässige Tänzer*innen, Künstler*innen, Musiker*innen und ein vielfältiges Publikum in einem urbanen Umfeld zusammen, wobei der Schwerpunkt auf unkonventionellen Bewegungen liegt.

Bewohnbare Außenbühne und Innenausstellung

Im Rahmen von ACROSS schuf der bildende Künstler Viron Erol Vert den „Flexible Colour Circle“, eine öffentliche und bewohnbare Bühne auf dem Rathausvorplatz in Wedding. Sie dient als Movement Research Bereich für Performances und als Raum für Begegnungen mit und für die Weddinger Bevölkerung. Bei der Gestaltung der farbenfrohen Außenbühne ließ sich Vert von den Farbtafeln der Künstlerin Emily Noyes Vanderpoel (1842-1939) inspirieren, die sich mit der imaginären Wirkung von Farben beschäftigte, sowie von Goethes Farbenlehre und Johannes Ittens (1888-1967) Farbrad und den Ideen darüber, wie Farbe die Form beeinflusst. Dieser Teil der ACROSS-Ausstellung im Freien wird durch eine Ausstellung in den Räumen der Galerie Wedding ergänzt, in der Werke der Künstler RA Walden, Jimmy Robert und Intervention von u.a. André Uerba und Angela Alves gezeigt werden, die sich mit dem Moment der angehaltenen Bewegung befassen.

Durchgeführt von XO Curatorial Projects und der Galerie Wedding

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Movement Research ACROSS

Creative space making through dance, outdoor performance and a social inhabitable stage in Wedding, Berlin.

02.06. – 30.07. 2022

With Medhat Aldaabal, Lois Alexander, Angela Alves, Tatiana Echeverri Fernandez, Jule Flierl, Carrie Hampel, Alexandra Hennig, Roni Katz, Justin F. Kennedy, Éva Mag/Krump Berlin, Tatjana Mahlke & Sonia Robak, Rachel Monosov, Namosh, Anna Nowicka, Jimmy Robert, Moran Sanderovich, Sloush+Zarrt, Colin Self, André Uerba, Viron Erol Vert, RA Walden.

Curated by Nitsan Margaliot, Solvej Helweg Ovesen and Kathrin Pohlmann

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22

Movement, Diversity, Festivity, Transformation. With ACROSS we ask how we as neighbours, as people with diverse biographies, human beings with vulnerable bodies, can come together in public space through artistic intervention, reaching across communities and crises. ACROSS is a socially dynamic series of events with more than 16 performances brought together by a team of curators from Berlin’s independent scene, initiated and realised by XO Curatorial Projects.

During our research in the last two years of lockdown, we identified a strong need for corporeal and immediate encounters and meetings, for exploration through exchange and interaction. How can multiple artistic interventions turn the public space in Berlin Wedding into a safer space for all people?

ACROSS brings together international Berlin-based dancers, artists, musicians and a diverse audience in an urban setting, with a focus on unconventional movement. 

Inhabitable Outdoor Stage and Indoor Exhibition

For the occasion of ACROSS, visual artist Viron Erol Vert created “Flexible Colour Circle”, a public and inhabitable stage, set in Wedding’s town hall square (Rathausvorplatz). It serves as a Movement Research area for performances and a space for encounters with and for the people of Wedding. When designing the outdoor colourful stage, Vert was inspired by artist Emily Noyes Vanderpoel’s (1842-1939) colour charts studying the imaginary effects of colour, Goethe‘ theory of colour as well as Johannes Itten’s (1888-1967) colour wheel and ideas of how colour influences shape. This outdoor part of ACROSS is complemented by an indoor exhibition at Galerie Wedding with works by RA Walden and Jimmy Robert with interventions a.o. by André Uerba and Angela Alves, exploring the moment of arrested movement.

Executed by XO Curatorial Projects and Galerie Wedding

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und der Senatsverwaltung für Wirtschaft, Energie und Betriebe.

08.04. bis 21.05. 2022

Eine Ausstellung von Irene Fernández Arcas

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 07.04 2022, 19 bis 22 Uhr

Hot shot de Yoggaton + DJ Set mit Maque Pereyra ab 19 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Irene Fernández Arcas bietet mit farbenfrohen und humorvollen Gemälden, Keramiken, Filmen und Ritualen einen alternativen mentalen und physischen Raum zu dem rauen Großstadtdschungel. Die Ausstellung  spricht Menschen in jeden Alters an und bietet ein sanftes Ankommen im Frühling, trotz der Turbulenzen, die sich seit Winter ereignen.

Yoggaton ist Yoga & Reggaeton, spiritueller Aktivismus und Perreo. Körper zu dekolonisieren und Binäres herauszufordern.
Dj-Set: Maque Tumai a.k.a Maque Pereyra bringt terremoto pa tu cola. Old Skool Reggaeton, Neoperreo, Cumbiatón, Turreo und weltweite Booty Beats.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Existing Otherwise – Inner Jungle

08.04. – 21.02. 2022

Exhibition by Irene Fernández Arcas

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening on 07.04. 2022, 7 to 10 pm

Hot shot de Yoggaton + DJ Set mit Maque Pereyra ab 19 Uhr

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

With her colourful and humorous paintings, ceramics, films and rituals, Irene Fernández Arcas provides an alternative mental and physical space out of the harsh urban jungle. The exhibition addresses people of all ages and offers a soft landing into spring, despite the turbulences that have been happening since winter.

Yoggaton ιѕ ψσɡα & ɾεɡɡαε ϯση, ѕpιrιтυal acтιvιѕм & ℙℰℛℛℰᎾ. тo decolonιze вodιeѕ & тo cнallenge вιnarιeѕ
Dj set: Maque Tumai a.k.a Maque Pereyra brings terremoto pa tu cola. Old skool reggaeton, neoperreo, cumbiatón, turreo and worldwide booty beats.

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

08.04. bis 21.05. 2022

Eine Ausstellung von Irene Fernández Arcas

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 07.04 2022, 19 bis 22 Uhr

Hot shot de Yoggaton + DJ Set mit Maque Pereyra ab 19 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Die Künstlerin bietet mit farbenfrohen und humorvollen Gemälden, Keramiken, Filmen und Ritualen einen alternativen mentalen und physischen Raum zu dem rauen Großstadtdschungel. Die Ausstellung  spricht Menschen in jeden Alters an und bietet ein sanftes Ankommen im Frühling, trotz der Turbulenzen, die sich seit Winter ereignen.

Irene Arcas Fernandéz beschreibt den Inner Jungle (Innerer Dschungel) als „ein utopischer innerer Schutzraum, ein Zufluchtsort, vielleicht voller Licht, Landschaftserinnerungen oder einfach ein imaginärer Ort. Wir alle können solche inneren Räume mit sehr wenig Mitteln schaffen – auch Kinder, es ist kein spezielles Lernen nötig. Wenn man sich einen inneren Dschungel schafft und dorthin bewegt, findet man alles, was man sucht, z. B. Ruhe oder Entspannung“. 

Der Altar ist ein zentrales Gestaltungsmittel in Fernández Arcas Installationen, auch im „Inneren Dschungel“. Hier verwandelt sich der Ausstellungsort in einen physisch weichen Raum, in dem es sowohl Platz für Trauer als auch für Erleichterung oder gar körperliche Auflösung gibt. Es gibt einen Altar, keinen religiösen, aber einen Ort, der eine Menge Schönheit und heilende Energien in sich vereint. 

So viel ihr die Malerei und Keramik auch bedeutet, für Irene Fernández Arcas ist die Zusammenarbeit mit anderen die höchste Form der Kunst. Mit der Ausstellung Inner Jungle versucht sie mit einer Reihe von Mitgestalter*innen sowie dem Team der Galerie Wedding ein Gesamtkunstwerk zu entfalten. Zahlreiche Veranstaltungen werden die Ausstellung begleiten: Yoggaton zur Eröffnung, Künstlerin/Kuratorinnenn-Führung, Lesung und Ritual sowohl als Flamenco zum Gallery Weekend, Kindertanz auf dem Rathausvorplatz, und ein Konzert als Finissage. Irene Fernández Arcas erklärt zur farbenprächtigen, einladenden Ausstellung umhüllender Malerei : „Die von mir geschaffenen Räume sind Materialisierungen unseres inneren Dschungels. Es sind Räume, um anders zu existieren, rein und im Moment.“ 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Existing Otherwise – Inner Jungle

08.04. – 21.05. 2022

Exhibition by Irene Fernández Arcas

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening on 07.04. 2022, 7 to 10 pm

Hot shot de Yoggaton + DJ Set with Maque Pereyra, 7 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

With her colourful and humorous paintings, ceramics, films and rituals, the artist provides an alternative mental and physical space out of the harsh urban jungle. The exhibition addresses people of all ages and offers a soft landing into spring, despite the turbulences that have been happening since winter. 

Irene Fernandéz Arcas describes the Inner Jungle as „a utopian inner safe space, a refuge, full of lights maybe, landscape memories, or simply an imaginary place. We can all create such inner spaces with very little tools – also children, there is for specific learning. If you create an inner jungle and go there, you can find whatever you want to find, such as peace or relaxation.“ 

The altar is a vital design element in Fernández Arcas’s installations in general, and in the Inner Jungle in particular. Here, the exhibition space is transformed into a tangible soft space where there is room for both mourning and relief, or even a sense of bodily dissolution. There is an altar, not a religious one, but a site that holds a lot of beauty and healing energies. 

As much as painting and ceramics mean to her, for Irene Fernández Arcas, collaboration with others is the highest form of art. With the exhibition Inner Jungle, she is attempting to unfold a „Gesamtkunstwerk“, a total work of art, in cooperation with a number of co-creators and the team at Galerie Wedding. Various events will accompany the exhibition: Yoggaton at the opening, a guided tour by the artist and curator, a reading and ritual as well as flamenco for the Gallery Weekend, kids‘ dance on the square in front of the town hall, and a concert at the finissage. Irene Fernández Arcas comments on the colourful, enveloping exhibition of paintings: „The spaces I create are materialisations of our inner jungle. They are spaces to exist otherwise, pure and in the moment.“

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

Eine Ausstellung von Sarah Ama Duah und Ato Jackson

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 24.02. 2022, 19 bis 22 Uhr

Performance von Sarah Ama Duah am 24.02.2022, um 19 Uhr, gefolgt von einem DJ Set von Hulay Dusha.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Sarah Ama Duah, die sowohl Künstlerin als auch Designerin ist, erschafft in ihrer Arbeit „to build to bury to remember“ ein alternatives, temporäres Denkmal aus Latex mit ihrem eigenen Körper. Darüber hinaus lädt sie Performer*innen ein, sich mit ihr in ein Universum zu begeben, das verborgene, aber profane Formen besetzt und mit ihnen verschmilzt. „Ich interessiere mich für die Idee von Denkmälern als Manifestationen von Ideologien, Hierarchien von Körpern, Verehrung und als eine Möglichkeit, über gemeinsame Werte und Utopien nachzudenken“, sagt sie. Sie ist der Meinung, dass imperiale Denkmäler im öffentlichen Raum den Menschen entweder das Gefühl geben, zu Hause zu sein oder nicht dazuzugehören. Wie können neue Denkmäler stattdessen dazu beitragen, eine gemeinsame Grundlage zu schaffen?

Performer*innen: Céline Rodrigues Monteiro, Maleburu Moorosi, Sarah Ama Duah, Sarah Zeryab

Musik: Anchoress (Anna Lucia Nissen)

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Existing Otherwise – Once Way Another

Exhibition by Sarah Ama Duah and Ato Jackson

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening on 24.02. 2022, 7 to 10 pm

Performance by Sarah Ama Duah at 7 pm, followed by a DJ set by Hulay Dusha.

Within the framework of 
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Sarah Ama Duah, who is both an artist and a designer, creates in her work „to build to bury to remember“ an alternative, temporary latex monument with her own body. She also invites performers to join her in a universe that occupies and merges with hidden but profane forms. “I’m interested in the idea of monuments as manifestations of ideologies, hierarchies of bodies, devotion and as a possibility to think about shared values and utopias”, she says. She believes that imperial monuments in public spaces either make people feel at home or that they don’t fit in. She asks, how can new monuments instead help to create a common ground?

Performers: Céline Rodrigues Monteiro, Maleburu Moorosi, Sarah Ama Duah, Sarah Zeryab

Music: Anchoress (Anna Lucia Nissen)

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

25.02. bis 26.03. 2022

Eine Ausstellung von Sarah Ama Duah und Ato Jackson

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 24.02. 2022, 19 bis 22 Uhr

Performance von Sarah Ama Duah am 24.02.2022, um 19 Uhr, gefolgt von einem DJ Set von Hulay Dusha.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Nach der Rückkehr von einer Reise aus Ghana, geprägt von gemeinsamen Erkundungen und Bekanntschaften in Tamale und Kumasi, und der Teilnahme an der Ausstellung „Existing Otherwise – The Future of Coexistence“ im Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA) in Tamale (14. Januar – 30. April 2022) stellen Sarah Ama Duah und Ato Jackson gemeinsam in Berlin aus. 

In den letzten 6 Monaten haben Sarah Ama Duah und Ato Jackson sowohl in Ghana als auch in Deutschland ihre Kunstwerke zum Thema “anders existieren“ produziert. Von einer intimen Untersuchung darüber, wie Online-Aktivitäten und “Socializing“ unser tägliches Leben, unsere Gewohnheiten und unsere Posen beeinflussen, bis hin zur öffentlichen Debatte über postkoloniale Denkmäler und deren notwendigen Austausch, nähern sich die beiden Künstler*innen dem Thema „anders existieren“ aus unterschiedlichen Blickwinkeln. Sie teilen eine unermüdliche Neugier auf die zeitgenössische visuelle Kultur, den Einfluss ethischer und digitaler Veränderungen auf das Porträtieren, die Performativität und das Posieren in öffentlichen Situationen. 

Der ghanaische Künstler, Ato Jackson schafft architektonische Interventionen mit seinen anspruchsvollen und farbenfrohen Siebdrucken, z. B. auf Plastikhintergründen, und liefert so seine Bilder (u.a. Selfies) von Instagram dem Wetter, menschlichen Berührungen und der städtischen Landschaft aus. Jackson beschäftigt sich intensiv mit der neuen Gewohnheit der Menschen, online zu leben, indem er sich kritisch mit den sozialen Medien als Ort der Bildproduktion auseinandersetzt, insbesondere mit Porträts in seinen jüngsten Arbeiten. Seine Siebdruck-Serie „For the Gram“ ist eine Studie über visuelle Kultur und darüber, wie Menschen ihre Haltung an die Online-Existenz und vielleicht den Verlust der Präsenz anpassen.

Die deutsch-ghanaische Künstlerin und Designerin, Sarah Ama Duah, interessiert sich in ihrer Arbeit “to build to bury to remember” für die Idee von Denkmälern als Manifestationen von Ideologien, Hierarchien von Körpern, Verehrung und als eine Möglichkeit, über gemeinsame Werte und Utopien nachzudenken. In ihrer Arbeit als Performerin stellt sie der Tatsache entgegen, dass die meisten Denkmäler und deren Geschichtsschreibung überall auf der Welt von männlichen Körpern stammen und ein Gutteil davon strukturellen Rassismus repräsentiert. In ihrer Installation und Performance in der Galerie Wedding reflektiert Duah den fetischisierten Status des historischen Denkmals, aber auch des weiblichen Körpers. Während ihrer Performance am 24.02. um 19 Uhr wird Sarah Ama Duah mit ihrem eigenen Körper alternatives, temporäres Denkmal erschaffen.

Weitere Veranstaltungen: 

»Existing Otherwise – The Future of Coexistence« – Rückblick auf die Reise nach Ghana und Community Event mit Jollof Reis am 26.02. 2022, 14 bis 17 Uhr

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Existing Otherwise – Once Way Another

25.02. – 26.03. 2022

Exhibition by Sarah Ama Duah and Ato Jackson

Curated by Solvej Helweg Ovesen

Opening on 24.02. 2022, 7 to 10 pm

Performance by Sarah Ama Duah at 7 pm, followed by a DJ set by Hulay Dusha.

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Returning from a journey of collective explorations and acquaintances in Tamale and Kumasi, Ghana, and participating in the exhibition “Existing Otherwise – The Future of Coexistence” in Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA) in Tamale (14.01. – 30.04. 2022) Sarah Ama Duah and Ato Jackson exhibit together in Berlin.

Over the past 6 months, Sarah Ama Duah and Ato Jackson, have produced their artworks on the subject of ‘existing otherwise’ in both Ghana and Germany. From an intimate exploration of how online activities and „socialising“ affect our daily lives, habits and poses, to the public debate on postcolonial monuments and their necessary exchange, the two artists approach the theme of „existing otherwise“ from different angles. They share an inert curiosity about contemporary visual culture, the influence of ethical and digital shifts in portraiture, performativity, and posing in public situations. 

Ghanaian artist, Ato Jackson creates architectural interventions with his upscale and colourful silkscreen prints, e.g. on plastic backdrops, and exposes his images (e.g. selfies) from Instagram to the weather, human touches and the urban landscape. Jackson intensively explores this new habit of people living online, critically examining social media as a site of image production, particularly portraiture in his recent work. In the last decade, since the invention of Instagram, social media has dramatically changed our lives. His silkscreen series “For the Gram“ is a study of visual culture and how people adapt their posture to online existence and perhaps the loss of presence.

German-Ghanaian artist and designer, Sarah Ama Duah, is interested in her work “to build to bury to remember” inthe idea of monuments as manifestations of ideologies, hierarchies of bodies, devotion and as a way of thinking about shared values and utopias. In her work as a perfomer, Sarah Ama Duah confronts the fact that most monuments and their writing of the past all over the world are of male bodies and a good part of them represent structural racism. In her installation and performance at Galerie Wedding Duah reflects on the fetishised status of historical monuments, but also of female bodies. During her performance on 24.02. 2022, at 7pm, Sarah Ama Duah will create an alternative, temporary “latex monument” using her own body.

Other events: 

„Existing Otherwise – The Future of Coexistence“ – Throwback to the journey to Ghana and Community Event with jollof rice on 26.02. 2022, 2 – 5 pm

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Goethe-Institut in Accra.

Rückblick auf die Reise nach Ghana und Community Event mit Jollof Reis am 26.02. 2022, 14 bis 17 Uhr

Die Künstler*innen und Kurator*innen werden anwesend sein und kurze Präsentationen über ihre Projekte in Tamale halten.

Vom Wedding nach Westafrika! Die umfangreiche Ausstellung „Existing Otherwise – The Future of Coexistence“ mit 16 Künstlerinnen und Künstlern, die in Ghana und Deutschland leben, an drei architektonisch sehr individuellen, aber auch miteinander verbundenen Orten in Tamale ist der Höhepunkt eines einjährigen Kunstprojekts und künstlerischen Austauschs zwischen Berlin-Wedding und Tamale. Durchgeführt wird das Projekt von der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst, XO Curatorial Projects, SCCA Tamale, Red Clay Studio, Nkrumah Voli-ni und dem Institute for Embodied Creative Practices im Callie’s Berlin. Als die Galerie Wedding aufgrund des pandemiebedingten wirtschaftlichen und sozialen Zusammenbruchs ihren Hauptausstellungsraum für 1,5 Jahre an das Sozialamt in Berlin-Mitte abgeben musste, verlegten wir das künstlerische Programm auf den Rathausvorplatz, zu unseren Nachbar*innen im Callie’s und dann nach Ghana. Während die Folgen der COVID-19-Pandemie das Reisen, die Kommunikation, die Verwaltung internationaler Kunstprojekte sowie den künstlerischen Austausch und die Inspiration weiterhin herausfordern, dient das Programm in Tamale und Berlin dazu, diesen zu widerstehen und neue, nachhaltige Wege des internationalen Ausstellungsmachens und der gemeinschaftlichen Vision zu verfolgen. 

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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Existing Otherwise – The Future of Coexistence

Throwback to the journey to Ghana and Community Event with jollof rice on 26.02. 2022, 2 – 5 pm

The artists and curators will be present and give short presentations about their projects in Tamale.

From Wedding to Westafrica! The extensive exhibition “Existing Otherwise – The Future of Coexistence” with 16 artists, Ghana and Germany based, at three architecturally very individual, but also interconnected venues in Tamale is the culmination of a one-year art project and artistic exchange between Berlin-Wedding and Tamale. The project is carried out by Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst, XO Curatorial Projects, SCCA Tamale, Red Clay Studio, Nkrumah Voli-ni, und The Institute for Embodied Creative Practices at Callie’s Berlin. When Galerie Wedding had to give up its main exhibition space to the Sozialamt in Berlin-Mitte for 1.5 years due to the economic and social collapse caused by the pandemic, we moved the artistic programme to the Rathausvorplatz (square in front of the town hall), to our neighbours at Callie’s and then to Ghana. While the consequences of the COVID-19 pandemic continue to challenge traveling, communication, administration of international art projects as well as artistic exchange and inspiration, the programme in Tamale und Berlin serves to resist these and pursue new, sustainable ways of international exhibition making and communal envisioning.

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

*see English version below

14.01. bis 30.04. 2022

Ausstellung und Re-Schooling Programm

The Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA Tamale), Red Clay und Nkrumah Voli-ni, Tamale, Ghana

Das einjährige Kunstprojekt begann 2021 in Berlin und gipfelt in einer internationalen Ausstellung im Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA Tamale) in Tamale, Ghana, die im Januar 2022 eröffnet wird. Ausgehend von der Idee, dass wir nicht zu einer „Normalität“ vor der Krise zurückkehren wollen, wurden die Künstler*innen Isabel Lewis (The Institute for Embodied Creative Practices, Callie’s, Berlin) und Ibrahim Mahama (Savannah Centre for Contemporary Art/ SCCA Tamale) eingeladen, das Projekt mit zu kuratieren und zu moderieren. Während Lewis‘ Performances, situative Arbeiten und Choreografien unsere Beziehung und Vorstellung von Zusammensein verändern, um uns zu mehr Intimität untereinander zu verhelfen, überdenkt Mahama unsere Beziehung zu Material und Geschichte. Das Kuratorinnenteam hat mit allen eingeladenen Künstler*innen zusammengearbeitet, um eine Vision davon zu entwickeln, wie wir in materieller und relationaler Hinsicht anders existieren können.

mit Ana Alenso (VZ), Ato Jackson (GH), Bernard Akoi-Jackson (GH), Cecilia Vicuña (CL), Eli Cortiñas (ES), Emily Hunt (AU), Ernest Sackitey(GH), Hannah Toticki(DK), Jem Bendell (GB), Rosemary Esinam Damalie (GH), Rüzgâr Buşki (TR), Sarah Ama Duah (DE), Sandra Kyeraa (GH), Selom Kudjie (GH), Sikarnt Skoolisariyaporn (TH), Tracy Naa Koshie Thompson (GH)

Künstlerische Leitung Existing Otherwise & Galerie Wedding
Solvej Helweg Ovesen
Co-Kurator, Gründer SCCA Tamale, Ghana
Ibrahim Mahama
Kuratorische Beratung, Gründerin von The Institute of Embodied Creative Practises, Berlin
Isabel Lewis

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Existing Otherwise
The Future of Coexistence

14.01. to 30.04. 2022

Exhibition and Re-Schooling Programme

The Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA Tamale), Red Clay and Nkrumah Voli-ni, Tamale, Ghana

The one-year-long art project started in Berlin in 2021 and culminates in an international final exhibition at Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA Tamale) in Tamale, Ghana, opening in January 2022. Based on the idea that we do not want to return to any „normality“ before the crisis, the artists Isabel Lewis (The Institute for Embodied Creative Practices, Callie’s, Berlin) and Ibrahim Mahama (Savannah Centre for Contemporary Art/ SCCA Tamale) have been invited to co-curate and co-host the project. Whereas Lewis‘ performances, hostings, and choreographies transform our relation and idea of being together in order to help us to gain more intimacy among each other, Mahama rethinks our relation with material and history. The curatorial team have been working among all invited artists to form a vision of how we can exist otherwise, materially and relationally.

with Ana Alenso (VZ), Ato Jackson (GH), Bernard Akoi-Jackson (GH), Cecilia Vicuña (CL), Eli Cortiñas (ES), Emily Hunt (AU), Ernest Sackitey(GH), Hannah Toticki(DK), Jem Bendell (GB), Rosemary Esinam Damalie (GH), Rüzgâr Buşki (TR), Sarah Ama Duah (DE), Sandra Kyeraa (GH), Selom Kudjie (GH), Sikarnt Skoolisariyaporn (TH), Tracy Naa Koshie Thompson (GH)

Artistic Director
Solvej Helweg Ovesen
Co-curator, founder SCCA, Tamale, Ghana
Ibrahim Mahama
Curatorial advisor, founder The Institute of Embodied Creative Practises, Berlin, Germany
Isabel Lewis

Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses
is funded by the German Federal Cultural Foundation, kindly supported by the DAAD Artists-in- Berlin Program with Funds of the Federal foreign Office and executed and directed by XO Curatorial Projects (Kathrin Pohlmann & Solvej Helweg Ovesen) in close collaboration with Galerie Wedding – Space for Contemporary Art, Berlin, The Institute for Embodied Creative Practices, Berlin and Savannah Centre for Contemporary Art (SCCA), Tamale.

Gespräch zwischen nora chipaumire und Isabel Lewis zur Eröffnung um 18 Uhr

Ausstellungseröffnung mit Live-DJ-Set von zz fya bby um 19 Uhr

Ausstellung von Isabel Lewis und Dirk Bell

26.11. 2021 – 12.02. 2022

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

In der Ausstellung INTIM/E von Dirk Bell und Isabel Lewis, die am 25. November 2021 beginnt, verfolgen die Künstler*innen einen anderen Ansatz zu Fragen der Zweisamkeit und zeitgenössischen Intimität. INTIM/E nimmt die beiden Räume der Galerie Wedding ein und erforscht Formen des begehrenden, verkörperten Seins, die nicht mit den üblicherweise geradlinigen Maßstäben des alltäglichen Lebens übereinstimmen. Die moderierten Situationen („hosted situations“) in der Galerie eröffnen das Potenzial für kollektives Spiel und gesteigerte Empfänglichkeit, die zu Strategien des Widerstands gegen die Standardisierung, Entfremdung und Hyper-Individualisierung des gegenwärtigen urbanen Lebens werden. Während die moderne romantische Liebe und ihre Ausprägung auf dem „Heiratsmarkt“ und in der Produktion der Kleinfamilie von zeitgenössischen Soziolog*innen als Faktor des Modernisierungsprozesses selbst analysiert und theoretisiert wurde, konzentriert sich diese Arbeit auf die romantische Liebe und das Begehren, wie sie in den Lücken von Zeit(en) und Distanz(en) zwischen Menschen und Dingen funktionieren. Lewis und Bell erforschen die Qualitäten, die Ästhetik und die Zeitlichkeit der Liebe und ihrer Ausdrucksformen sowohl in der entfremdeten Gegenwart und Nähe als auch unter den Bedingungen der Distanz, d. h. der durch Zeit und Umstände auseinander gerissenen Liebe. In diesen Lücken, Irritationen und Entgleisungen des Verstehens findet sich vielleicht das, was sich der Quantifizierung und Kommerzialisierung widersetzt, Seins- und Gefühlsweisen, die sich ausweiten, überlaufen, aus der Zeit, aus der Geschichte heraus treten und fragile und temporäre Alternativen in unserem urbanen Leben bilden.

In der Ausstellung von Bell und Lewis entfaltet sich ein Programm, das über die Rolle der Sprache bei der Bildung von Intimitäten nachdenkt. Wissenschaftler*innen zufolge sind 70 % der Kommunikation zwischen Menschen nonverbal. Das bedeutet, dass wir ohne Körpersprache, Gesten, Geruch, Berührung, Kleidungsstil und Stimmung so gut wie gar nicht kommunizieren. Die qualitativen Aspekte der Kommunikation wie das Timbre der Stimme, die Energie oder die „Chemie“ zwischen Menschen oder das Fehlen derselben lassen sich nicht in quantitative und virtuell übertragbare Daten umwandeln. Wir müssen dringend nach Wegen suchen, wie wir weiterhin reichhaltig und umfassend kommunizieren können, um unsere Menschlichkeit zu bewahren und weiter zu entfalten. JUICE: Language Futures reflektiert die Entwicklung der menschlichen Sprache und experimentiert mit Ansätzen, um die Besonderheiten, Möglichkeiten und Grenzen sowohl der verbalen als auch der nonverbalen Kommunikation hervorzuheben und zu betonen. Das Programm präsentiert die Arbeitsweisen von nora chipaumire, Branden Jacobs-Jenkins und Nora Turato.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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INTIM/E

Opening on 25.11. 2021

Conversation with nora chipaumire and Isabel Lewis at 6 pm

Exhibition Opening with live DJ set by zz fya bby at 7pm

Exhibition by Isabel Lewis and Dirk Bell

26.11. 2021 to 12.02. 2022

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

In the exhibition INTIM/E by Dirk Bell and Isabel Lewis starting on the 25th of November, 2021, the artists pursue yet other approaches to questions togetherness and contemporary intimacy. INTIM/E occupies both spaces of Galerie Wedding and explores forms of desirous, embodied being that are out of sync with the ordinarily linear measurements of everyday life. Hosted situations in the gallery open up the potential for collective playfulness and heightened receptivity to become strategies of resistance to the standardization, alienation, and hyper-individualization of contemporary urban life. While modern romantic love and its manifestation in the “marriage market” and production of the family unit have been analyzed and theorized by contemporary sociologists as an agent of the modernisation process itself, this work focuses on romantic love and desire as it operates in the gaps of time(s) and distance(s) between people and things. Lewis and Bell explore the qualities, aesthetics, and temporalities of love and its modes of expression in both the alienating present and proximal as well as in conditions of distance i.e. loves thrown apart by time and circumstance. In these gaps, discomforts, and slippages of understanding are perhaps to be found that which resists quantification and commodification, modes of being and feeling that spill over, out of time, out of historicization forming fragile and temporary alternatives within our urban lives. Within the exhibition of Bell and Lewis a program unfolds that reflects on the role language plays in the intimacies we form. According to scientists 70% of communication between humans is non-verbal. That means that without body language, gestures, smell, touch, dress code and ambience we are hardly communicating at all. The qualitative aspects of communication such as the timbre of voice, the energy or “chemistry” between people, or lack thereof, cannot be made into quantitative data to be transmitted virtually. It is urgent that we explore ways to continue to communicate, richly and fully, in order to preserve and continue to exercise our humanity. JUICE: Language Futures reflects on the evolution of human language and experiments with ways to highlight and emphasize the particularities, possibilities, and limitations of both verbal non-verbal communication and features the artist practices of nora chipaumire, Branden Jacobs-Jenkins, and Nora Turato

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

***

“Existing Otherwise | Anders Existieren” (XO) ist ein Programm der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit XO Curatorial Projects, Berlin. “Existing Otherwise | Anders Existieren” wird realisiert in enger Partnerschaft mit The Institute for Creative Embodied Practices, Callie’s, Berlin, und Savannah Center for Contemporary Art (SCCA), Tamale (Ghana).

Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Bezirkskulturfonds.

Das Programm „Existing Otherwise I Anders Existieren. For a New Politics of the Senses“ ist gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

26.11. 2021 bis 12.02. 2022

Ausstellung von Isabel Lewis und Dirk Bell

Eröffnung am 25.11. 2021 um 19 Uhr

Gespräch zwischen nora chipaumire und Isabel Lewis um 18 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

In der Ausstellung INTIM/E von Dirk Bell und Isabel Lewis, die am 25. November 2021 beginnt, verfolgen die Künstler*innen einen anderen Ansatz zu Fragen der Zweisamkeit und zeitgenössischen Intimität. INTIM/E nimmt die beiden Räume der Galerie Wedding ein und erforscht Formen des begehrenden, verkörperten Seins, die nicht mit den üblicherweise geradlinigen Maßstäben des alltäglichen Lebens übereinstimmen. Die moderierten Situationen („hosted situations“) in der Galerie eröffnen das Potenzial für kollektives Spiel und gesteigerte Empfänglichkeit, die zu Strategien des Widerstands gegen die Standardisierung, Entfremdung und Hyper-Individualisierung des gegenwärtigen urbanen Lebens werden. Während die moderne romantische Liebe und ihre Ausprägung auf dem „Heiratsmarkt“ und in der Produktion der Kleinfamilie von zeitgenössischen Soziolog*innen als Faktor des Modernisierungsprozesses selbst analysiert und theoretisiert wurde, konzentriert sich diese Arbeit auf die romantische Liebe und das Begehren, wie sie in den Lücken von Zeit(en) und Distanz(en) zwischen Menschen und Dingen funktionieren. Lewis und Bell erforschen die Qualitäten, die Ästhetik und die Zeitlichkeit der Liebe und ihrer Ausdrucksformen sowohl in der entfremdeten Gegenwart und Nähe als auch unter den Bedingungen der Distanz, d. h. der durch Zeit und Umstände auseinander gerissenen Liebe. In diesen Lücken, Irritationen und Entgleisungen des Verstehens findet sich vielleicht das, was sich der Quantifizierung und Kommerzialisierung widersetzt, Seins- und Gefühlsweisen, die sich ausweiten, überlaufen, aus der Zeit, aus der Geschichte heraus treten und fragile und temporäre Alternativen in unserem urbanen Leben bilden.

In der Ausstellung von Bell und Lewis entfaltet sich ein Programm, das über die Rolle der Sprache bei der Bildung von Intimitäten nachdenkt. Wissenschaftler*innen zufolge sind 70 % der Kommunikation zwischen Menschen nonverbal. Das bedeutet, dass wir ohne Körpersprache, Gesten, Geruch, Berührung, Kleidungsstil und Stimmung so gut wie gar nicht kommunizieren. Die qualitativen Aspekte der Kommunikation wie das Timbre der Stimme, die Energie oder die „Chemie“ zwischen Menschen oder das Fehlen derselben lassen sich nicht in quantitative und virtuell übertragbare Daten umwandeln. Wir müssen dringend nach Wegen suchen, wie wir weiterhin reichhaltig und umfassend kommunizieren können, um unsere Menschlichkeit zu bewahren und weiter zu entfalten. JUICE: Language Futures reflektiert die Entwicklung der menschlichen Sprache und experimentiert mit Ansätzen, um die Besonderheiten, Möglichkeiten und Grenzen sowohl der verbalen als auch der nonverbalen Kommunikation hervorzuheben und zu betonen. Das Programm präsentiert die Arbeitsweisen von nora chipaumire, Branden Jacobs-Jenkins und Nora Turato.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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INTIM/E

Exhibition by Isabel Lewis and Dirk Bell

26.11. 2021 to 12.02. 2022

Opening on 25.11. 2021 at 7 pm

Conversation with nora chipaumire and Isabel Lewis at 6 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

In the exhibition INTIM/E by Dirk Bell and Isabel Lewis starting on the 25th of November, 2021, the artists pursue yet other approaches to questions togetherness and contemporary intimacy. INTIM/E occupies both spaces of Galerie Wedding and explores forms of desirous, embodied being that are out of sync with the ordinarily linear measurements of everyday life. Hosted situations in the gallery open up the potential for collective playfulness and heightened receptivity to become strategies of resistance to the standardization, alienation, and hyper-individualization of contemporary urban life. While modern romantic love and its manifestation in the “marriage market” and production of the family unit have been analyzed and theorized by contemporary sociologists as an agent of the modernisation process itself, this work focuses on romantic love and desire as it operates in the gaps of time(s) and distance(s) between people and things. Lewis and Bell explore the qualities, aesthetics, and temporalities of love and its modes of expression in both the alienating present and proximal as well as in conditions of distance i.e. loves thrown apart by time and circumstance. In these gaps, discomforts, and slippages of understanding are perhaps to be found that which resists quantification and commodification, modes of being and feeling that spill over, out of time, out of historicization forming fragile and temporary alternatives within our urban lives. Within the exhibition of Bell and Lewis a program unfolds that reflects on the role language plays in the intimacies we form. According to scientists 70% of communication between humans is non-verbal. That means that without body language, gestures, smell, touch, dress code and ambience we are hardly communicating at all. The qualitative aspects of communication such as the timbre of voice, the energy or “chemistry” between people, or lack thereof, cannot be made into quantitative data to be transmitted virtually. It is urgent that we explore ways to continue to communicate, richly and fully, in order to preserve and continue to exercise our humanity. JUICE: Language Futures reflects on the evolution of human language and experiments with ways to highlight and emphasize the particularities, possibilities, and limitations of both verbal non-verbal communication and features the artist practices of nora chipaumire, Branden Jacobs-Jenkins, and Nora Turato

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced online.

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Mit besonderem Dank an Studio dB und Callie’s, Berlin.

“Existing Otherwise | Anders Existieren” (XO) ist ein Programm der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit XO Curatorial Projects, Berlin. “Existing Otherwise | Anders Existieren” wird realisiert in enger Partnerschaft mit The Institute for Creative Embodied Practices, Callie’s, Berlin, und Savannah Center for Contemporary Art (SCCA), Tamale (Ghana).

Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Bezirkskulturfonds.

Das Programm „Existing Otherwise I Anders Existieren. For a New Politics of the Senses“ ist gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Eröffnung am 14.10. 2021 von 15 bis 21 Uhr

Führungen von Dmitry Paranyushkin um 16 und 19 Uhr

Eine Recherche-Residenz und Ausstellungsintervention von Dmitry Paranyushkin
Eingeladen von Isabel Lewis

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021-22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Dmitry Paranyushkin präsentiert seine interaktiven Bewegungsübungen und eine Ausstellungsintervention in dem vom Sozialamt eingerichteten Büro im Hauptausstellungsraum der Galerie Wedding. Er ist der letzte Künstler, der unter diesen Bedingungen ausstellt.

Der Titel „EightOS“ bezieht sich auf das Unendlichkeitssymbol und die Zahl Acht, die aus Kreisen und Kurven besteht – ∞ / 8. Es handelt sich um eine Bewegungspraxis, die oft kollektiv und im öffentlichen Raum durchgeführt wird und in dieser Zeit in der Galerie Wedding zu erleben wird. Die Praxis verbindet dynamische Systemwissenschaft, Kampfkunst, Musik, Software und Technologie. Lange vor der Pandemie wurde sie von dem Künstler Dmitry Paranyushkin und seinen Mitarbeiter*innen entwickelt, um Schnittstellen zwischen künstlichen und natürlichen Intelligenzen zu erforschen. „Anders existieren“ bedeutet hier, sich mit anderen Menschen und Intelligenzen besser abzustimmen, zu trainieren um sich dann den aktuellen Gegebenheiten anpassen zu können.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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EightOS | Cross-contextual confluence

Opening on 14.10. 2021 from 3 to 9 pm

A research residency and exhibition intervention by Dmitry Paranyushkin
Invited by Isabel Lewis

Guided tours by Dmitry Paranyushkin at 4pm and 7pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Dmitry Paranyushkin presents his interactive movement exercises and exhibition intervention in the office set up by the Social Welfare Office in the main exhibition space of Galerie Wedding. He is the last artist to exhibit under these conditions.

The title „EightOS“ refers to the infinity symbol and the number eight, which consists of circles and curves – ∞ / 8. It is a movement practice that is often performed collectively and in public space, and can be experienced at Galerie Wedding during this period. The practice combines dynamic systems science, martial arts, music, software and technology. Long before the pandemic, it was developed by artist Dmitry Paranyushkin and his collaborators to explore interfaces between artificial and natural intelligences. „Existing otherwise“ here means to be more in tune with other people and intelligences, to train and then to be able to adapt to current circumstances..

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced on our website.

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“Existing Otherwise | Anders Existieren” (XO) ist ein Programm der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit XO Curatorial Projects, Berlin. “Existing Otherwise | Anders Existieren” wird realisiert in enger Partnerschaft mit The Institute for Creative Embodied Practices, Callie’s, Berlin, und Savannah Center for Contemporary Art (SCCA), Tamale (Ghana).

Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Bezirkskulturfonds.

Das Programm „Existing Otherwise I Anders Existieren. For a New Politics of the Senses“ ist gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

15.10. bis 10.11. 2021

Eine Recherche-Residenz und Ausstellungsintervention von Dmitry Paranyushkin
Eingeladen von Isabel Lewis

Eröffnung am 14.10. 2021 von 15 bis 21 Uhr

Führungen von Dmitry Paranyushkin um 16 und 19 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021-22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Dmitry Paranyushkin präsentiert seine interaktiven Bewegungsübungen und eine Ausstellungsintervention in dem vom Sozialamt eingerichteten Büro im Hauptausstellungsraum der Galerie Wedding. Er ist der letzte Künstler, der unter diesen Bedingungen ausstellt.

Der Titel „EightOS“ bezieht sich auf das Unendlichkeitssymbol und die Zahl Acht, die aus Kreisen und Kurven besteht – ∞ / 8. Es handelt sich um eine Bewegungspraxis, die oft kollektiv und im öffentlichen Raum durchgeführt wird und in dieser Zeit in der Galerie Wedding zu erleben wird. Die Praxis verbindet dynamische Systemwissenschaft, Kampfkunst, Musik, Software und Technologie. Lange vor der Pandemie wurde sie von dem Künstler Dmitry Paranyushkin und seinen Mitarbeiter*innen entwickelt, um Schnittstellen zwischen künstlichen und natürlichen Intelligenzen zu erforschen. „Anders existieren“ bedeutet hier, sich mit anderen Menschen und Intelligenzen besser abzustimmen, zu trainieren um sich dann den aktuellen Gegebenheiten anpassen zu können.

Ab dem 15. Oktober 2021 werden Paranyushkin und seine regelmäßigen Teilnehmer*innen eine einmonatige Residency in der Galerie Wedding durchführen, bei der die Besucher*innen der Galerie eingeladen sind, die theoretischen und praktischen Aspekte von „EightOS“ zu erkunden. Der Schwerpunkt liegt auf der Beziehung zwischen Vielfalt und Anpassungsfähigkeit und deren Bedeutung für nachhaltige Arbeitsabläufe auf persönlicher und kollektiver Ebene.

Während des Künstleraufenthalts wird die Galerie Wedding mehrere Videoarbeiten und eine Reihe von Büchern über kontextübergreifende Praktiken ausstellen. Die Besucher*innen werden eingeladen, die Konzepte, Ideen und Inspirationen hinter der Praxis von „EightOS“ zu erleben.

Teilnahme: Dmitry Paranyushkin, der Erfinder des Körper-Geist-Operationssystems „EightOS“, wird in regelmäßigen Abständen in der Galerie Wedding und auf dem Rathausvorplatz neben der Galerie Praxissitzungen durchführen. Dort werden theoretische Arbeit und körperliche Aktivität miteinander verbunden.

Bitte beachten: Es gelten die aktuellen Maßnahmen zum Infektionsschutz. Änderungen werden stets auf unserer Website bekannt gegeben.

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EightOS | Cross-contextual confluence

15.10. to 10.11. 2021

A research residency and exhibition intervention by Dmitry Paranyushkin
Invited by Isabel Lewis

Opening on 14.10. 2021 from 3 to 9 pm

Guided tours by Dmitry Paranyushkin at 4pm and 7pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Dmitry Paranyushkin presents his interactive movement exercises and exhibition intervention in the office set up by the Social Welfare Office in the main exhibition space of Galerie Wedding. He is the last artist to exhibit under these conditions.

The title „EightOS“ refers to the infinity symbol and the number eight, which consists of circles and curves – ∞ / 8. It is a movement practice that is often performed collectively and in public space, and can be experienced at Galerie Wedding during this period. The practice combines dynamic systems science, martial arts, music, software and technology. Long before the pandemic, it was developed by artist Dmitry Paranyushkin and his collaborators to explore interfaces between artificial and natural intelligences. „Existing otherwise“ here means to be more in tune with other people and intelligences, to train and then to be able to adapt to current circumstances..

From 15 October 2021, Paranyushkin and his regular participants will conduct a month-long residency at Galerie Wedding, where gallery visitors will be invited to explore the theoretical and practical aspects of „EightOS“. The focus will be on the relationship between diversity and adaptability and its importance for sustainable workflows on both a personal and collective level.

During the artists‘ residency, Galerie Wedding will exhibit several video works and a series of books on cross-contextual practices. Visitors will be invited to enter and experience the concepts, ideas and inspirations behind the practice of „EightOS“.

Participation: Sessions by Paranyushkin, the inventor of the body-mind-operation system „EightOS“, will be held on a regular basis at Galerie Wedding and on the Rathausvorplatz next to the gallery. Theoretical work and physical activity will be combined there.

Please note: The current infection control measures apply. Changes will always be announced on our website.

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“Existing Otherwise | Anders Existieren” (XO) ist ein Programm der Galerie Wedding in Zusammenarbeit mit XO Curatorial Projects, Berlin. “Existing Otherwise | Anders Existieren” wird realisiert in enger Partnerschaft mit The Institute for Creative Embodied Practices, Callie’s, Berlin, und Savannah Center for Contemporary Art (SCCA), Tamale (Ghana).

Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen, Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und Bezirkskulturfonds.

Das Programm „Existing Otherwise I Anders Existieren. For a New Politics of the Senses“ ist gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

17.9. bis 25.9. 2021

Eine Ausstellung mit Arbeiten von Yalda Afsah, Salwa Aleryani, Neslihan Arol, Anthony R. Green, Rindon Johnson, Mariam Mekiwi, Didem Pekün und R A Walden (Stipendiat:innen der Graduiertenschule der Universität der Künste Berlin, 2019-21)
Kuratiert von Övül Ö. Durmuşoğlu (Gastprofessorin an der Graduiertenschule)

Eröffnung am 16.9. 2021 von 19 bis 22 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021-22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Imagine Something New, Like Justice ist die kollektive Abschlussausstellung der Stipendiat*innen der Graduiertenschule der Universität der Künste Berlin 2019-21, die als Weiterführung der gleichnamigen, ebenfalls gemeinsamen Publikation bei Archive Books in der Galerie Wedding stattfindet. Die Aufrufe zu Gerechtigkeit und Sichtbarkeit, die heute zeitgleich aus verschiedenen Teilen der Welt ertönen, stellen die Spielregeln von Macht, Autorität und Souveränität in Frage, die sich durch das schwankende Regime des Postfaktischen verfestigen. Sie fordern auch öffentliche Räume heraus, deren Grundfeste von jeher gewisse Stimmen zum Schweigen bringen und ausradieren. Sie erklären uns, dass nicht wir repariert werden müssen, sondern die Welt. Was macht diese Gerechtigkeit aus, die wir als gegenseitigen Horizont, als lebenslange Pädagogik, als Kampf, als Vorstellung, als Verlangen fortwährend suchen? Das ist die Kernfrage, die den besonderen letzten Moment der transdisziplinären Forschungsprojekte von Yalda Afsah, Salwa Aleryani, Neslihan Arol, Anthony R. Green, Rindon Johnson, Mariam Mekiwi, Didem Pekün und R A Walden umkreist und durchzieht. Die Künstler*innen präsentieren ihre Arbeiten an einem der bedeutendsten, von Mehrstimmigkeit gekennzeichneten Orte im Wedding. Selbst teilweise vom Sozialamt übernommen, ist die Galerie Wedding zu einem außergewöhnlichen Beispiel für ein Zusammenleben im Spiegel der Zeit geworden, die nun gemeinsam mit dem Rathausvorplatz von den unterschiedlichen Werken durchdrungen wird. Die Künstler*innen erproben Seite an Seite zu stehen, sich zu beraten, die Grenzen zwischen Innen und Außen zu hinterfragen und den Freiraum des Gegenübers zu ertasten und einzuatmen. Die kurze und intensive Begegnung steht im Zeichen der Verbundenheit zum Leben in diesen von Verlust und Sehnsucht geprägten Zeiten und wird von einer erweiterten Buchvorstellung im Freien mit Musik, Gesprächen und Filmvorführungen am 16. und 18. September begleitet.

Die Galerie Wedding freut sich, erstmalig eine Abschlussausstellung der Graduiertenschule der Universität der Künste zu präsentieren. Das zweijährige Stipendienprogramm der Graduiertenschule fördert transdisziplinäre, künstlerische Forschungsvorhaben und richtet sich an Absolvent:innen aller Fächer, die den Austausch mit anderen Disziplinen als Voraussetzung für ihre Arbeit sehen. Die Zusammenarbeit zwischen der Universität der Künste und der Galerie Wedding entstand vor dem Hintergrund des bestehenden, langfristigen Austauschs mit Övül Ö. Durmuşoğlu, die aktuell Ko-Kuratorin des Programms Existing Otherwise (XO) 2021-22 in der Galerie Wedding ist.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds.

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Graduale 21: Imagine Something New, Like Justice

17.09. to 25.09. 2021

An Exhibition with works by Yalda Afsah, Salwa Aleryani, Neslihan Arol, Anthony R. Green, Rindon Johnson, Mariam Mekiwi, Didem Pekün and R A Walden (Fellows of the Graduiertenschule, Universität der Künste Berlin, 2019–21)
Curated by Övül Ö. Durmuşoğlu (Guest Professor at the Graduiertenschule)

Opening on 16.09. 2021 from 7 to 10 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Imagine Something New, Like Justice, the second iteration of the collective gesture by the fellows of the Graduate School of the Berlin University of the Arts 2019–21, takes place in the form of an exhibition at Galerie Wedding following a publication with the same title by Archive Books. As various calls for justice and visibility spread from different parts of the world simultaneously today, they challenge the codes of power, authority and sovereignty fortified by post-truth’s slippery regimen. They also question public spheres, which erase certain voices by the way they are constructed. You do not need to be fixed, they claim, it is the world that needs fixing. What constitutes that justice we keep looking for as a reciprocal horizon, as life-long pedagogy, as a struggle, as an imagination, as a desire? That is the core question that encircles and passes through the particular final moment of the transdisciplinary research projects by Yalda Afsah, Salwa Aleryani, Neslihan Arol, Anthony R. Green, Rindon Johnson, Mariam Mekiwi, Didem Pekün and R A Walden. The artists coexist in the Galerie Wedding situated in one of the most central and plurivocal squares of Wedding, that is itself partially taken over by the Sozialamt and has become an extraordinary example of cohabitation in reflection of the times. Spreading their works in the exhibition space and around the square, the artists attempt to stand side-by-side, to consult with each other, to de-border inside from outside and to breathe in each other’s freedoms. The short and intense one-week encounter – the presence of which is a sign of the attachment to life in these times of loss and longing – will be accompanied by an expanded book launch outdoors with music, talks and screenings on 16th and 18th September.

Galerie Wedding is pleased to present for the first time a graduate exhibition of the University of the Arts‘ Graduiertenschule. The two-year scholarship programme of the Graduate School promotes transdisciplinary, artistic research projects and is aimed at graduates of all disciplines who see exchange with other disciplines as a prerequisite for their work. The collaboration between the University of the Arts and Galerie Wedding developed within the context of the existing, long-term exchange with Övül Ö. Durmuşoğlu, who is currently co-curator of the programme Existing Otherwise (XO) 2021-22 at Galerie Wedding.

17.9. bis 25.9. 2021

Eine Ausstellung mit Arbeiten von Yalda Afsah, Salwa Aleryani, Neslihan Arol, Anthony R. Green, Rindon Johnson, Mariam Mekiwi, Didem Pekün und R A Walden (Stipendiat:innen der Graduiertenschule der Universität der Künste Berlin, 2019–21)
Kuratiert von Övül Ö. Durmuşoğlu (Gastprofessorin an der Graduiertenschule)

Eröffnung am 16.9. 2021 von 19 bis 22 Uhr

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 in der Galerie Wedding
Künstlerische Leitung: Solvej Helweg Ovesen

Imagine Something New, Like Justice ist die kollektive Abschlussausstellung der Stipendiat*innen der Graduiertenschule der Universität der Künste Berlin 2019-21, die als Weiterführung der gleichnamigen, ebenfalls gemeinsamen Publikation bei Archive Books in der Galerie Wedding stattfindet. Die Aufrufe zu Gerechtigkeit und Sichtbarkeit, die heute zeitgleich aus verschiedenen Teilen der Welt ertönen, stellen die Spielregeln von Macht, Autorität und Souveränität in Frage, die sich durch das schwankende Regime des Postfaktischen verfestigen. Sie fordern auch öffentliche Räume heraus, deren Grundfeste von jeher gewisse Stimmen zum Schweigen bringen und ausradieren. Sie erklären uns, dass nicht wir repariert werden müssen, sondern die Welt. Was macht diese Gerechtigkeit aus, die wir als gegenseitigen Horizont, als lebenslange Pädagogik, als Kampf, als Vorstellung, als Verlangen fortwährend suchen? Das ist die Kernfrage, die den besonderen letzten Moment der transdisziplinären Forschungsprojekte von Yalda Afsah, Salwa Aleryani, Neslihan Arol, Anthony R. Green, Rindon Johnson, Mariam Mekiwi, Didem Pekün und R A Walden umkreist und durchzieht. Die Künstler*innen präsentieren ihre Arbeiten an einem der bedeutendsten, von Mehrstimmigkeit gekennzeichneten Orte im Wedding. Selbst teilweise vom Sozialamt übernommen, ist die Galerie Wedding zu einem außergewöhnlichen Beispiel für ein Zusammenleben im Spiegel der Zeit geworden, die nun gemeinsam mit dem Rathausvorplatz von den unterschiedlichen Werken durchdrungen wird. Die Künstler*innen erproben Seite an Seite zu stehen, sich zu beraten, die Grenzen zwischen Innen und Außen zu hinterfragen und den Freiraum des Gegenübers zu ertasten und einzuatmen. Die kurze und intensive Begegnung steht im Zeichen der Verbundenheit zum Leben in diesen von Verlust und Sehnsucht geprägten Zeiten und wird von einer erweiterten Buchvorstellung im Freien mit Musik, Gesprächen und Filmvorführungen am 16. und 18. September begleitet.

Die Galerie Wedding freut sich, erstmalig eine Abschlussausstellung der Graduiertenschule der Universität der Künste zu präsentieren. Das zweijährige Stipendienprogramm der Graduiertenschule fördert transdisziplinäre, künstlerische Forschungsvorhaben und richtet sich an Absolvent:innen aller Fächer, die den Austausch mit anderen Disziplinen als Voraussetzung für ihre Arbeit sehen. Die Zusammenarbeit zwischen der Universität der Künste und der Galerie Wedding entstand vor dem Hintergrund des bestehenden, langfristigen Austauschs mit Övül Ö. Durmuşoğlu, die aktuell Ko-Kuratorin des Programms Existing Otherwise (XO) 2021-22 in der Galerie Wedding ist.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds.

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Graduale 21: Imagine Something New, Like Justice

17.09. to 25.09. 2021

An Exhibition with works by Yalda Afsah, Salwa Aleryani, Neslihan Arol, Anthony R. Green, Rindon Johnson, Mariam Mekiwi, Didem Pekün and R A Walden (Fellows of the Graduiertenschule, Universität der Künste Berlin, 2019–21)
Curated by Övül Ö. Durmuşoğlu (Guest Professor at the Graduiertenschule)

Opening on 16.09. 2021 from 7 to 10 pm

Within the framework of
Existing Otherwise | Anders Existieren 2021–22 at Galerie Wedding
Artistic Direction: Solvej Helweg Ovesen

Imagine Something New, Like Justice, the second iteration of the collective gesture by the fellows of the Graduate School of the Berlin University of the Arts 2019-21, takes place in the form of an exhibition at Galerie Wedding following a publication with the same title by Archive Books. As various calls for justice and visibility spread from different parts of the world simultaneously today, they challenge the codes of power, authority and sovereignty fortified by post-truth’s slippery regimen. They also question public spheres, which erase certain voices by the way they are constructed. You do not need to be fixed, they claim, it is the world that needs fixing. What constitutes that justice we keep looking for as a reciprocal horizon, as life-long pedagogy, as a struggle, as an imagination, as a desire? That is the core question that encircles and passes through the particular final moment of the transdisciplinary research projects by Yalda Afsah, Salwa Aleryani, Neslihan Arol, Anthony R. Green, Rindon Johnson, Mariam Mekiwi, Didem Pekün and R A Walden. The artists coexist in the Galerie Wedding situated in one of the most central and plurivocal squares of Wedding, that is itself partially taken over by the Sozialamt and has become an extraordinary example of cohabitation in reflection of the times. Spreading their works in the exhibition space and around the square, the artists attempt to stand side-by-side, to consult with each other, to de-border inside from outside and to breathe in each other’s freedoms. The short and intense one-week encounter – the presence of which is a sign of the attachment to life in these times of loss and longing – will be accompanied by an expanded book launch outdoors with music, talks and screenings on 16th and 18th September.

Galerie Wedding is pleased to present for the first time a graduate exhibition of the University of the Arts‘ Graduiertenschule. The two-year scholarship programme of the Graduate School promotes transdisciplinary, artistic research projects and is aimed at graduates of all disciplines who see exchange with other disciplines as a prerequisite for their work. The collaboration between the University of the Arts and Galerie Wedding developed within the context of the existing, long-term exchange with Övül Ö. Durmuşoğlu, who is currently co-curator of the programme Existing Otherwise (XO) 2021-22 at Galerie Wedding.

24.06. bis 21.07. 2021

Eine Skulptur von Ingrid Ogenstedt auf dem Rathausvorplatz kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms Existing Otherwise | Anders Existieren 2021-22 in der Galerie Wedding

Eröffnung | Opening am 24. Juni 2021 von 14 bis 19 Uhr auf dem Rathausvorplatz neben der Galerie Wedding

Auf Einladung der Galerie Wedding hat Ingrid Ogenstedt eine fast vier Meter hohe Skulptur für den Rathausvorplatz in Wedding entwickelt. Die Form erinnert an ein monumentales Tor oder Portal, überwachsen mit Gras. “Surplus” bedeutet Mehrertrag oder Überschuss. Die Arbeit untersucht, wie wir im 21. Jahrhundert wachsen können und ist Teil des Programms “Anders Existieren” in der Galerie Wedding. Das grüne Portal wird bis zum 21. Juli im öffentlichen Raum zu erleben sein.

Ogenstedt arbeitet mit großformatigen skulpturalen Projekten und Zeichnungen. Für ihre skulpturalen Arbeiten verwendet sie natürliche Materialien, um die Idee von Natur und Kultur als polare Gegensätze zu hinterfragen. Die Skulpturen werden oft vor Ort gebaut und existieren in einem zeitlich und räumlich begrenzten Zustand.

„Der Platz ist eine offene Fläche innerhalb der Stadt. Ein Raum, in dem Menschen interagieren können und auf dem Dinge passieren können. Der Rathausvorplatz ist umgeben von öffentlichen Gebäuden wie der Agentur für Arbeit (Jobcenter), der Stadtbibliothek und dem Bezirksamt. In den letzten Jahren der Covid-Beschränkungen war das Arbeitsamt ein wichtiger Ort und wir leben in einer Zeit, in der Menschen in systemrelevant und nicht systemrelevant eingeteilt werden. Überschuss ist das, was durch Anstrengung und gemeinsames Arbeiten erwirtschaftet wird, ein Zeichen von Reichtum und Wohlstand. Können wir wirklich über unsere gesellschaftliche Relevanz definiert werden?“, fragt Ingrid Ogenstedt.

Das Gras ist für Ogenstedt ein Zeichen für kultivierte Natur. Natur wird kultiviert, um den menschlichen Zwecken angepasst zu werden – der perfekte Rasen wird geschnitten. Ogenstedt befestigt das Gras auf der skulpturalen Form und gibt ihm Struktur. Mit der Zeit trennt sich das Werk von der Künstlerin und steht für sich selbst, um zu wachsen, zu atmen, zu verrotten oder zu zerfallen. Die Skulptur ist fortlaufend im Wandel.

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Surplus

24.06. bis 21.07. 2021

A sculpture by Ingrid Ogenstedt on Rathausvorplatz
curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the framework of Existing Otherwise | Anders Existieren 2021-22 at Galerie Wedding

Opening on 24 June, 2021 between 2 and 7 pm on Rathausvorplatz next to Galerie Wedding

Ingrid Ogenstedt has developed an almost four-metre-high sculpture for the Rathausvorplatz in Wedding at the invitation of Galerie Wedding. The structure is reminiscent of a monumental gate or portal, overgrown with grass. The work „Surplus“ explores how we can grow in the 21st century and is part of the programme „Existing Otherwise“ at Galerie Wedding. The green portal will be on view in public space until 21 July.

Ogenstedt works with large scale sculptural projects and drawings. For her sculptural works she uses natural materials as a way of questioning the idea of nature and culture as polar opposites. The sculptures are often built on-site and then exist within a temporary setting and state.

„The square is an open glade within the city. A space for people to interact and where events can accrue. The square Rathausvorplatz is surrounded by public buildings such as the employment office, The cities library and the district office. During the past year of Covid restrictions, the employment office has been a vital place and we have been living in a time where people are divided into system-relevant and non-system-relevant. Surplus is what is generated through effort and working together, a sign of wealth and prosperity. Can we be defined through our social relevance?“, asks Ingrid Ogenstedt.

Ogenstedt considers grass a marker for cultivated nature. Nature is cultivated to suit our human purposes – the perfect grass is cut. Ogenstedt sews the grass to the form and gives it a structure. At some point, the work separates from the artist and stands on its own, to grow, to breathe, to rot or to decay. The transformation is ongoing and a movement in time.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, sowie dem Bezirkskulturfonds, Berlin-Mitte.

04.06. bis 31.07.2021 (verlängert)

Eine Ausstellung mit Arbeiten von Hannah Toticki Anbert kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Die Ausstellung ist von außen durch die Galeriefenster zu sehen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms Existing Otherwise | Anders Existieren – Für eine neue Politik der Sinne

Ausstellungsbeginn | Soft Opening am 4. Juni 2021

Die Ausstellung Work After Work von Hannah Toticki Anbert, kuratiert von Solvej Helweg Ovesen, eröffnet am 4. Juni 2021 in den großen Schaufenstern der Galerie Wedding. Die Künstlerin Hannah Toticki Anbert thematisiert die Verherrlichung von Effizienz, Produktivität und Wachstum in der gegenwärtigen Kultur. Insbesondere beschäftigt sie sich damit, inwiefern Körper nie von Arbeit und Technologie entkoppelt sind. In einem ständigen Strom von Informationen, Updates und Online-Verfügbarkeit verschwimmt die Grenze zwischen Arbeit und Nicht-Arbeit, ebenso wie die Grenze zwischen Körper und Technologie.

“Work After Work”, also “Arbeit nach der Arbeit” – oder “Arbeiten nach der Arbeit”, öffnet einen Raum für grundlegende Fragen:  Was tun wir nach der Arbeit? Gibt es überhaupt eine Zeit außerhalb der Arbeitszeit?

Hannah Toticki Anbert zeigt in den Fenstern der Galerie Wedding Kostüme und Accessoires, die diese (fehlenden) Grenzen widerspiegeln. Touchscreen Protection Rings sind Ringe in Silber und Gold, die für die Fingerkuppe des Zeigefingers und des Daumens bestimmt sind. Die Ringe blockieren dabei den kleinen Bereich des Körpers, der normalerweise über Touchscreens mit digitalen Geräten interagiert. Die Ringe fungieren sowohl als physisches Hindernis, als auch als Symbol der Präsenz. Smartphone Protection Glasses, eine Smartphone-Schutzbrille, stellt ebenfalls ein physisches Hindernis dar: Die Brille blockiert den Teil des Sichtfeldes, den wir für die Benutzung unseres Smartphones verwenden. Die ständige Möglichkeit, online zu sein, erfordert Disziplin, um für den Körper den notwendigen undisziplinierten Raum der Entkopplung vom Digitalen zu schaffen. In ihrer Serie der Sleep Uniforms kommentiert Anbert, wie wir unseren Körper disziplinieren, um zu arbeiten – und zwar in einem solchen Ausmaß, dass es vielleicht Disziplin erfordert, nicht zu arbeiten.

Die Ausstellung ist ein  direkter Kommentar zum Thema Anders Existieren der Galerie Wedding und der Realität des Weddinger Jobcenters am Rathausvorplatz. Anbert zeigt außerdem zwei Videos, in denen umgetextete Karaoke-Songs neoliberale Arbeitsbedingungen und die Gestalt heutiger Arbeitswelten humorvoll zur Schau stellen. Hannah Toticki Anbert ist grundsätzlich daran interessiert, wie Arbeit alltäglich die Zeit und Gemeinschaft strukturiert, und wie das Leuchten der Monitore in die Dunkelheit der Nacht dringt und auf diese Weise Tag- und Nachtrhythmen und Raum- und Zeitgefühl stört.

Longing for Common Closeness ist eine Bewegungsrecherche auf dem Rathausvorplatz zu den verinnerlichten Maßnahmen des Social Distancing. Kostüme der Performer*innen spielen haptisch mit dem Gebot, Abstand zu Mitmenschen zu halten. Passant*innen der Müllerstraße und des Rathausplatzes können diese Perfomance am Nachmittag des 4. Juni beobachten.

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Work After Work

An exhibition with works by Hannah Toticki Anbert
curated by Solvej Helweg Ovesen

The exhibition is on display in the gallery’s windows.

Within the framework of Existing Otherwise | Anders Existieren – For a New Politics of the Senses

On display from June 4, 2021

The exhibition Work After Work by Hannah Toticki Anbert, curated by Solvej Helweg Ovesen, opens on the 4th of June 2021 in the large windows of Galerie Wedding. Artist Hannah Toticki Anbert addresses the current cultures’ celebration of efficiency, productivity and growth. Especially, she focuses on how the body lacks possibilities of decoupling. In a constant stream of information, updates and online availability the limits between work and non-work, as well as the boundary between the body and technology, have become blurred.      

„Work After Work“ opens up a space for essential questions. The title alludes to two  of them: What do we do after work? Is there any time at all outside of working hours?

Hannah Toticki Anbert shows costumes and accessories in the windows of Galerie Wedding that reflect these (missing) boundaries. Touch Screen Protection Rings are rings in silver and gold designed to be placed on the fingertip of the index finger and the thumb. The rings hereby block the small part of the body that normally interacts with digital devices through touch screens. The rings function both as a physical obstacle, and as a symbol of presence. Smartphone Protection Glasses also insert a bodily obstacle: The glasses block out the part of the field of view, often occupied when using our smartphone. With the possibility of constantly  being online, it takes discipline to create the necessary undisciplined space of decoupling for the body. In her series of Sleep Uniforms  Anbert comments on how we discipline our body to work, to such a degree that it might take discipline not to work.

The exhibition forms a direct commentary on the theme of Existing Otherwise and the reality of the Job Center Berlin-Wedding at the Rathausvorplatz next to the gallery. The artist also shows two videos with rewritten karaoke song lyrics reflecting on neoliberal working conditions and uses humour to showcase the shape of today’s working worlds. Hannah Toticki Anbert is deeply interested in how work structures time and community in everyday life and society, and how the brightness of a screen replaces the darkness of the night. She is concerned with the rhythm of day and night destroyed by the glowing screen, and with the lost sense of space and time.

Nowadays, not only work but also the social distancing measures  overwhelm our nervous system. The movement research Longing for Common Closeness materialises the internalised measures of social distancing: The costumes of performers make the invisible distance visible, playing haptically with the commandment to keep a distance from fellow human beings. Passers-by on Müllerstraße and the Rathausplatz can witness the Performance on the afternoon of 4 June.

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, sowie dem Bezirkskulturfonds, Berlin Mitte und dem Danish Arts Council.

Das Programm Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien. 

12.03. bis 29.05. 2021 (verlängert)

Eine Ausstellung mit Arbeiten von Emily Hunt
kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Die Ausstellung ist von außen durch die Galeriefenster zu sehen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms Existing Otherwise | Anders Existieren – Für eine neue Politik der Sinne

Ausstellungsbeginn am 11.03. 2021

Jobcenter. Aufgeladene Orte – Psychic Places ist eine Ausstellung der in Berlin lebenden australischen Künstlerin Emily Hunt. Die Ausstellung nimmt die Energien von Berliner Gesichtern und Orten auf, wie sie die Künstlerin bei Spaziergängen in Zeiten des Lockdowns erlebte. Warum werden wir von bestimmten Gesichtern und Orten angezogen? Innerhalb eines wie ein Tor geformten Displays in den Fenstern der Galerie Wedding zeigt die Künstlerin Keramikfiguren und  verrückt anmutende  Kraftringe (Power Rings), die lokale Charaktere, skurrile Gesichter, und Energien des Wedding spiegeln. Gesichter, auf welche die Künstlerin im Jobcenter, am Panke-Ufer, dem Flakturm Humboldthain und dem Amtsgericht Wedding gestoßen ist. Orte, die während des Lockdowns selbst zu emotionalen Ankerpunkten für viele  geworden sind. Übersinnliche Orte vielleicht. Hunt porträtiert diese sozial neu aufgeladenen Orte in einer handgezeichneten Karte: „Das Jobcenter befindet sich in der Mitte dieser getuschten Karte – es ist der einzige Ort, der hier ganz neu erfunden wurde – es ist ein Fantasie-Jobcenter. Ein imaginäres Jobcenter ~ eine architektonische Verrücktheit ~ zu gestalten, bedeutet, die Macht, die es über die Bürger*innen hat, zu entladen, zu versetzen. In gewisser Weise habe ich die Macht der Bürokratie in etwas Verrücktes verwandelt. Orte können uns auf die gleiche Weise beeinflussen wie andere Menschen unsere Stimmungen“, sagt Hunt. So haben viele Menschen durch die Pandemie das Jobcenter von innen kennengelernt. Die Künstlerin sieht das „emotionale Mapping der Stadt als rebellischen Akt gegen die Urbanisierung und Gentrifizierung der Stadt.“

Diese psycho-geografische Stadtkarte eines “magischen” Berlins erscheint als gedrucktes Poster, das in der Galerie Wedding frei erhältlich ist und verteilt wird. Es kann Anregung für die Besucher*innen sein, sich selbst auf die Magie des Gehens einzulassen und auf den Weg zu machen. Hunt stellt ihre Arbeitsweise in einer Re-Schooling-Lecture vor, die als Film auf dem YouTube Kanal der Galerie Wedding veröffentlicht wird.

„Gehen ist ein magisches Werkzeug.
Gehen ist politisch.
Die Straße bietet.

Gehen ist Denken.
Gehen kann aus Alltäglichem ~ Außergewöhnliches machen.
Gehen hat mit Energie zu tun.“

Die Ausstellung ist der Auftakt der Ausstellungsreihe „Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses“ (Für eine neue Politik der Sinne). In einer Zeit des Zusammenbruchs – sei es sozio-ökonomisch, administrativ, ökologisch, körperlich oder gesundheitlich – belebt das Programm in der Galerie Wedding die Rolle und Vision von Kunst und lokalen Künstler*innen. Untersucht wird die Anpassung des menschlichen Sensoriums, des Habitus und unserer Körpersprache an die Umstände, unter denen aufgrund der Pandemie z.B. räumliche und soziale Interaktion eingeschränkt wird. Die Einschränkung für die Künstlerin, in ihrem Kiez Wedding zu bleiben, erwies sich jedoch als psychedelischer Trip, der mitreißen kann: „Ich sehe das Gehen als ein Werkzeug, mit dem wir beginnen können, uns anzuschauen, was um uns herum ist ~ anders zu sehen, den öffentlichen Raum wieder zu verzaubern und das Gehen als inspirierende Aktion zu unternehmen.“

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Job Center. Aufgeladene Orte. Psychic Places

An exhibition with works by Emily Hunt
curated by Solvej Helweg Ovesen

The exhibition is on display in the gallery’s windows.

Within the framework of Existing Otherwise | Anders Existieren – For a New Politics of the Senses

On display from March 11, 2021

Jobcenter. Aufgeladene Orte – Psychic Places is an exhibition by Berlin-based Australian artist Emily Hunt subsuming the energies of Berlin faces and places experienced while walking in lockdown times. Why are we drawn to certain faces and places? In the windows of Galerie Wedding Hunt frames and depicts local characters, their whimsical faces, psyches and energies in vibrant ceramic figures and expressive power rings. The faces she stumbled upon at the local Jobcenter, the Panke Ufer, the bars Beim Dicken and Zum Magendoktor, as well as other specific places like the Humboldthain Flak Turms and Amtsgericht Wedding, Berlin. 

These places have in themselves been elevated to emotionally charged meeting places during the lockdown. Psychic places perhaps. Hunt portrays these places into a hand drawn filigree map: “Places have personalities. Jobcenter sits in the center of the painted map – it is the only place that has gone through a re-invention – it is a fantasy Jobcenter.  I have taken the imposing monolith building and discharged the energy out of it. In a sense flipping the power of the bureaucracy into a folly. Places can affect us in the same way that other humans can affect our moods,” says Hunt. So many people have now gotten to know the Jobcenter from the inside due to the Pandemic. The artist sees “emotional mapping of the city as a rebellious act against the urbanisation and gentrification of the city.” 

This ornamental, psycho-geographical map of magical Berlin – above and underground – appears as a printed poster, which is available and handed out for free at Galerie Wedding. It can be used as an instigation for the visitors to do her or his own magic walking as Hunt suggests in her Reschooling lecture which will be released online.

“Walking is a magical tool.
Walking is political. 
The street provides.

Walking is thinking. 
Walking is about making the mundane ~ extraordinary
Walking is about energy.”

The aim of the new exhibition series „Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses“ that now begins in Galerie Wedding, is to invigorate the role and vision of art and artists in a time of collapse – be it socio-economic, administrative, ecological or healthwise. To learn and think about the adaptation of the human sensorium, our habitus, and body language as we due to the Pandemic e.g. are limited in space and social interaction. However, the limitation for the artist, to stay in her neighbourhood Wedding, turned out psychedelic, maybe even enriching or inviting; “I see walking as this tool to begin looking at what is around us ~ to re-enchant the public space and make this action of magical walking an inspiring action.”

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Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien, sowie dem Bezirkskulturfonds, Berlin Mitte.

Alexandra Henao und SOS Orinoco
Januar und Februar 2021
Online Filmprogramm

23. bis 30. Januar 2021 auf Vimeo
Kuyujani Envenenado (2016)
Film von Alexandra Henao

4. Februar 2021 auf Instagram und YouTube
Kurzfilm zur Ausstellung von Ana Alenso
Die Mine gibt, die Mine nimmt: Film

18. Februar 2021 auf Zoom
Film Dokumentation: SOS Orinoco
Screening und Gespräch um 18 Uhr am 18.02.
Link zum Film: No Projekt/ SOS Orinoco,  „El Arco Minero“ (2021)

Im Rahmen von Die Mine gibt, die Mine nimmt
Eine Ausstellung von Ana Alenso
kuratiert von Solvej Helweg Ovesen im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity)

Ein online Filmprogramm mit Dokumentationen von Alexandra Henao und SOS Orinoco zeigt Hintergründe und Zusammenhänge der künstlerischen Arbeiten von Ana Alenso. Das Wiederaufleben des Goldfiebers im venezolanischen Amazonas ist Ausgangspunkt für Alensos Projekt und die Arbeit der Umweltorganisation SOS Orinoco, die bei der Recherche des Kunstprojekts mitwirkte.

Die Filme werden gratis auf Vimeo und den Kanälen der Galerie Wedding gezeigt.

»Die Solo-Ausstellung von Ana Alenso is die letzte in der SoS (Soft Solidarity) Serie und beschäftigt sich mit dem Zusammenhang zwischen dem Ressourcenreichtum, z.B. hier konkret Gold, und der langjährigen Krise und Ressourchenfluch vor Ort in Venezuela. Alenso entwickelt eine skulpturale Landschaft, in welcher die Mechanismen und Folgen des Bergbaus als Zeichen von Selbstzerstörung oder anthropozentrischem Modus Operandi sichtbar werden. Es geht der Künstlerin darum, »einen Ökozid anzuprangern«. Die Widersprüche und Unsicherheiten durch wirtschaftliche Turbulenzen und der permanente Export von Ressourcen werden als skulpturale »Maschine« ästhetisch, haptisch in den Ausstellungsraum formuliert. Die Frage ist dann hier lokal unter welchen Konditionen das Gold uns hier z.B. in Deutschland erreicht und wer darf den Wert davon mitentscheiden?«
Solvej Ovesen, Kuratorin der Ausstellung

»Die Mine gibt, die Mine nimmt«, 2020, wurde ko-produziert mit Urbane Künste Ruhr für das Ruhr Ding: Klima, 2021

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Online Film Screening: Alexandra Henao and SOS Orinoco

An online film screening with documentaries by Alexandra Henao and SOS Orinoco expand on the background and context of Ana Alenso’s artistic works, currently on view at Galerie Wedding. The resurgence of gold fever in the Venezuelan Amazon is the starting point for Alenso’s project and the work of the environmental organisation SOS Orinoco, which collaborated during research for the art project.

The films will be available via Vimeo and the Galerie Wedding YouTube channel.

»The solo exhibition by Ana Alenso is the last one within the SoS (Soft Solidarity) series and deals with the connection between the wealth of resources, in this case especially gold, and the longstanding socio-economic crisis on the ground in Venezuela. Alenso presents a sculptural landscape in which the mechanisms and consequences of mining are revealed as signs of self-destruction and as an anthropocentric modus operandi. The artist is concerned with »denouncing an ecocide«. The contradictions and uncertainties caused by economic turbulence and the permanent export of resources are translated to the exhibition space aesthetically and haptically in a sculptural »machine« The question here is then locally under what conditions the gold reaches us here in Germany, for example, and who gets to decide the value of it?«
Solvej Ovesen, curator of the exhibition

Within the frame of 
Die Mine gibt, die Mine nimmt
04.12.2020 to 27.02.2021 (extended)
A window exhibition by Ana Alenso
curated by Solvej Helweg Ovesen

Within the exhibition program SoS (Soft Solidarity)
conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

»The mine gives, the mine takes« was co-produced with Urbane Künste Ruhr for Ruhr Ding: Klima, 2021

*English version below

Seit April 2021

Raumgestaltung und Archiv
entworfen von Isabel Lewis,
entwickelt mit Solvej Helweg Ovesen und dem Galerie Wedding-Team
im Rahmen des Ausstellungsprogramms
XO – Existing Otherwise | Anders Existieren (2021-2)

A Movement Research Center ist ganzjährig für Besucher*innen geöffnet sein. Der multifunktionale, öffentlich zugängliche Ort umfasst einen Leseraum mit Archiv, ist Treffpunkt und ein Raum für Vermittlung, Mediation und Meditation. Während der Performances im umliegenden öffentlichen Raum fungiert das Zentrum als Backstage. Unter den vorhandenen Büchern sind aktuelle Titel zu Performance Studies, körperlicher sowie aktivistischer Bewegungsforschung, die vor Ort genutzt werden können.

A Movement Research Center ist ein Ort, an dem verschiedene Disziplinen, Kenntnisse, Personen, Institutionen und Öffentlichkeiten zusammentreffen können, zur gemeinsamen Analyse und Reflexion der Architekturen von Affekt, Emotion und Erinnerung; von Behinderung und behindert werden, den urbanen Lebenswelten; unsichtbaren Subjekten und ungesehenen Räumen; migrantischer Erfahrung im städtischen Raum; der Überwachung von Körpern; der Geschichte und Zukunft von öffentlichen Versammlungen und Partys, und mehr. Zeitgenössische Kunst bietet in dieser Situation einen sozialen und diskursiven Spannungsraum, in dem neue sinnliche Erfahrungen und Allianzen geschaffen werden können.

A Movement Research Center ist Teil des Programms Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses in der Galerie Wedding.

In der Zusammenarbeit mit der Schiller-Bibliothek.

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A Movement
Research Center

Spatial design and archive
created by Isabel Lewis,
concept with Solvej Helweg Ovesen and Galerie Wedding Team
part of the exhibition programme
XO – Existing Otherwise | Anders Existieren (2021-2)

A Movement Research Center is a multifunctional space open to the public: a reading room, an archive, a meeting place, mediation and meditation space, as well as a backstage for performances in nearby public space. The book archive holds current titles on performance studies as well as activist movement research and can be read on site.

A Movement Research Center is a place where multiple disciplines, knowledges, persons, institutions, and publics can meet to analyze and reflect upon architectures of affect, emotion, and memory; disability and the urban sphere; invisible subjects and unseen spaces; the migrant experience in urban space; the policing of bodies; the history and future of public assembly and celebration, and more. Contemporary art in this situation offers a social and discursive space of potentiality where new sensorial experiences as well as alliances can be created.

A Movement Research Center is part of the programme Existing Otherwise – For a New Politics of the Senses at Galerie Wedding.

In collaboration with the Schiller-Bibliothek.

04.12.2020 bis 27.02.2021 (verlängert)

Eine Ausstellung mit Arbeiten von Ana Alenso
kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Die Ausstellung ist von außen durch die Galeriefenster zu sehen.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms
SoS (Soft Solidarity)
konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

Ausstellungsbeginnam 03.12.2020

03.12.2020 um 19 Uhr (online)
Wandersalon on Air:
Ana Alenso im Gespräch mit Anna Dobelmann, Politik- und Sozialwissenschaftlerin
Eine Veranstaltung in Zusammenarbeit mit Urbane Künste Ruhr
Moderiert von Christina Danick (UKR) und
kommentiert von Kuratorin Solvej Helweg Ovesen (GW)

Gold, Kupfer, Diamanten und Coltan. Ressourcen können ein Fluch sein. Dies zeigt sich unter anderem durch Bergbau, der die Menschheit erodiert auf existentieller Ebene. Die südamerikanische Diaspora in Berlin macht sich Sorgen um die Situation in Venezuela. Die Mine ist hier nicht nur eine Ressourcen-Grube, sondern nimmt der Natur und den Menschen vor Ort dauerhaft die Lebensgrundlage weg.Wie können wir uns aus Berlin mit der südamerikanischen Diaspora und mit Venezuela in Bezug auf die Folgen des Ressourcenfluchs solidarisch zeigen?

Die Solo-Ausstellung von Ana Alenso beschäftigt sich mit dem Zusammenhang zwischen dem Ressourcenreichtum, z.B. hier konkret Gold, und der langjährigen Krise vor Ort in Venezuela. Alenso entwickelt eine skulpturale Landschaft, in welcher die Mechanismen und Folgen des Bergbaus als Zeichen von Selbstzerstörung oder anthropozentrischem Modus Operandi sichtbar werden. Es geht der Künstlerin darum, “einen Ökozid anzuprangern”. Die Widersprüche und Unsicherheiten durch wirtschaftliche Turbulenzen und der permanente Export von Ressourcen werden als skulpturale “Maschine” ästhetisch, haptisch in den Ausstellungsraum formuliert.

In Ländern wie Venezuela, die dem sogenannten “Fluch der Ressourcen“ ausgesetzt sind, wie Richard Auty, Professor in Ökonomischer Geografie (Lancaster Universität) 1993 das Phänomen nannte, führt der Überfluss an natürlichen Ressourcen paradoxerweise zu Elend. Dies trägt nur zur Tatsache bei, dass die Rohstoffpolitik im lateinamerikanischen Kontext in einem Netz von Mächten aufrechterhalten wird, das in ihrer kolonialen Vergangenheit verankert ist. Insbesondere Länder wie Venezuela sind davon betroffen. Hier existieren tiefe politische, soziale und ideologische Wunden nebeneinander. Die Verantwortung für diese Ausbeutung tragen wir in einer Großstadt wie Berlin mit, wenn wir Produkte aus Metal konsumieren oder unsere Augen vor den toxischen Effekten des Bergbaus verschließen. Wie können wir heute – durch unsere eigenen Handlungen lokal in Berlin – aber zur Regeneration von solchen Krisengebieten beitragen?

„Um die mit dem Bergbau verbundene ökologische Zerstörung zu reflektieren, ist es notwendig, diese nicht nur auf geographischer Ebene, sondern auch auf existentieller Ebene zu verstehen. Im Amazonasgebiet bedeutet Zerstörung mehr als die Verschmutzung von Flüssen, die Vernichtung endemischer Pflanzen, die Ermordung von Tieren und indigener Völker.
Wie kann Kunst diesem Zerstörungsprozess einen fruchtbaren Dialog mit der Zukunft entgegen setzen? Oder wird eher ein Dialog mit dem Tod angestrebt?“  Ana Alenso, 2020

Das Wiederaufleben des Goldfiebers im venezolanischen Amazonas ist Ausgangspunkt für Alensos Projekt und die Arbeit der Umweltorganisation SOS Orinoco, die bei der Recherche des Kunstprojekts mitwirkte. Die Gier – geweckt durch die Ausbeutung von Mineralien von hohem wirtschaftlichem Wert, von leichter Ausbeutung, von geringer Nachvollziehbarkeit bei Handel und Konversion, angezogen von Gold, Diamanten und Coltan – hat ein kriminelles System gefördert. Ein System, das von staatlichen Autoritäten zu ihrem persönlichen Vorteil entworfen und verwaltet wird, und das Verschwinden der Institutionalität erfordert. Die Realität ist, dass dieser Bergbau die absolute Gewalt entfesselt. Sie basiert auf der Verletzung von Menschenrechten, der Zerstörung von indigenen Völkern und Kulturen, der Zerstörung von Ökosystemen und Schutzgebieten, was zur Zersetzung des sozialen Gefüges geführt hat, und letztendlich zu einem Verlust der Souveränität der Republik. Die Souveränität Venezuelas wurde so durch internationale bewaffnete Gruppen ersetzt. In der Ausstellung “Die Mine gibt, die Mine nimmt” werden prekäre Bauwerke und Industrieabfälle zu Diskussions- und Kontemplationsplattformen für ein lokales Publikum in Berlin. Das Begleitprogramm zur Ausstellung bietet Gelegenheit, die Problematik des Bergbaus aus einer lokalen und globalen Perspektive zu vertiefen. Dabei eröffnen die Künstlerin und das Team der Galerie Wedding einen Dialog mit verschiedenen Kollaborator*innen der künstlerischen und ökologischen Recherche. Unter ihnen sind Mitglieder des Aktivist*innen Kollektivs SOS Orinoco, die Dokumentarfilmerin Alexandra Henao und die Wissenschaftlerin Anna Dobelmann.

Die Installation „Wir sind Satelliten“, 2020 von Ana Alenso wurde ko-produziert mit Urbane Künste Ruhr für das Ruhr Ding: Klima, 2021.

BITTE BEACHTEN: Für die Ausstellung gelten die aktuellen Hygienevorschriften. Es dürfen sich max. 5 Besucher*innen
zur gleichen Zeit im Ausstellungsraum aufhalten. Bringen Sie bitte Ihren eigenen Mundschutz mit. Zurzeit ist der Ausstellungsraum geschlossen.

Das Programm findet unter Vorbehalt eventueller Änderungen im Zusammenhang mit den geltenden Pandemieregelungen statt. Aktualisierungen werden stets auf der Website der Galerie Wedding und Social Media veröffentlicht.

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The mine gives, the mine takes

04.12.2020 until 27.02.2021 (extended)

An exhibition by Ana Alenso
curated by Solvej Helweg Ovesen

The exhibition can be seen from outside in our large gallery windows.

Within the frame of the exhibition program
SoS (Soft Solidarity),
conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

On display from 03.12.2020

03.12.2020 at 7 pm (online)
Wandersalon on Air:
Ana Alenso in conversation with Anna Dobelmann, political scientist
An evening in collaboration with Urbane Künste Ruhr
Moderated by Christina Danick (UKR) and
commented by curator Solvej Helweg Ovesen (GW)

Gold, copper, diamonds and coltan. Resources can be a curse. Mining is an image of the erosion of humanity on an existential level. The South American Diaspora in Berlin has is concerned about the situation in Venezuela. Here, the mines are not just a well of resources – they are permanently robbing the surrounding environment and the local population of their livelihood. How can we in Berlin show solidarity with the South American diaspora and with Venezuela with regard to the consequences of mining?

Ana Alenso’s solo exhibition deals with the connection between the wealth of resources, in this case especially gold, and the longstanding crisis on the ground in Venezuela. Alenso presents a sculptural landscape in which the mechanisms and consequences of mining are revealed as signs of self-destruction and as an anthropocentric modus operandi. The artist is concerned with „denouncing an ecocide“. The contradictions and uncertainties caused by economic turbulence and the permanent export of resources are translated to the exhibition space aesthetically and haptically in a sculptural „machine“. 

Countries like Venezuela are especially affected by the “resource curse”, a term coined in 1993 by Richard Auty, Professor of Economic Geography (Lancaster University) to describe the phenomenon in which the abundance of natural resources paradoxically leads to misery. This only adds to the fact that in the Latin American context, the politics of the extraction of raw materials is formed by a network of powers rooted in its colonial past. Countries like Venezuela are particularly affected. Here, deep political, social and ideological wounds coexist. We share the responsibility for this exploitation in a big city like Berlin when we use metal productsor turn a blind eye on the toxic consequences of mining. But how can we today – through our own actions locally in Berlin – contribute to the regeneration of such crisis areas?

“In order to reflect on the environmental destruction associated with mining, it is necessary to understand it not only on a geographical level, but also on an existential level. In the Amazon region, destruction means more than the pollution of rivers,the extermination of endemic plants and the murder of animals and Indigenous peoples.
Can art counter this process of destruction by engendering a fruitful dialogue with the future? Or does it rather aim at a dialogue with death?” 
Ana Alenso, 2020

The resurgence of gold fever in the Venezuelan Amazon is the starting point for Alenso’s project and the work by the environmental organisation SOS Orinoco, who collaborated on the research for the project. Greed – born out of the extraction of minerals such as gold, diamonds and coltan that have a high economic value and are easily exploited but not easily traced in trade and conversion – has fostered a criminal system. A system designed and managed by state authorities for their own personal benefit, and which requires the disappearance of institutionalism. The reality is that mining unleashes absolute violence. It is based on the violation of human rights, the destruction of Indigenous peoples and cultures and the destruction of ecosystems and protected areas. It has led to the disintegration of the social fabric and ultimately to the loss of the sovereignty of the Republic. Venezuela’s sovereignty has been replaced by international, armed groups.

In the exhibition „The mine gives, the mine takes“, precarious buildings and industrial waste become platforms for discussion and contemplation for a local audience in Berlin. The programme accompanying the exhibition offers an opportunity to explore the problems of mining from a local and a global perspective. In this frame, the artist and the Galerie Wedding team will enter into dialogue with their various collaborators in artistic and ecological research. Among them are members of the activist collective SOS Orinoco, the documentary filmmaker Alexandra Henao and the scientist Anna Dobelmann.

The installation „We are satellites“, 2020 by Ana Alenso was co-produced with Urbane Künste Ruhr for Ruhr Ding: Klima, 2021.

PLEASE NOTE: The current hygiene regulations apply to the exhibition. A maximum of 5 visitors may enter the exhibition space at the same time. Please bring your own face covering. The exhibition space is currently closed.

The program is subject to possible changes in connection with the current pandemic regulations. Updates will always be published online.

INSIDE/OUT  |  Processing Archives
27.11.-29.11.2020
Mit Afopefólúwa Òjó
und Monaí de Paula Antunes
Kuration: Lynhan Balatback-Helbock
Ausstellung im Fenster, durchgehend sichtbar
bei SAVVY Contemporary
Reinickendorfer Str. 17, 13347 Berlin

In diesen Zeiten, in denen Orte für Kunst und Kultur geschlossen bleiben müssen, laden wir Sie herzlich zu einer Ausstellung ein, die Sie beim Spazieren entlang der großen Fensterfront von SAVVY Contemporary besuchen können. Dabei werden durch Radio und Poesie all jene verbunden, die innehalten und hinschauen, atmen und zuhören. PROCESSING ARCHIVES zeigt Arbeiten und Prozesse, in denen sich die Künstlerinnen Afopefólúwa Òjó und Monaí de Paula Antunes wiederfinden, die momentan am Residenzprogramm Lagos-Berlin teilnehmen – eine Kollaboration zwischen Goethe Institut Lagos, Galerie Wedding, 16/16, ZK/U – Zentrum für Kunst und Urbanistik, und SAVVY Contemporary. Afọpẹ́fólúwa verbrachte die Monate ihres Residenzprogramms in Berlin, während Monai ihre Residenz in Lagos aufgrund der momentanen Lage virtuell gehalten hat.

RADIO GARDENING ist ein radiophones Ökosystem von Monaí de Paula Antunes, das verschiedenste Inhalte, Formate und Traditionen des Radiomachens innerhalb der materiellen Komplexität von Radio selbst zusammenbringt. Es wird auf einer der beiden Fensterfronten von SAVVY Contemporary installiert werden, dem Publikum von außen via Kurzwelle und Online-Streaming Zugang zu einer Radioumgebung ermöglichen und dabei verschiedene Ebenen der interaktiven Beteiligung ermöglichen.

Mit AN AFRICAN POET CRIES AT THE WIND stellt uns Afopefólúwa Òjó ihr aktuelles Projekt vor – den Versuch, eine Lese-Ökonomie für afrikanische Lyrik jenseits der Strukturen und Hierarchien von Verlegen und Kuratieren, die zwangsläufig das Leseverhalten beeinflussen, zu erschaffen. Im Projekt werden Kulturen des Archivierens, Lesens und Schreibens als veränderliche und mobile digitale Formen untersucht, die mittels Algorithmen übertragen und übersetzt werden können. Die Arbeit richtet ihr Hauptaugenmerk auf die Leser*innen und nicht auf Kontext oder Stil, um dabei einen Kanal für die Neugierde auf verschiedene Arten poetischer Werke zu schaffen, die von Afrikaner*innen auf dem Kontinent und in der Diaspora geschaffen werden. Ein autonomes System wird eine lokale Datenbank verwalten und über eine Webanwendung, die einen Open-Source-Zugang ermöglicht, Wege zur Verbindung mit dem Archiv ausstrahlen.

Die Ausstellung ist teil des Residenzprogramms Lagos-Berlin, organisiert vom Goethe Institut Lagos in Zusammenarbeit mit Galerie Wedding, 16/16, ZK/U – Zentrum für Kunst und Urbanistik, und SAVVY Contemporary.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und des Fonds »Ausstellungsvergütungen«.

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INSIDE/OUT  |  Processing Archives
27.11.-29.11.2020
With Afopefólúwa Òjó
and Monaí de Paula Antunes
Curation: Lynhan Balatback-Helbock
Exhibition in the window, all day & all night
at SAVVY Contemporary,
Reinickendorfer Str. 17, 13347 Berlin

In times of closed cultural spaces, we invite you to stroll by and see an exhibition presented in SAVVY Contemporary‘s big windows. Through radio and poetry we connect with those who pause and watch and breathe and listen. Processing Archives shows works and processes in which the artists Afopefólúwa Òjó and Monaí de Paula Antunes find themselves in while being part of the Lagos-Berlin residency programme – a collaboration between ZK/U, Galerie Wedding, Goethe Institut Lagos, 16/16 and SAVVY Contemporary. Afọpẹ́fólúwa Òjó has been based in Berlin these past months, while Monaí has had a virtual residence in Lagos.

RADIO GARDENING by Monaí de Paula Antunes is a radiophonic ecosystem, mixing heterogeneous content, formats and traditions of radio-making within radio’s own material complexity. It will be installed on one side of SAVVY’s window showcase giving public access from outside to a radio environment via FM and online, with different layers of interactivity.

WITH AN AFRICAN POET CRIES AT THE WIND Afopefólúwa Òjó will introduce us to a project she is currently working on – an attempt at creating a reading economy for african poetry outside of the structures and hierarchy of publishing and curation that inherently influence reading behaviours. The project manifests as an investigation in cultures of archiving, reading and writing as mutable and mobile digital forms which can be transmitted and translated algorithmically.
The work’s primary focus is on readers, not meaning, context or style, but rather looks to create a channel for curiosity around the different kinds of poetic works being created by Africans on the continent and in the diaspora. The project will materialize as an autonomous system that will manage a local database, and broadcast avenues for connecting with the archive via a web application enabling open source access.

The exhibition is part of the Lagos-Berlin residency programme by Goethe Institut Lagos in collaboration with ZK/U – Center for Art and Urbanistics Galerie Wedding, 16/16 and SAVVY Contemporary.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe and the funds »Ausstellungsvergütungen«.

Aufgrund der aktuellen Maßnahmen zur Eindämmung des Coronavirus bleibt die Galerie Wedding vom 3. November bis auf weiteres leider geschlossen.

Haltet zusammen und bleibt gesund!

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Following the current measures for the containment of coronavirus, Galerie Wedding will unfortunately be closed from November 3rd until further notice.

Stay healthy and see you soon!

Eine Ausstellung von Marina Naprushkina & Moabit Mountain College 

11.09. bis 14.11.2020 (verlängerte Laufzeit)

kuratiert von Nataša Ilić

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 10.09.2020 um 19 – 22 Uhr

mit Moabit Mountain College
Küche: Mazen Alsawaf
Musik: Marsa Band 

„Keine Zeit für Kunst“ ist keine gewöhnliche Ausstellung, sondern vielmehr ein künstlerisches Statement der Künstlerin Marina Naprushkina und des Moabit Mountain College (MMC), das über die Arbeitsbedingungen in der Kunstwelt und darüber hinaus reflektiert.

Für Naprushkina und das Moabit Mountain College, welches auf der langjährigen Arbeit der Berliner Initiative Neue Nachbarschaft/Moabit aufbaut, bildet die Kunst eine Grundlage für alle anderen Disziplinen. Neue Nachbarschaft/Moabit ist ein Geflüchteten- und Nachbarschaftsprojekt, das zu einer der größten Initiativen dieser Art in Berlin herangewachsen ist und eine starke Gemeinschaft von Geflüchteten, Menschen mit Migrationsgeschichte und Nachbar*innen aufgebaut hat. Mit einem interdisziplinären Ansatz und einer praxisorientierten Ausrichtung übernimmt das Moabit Mountain College die Galerie Wedding und verwandelt sie in einen Raum für gemeinsame künstlerische Praxis, der allen Menschen offen steht. MMC bringt professionelle Künstler*innen und Autodidakten zusammen, um die Praxis sozial engagierter und partizipatorischer Kunst für Menschen mit unterschiedlichem Bildungs- und kulturellen Hintergründen zu ermöglichen. In diesem Kontext erweitert und definiert die Ausstellung von Marina Naprushkina und dem Moabit Mountain College das Konzept der Sozialen Skulptur und die Tradition der sozial engagierten Kunst neu, welche herkömmliche Kunstinstitutionen und die üblichen Ausstellungsformate in Frage stellt.

Die Ausstellung umfasst Werke in verschiedenen Formaten, die sich mit Fragen der kollektiven Kreativität und der kritischen Auseinandersetzung mit den Begriffen Solidarität, Arbeit, Produktivität und sozialem Ungehorsam im Bereich der künstlerischen Produktion und in der Gesellschaft im Allgemeinen befassen. Eines der zentralen Werke der Ausstellung ist eine rote Tapete mit dem Titel „Red Moabit“ (2013 -): Sie besteht aus Materialien, die von Frauen* der Neuen Nachbarschaftsgemeinschaft produziert wurden, und vermittelt die Vertrautheit zwischen der Künstlerin und Mitgliedern der Gemeinschaft. Die Plakatwand „Alles für Alle!” (2019), die auf dem Bildarchiv der Neuen Nachbarschaft/Moabit und dem Kollektivmanifest „Alles für alle!“ basiert, vermittelt ein gutes Verständnis des kollektiven Arbeitsprozesses.

Weitere Arbeiten, wie bspw. die Videoarbeiten „Arbeit, Keine Arbeit“ (2019) und „Future for everyone“ (2020) sowie eine Reihe von funktionalen textilen Objekten („Solidaritätskleidung“, 2019) repräsentieren die antiproduktivistische Position und evozieren ein Gefühl von künstlerischem Handeln, das in der Lage ist, soziale und künstlerische Räume zu schaffen, die sich aktiv weigern, sich an der Verfestigung der anhaltenden Eindämmung von Differenz und Ungleichheit zu beteiligen.

Das Video „August“ (2020) präsentiert kurze Sequenzen, die in Minsk aufgenommen wurden und aktuelle Ereignisse des Sommers 2020 dokumentieren. Nach der Fälschung der Wahlergebnisse durch die Regierung in Belarus hat die Bürgerprotestbewegung alle Städte des Landes erreicht. Schon heute können diese Proteste als eine der größten Widerstandsbewegungen in der europäischen Geschichte der letzten Jahrzehnte betrachtet werden.

Begleitet wird die Ausstellung vom „Moabit Mountain College Panel“, das vom 23. bis 26. September auf dem Rathausvorplatz vor der Galerie Wedding stattfindet. In diesem Rahmen werden die künstlerische Methoden von Marina Naprushkina, sowie der offene Ansatz des Moabit Mountain College in verschiedenen Formaten wie Workshops, Lesungen, Vorträgen und Konzerten erlebbar gemacht.

BITTE BEACHTEN: Für die Ausstellung gelten die aktuellen Hygienevorschriften. Es dürfen sich max. 5 Besucher*innen
zur gleichen Zeit im Ausstellungsraum aufhalten. Bringen Sie bitte Ihren eigenen Mundschutz mit.

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No Time for Art

An exhibition by Marina Naprushkina & Moabit Mountain College

curated by Nataša Ilić

11.09. until 14.11.2020 (extended)

Within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

Opening on 10.09.2020 from 7pm to 10pm

with Moabit Mountain College
Kitchen: Mazen Alsawaf
Music:  Marsa Band

„No Time for Art“ is not an ordinary exhibition, but rather an artistic statement by the artist Marina Naprushkina and the Moabit Mountain College (MMC), who together reflect on working conditions in the art world and beyond.

Naprushkina and Moabit Mountain College, building on the long-standing work of the Berlin initiative Neue Nachbarschaft/Moabit, consider art forms as a foundation for all other disciplines. Neue Nachbarschaft/Moabit is a refugee and neighbourhood project that has grown to be one of the largest initiatives of its kind in Berlin and that has built a strong community of refugees, migrants and locals. With an interdisciplinary and pragmatic approach, Moabit Mountain College will take over Galerie Wedding and transform it into a space for shared artistic practice open to people of all ages and backgrounds. MMC brings together professional artists and autodidacts to enable the practice of socially engaged and participatory art for people from different educational and cultural backgrounds. Within this context, the exhibition by Marina Naprushkina and Moabit Mountain College expands and redefines the concept of social sculpture and the tradition of socially engaged art, which largely questions conventional art institutions and exhibition formats.

The exhibition includes works from different media that address questions of collective creativity and critically examine the notions of solidarity, work, productivity and social disobedience in the sphere of artistic production and in society in general. Central to the exhibition is the work “Red Moabit” (2013 –), a red wallpaper that is comprised of material produced by female members of the Neue Nachbarschaft’s community, hereby conveying the closeness between the artist and her community. The poster wall „Alles für Alle!“ (2019), assorted from Neue Nachbarschaft/Moabit’s image archive and their collective manifesto „Alles für alle!“, offers a deeper insight into collective work processes.

The video works “Arbeit, Keine Arbeit” (2019) and “Future for everyone” (2020) and a series of functional, textile objects that make up “Solidarity Clothes” (2019) take an anti-productivist position towards labour and evoke a sense of artistic agency that moves towards creating social and artistic spaces that actively refuse to partake in solidifying the ongoing oppression of difference and perpetuation of inequality.

The video „August“ (2020) presents short sequences shot in Minsk that document current events from the summer of 2020. After the forgery of the election results by the government in Belarus, the citizens‘ protest movement reached all cities in the country. Already today, these protests can be considered one of the biggest resistance movements in European history.

Accompanying the exhibition is the „Moabit Mountain College Panel“, which will take place from September 23rd – 26th at the Rathausvorplatz in front of Galerie Wedding. Here, Marina Naprushkina’s artistic methods and Moabit Mountain College’s inclusive approach will be shared in a variety of different formats, including workshops, readings, talks and concerts.

PLEASE NOTE: The current hygiene regulations apply to the exhibition. A maximum of 5 visitors may enter the exhibition space at the same time. Please bring your own face mask.

öffentliche Einrichtungen des Fachbereich Kunst, Kultur und Geschichte werden ab 2.11. bis einschließlich 30.11.2020 für den Publikumsverkehr geschlossen. Diese Entscheidung beruht auf den aktuellen Vorgaben und Empfehlungen der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und des Bezirksamts Mitte zur Hemmung der Verbreitung des Coronavirus (COVID-19).

Der Dienstbetrieb in den Einrichtungen läuft regulär weiter. Unserer Mitarbeiter*innen sind telefonisch und per E-Mail für Sie erreichbar.

Über die weiteren Entwicklungen halten wir Sie hier auf unserer Webseite sowie über unsere Social-Media auf dem Laufenden.

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Dear visitors,

public institutions of the Department of Art, Culture and History will be closed to the public from 2.11. until 30.11.2020 inclusive. This decision is based on the current guidelines and recommendations of the Senate Administration for Culture and Europe and the Bezirksamts Mitte for inhibiting the spread of the coronavirus (COVID-19).

Our staff* can be reached by telephone and e-mail.

We will keep you informed about further developments here on our website and via our social media.

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Keine Zeit für Kunst

11.09. bis 14.11.2020 (verlängerte Laufzeit)

Eine Ausstellung mit Arbeiten von
Marina Naprushkina & Moabit Mountain College
kuratiert von Nataša Ilić

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

mit Moabit Mountain College
Küche: Mazen Alsawaf
Musik: Marsa Band 

„Keine Zeit für Kunst“ ist keine gewöhnliche Ausstellung, sondern vielmehr ein künstlerisches Statement der Künstlerin Marina Naprushkina und des Moabit Mountain College (MMC), das über die Arbeitsbedingungen in der Kunstwelt und darüber hinaus reflektiert.

Für Naprushkina und das Moabit Mountain College, welches auf der langjährigen Arbeit der Berliner Initiative Neue Nachbarschaft/Moabit aufbaut, bildet die Kunst eine Grundlage für alle anderen Disziplinen. Neue Nachbarschaft/Moabit ist ein Geflüchteten- und Nachbarschaftsprojekt, das zu einer der größten Initiativen dieser Art in Berlin herangewachsen ist und eine starke Gemeinschaft von Geflüchteten, Menschen mit Migrationsgeschichte und Nachbar*innen aufgebaut hat. Mit einem interdisziplinären Ansatz und einer praxisorientierten Ausrichtung übernimmt das Moabit Mountain College die Galerie Wedding und verwandelt sie in einen Raum für gemeinsame künstlerische Praxis, der allen Menschen offen steht. MMC bringt professionelle Künstler*innen und Autodidakten zusammen, um die Praxis sozial engagierter und partizipatorischer Kunst für Menschen mit unterschiedlichem Bildungs- und kulturellen Hintergründen zu ermöglichen. In diesem Kontext erweitert und definiert die Ausstellung von Marina Naprushkina und dem Moabit Mountain College das Konzept der Sozialen Skulptur und die Tradition der sozial engagierten Kunst neu, welche herkömmliche Kunstinstitutionen und die üblichen Ausstellungsformate in Frage stellt.

Die Ausstellung umfasst Werke in verschiedenen Formaten, die sich mit Fragen der kollektiven Kreativität und der kritischen Auseinandersetzung mit den Begriffen Solidarität, Arbeit, Produktivität und sozialem Ungehorsam im Bereich der künstlerischen Produktion und in der Gesellschaft im Allgemeinen befassen. Eines der zentralen Werke der Ausstellung ist eine rote Tapete mit dem Titel „Red Moabit“ (2013 -): Sie besteht aus Materialien, die von Frauen* der Neuen Nachbarschaftsgemeinschaft produziert wurden, und vermittelt die Vertrautheit zwischen der Künstlerin und Mitgliedern der Gemeinschaft. Die Plakatwand „Alles für Alle!” (2019), die auf dem Bildarchiv der Neuen Nachbarschaft/Moabit und dem Kollektivmanifest „Alles für alle!“ basiert, vermittelt ein gutes Verständnis des kollektiven Arbeitsprozesses.

Weitere Arbeiten, wie bspw. die Videoarbeiten „Arbeit, Keine Arbeit“ (2019) und „Future for everyone“ (2020) sowie eine Reihe von funktionalen textilen Objekten („Solidaritätskleidung“, 2019) repräsentieren die antiproduktivistische Position und evozieren ein Gefühl von künstlerischem Handeln, das in der Lage ist, soziale und künstlerische Räume zu schaffen, die sich aktiv weigern, sich an der Verfestigung der anhaltenden Eindämmung von Differenz und Ungleichheit zu beteiligen.

Das Video „August“ (2020) präsentiert kurze Sequenzen, die in Minsk aufgenommen wurden und aktuelle Ereignisse des Sommers 2020 dokumentieren. Nach der Fälschung der Wahlergebnisse durch die Regierung in Belarus hat die Bürgerprotestbewegung alle Städte des Landes erreicht. Schon heute können diese Proteste als eine der größten Widerstandsbewegungen in der europäischen Geschichte der letzten Jahrzehnte betrachtet werden.

Begleitet wird die Ausstellung vom „Moabit Mountain College Panel“, das vom 23. bis 26. September auf dem Rathausvorplatz vor der Galerie Wedding stattfindet. In diesem Rahmen werden die künstlerische Methoden von Marina Naprushkina, sowie der offene Ansatz des Moabit Mountain College in verschiedenen Formaten wie Workshops, Lesungen, Vorträgen und Konzerten erlebbar gemacht.

BITTE BEACHTEN: Für die Ausstellung gelten die aktuellen Hygienevorschriften. Es dürfen sich max. 5 Besucher*innen
zur gleichen Zeit im Ausstellungsraum aufhalten. Bringen Sie bitte Ihren eigenen Mundschutz mit.

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No Time for Art

An exhibition by Marina Naprushkina & Moabit Mountain College

curated by Nataša Ilić

11.09. until 14.11.2020 (extended)

Within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

Opening on 10.09.2020 from 7pm to 10pm

with Moabit Mountain College
Kitchen: Mazen Alsawaf
Music:  Marsa Band

„No Time for Art“ is not an ordinary exhibition, but rather an artistic statement by the artist Marina Naprushkina and the Moabit Mountain College (MMC), who together reflect on working conditions in the art world and beyond.

Naprushkina and Moabit Mountain College, building on the long-standing work of the Berlin initiative Neue Nachbarschaft/Moabit, consider art forms as a foundation for all other disciplines. Neue Nachbarschaft/Moabit is a refugee and neighbourhood project that has grown to be one of the largest initiatives of its kind in Berlin and that has built a strong community of refugees, migrants and locals. With an interdisciplinary and pragmatic approach, Moabit Mountain College will take over Galerie Wedding and transform it into a space for shared artistic practice open to people of all ages and backgrounds. MMC brings together professional artists and autodidacts to enable the practice of socially engaged and participatory art for people from different educational and cultural backgrounds. Within this context, the exhibition by Marina Naprushkina and Moabit Mountain College expands and redefines the concept of social sculpture and the tradition of socially engaged art, which largely questions conventional art institutions and exhibition formats.

The exhibition includes works from different media that address questions of collective creativity and critically examine the notions of solidarity, work, productivity and social disobedience in the sphere of artistic production and in society in general. Central to the exhibition is the work “Red Moabit” (2013 –), a red wallpaper that is comprised of material produced by female members of the Neue Nachbarschaft’s community, hereby conveying the closeness between the artist and her community. The poster wall „Alles für Alle!“ (2019), assorted from Neue Nachbarschaft/Moabit’s image archive and their collective manifesto „Alles für alle!“, offers a deeper insight into collective work processes.

The video works “Arbeit, Keine Arbeit” (2019) and “Future for everyone” (2020) and a series of functional, textile objects that make up “Solidarity Clothes” (2019) take an anti-productivist position towards labour and evoke a sense of artistic agency that moves towards creating social and artistic spaces that actively refuse to partake in solidifying the ongoing oppression of difference and perpetuation of inequality.

The video „August“ (2020) presents short sequences shot in Minsk that document current events from the summer of 2020. After the forgery of the election results by the government in Belarus, the citizens‘ protest movement reached all cities in the country. Already today, these protests can be considered one of the biggest resistance movements in European history.

Accompanying the exhibition is the „Moabit Mountain College Panel“, which will take place from September 23rd – 26th at the Rathausvorplatz in front of Galerie Wedding. Here, Marina Naprushkina’s artistic methods and Moabit Mountain College’s inclusive approach will be shared in a variety of different formats, including workshops, readings, talks and concerts.

PLEASE NOTE: The current hygiene regulations apply to the exhibition. A maximum of 5 visitors may enter the exhibition space at the same time. Please bring your own face mask.

Eine Ausstellung mit Arbeiten von Burak Delier, Ieva Epnere und Runo Lagomarsino

06.08. – 03.09.2020

Entstanden in Kooperation mit dem Berliner Künstlerprogramm des DAAD, kuratiert von Melanie Roumiguière und Malte Roloff im Rahmen von SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen.

Eröffnung/ Erweiterte Öffnungszeiten am 06.08.2020 von 12 bis 21 Uhr

Dialogische Führung mit den Kurator*innen am 28.08. um 14 Uhr
Die Zahl der Teilnehmer*innen ist auf max. 5 Personen begrenzt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Fahrradtour mit Station in der Galerie Wedding im Rahmen der KGB-Kunstwoche am 30.08.
Kuratorische Führung mit Melanie Roumiguière um 16 Uhr.
Anmeldung bitte bis 16.08. unter mail@kgberlin.net.
Mehr Informationen unter www.kgberlin.net.

In der Gruppenausstellung And That Song Is Our Amulet (Und dieser Gesang ist unser Amulett) wird das künstlerische Schaffen von drei Stipendiat*innen des Berliner Künstlerprogramms des DAAD – Burak Delier (*1977, Türkei), Ieva Epnere (*1977, Lettland) und Runo Lagomarsino (*1977, Schweden) – dem Berliner Publikum vorgestellt. Im Mittelpunkt steht die Frage nach den Möglichkeiten der Widerständigkeit von Kunst und Poesie gegenüber den vorherrschenden Systemen der Politik, Religion und Wirtschaft. In dem titelgebenden Roman „Amuleto“ Roberto Bolan͂os von 1998 wird die Kraft des künstlerischen Schaffens, der Erinnerung und der Phantasie beschworen. Sie stellt sich der Realität entgegen – ungeachtet der Härten und Ungleichheiten, die das Leben bewirkt. Widerstand kann in diesem Sinne verstanden werden als ein beobachtender, poetischer Akt, geleitet von Überzeugung und Nachdruck; aber gleichzeitig auch von Behutsamkeit und Zuversicht.

Auch in den hier gezeigten Arbeiten werden Fragen gestellt, nach Möglichkeiten des Zusammenschlusses zwischen ausgegrenzten Identitäten, der Erinnerung an vergangene Formen des Widerstands und des Träumens von alternativen Lebensentwürfen. Welchen Raum können wir bewahren für Ideen und Ausdrucksformen, die sich nicht nur unterordnen oder verstecken wollen? Wie können wir über diese Räume sprechen, ohne dabei eine einseitige, starre Position zu beziehen, die jede Form des Utopischen ausschließt?

Die hier versammelten Kunstwerke machen Angebote, Widerständigkeit und Schutz in unsicheren Zeiten eher in losen, weichen, verletzlichen, temporären Formen von Gemeinschaft und Solidarität zu suchen als in heroischen Gesten und ideologischen Gewissheiten. Gerade heute, in Zeiten der „neuen Normalität“ existentieller Ungewissheiten, erscheint es uns wichtig, die Kraft der Kunst, der Worte und der Bilder zu betonen. Auch wenn wir uns – wie im ersten Satz von Bolan͂os Buch – in einer „Horrorgeschichte“ befinden, so endet diese hoffentlich ebenso wie die Erzählung der Protagonistin Auxilio. Am Ende ihrer Tour de Force durch die lateinamerikanische Literaturgeschichte und die traumatischen Ereignisse der gewaltsamen Niederschlagungen der Studentenproteste im Mexiko City der 1960er und 1970er Jahre schließt sie mit den Worten: „Dieses Lied (…) es sang vor allem von Tapferkeit, den Spiegeln, der Sehnsucht, der Freude (…), es ist das Zeichen unserer Erinnerung, unser Amulett“.   

BITTE BEACHTEN: Für die Ausstellung gelten die aktuellen Hygienevorschriften. Es dürfen sich max. 5 Besucher*innen
zur gleichen Zeit im Ausstellungsraum aufhalten. Bringen Sie bitte Ihren eigenen Mundschutz mit.

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And That Song Is Our Amulet

An exhibition of works by Burak Delier, Ieva Epnere and Runo Lagomarsino

06.08. – 03.09.2020

Organised in cooperation with the DAAD Artists-in-Berlin Program, and curated by Melanie Roumiguière and Malte Roloff as part of the exhibition program SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen.

Opening/ Extended opening hours on 06.08.2020 from 12 to 9pm

Guided tour with the curators on 28.08. at 2 pm.
The number of participants is limited to max. 5 people.
RSVP to post@galeriewedding.de.

Bicycle tour with a station at Galerie Wedding as part of the KGB-Kunstwoche on 30.08.2020.
Guided tour with the curator Melanie Roumiguière at 4 pm.
Please register by 16.08. at mail@kgberlin.net.
More information is available at www.kgberlin.net.

The group show And That Song Is Our Amulet showcases the work of three guests of the DAAD Artists-in-Berlin Program: Burak Delier (*1977, Turkey), Ieva Epnere (*1977, Latvia) und Runo Lagomarsino (*1977, Sweden). This presentation explores the power of art and poetry to resist prevailing political, religious and economic systems. The title is borrowed from Roberto Bolan͂o’s novel “Amulet” (1998), in which the power of artistic creation, as well as that of memory and imagination is invoked. This energetic force confronts and resists reality, undeterred by the challenges and inequalities that life can present. Resistance can be understood in this sense as an observational, lyrical act driven by conviction and vigour, but also by circumspection and assurance.

The possibility of forming alliances between marginalised or excluded identities, of recalling past forms of resistance, and of imagining alternative lifestyles is also investigated in the works on show here. What space can we preserve for ideas and forms of expression that are not prepared to subordinate or conceal themselves? How can we talk about such spaces without taking a one-sided, rigid stance that excludes any kind of utopian thinking?

The featured artworks offer ways to find resistance and protection in uncertain times in loose, soft, vulnerable or temporary forms of community and solidarity, rather than in heroic gestures or ideological convictions. Now, above all, as we face a ‘new normality’ of existential uncertainty, we feel that it is important to emphasise the power of art, words and images. Even if we find ourselves in a “horror story” – as we are warned in the opening sentence of Bolan͂o’s book – then it will hopefully end like the experience of his protagonist Auxilio. Following a tour de force through the history of Latin American literature and the trauma of the violently suppressed student protests in Mexico City during the 1960s and 70s, she concludes: “[T]he song that I heard (…) above and beyond all (…) was about courage and mirrors, desire and pleasure. And that song is our amulet“.

PLEASE NOTE: The current hygiene regulations apply to the exhibition. A maximum of 5 visitors may enter the exhibition space at the same time. Please bring your own face mask.

Eine Ausstellung mit Arbeiten von Burak Delier, Ieva Epnere und Runo Lagomarsino

06.08. – 03.09.2020

Erweiterte Öffnungszeiten am 06.08.2020 von 12 bis 21 Uhr

In der Gruppenausstellung And That Song Is Our Amulet (Und dieser Gesang ist unser Amulett) wird das künstlerische Schaffen von drei Stipendiat*innen des Berliner Künstlerprogramms des DAAD – Burak Delier (*1977, Türkei), Ieva Epnere (*1977, Lettland) und Runo Lagomarsino (*1977, Schweden) – dem Berliner Publikum vorgestellt. Im Mittelpunkt steht die Frage nach den Möglichkeiten der Widerständigkeit von Kunst und Poesie gegenüber den vorherrschenden Systemen der Politik, Religion und Wirtschaft. In dem titelgebenden Roman „Amuleto“ Roberto Bolan͂os von 1998 wird die Kraft des künstlerischen Schaffens, der Erinnerung und der Phantasie beschworen. Sie stellt sich der Realität entgegen – ungeachtet der Härten und Ungleichheiten, die das Leben bewirkt. Widerstand kann in diesem Sinne verstanden werden als ein beobachtender, poetischer Akt, geleitet von Überzeugung und Nachdruck; aber gleichzeitig auch von Behutsamkeit und Zuversicht.

Auch in den hier gezeigten Arbeiten werden Fragen gestellt, nach Möglichkeiten des Zusammenschlusses zwischen ausgegrenzten Identitäten, der Erinnerung an vergangene Formen des Widerstands und des Träumens von alternativen Lebensentwürfen. Welchen Raum können wir bewahren für Ideen und Ausdrucksformen, die sich nicht nur unterordnen oder verstecken wollen? Wie können wir über diese Räume sprechen, ohne dabei eine einseitige, starre Position zu beziehen, die jede Form des Utopischen ausschließt?

Die hier versammelten Kunstwerke machen Angebote, Widerständigkeit und Schutz in unsicheren Zeiten eher in losen, weichen, verletzlichen, temporären Formen von Gemeinschaft und Solidarität zu suchen als in heroischen Gesten und ideologischen Gewissheiten. Gerade heute, in Zeiten der „neuen Normalität“ existentieller Ungewissheiten, erscheint es uns wichtig, die Kraft der Kunst, der Worte und der Bilder zu betonen. Auch wenn wir uns – wie im ersten Satz von Bolan͂os Buch – in einer „Horrorgeschichte“ befinden, so endet diese hoffentlich ebenso wie die Erzählung der Protagonistin Auxilio. Am Ende ihrer Tour de Force durch die lateinamerikanische Literaturgeschichte und die traumatischen Ereignisse der gewaltsamen Niederschlagungen der Studentenproteste im Mexiko City der 1960er und 1970er Jahre schließt sie mit den Worten: „Dieses Lied (…) es sang vor allem von Tapferkeit, den Spiegeln, der Sehnsucht, der Freude (…), es ist das Zeichen unserer Erinnerung, unser Amulett“.   

BITTE BEACHTEN: Für die Ausstellung gelten die aktuellen Hygienevorschriften. Es dürfen sich max. 5 Besucher*innen
zur gleichen Zeit im Ausstellungsraum aufhalten. Bringen Sie bitte Ihren eigenen Mundschutz mit.

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An exhibition of works by Burak Delier, Ieva Epnere and Runo Lagomarsino

06.08. – 03.09.2020

Extended opening hours on 06.08.2020 from 12 to 9pm

The group show And That Song Is Our Amulet showcases the work of three guests of the DAAD Artists-in-Berlin Program: Burak Delier (*1977, Turkey), Ieva Epnere (*1977, Latvia) und Runo Lagomarsino (*1977, Sweden). This presentation explores the power of art and poetry to resist prevailing political, religious and economic systems. The title is borrowed from Roberto Bolan͂o’s novel “Amulet” (1998), in which the power of artistic creation, as well as that of memory and imagination is invoked. This energetic force confronts and resists reality, undeterred by the challenges and inequalities that life can present. Resistance can be understood in this sense as an observational, lyrical act driven by conviction and vigour, but also by circumspection and assurance.

The possibility of forming alliances between marginalised or excluded identities, of recalling past forms of resistance, and of imagining alternative lifestyles is also investigated in the works on show here. What space can we preserve for ideas and forms of expression that are not prepared to subordinate or conceal themselves? How can we talk about such spaces without taking a one-sided, rigid stance that excludes any kind of utopian thinking?

The featured artworks offer ways to find resistance and protection in uncertain times in loose, soft, vulnerable or temporary forms of community and solidarity, rather than in heroic gestures or ideological convictions. Now, above all, as we face a ‘new normality’ of existential uncertainty, we feel that it is important to emphasise the power of art, words and images. Even if we find ourselves in a “horror story” – as we are warned in the opening sentence of Bolan͂o’s book – then it will hopefully end like the experience of his protagonist Auxilio. Following a tour de force through the history of Latin American literature and the trauma of the violently suppressed student protests in Mexico City during the 1960s and 70s, she concludes: “[T]he song that I heard (…) above and beyond all (…) was about courage and mirrors, desire and pleasure. And that song is our amulet“.

PLEASE NOTE: The current hygiene regulations apply to the exhibition. A maximum of 5 visitors may enter the exhibition space at the same time. Please bring your own face mask.

Eine Ausstellung von Julian Irlinger kuratiert von Jan Tappe

11. Juni bis 25. Juli 2020

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und
Solvej Helweg Ovesen

Erweiterte Öffnungszeiten am 11., 12. und 13. Juni 2020 von 12 bis 21 Uhr

Ausstellungsführungen mit Julian Irlinger und Jan Tappe für max. 5 Personen finden am 13., 27. Juni und 25. Juli 2020 jeweils um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation mit Texten von Julian Irlinger, Kerstin Stakemeier und Jan Tappe

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die Präsentation wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit ausserhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

Die Ausstellung in der Galerie Wedding beleuchtet den Gegenstand der Schenkung anhand einer Installation aus Dokumenten und Fotografien eines Hauses in Schönebeck an der Elbe aus dem familiären Archiv des Künstlers. Die Präsentation ist durch die Corona Krise deutlich beeinflusst, da ein Teil der Ausstellungsräume der Galerie vorübergehend vom Sozialamt genutzt werden. Von allen Beteiligten wurde beschlossen die Räumlichkeiten zu teilen. Die Zwischennutzung des Sozialamts wird mindestens die Hälfte der Ausstellungsdauer bestehen, wodurch verdeutlicht wird dass auch der Kulturbetrieb sich in der Krise arrangieren muss. Eine Geste die auch zeigt welche öffentliche institutionelle Struktur der Galerie zugrunde liegt.

Eine inhaltliche Betonung, die das Projekt durch die Corona Krise erlebt hat, betrifft die Wahrnehmung nationaler Grenzen. Seit dem Fall der Mauer hat die Idee einer europäischen Gemeinschaft sich immer stärker in erhöhter Reisefreiheit niedergeschlagen, während neue EU Aussengrenzen entstanden sind. In der Krise erleben die Grenzen der Nationalstaaten eine Stärkung. Diese Rückbesinnung bedeutet eine Veränderung in der Geschichte der EU. Da Gift auf eine Schenkung an das Wende Museum in Los Angeles angelegt ist, betrifft die Pandemie auch die im Projekt angelegte Verbindung zu den USA, die momentan die Grenzen für Europa geschlossen haben.

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Gift

An Exhibition by Julian Irlinger curated by Jan Tappe

11th of June until 25th of July 2020

within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

Extended opening hours on 11th, 12th and 13th of June 2020 from 12 to 9pm

Exhibition tours with Julian Irlinger and Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on 13th, 27th of  June and 25th of July 2020 at 5 pm. RSVP to post@galeriewedding.de.
 
The exhibition is accompanied by a publication with texts by Julian Irlinger, Kerstin Stakemeier and Jan Tappe

Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity.
Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

The exhibition at Galerie Wedding explores the donation by means of an installation of documents and photographs of a house in Schönebeck an der Elbe from the artist’s own family archive. The presentation is markedly influenced by the Corona crisis, since a part of the gallery’s exhibition space is temporarily under use by the Sozialamt (the district’s office for social welfare)—all involved parties have decided to share the premises. The office’s temporary presence will last for at least half of the exhibition’s duration, illustrating the fact that the cultural sector must find ways to come to terms with the crisis as well. The split occupation also highlights the public-institutional structure of the gallery.

The Corona crisis underscores the content of the project as well, specifically the perception of national borders. Since the fall of the Berlin Wall, the idea of a European community has been personified through an increasing freedom of travel while new EU external borders have emerged. However, in a shift within the history of the European Union, the current crisis has in fact strengthened the borders of the nation-state. Since Gift is centred on a donation to the Wende Museum in Los Angeles, the pandemic also affects the project’s connection to the United States, which has currently closed its borders to Europe.

11. Juni bis 25. Juli 2020

Ausstellungsführung mit dem Künstler Julian Irlinger und Kurator Jan Tappe für max. 5 Personen findet am 25. Juli um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die Präsentation wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit außerhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

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An Exhibition by Julian Irlinger

11 June until 25 July 2020

Exhibition tours with the artist Julian Irlinger and curator Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on July 25, 2020 at 5 pm.

RSVP to post@galeriewedding.de.

Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity. Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

11. Juni bis 25. Juli 2020

Ausstellungsführung mit dem Künstler Julian Irlinger und Kurator Jan Tappe für max. 5 Personen findet am 13. Juni um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit außerhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

Weitere Termine:

27. Juni und 25. Juli

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An Exhibition by Julian Irlinger

11 June until 25 July 2020

Exhibition tours with the artist Julian Irlinger and curator Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on 13 June 2020 at 5 pm. RSVP to post@galeriewedding.de. Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity. Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

Further dates:

27 June and 25 July

11. Juni bis 25. Juli 2020

Ausstellungsführung mit dem Künstler Julian Irlinger und Kurator Jan Tappe für max. 5 Personen findet am 27. Juni um 17 Uhr statt. Voranmeldungen bitte an post@galeriewedding.de.

Gift ist eine Auseinandersetzung mit Geschichtsschreibung anhand verschiedener Materialien, die Eigentumsübertragungen und Eigentumsdelikte der DDR Zeit und danach dokumentieren. Thematisiert wird die Konstruktion nationaler Identität. Es handelt sich um keine Ausstellung im eigentlichen Sinn, sondern um den Teil eines institutionellen Prozesses. Im Anschluss an die Präsentation wird das Ausgangsmaterial durch den Künstler Julian Irlinger an die Sammlung des Wende Museum in Los Angeles übergeben, um als historisches Artefakt für den Ausstellungsbetrieb und die Forschung bereit zu stehen. Es werden die ersten Dokumente aus diesem Zusammenhang in der Sammlung sein. Dies erweitert die Möglichkeit außerhalb deutscher Grenzen über ideologische und ökonomische Aspekte der Vereinigung zu forschen, um die vereinheitlichende Autorität von nationaler Identität und historischer Narrative zu strapazieren.

Weitere Termine:

25. Juli

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An Exhibition by Julian Irlinger

11 June until 25 July 2020

Exhibition tours with the artist Julian Irlinger and curator Jan Tappe for a maximum of 5 people will take place on 27 June 2020 at 5 pm.

RSVP to post@galeriewedding.de.

Gift examines the writing of history through materials that document differing transfers of ownership and property infractions between the GDR period and after. In doing so, the project questions the construction of national identity. Gift does not present an exhibition in the true sense of the word, but rather forms part of an institutional process. Following the presentation at Galerie Wedding, the artist Julian Irlinger will hand over the source material to the collection of the Wende Museum in Los Angeles, in order to make it available as a historical artifact for exhibition and research purposes. The materials will be the first documents of their kind to enter the collection. Their presence will expand the possibility of research on ideological and economic aspects of German unification outside of Germany, thus challenging the unifying authority of national identity and historical narrative.

Further dates:

25 July

Liebes Publikum,

Alle öffentlichen Einrichtungen und Veranstaltungen des Fachbereich Kunst, Kultur und Geschichte werden ab 14.03. bis einschließlich 19.04.2020 für den Publikumsverkehr geschlossen. Diese Entscheidung beruht auf den aktuellen Vorgaben und Empfehlungen der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und des Bezirksamts Mitte zur Hemmung der Verbreitung des Coronavirus (COVID-19).

Der Dienstbetrieb in den Einrichtungen läuft regulär weiter. Unserer Mitarbeiter*innen sind telefonisch und per E-Mail für Sie erreichbar.

Über die weiteren Entwicklungen halten wir Sie hier auf unserer Webseite sowie über unsere Social-Media auf dem Laufenden.

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Dear visitors,

all public institutions and events of the Department of Art, Culture and History will be closed to the public from 14.03. until 19.04.2020 inclusive. This decision is based on the current guidelines and recommendations of the Senate Administration for Culture and Europe and the Bezirksamts Mitte for inhibiting the spread of the coronavirus (COVID-19).

Our staff* can be reached by telephone and e-mail.

We will keep you informed about further developments here on our website and via our social media.

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Love Meetings oder Liebe in Zeiten des Kapitalismus

07.02. bis 28.03.2020

GESCHLOSSEN WEGEN COVID-19 PRÄVENTION!

Eine Ausstellung von Konstanze Schmitt kuratiert von Solvej Helweg Ovesen
Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 06.02.2020 von 19 bis 22 Uhr

Funktioniert die Liebe so wie der Markt und ist die romantische Liebe eine Legende? Muss man hart (an sich) arbeiten um geliebt zu werden? Wie zeigt sich die Liebe heute in Berlin, Wedding?

»Die Dekonstruktion des Konzepts der romantischen Liebe lenkt (…) die Aufmerksamkeit darauf, wie wir unsere Beziehungen zueinander gestalten, nicht nur zwischen Freund*innen und Liebenden, sondern auch im gesellschaftlichen Leben.« (Konstanze Schmitt, 2019)

Schmitts künstlerische Arbeit zur Liebe im Kapitalismus besteht aus drei Teilen:

Teil 1: »Comizi d`amore« – performative Recherche im Wedding im August/ September 2019,
Teil 2: »Everybody Needs Only You« – Performance in Zusammenarbeit mit Bini Adamczak am Berliner HAU/Hebbel am Ufer (Premiere: 6. Dezember 2019) und
Teil 3: »Love Meetings« – Einzelausstellung in der Galerie Wedding im Februar/ März 2020.

Die im Sommer entstandenen Filmsequenzen mit Protagonist*innen aus dem Wedding, ausgewählte Kostüme und Bühnenelemente aus der Performance im HAU sowie Dokumentationen und Bearbeitungen von Gesprächen und performativen Interventionen werden nun im dritten Teil, der aktuellen Einzelausstellung »Love Meetings oder Liebe in Zeiten des Kapitalismus« von Konstanze Schmitt in der Galerie Wedding zusammengeführt.

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Love Meetings or Love in Times of Capitalism

07.02. until 28.03.2020

CLOSED BECAUSE OF COVID-19 PREVENTION!

An exhibition by Konstanze Schmitt curated by Solvej Helweg Ovesen
within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

Opening on 06.02.2019 from 7pm to 10pm

Is love nowadays a market and romantic love a legend? Do you have to work hard (on ourselves) to be loved by others? What is love today in Berlin, Wedding?

»Deconstructing the concept of romantic love (…) directs the focus on how we construct relationships between each other – not only between friends and lovers, but in society.«
(Konstanze Schmitt in conversation with Solvej Helweg Ovesen, December 2019)

Schmitt’s artistic work on »Love in Times of Capitalism« consists of three parts:
Part 1: »Comizi d`amore« – performative research in Wedding in August/ September 2019,
Part 2: »Everybody Needs Only You« – performance in collaboration with Bini Adamczak, at the Berlin HAU/Hebbel am Ufer (premiere: December 6, 2019) and
Part 3: »Love Meetings« – at Galerie Wedding in February and March 2020.

The film sequences made in summer with protagonists from Wedding, selected costumes and stage elements from the performance at HAU as well as documentation, and adaptations of conversations are now brought together in the third part of the current solo exhibition »Love Meetings or Love in Times of Capitalism« by Konstanze Schmitt.

Love Meetings oder Liebe in Zeiten des Kapitalismus

Ausstellungsrundgang am 07.02.2020 um 17 Uhr mit Konstanze Schmitt und Solvej Helweg Ovesen

Eine Ausstellung von Konstanze Schmitt kuratiert von Solvej Helweg Ovesen
Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

Ausstellung: 07.02. until 28.03.2020

Funktioniert die Liebe so wie der Markt und ist die romantische Liebe eine Legende? Muss man hart (an sich) arbeiten um geliebt zu werden? Wie zeigt sich die Liebe heute in Berlin, Wedding?

»Die Dekonstruktion des Konzepts der romantischen Liebe lenkt (…) die Aufmerksamkeit darauf, wie wir unsere Beziehungen zueinander gestalten, nicht nur zwischen Freund*innen und Liebenden, sondern auch im gesellschaftlichen Leben.« (Konstanze Schmitt, 2019)

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Love Meetings or Love in Times of Capitalism

Exhibition Tour on 02.07.2020 at 5pm with Konstanze Schmitt and Solvej Helweg Ovesen

An exhibition by Konstanze Schmitt curated by Solvej Helweg Ovesen
within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

Exhibition: 07.02. until 28.03.2020

Is love nowadays a market and romantic love a legend? Do you have to work hard (on ourselves) to be loved by others? What is love today in Berlin, Wedding?

»Deconstructing the concept of romantic love (…) directs the focus on how we construct relationships between each other – not only between friends and lovers, but in society.«
(Konstanze Schmitt in conversation with Solvej Helweg Ovesen, December 2019)

Love Meetings oder Liebe in Zeiten des Kapitalismus

Eröffnung am 06.02.2020 von 19 bis 22 Uhr

Eine Ausstellung von Konstanze Schmitt kuratiert von Solvej Helweg Ovesen
Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

Ausstellung: 07.02. until 28.03.2020

Funktioniert die Liebe so wie der Markt und ist die romantische Liebe eine Legende? Muss man hart (an sich) arbeiten um geliebt zu werden? Wie zeigt sich die Liebe heute in Berlin, Wedding?

»Die Dekonstruktion des Konzepts der romantischen Liebe lenkt (…) die Aufmerksamkeit darauf, wie wir unsere Beziehungen zueinander gestalten, nicht nur zwischen Freund*innen und Liebenden, sondern auch im gesellschaftlichen Leben.« (Konstanze Schmitt, 2019)

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Love Meetings or Love in Times of Capitalism

Opening on 06.02.2020 from 7pm to 10pm

An exhibition by Konstanze Schmitt curated by Solvej Helweg Ovesen
within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

Exhibition: 07.02. until 28.03.2020

Is love nowadays a market and romantic love a legend? Do you have to work hard (on ourselves) to be loved by others? What is love today in Berlin, Wedding?

»Deconstructing the concept of romantic love (…) directs the focus on how we construct relationships between each other – not only between friends and lovers, but in society.«
(Konstanze Schmitt in conversation with Solvej Helweg Ovesen, December 2019)

Eine Ausstellung von Rajkamal Kahlon kuratiert von Nataša Ilić

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 05.12.2019 von 19 bis 22 Uhr
Mit einem DJ-Set von Lamin Fofana von 20 bis 22 Uhr

*please scroll down for English version*

»Are my hands clean?« steht als titelgebende Frage im Raum, die für die Künstlerin wie für die Besucher*innen der Ausstellung gleichermaßen gelten kann. Rajkamal Kahlon beschäftigt sich in ihrem Werk mit einem Umgang mit Geschichte aus postkolonialer Perspektive. Die Künstlerin fordert Zeugnisse der Vergangenheit heraus, vor allem Sprache und Bilder. Sie unterzieht sie einem Perspektivwechsel und versucht dabei ein Bewusstsein für die jeweiligen Entstehungskontexte zu erzeugen. Kahlon interessiert, wie Bildern aus Archiven, die wir (re)produzieren und konsumieren, Hierarchien und Machtstrukturen eingeschrieben sind. Mit ihren Übermalungen und bildnerischen Transformationen untersucht die Künstlerin welche identitätsstiftenden und politischen Implikationen mit solchen inszenierten Abbildungen verbunden sind.

»Seit Kurzem bin ich der Überzeugung, dass die fotografischen und textuellen Spuren von Menschen, denen ich in Kolonialarchiven begegne, tatsächlich noch lebendig sind und etwas von uns verlangen. Ich bin zu dem Schluss gekommen, dass meine Arbeit eigentlich die Rehabilitation, Transformation und Wiederherstellung der Menschlichkeit, Würde und Schönheit der Menschen ist, die ich in den Archiven finde, mit denen ich arbeite«

Bücher spielen im Werk der Künstlerin eine zentrale Rolle. Für Rajkamal Kahlon sind diese nicht nur Wissens-, sondern auch Bildträger. Durch die Ausstellung »Are my hands clean?« zieht sich eine Wandtapete, die einen Bucheinband aufgreift und auf diese Zusammenhänge verweist. Bücher sind Manifestationen von Machtverhältnissen, an denen sich die Künstlerin abarbeitet.

Durch Zerschneiden und Auseinandernehmen eines Buches, Neuarrangieren der Seiten und deren Übermalungen wird auch Geschichte über- und umgeschrieben. In der Ausstellung zeigt Kahlon eine Serie neuer Gemälde, die auf Frauenporträts aus dem 1904 erschienenen Buch »Die Rassenschönheit des Weibes« von Carl Heinz Stratz basieren. Die Bilder entstehen in einem künstlerischen Verfahren, das Fotografie, Text und Malerei in Lebensgröße überlagert. Der zweite Ausstellungsraum der Galerie verwandelt sich selbst in ein bildgewaltiges Archiv, in dem die aus 300 Zeichnungen bestehende Arbeit »Die Völker der Erde« präsentiert wird, die auf dem gleichnamigen Buch von Kurt Lambert aus dem Jahr 1902 beruht.

Besonderer Dank der Künstlerin gilt Sergueï Spetschinsky für die unzähligen Stunden unsichtbarer Arbeit zur Unterstützung ihrer künstlerischen Arbeit.

Mit freundlicher Unterstützung von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

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Are my hands clean?

An exhibition by Rajkamal Kahlon curated by Nataša Ilić

within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

Opening on 05.12.2019 from 7pm to 10pm
DJ-Set by Lamin Fofana from 8pm to 10 pm

»Are my hands clean?« raises the title-giving question, which can apply equally to the artist and the visitors of the exhibition. In her work, Rajkamal Kahlon deals with history from a postcolonial perspective. The artist challenges testimonies from the past, especially language and images. She subjects them to a change of perspective, trying to create an awareness of the respective contexts in which they were created. Kahlon is interested how hierarchies and power structures are inscribed in images from archives that we (re)produce and consume. With her overpaintings and pictorial transformations, the artist examines which identity-creating and political implications are associated with such staged images.

»Recently I have come to think that the photographic and textual traces of people I encounter in colonial archives, are in fact still alive and are asking something from us. I’ve come to think that my work is really one of rehabilitation, transformation and restoration of the humanity, dignity and beauty of the people I find in the archives I work with«

Books play a central role in the artist’s body of work. For Rajkamal Kahlon, these are not only carriers of knowledge, but also of pictorial expression. The exhibition »Are my hands clean?« features a wallpaper that picks up on a book cover and references these connections. Books are manifestations of power relations on which the artist works.

By cutting up and taking apart a book, rearranging the pages and overpainting them, history is also overwritten and rewritten. In the exhibition Kahlon shows a series of new paintings based on portraits of women from the 1904 book »Die Rassenschönheit des Weibes« by Carl Heinz Stratz. The pictures are created in an artistic process that superimposes photography, text and life-size painting. The gallery’s second exhibition space transforms itself into a powerful archive consisting of 300 drawings that form the project »Die Völker der Erde«, based on the book of the same name by Kurt Lambert from 1902.

The artist’s special thanks goes to Sergueï Spetschinsky for countless hours of invisible labor in support of her artistic work.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen« and exhibition funds for communal galleries.

Love Meetings oder Liebe in Zeiten des Kapitalismus
07.02. bis 28.03.2020


Eine Ausstellung von Konstanze Schmitt kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und
Solvej Helweg Ovesen

28.03.2020 um 18 Uhr Performance mit Nora Decker, Mariana Senne und Anja Meser, anschließend Finissage der Ausstellung

CANCELLED!

Eine Ausstellung von Rajkamal Kahlon kuratiert von Nataša Ilić
Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

16.01.2020 um 19 Uhr Gespräch mit Künstlerin Rajkamal Kahlon und Autorin und Kulturtheoretikerin Ana Teixeira Pinto

Rajkamal Kahlon beschäftigt sich in ihrem Werk mit einem Umgang mit Geschichte aus postkolonialer Perspektive. Die Künstlerin fordert Zeugnisse der Vergangenheit heraus, vor allem Sprache und Bilder. Sie unterzieht sie einem Perspektivwechsel und versucht dabei ein Bewusstsein für die jeweiligen Entstehungskontexte zu erzeugen. Kahlon interessiert, wie Bildern aus Archiven, die wir (re)produzieren und konsumieren, Hierarchien und Machtstrukturen eingeschrieben sind. Mit ihren Übermalungen und bildnerischen Transformationen untersucht die Künstlerin welche identitätsstiftenden und politischen Implikationen mit solchen inszenierten Abbildungen verbunden sind.

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Are my hands clean?

An exhibition by Rajkamal Kahlon curated by Nataša Ilić
within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

16.01.2020 at 7 pm talk with artist Rajkamal Kahlon and author and cultural theorist Ana Teixeira Pinto

In her work, Rajkamal Kahlon deals with history from a postcolonial perspective. The artist challenges testimonies from the past, especially language and images. She subjects them to a change of perspective, trying to create an awareness of the respective contexts in which they were created. Kahlon is interested how hierarchies and power structures are inscribed in images from archives that we (re)produce and consume. With her overpaintings and pictorial transformations, the artist examines which identity-creating and political implications are associated with such staged images.

Eine Ausstellung von Rajkamal Kahlon kuratiert von Nataša Ilić
Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

07.12.2019 um 16 Uhr Ausstellungsrundgang mit Künstlerin Rajkamal Kahlon und Kuratorin Nataša Ilić

Rajkamal Kahlon beschäftigt sich in ihrem Werk mit einem Umgang mit Geschichte aus postkolonialer Perspektive. Die Künstlerin fordert Zeugnisse der Vergangenheit heraus, vor allem Sprache und Bilder. Sie unterzieht sie einem Perspektivwechsel und versucht dabei ein Bewusstsein für die jeweiligen Entstehungskontexte zu erzeugen. Kahlon interessiert, wie Bildern aus Archiven, die wir (re)produzieren und konsumieren, Hierarchien und Machtstrukturen eingeschrieben sind. Mit ihren Übermalungen und bildnerischen Transformationen untersucht die Künstlerin welche identitätsstiftenden und politischen Implikationen mit solchen inszenierten Abbildungen verbunden sind.

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Are my hands clean?

An exhibition by Rajkamal Kahlon curated by Nataša Ilić
within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen

07.12.2019 at 4 pm exhibition tour with the artist Rajkamal Kahlon and curator Nataša Ilić

In her work, Rajkamal Kahlon deals with history from a postcolonial perspective. The artist challenges testimonies from the past, especially language and images. She subjects them to a change of perspective, trying to create an awareness of the respective contexts in which they were created. Kahlon is interested how hierarchies and power structures are inscribed in images from archives that we (re)produce and consume. With her overpaintings and pictorial transformations, the artist examines which identity-creating and political implications are associated with such staged images.

New Commons – Lagos/Berlin

Eine Ausstellung von Antoinette Yetunde Oni, Dane Komljen und Katrin Winkler. Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity) konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen

8.11.-23.11.2019

Im Rahmen der Eröffnung am 7.11.2019 von 19 bis 22 Uhr spricht Dane Komljen um 20 Uhr über seine Erfahrungen und frischen Eindrücke als Filmemacher in Lagos in seiner Installation »The Seven Elements«

Dane Komljen: Die zivile Umnutzung eines Messegebäudes in Lagos. Eine Film-, Ton- und Fotoinstallation »The Seven Elements«, 2019

Der ‚Trade Fair Complex‘ in Lagos wurde von 1973 bis 1977 von ‚Energoprojekt‘ gebaut, einem jugoslawischen Bauunternehmen, das in vielen Ländern der Blockfreien- Bewegung große Projekte realisierte. Der ‚TFC‘ wurde ein Jahrzehnt lang als Handelsplatz genutzt, bevor er geleert wurde und dem fortschreitenden Prozess der Privatisierung unterlag. Ausgehend von den Menschen in der näheren und weiteren Umgebung, dem Stadtrand, entstand ein Markt rund um zwei der fünf Gebäude, zu dessen ursprünglichen Strukturen neue Elemente hinzugefügt wurden. Die Installation »The Seven Elements« des in Berlin lebenden bosnischen Künstlers Dane Komljen, der gerade von seiner Lagos-Residenz zurückgekehrt ist, untersucht diesen Ort als utopisches Projekt, das in einem konkreten europäischen Umfeld konzipiert und in einem westafrikanischen Raum verwirklicht wurde, wo es sich zwar nicht durchsetzen konnte, aber umgenutzt und umgeformt wurde. Es ist eine Geschichte davon, wie eine Utopie durch historische Zeit fortbesteht. In der Installation platziert er um eine unvollständige Zeichnung des Grundrisses archivarische Fotos und Texte, aktuelle Ton- und Filmaufnahmen von Objekten, Steinen, Pflanzen, Tieren und Menschen, die nun das ehemalige Messegebäude in Lagos bevölkern. Ein Porträt des ‚Trade Fair Complex‘ als Schnittstelle von Ordnung und Chaos, imaginiert und geformt, vertikal und horizontal, Makro- und Micro-Community.

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New Commons – Lagos/Berlin

The ‘Trade Fair Complex’ in Lagos was built from 1973 to 1977 by Energoprojekt, a Yugoslavian construction company that undertook major endeavors in many countries that formed the Non-Aligned Movement. ‘TFC’ was used as a place of trade for a decade, before being emptied out and remaining in the ongoing process of privatization. Coming from the people living in its vicinity, the outskirts of the city, a market sprung up around two of the five buildings new elements have been added on the original structures. The installation »The Seven Elements« by the bosnian Berlin-based artist Dane Komljen, who just returned from his Lagos residency, examines this site as a utopian project conceived in one particular european setting and carried out a westafrican one where it failed to take root, but nevertheless got repurposed and reshaped. It is a story of how a utopia perseveres through historical time. In the installation he places archival photos and text, present day sound recordings and footage of objects, stones, plants, animals and humans that populate the former Fair building in Lagos around an incomplete drawing of its floor plan. A portrait of the ‘Trade Fair Complex’ as a point of convergence of order and chaos, imagined and formed, vertical and horizontal, macro and micro community.

Eine Ausstellung von Peter Voss-Knude kuratiert von Solvej Helweg Ovesen. Im Rahmen des Ausstellungsprogrammes SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen.

13.09-26.10.19

„Mir haben persönliche Diskurse in denen die Wir-und-die-Anderen-Rhetorik jede Art von Fortschritt in der Auseinandersetzung im Keim erstickte, zunehmend Angst gemacht. Ich stellte fest, dass der Preis, den ich für einen Lösungsansatz zahlen musste, darin bestand, mich und mein Studio innerhalb des Körpers zu positionieren, dem ich eigentlich kritisch gegenüberstand – dem Militär“, erklärt der dänische Künstler Peter Voss-Knude. Vorausgehend dieser Ausstellung arbeitete er über mehrere Jahre mit den dänischen Streitkräften zusammen um sowohl patriarchische Strukturen als auch emotionale Seiten im Leben der Soldaten zu erforschen. Auf seinen Feldstudien lernte er Soldaten persönlich kennen, die ihm ihre Geschichten anvertrauten. Später vertonte er diese Geschichten zu zwei musikalischen Kompositionen („Peter & the Danish Defense, 2017“). Die beiden Platten drehen sich um die Frage der Wechselseitigkeit in der Sprache: Ist es uns möglich, etwas zu verstehen, das wir nicht selbst erlebt haben?

In der Ausstellung der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst konzentriert sich Voss-Knude auf die Sprache, die in einem Dokument mit dem Namen “KRISØV17” („Crisis Exercise 2017”) genutzt wird. Aufgrund des oben genannten Projekts wurde ihm der exklusive Zugang gewährt. Bei dem Text handelt es sich um eine Erzählung, die für eine nationale Militärs-Übung geschrieben wurde: In diesem Szenario wird Dänemark von einer fiktiven, multilateralen Terror Attacke getroffen. Die Arbeiten der Ausstellung wurden als Reaktion darauf eigens für diese Ausstellung entwickelt; viele davon sind als Text Fragmente im Ausstellungsraum verteilt. Der Künstler schlägt vor, dass das Auffinden dieses Dokuments sowie die Weise, in der wir über Terror sprechen, diesen auch forciert. Die drei Sprachen des Terrors, die er in der Ausstellung kritisiert sind die Sprache der Medien, die architektonischen Barrikaden sowie vorurteils-behaftete Vorstellungen wie “KRISØV17”.

Kernstück ist ein bombastischer 1,1 Tonnen schwerer Rosenquarz, den der Künstler vor der Galerie platziert hat. Rosenquarz ist ein Material, dem bekanntlich heilende Kräfte zugeschrieben werden. In diesem Fall würde der Kristall tatsächlich einen Menschen vor einem Fahrzeug Angriff schützen. Mit dieser Geste schlägt der Künstler Parallelen zwischen den Methoden des Geschichtenerzählens der Sicherheitsbehörden und denen einer Hellseherin vor, die in die Zukunft schaut. Lässt sich die Logik von Mauern und Barrikaden aushebeln, indem man einen schweren Kristall auf einem öffentlichen Platz aufstellt? Das Vorstellbare mit dem Realen verbindend, fragt die Skulptur, ob Widerstand zum Terror generierten Hass in den Sprachen der Achtsamkeit gefunden werden kann.

Mit dieser Ausstellung im Rahmen von SoS (Soft Solidarity) in der Galerie Wedding möchten wir alternative Lösungsansätze aufzeigen die sich gegen die gegenwärtigen militärischen und medialen Abwehrmechanismen in Diskussionen um Terror Konflikte positionieren. Wie können wir vermeiden, Bilder einer Wir-und-die-anderen-Rhetorik sowie Orte der Angst zu erzeugen, indem wir auf andere Art und Weise auf Terrorkonflikte reagieren?

***

THE LANGUAGE OF TERROR IS TERROR ITSELF
THE TERROR OF LANGUAGE IS TERROR ITSELF
THE TERROR OF TERROR IS LANGUAGE ITSELF

An exhibition by Peter Voss-Knude curated by Solvej Helweg Ovesen within the frame of the programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen at Galerie Wedding

13.09 – 26.10.2019

Opening 12.09.19 7 – 10 pm

“I had grown increasingly afraid of political discussions in which us-and-them rethorics short circuited any sort of progression in arguments. As a solution, I figured that the price I had to pay would be to position myself and my studio within the body of what I was critical towards, the military,” says the Danish artist Peter Voss-Knude. Advancing this exhibition Voss-Knude had collaborated with the Danish Armed Forces for several years to explore the patriarchy as well as the emotional sides of life with the soldiers. The artist was doing fieldwork and met soldiers who agreed to trust their stories with him. He later musically composed these stories into two records. (“Peter & the Danish Defense”, 2017).  Both records center around the question of mutuality within language: is it possible to understand something you have not experienced yourself?

In the exhibition at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst, Voss-Knude focuses on the use of language in a document called “KRISØV17” („Crisis Exercise 2017”) that he has, as a result of his above mentioned project, gained access to. The text is a narrative written for a national military exercise, wherein Denmark is hit by a fictive, multilateral terrorist attack. The works in the exhibition are all developed as a critical reaction to this narrative; many of them spread as text fragments all around the exhibition space. The artist suggests that by discovering this special document, which he also translated (DK/ENG), as well as the way we talk about terror, is part of creating terror. The three languages of terror criticized in the exhibition are the news media language, the architectural measures of protection, as well as popular prejudiced imaginations like “KRISØV17”.

One core work is a bombastic 1.1-ton rose quartz crystal stone placed in front of the gallery. Rose quartz is a material commonly attributed with healing qualities and here, given its extraordinary size, it indeed would physically protect a body from a vehicle attack. With this gesture, the artist suggests parallels between the methods of storytelling used by national security agencies and those of a psychic medium, who is looking into the future. Can one ‘crystallize’ the logic of walls and barricades by placing a heavy crystal on a public square? Weaving together the imagined with the real this sculpture proposes that resistance to the hate that terrorists aim to incite, could be found in the insistence on languages of care.

With this exhibition in the context of the framework of Soft Solidarity (SoS) at Galerie Wedding, we wish to ask if it is possible to think of other caring responses than the known military and media defense mechanisms to the conflicts that terrorism deters from? How can we avoid creating images of them and us as well as places of fear by reacting differently towards terror conflicts?

Begleitveranstaltungen

14.09.2019 um 16 Uhr Ausstellungsrundgang mit dem Künstler Peter Voss-Knude und Kuratorin Solvej Helweg Ovesen sowie eine Diskussion über Sprache und Terror mit Ibrahim Quareshi

04.10.2019 um 17 Uhr Workshop: Wie bilden wir unser eigenes Krisenmanagement – »Pandora, the Forward looking cell« 

05.10.2019 um 15 Uhr Präsentation eines Interviews mit dem Autor von KRISOV »War Exercise« in der Galerie Wedding und gefolgt von einer Tour zu Drehorten von Homeland in Berlin begleitet von Peter Voss-Knude

Workshops für Schulklassen mit Barbara Campaner in Kooperation mit Jugend im Museum e.V. Termine auf Anfrage

Further Events

14.09.2019 at 4 pm exhibition tour with the artist Peter Voss Knude and curator Solvej Helweg Ovesen as well as discussion on the topic of Language and Terror with Ibrahim Quareshi und Carrie Hampel

04.10.2019 at 5 pm Workshop: How to build your own crisis management – Pandora, the forward looking cell with Peter Voss-Knude.

05.10.2019 at 3pm Presentation of an interview with the author of KRISØV17 “Crises Exercise” at Galerie Wedding followed by a tour to the sets of Homeland in Berlin accompanied by Peter Voss-Knude

Workshops for schools with Barbara Campaner in cooperation with Jugend im Museum e.V. Dates on request

Eine Ausstellung von Peter Voss-Knude kuratiert von Solvej Helweg Ovesen. Im Rahmen des Ausstellungsprogrammes SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen.

05.10.19, 15 Uhr Präsentation eines Interviews mit dem Autor von KRISØV17 “War Exercise” in der Galerie Wedding und gefolgt von einer Tour zu Drehorten von Homeland in Berlin begleitet von Peter Voss-Knudevon

„Mir haben persönliche Diskurse in denen die Wir-und-die-Anderen-Rhetorik jede Art von Fortschritt in der Auseinandersetzung im Keim erstickte, zunehmend Angst gemacht. Ich stellte fest, dass der Preis, den ich für einen Lösungsansatz zahlen musste, darin bestand, mich und mein Studio innerhalb des Körpers zu positionieren, dem ich eigentlich kritisch gegenüberstand – dem Militär“, erklärt der dänische Künstler Peter Voss-Knude. Vorausgehend dieser Ausstellung arbeitete er über mehrere Jahre mit den dänischen Streitkräften zusammen um sowohl patriarchische Strukturen als auch emotionale Seiten im Leben der Soldaten zu erforschen. Auf seinen Feldstudien lernte er Soldaten persönlich kennen, die ihm ihre Geschichten anvertrauten. Später vertonte er diese Geschichten zu zwei musikalischen Kompositionen („Peter & the Danish Defense, 2017“). Die beiden Platten drehen sich um die Frage der Wechselseitigkeit in der Sprache: Ist es uns möglich, etwas zu verstehen, das wir nicht selbst erlebt haben?

In der Ausstellung der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst konzentriert sich Voss-Knude auf die Sprache, die in einem Dokument mit dem Namen “KRISØV17” („Crisis Exercise 2017”) genutzt wird. Aufgrund des oben genannten Projekts wurde ihm der exklusive Zugang gewährt. Bei dem Text handelt es sich um eine Erzählung, die für eine nationale Militärs-Übung geschrieben wurde: In diesem Szenario wird Dänemark von einer fiktiven, multilateralen Terror Attacke getroffen. Die Arbeiten der Ausstellung wurden als Reaktion darauf eigens für diese Ausstellung entwickelt; viele davon sind als Text Fragmente im Ausstellungsraum verteilt. Der Künstler schlägt vor, dass das Auffinden dieses Dokuments sowie die Weise, in der wir über Terror sprechen, diesen auch forciert. Die drei Sprachen des Terrors, die er in der Ausstellung kritisiert sind die Sprache der Medien, die architektonischen Barrikaden sowie vorurteils-behaftete Vorstellungen wie “KRISØV17”.

Kernstück ist ein bombastischer 1,1 Tonnen schwerer Rosenquarz, den der Künstler vor der Galerie platziert hat. Rosenquarz ist ein Material, dem bekanntlich heilende Kräfte zugeschrieben werden. In diesem Fall würde der Kristall tatsächlich einen Menschen vor einem Fahrzeug Angriff schützen. Mit dieser Geste schlägt der Künstler Parallelen zwischen den Methoden des Geschichtenerzählens der Sicherheitsbehörden und denen einer Hellseherin vor, die in die Zukunft schaut. Lässt sich die Logik von Mauern und Barrikaden aushebeln, indem man einen schweren Kristall auf einem öffentlichen Platz aufstellt? Das Vorstellbare mit dem Realen verbindend, fragt die Skulptur, ob Widerstand zum Terror generierten Hass in den Sprachen der Achtsamkeit gefunden werden kann.

Mit dieser Ausstellung im Rahmen von SoS (Soft Solidarity) in der Galerie Wedding möchten wir alternative Lösungsansätze aufzeigen die sich gegen die gegenwärtigen militärischen und medialen Abwehrmechanismen in Diskussionen um Terror Konflikte positionieren. Wie können wir vermeiden, Bilder einer Wir-und-die-anderen-Rhetorik sowie Orte der Angst zu erzeugen, indem wir auf andere Art und Weise auf Terrorkonflikte reagieren?

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THE LANGUAGE OF TERROR IS TERROR ITSELF
THE TERROR OF LANGUAGE IS TERROR ITSELF
THE TERROR OF TERROR IS LANGUAGE ITSELF

An exhibition by Peter Voss-Knude curated by Solvej Helweg Ovesen within the frame of the programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen at Galerie Wedding

05.10.2019 at 3pm Presentation of an interview with the author of KRISØV17 “Crises Exercise” at Galerie Wedding followed by a tour to the sets of Homeland in Berlin accompanied by Peter Voss-Knude

“I had grown increasingly afraid of political discussions in which us-and-them rethorics short circuited any sort of progression in arguments. As a solution, I figured that the price I had to pay would be to position myself and my studio within the body of what I was critical towards, the military,” says the Danish artist Peter Voss-Knude. Advancing this exhibition Voss-Knude had collaborated with the Danish Armed Forces for several years to explore the patriarchy as well as the emotional sides of life with the soldiers. The artist was doing fieldwork and met soldiers who agreed to trust their stories with him. He later musically composed these stories into two records. (“Peter & the Danish Defense”, 2017).  Both records center around the question of mutuality within language: is it possible to understand something you have not experienced yourself?

In the exhibition at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst, Voss-Knude focuses on the use of language in a document called “KRISØV17” („Crisis Exercise 2017”) that he has, as a result of his above mentioned project, gained access to. The text is a narrative written for a national military exercise, wherein Denmark is hit by a fictive, multilateral terrorist attack. The works in the exhibition are all developed as a critical reaction to this narrative; many of them spread as text fragments all around the exhibition space. The artist suggests that by discovering this special document, which he also translated (DK/ENG), as well as the way we talk about terror, is part of creating terror. The three languages of terror criticized in the exhibition are the news media language, the architectural measures of protection, as well as popular prejudiced imaginations like “KRISØV17”.

One core work is a bombastic 1.1-ton rose quartz crystal stone placed in front of the gallery. Rose quartz is a material commonly attributed with healing qualities and here, given its extraordinary size, it indeed would physically protect a body from a vehicle attack. With this gesture, the artist suggests parallels between the methods of storytelling used by national security agencies and those of a psychic medium, who is looking into the future. Can one ‘crystallize’ the logic of walls and barricades by placing a heavy crystal on a public square? Weaving together the imagined with the real this sculpture proposes that resistance to the hate that terrorists aim to incite, could be found in the insistence on languages of care.

With this exhibition in the context of the framework of Soft Solidarity (SoS) at Galerie Wedding, we wish to ask if it is possible to think of other caring responses than the known military and media defense mechanisms to the conflicts that terrorism deters from? How can we avoid creating images of them and us as well as places of fear by reacting differently towards terror conflicts?

Begleitveranstaltungen

Workshops für Schulklassen mit Barbara Campaner in Kooperation mit Jugend im Museum e.V. Termine auf Anfrage

Further Events

Workshops for schools with Barbara Campaner in cooperation with Jugend im Museum e.V. Dates on request

Eine Ausstellung von Peter Voss-Knude kuratiert von Solvej Helweg Ovesen. Im Rahmen des Ausstellungsprogrammes SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen.

13.09-26.10.19

Eröffnung am 12.09.19 von 19 – 22 Uhr

„Mir haben persönliche Diskurse in denen die Wir-und-die-Anderen-Rhetorik jede Art von Fortschritt in der Auseinandersetzung im Keim erstickte, zunehmend Angst gemacht. Ich stellte fest, dass der Preis, den ich für einen Lösungsansatz zahlen musste, darin bestand, mich und mein Studio innerhalb des Körpers zu positionieren, dem ich eigentlich kritisch gegenüberstand – dem Militär“, erklärt der dänische Künstler Peter Voss-Knude. Vorausgehend dieser Ausstellung arbeitete er über mehrere Jahre mit den dänischen Streitkräften zusammen um sowohl patriarchische Strukturen als auch emotionale Seiten im Leben der Soldaten zu erforschen. Auf seinen Feldstudien lernte er Soldaten persönlich kennen, die ihm ihre Geschichten anvertrauten. Später vertonte er diese Geschichten zu zwei musikalischen Kompositionen („Peter & the Danish Defense, 2017“). Die beiden Platten drehen sich um die Frage der Wechselseitigkeit in der Sprache: Ist es uns möglich, etwas zu verstehen, das wir nicht selbst erlebt haben?

In der Ausstellung der Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst konzentriert sich Voss-Knude auf die Sprache, die in einem Dokument mit dem Namen “KRISØV17” („Crisis Exercise 2017”) genutzt wird. Aufgrund des oben genannten Projekts wurde ihm der exklusive Zugang gewährt. Bei dem Text handelt es sich um eine Erzählung, die für eine nationale Militärs-Übung geschrieben wurde: In diesem Szenario wird Dänemark von einer fiktiven, multilateralen Terror Attacke getroffen. Die Arbeiten der Ausstellung wurden als Reaktion darauf eigens für diese Ausstellung entwickelt; viele davon sind als Text Fragmente im Ausstellungsraum verteilt. Der Künstler schlägt vor, dass das Auffinden dieses Dokuments sowie die Weise, in der wir über Terror sprechen, diesen auch forciert. Die drei Sprachen des Terrors, die er in der Ausstellung kritisiert sind die Sprache der Medien, die architektonischen Barrikaden sowie vorurteils-behaftete Vorstellungen wie “KRISØV17”.

Kernstück ist ein bombastischer 1,1 Tonnen schwerer Rosenquarz, den der Künstler vor der Galerie platziert hat. Rosenquarz ist ein Material, dem bekanntlich heilende Kräfte zugeschrieben werden. In diesem Fall würde der Kristall tatsächlich einen Menschen vor einem Fahrzeug Angriff schützen. Mit dieser Geste schlägt der Künstler Parallelen zwischen den Methoden des Geschichtenerzählens der Sicherheitsbehörden und denen einer Hellseherin vor, die in die Zukunft schaut. Lässt sich die Logik von Mauern und Barrikaden aushebeln, indem man einen schweren Kristall auf einem öffentlichen Platz aufstellt? Das Vorstellbare mit dem Realen verbindend, fragt die Skulptur, ob Widerstand zum Terror generierten Hass in den Sprachen der Achtsamkeit gefunden werden kann.

Mit dieser Ausstellung im Rahmen von SoS (Soft Solidarity) in der Galerie Wedding möchten wir alternative Lösungsansätze aufzeigen die sich gegen die gegenwärtigen militärischen und medialen Abwehrmechanismen in Diskussionen um Terror Konflikte positionieren. Wie können wir vermeiden, Bilder einer Wir-und-die-anderen-Rhetorik sowie Orte der Angst zu erzeugen, indem wir auf andere Art und Weise auf Terrorkonflikte reagieren?

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THE LANGUAGE OF TERROR IS TERROR ITSELF
THE TERROR OF LANGUAGE IS TERROR ITSELF
THE TERROR OF TERROR IS LANGUAGE ITSELF

An exhibition by Peter Voss-Knude curated by Solvej Helweg Ovesen within the frame of the programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen at Galerie Wedding

13.09 – 26.10.2019

Opening 12.09.19 7 – 10 pm

“I had grown increasingly afraid of political discussions in which us-and-them rethorics short circuited any sort of progression in arguments. As a solution, I figured that the price I had to pay would be to position myself and my studio within the body of what I was critical towards, the military,” says the Danish artist Peter Voss-Knude. Advancing this exhibition Voss-Knude had collaborated with the Danish Armed Forces for several years to explore the patriarchy as well as the emotional sides of life with the soldiers. The artist was doing fieldwork and met soldiers who agreed to trust their stories with him. He later musically composed these stories into two records. (“Peter & the Danish Defense”, 2017).  Both records center around the question of mutuality within language: is it possible to understand something you have not experienced yourself?

In the exhibition at Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst, Voss-Knude focuses on the use of language in a document called “KRISØV17” („Crisis Exercise 2017”) that he has, as a result of his above mentioned project, gained access to. The text is a narrative written for a national military exercise, wherein Denmark is hit by a fictive, multilateral terrorist attack. The works in the exhibition are all developed as a critical reaction to this narrative; many of them spread as text fragments all around the exhibition space. The artist suggests that by discovering this special document, which he also translated (DK/ENG), as well as the way we talk about terror, is part of creating terror. The three languages of terror criticized in the exhibition are the news media language, the architectural measures of protection, as well as popular prejudiced imaginations like “KRISØV17”.

One core work is a bombastic 1.1-ton rose quartz crystal stone placed in front of the gallery. Rose quartz is a material commonly attributed with healing qualities and here, given its extraordinary size, it indeed would physically protect a body from a vehicle attack. With this gesture, the artist suggests parallels between the methods of storytelling used by national security agencies and those of a psychic medium, who is looking into the future. Can one ‘crystallize’ the logic of walls and barricades by placing a heavy crystal on a public square? Weaving together the imagined with the real this sculpture proposes that resistance to the hate that terrorists aim to incite, could be found in the insistence on languages of care.

With this exhibition in the context of the framework of Soft Solidarity (SoS) at Galerie Wedding, we wish to ask if it is possible to think of other caring responses than the known military and media defense mechanisms to the conflicts that terrorism deters from? How can we avoid creating images of them and us as well as places of fear by reacting differently towards terror conflicts?

Begleitveranstaltungen

14.09.2019 um 16 Uhr Ausstellungsrundgang mit dem Künstler Peter Voss-Knude und Kuratorin Solvej Helweg Ovesen sowie eine Diskussion über Sprache und Terror mit Ibrahim Quareshi

04.10.2019 um 17 Uhr Workshop: Wie bilden wir unser eigenes Krisenmanagement – »Pandora, the Forward looking cell« 

05.10.2019 um 15 Uhr Präsentation eines Interviews mit dem Autor von KRISOV »War Exercise« in der Galerie Wedding und gefolgt von einer Tour zu Drehorten von Homeland in Berlin begleitet von Peter Voss-Knude

Workshops für Schulklassen mit Barbara Campaner in Kooperation mit Jugend im Museum e.V. Termine auf Anfrage

Further Events

14.09.2019 at 4 pm exhibition tour with the artist Peter Voss Knude and curator Solvej Helweg Ovesen as well as discussion on the topic of Language and Terror with Ibrahim Quareshi und Carrie Hampel

04.10.2019 at 5 pm Workshop: How to build your own crisis management – Pandora, the forward looking cell with Peter Voss-Knude.

05.10.2019 at 3pm Presentation of an interview with the author of KRISØV17 “Crises Exercise” at Galerie Wedding followed by a tour to the sets of Homeland in Berlin accompanied by Peter Voss-Knude

Workshops for schools with Barbara Campaner in cooperation with Jugend im Museum e.V. Dates on request

Eine performative Recherche im Rahmen des Ausstellungsprogrammes SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen und der KGB-Woche

15. – 30.08. 2019

Di – Sa 12-19 Uhr in der Galerie Wedding und Umgebung

Was ist das für ein Gefühl im Kapitalismus zu leben? Und welcher Handel wird in der Liebe betrieben?

Diesen Überlegungen wird die Künstlerin Konstanze Schmitt gemeinsam mit der Filmemacherin Minze Tummescheit und der Performerin Mariana Senne im August 2019 in einer an Pier Paolo Pasolinis filmische Befragung »Comizi d’amore/Gastmahl der Liebe« (Italien, 1964) angelehnten militanten Untersuchung nachgehen, die zugleich eine Intervention in den öffentlichen Raum des Wedding darstellt.

Pasolini reiste für seinen 1963 entstandenen Dokumentarfilm ein halbes Jahr durch Italien und befragte Menschen auf dem Land, in der Stadt und am Strand, Alte und Junge, Arme und Reiche, ganz direkt nach der »Liebe« und ihren Umständen, z.B.: Woher kommen die Kinder? Wie wichtig ist sexuelle Erfüllung in einer Partnerschaft? Was bedeutet Homosexualität? Warum gibt es Prostitution? Etc.

Schmitts performative Recherche fragt dagegen hauptsächlich nach dem Verhältnis von romantischer Liebe und Kapitalismus sowie dem Verständnis und der Herstellung von Solidarität als gesellschaftlicher Beziehungsweise gestern und heute.

Die Dérives durch die aktuelle und historische Liebeslandschaft des Wedding werden von den Künstlerinnen während der Zeit der Recherche fortlaufend zu den Öffnungszeiten in den Räumen der Galerie Wedding kartographiert und performativ verarbeitet. Alle Interessierten sind herzlich eingeladen, an diesem Prozess punktuell oder dauerhaft teilzunehmen.

Comizi d’amore knüpft an Konstanze Schmitts künstlerische Beschäftigung mit Reproduktion, Solidarität und selbstorganisierter (Arbeiter-)Kultur an. Sie ist der erste Teil einer dreiteiligen Arbeit zur Liebe im Kapitalismus, die im Februar 2020 ihren Abschluss in einer Ausstellung in der Galerie Wedding hat.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und dem Arbeitskreis der Kommunalen Galerien Berlin.

***

COMIZI D’AMORE

oder

LIEBE IN ZEITEN DES KAPITALISMUS

(COMIZI D’AMORE or LOVE IN TIMES OF CAPITALISM)

Konstanze Schmitt in cooperation with Minze Tummescheit. Performance by Mariana Senne.

A performative research within the framework of the exhibition program SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen and the KGB Kunstwoche.

15. – 30.08. 2019

Tue – Sat 12-19 at Galerie Wedding and surroundings

What is that feeling about living in capitalism? And what trade is made in love?

The artist Konstanze Schmitt, together with the filmmaker Minze Tummescheit and the performer Mariana Senne, will pursue these considerations in August 2019 in a militant investigation based on Pier Paolo Pasolini’s film »Comizi d’amore/ Love Meeting« (Italy, 1964), which at the same time represents an intervention in the public space of Wedding.

For his 1963 documentary Pasolini travelled through Italy for half a year and interviewed people in the countryside, in the city and on the beach, old and young, poor and rich, directly about »love« and its circumstances, for example: Where do the children come from? How important is sexual fulfillment in a partnership? What does homosexuality mean? Why is there prostitution? Etc.

Schmitt’s performative research, on the other hand, mainly examines the relationship between romantic love and capitalism, as well as the understanding and creation of solidarity as a social orbit yesterday and today. The dérives through the current and historical love landscape of Wedding are continuously mapped and performatively processed by the artists during the time of the research during the opening hours in the rooms of the Wedding Gallery. All interested parties are cordially invited to participate in this process either selectively or permanently.

Comizi d’amore takes up Konstanze Schmitt’s artistic engagement with reproduction, solidarity and self-organized (worker) culture. It is the first part of a three-part work on love in capitalism, which will conclude in February 2020 with an exhibition at Galerie Wedding.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen« and the working comittee of the communal galleries Berlin.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen 

*please scroll down for English version*

Das Im-Kreis-Zusammenkommen sowie die kreisförmige Anordnung dienen seit jeher in diversen Praktiken und Kontexten als Methode und Hilfsmittel bei der Betrachtung vielschichtiger Zusammenhänge und der Lösung komplexer Probleme. Der Titel der Ausstellung Sitting Circles ist daher im doppelten Sinne zu verstehen: räumlich durch die Anordnungen der künstlerischen Arbeiten und die darin bestehenden Verbindungen von Materialien und Elementen sowie als Metapher und Konzept für soziale und kulturelle Interaktionen, Strukturen und Zirkulationen.

Das Jahresprogramm der Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity) ruft dazu auf, über neue Formen und Motivationen von Solidarität in der heutigen Zeit nachzudenken. Vor diesem Hintergrund kommen in der Gruppenausstellung Sitting Circles fünf künstlerische Positionen zusammen, die sich auf unterschiedliche Weise damit auseinandersetzen, wie unsere materielle Umwelt in engem Austausch mit sozialen, ökologischen, kulturellen und individuellen Prozessen steht.

Es kommen Themen und Praktiken auf, gewinnen und verlieren wieder an Aktualität, werden vergessen, um dann erneut im Bewusstsein aufzutauchen. Dinge werden für einen Zweck geschaffen, wiederverwendet oder in einen neuen Kontext gesetzt. Eine sich ständig verändernde und komplexe Umgebung fordert uns kontinuierlich heraus, auf sie zu reagieren und aktiv zu werden. Veränderungen bedingen Austausch.

In den Arbeiten von Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen und kate-hers RHEE werden Verbindungen geschaffen, die Alternativen bieten und neue Perspektiven eröffnen. Auf welche Weise können künstlerische Positionen, die mit Materialien und Gegenständen arbeiten, unsere Gedanken und Emotionen in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft reflektieren? Und wie kommen diese schließlich in den Räumen der Galerie Wedding zusammen?

Besonderen Dank für das Mentoring an Solvej Helweg Ovesen und Dr. Ute Müller-Tischler.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien. kate-hers RHEE in Kooperation mit der Heinrich-Böll-Stiftung.

***
Sitting Circles

A group exhibition with Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen, kate-hers RHEE curated by Marie-Christin Lender

Within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen 

The act of coming together in a circle, as well as arranging objects in circles, has long served as a method for finding solutions to complex problems and as a tool for dealing with many-faceted contexts. Sitting Circles, the title of the exhibition, is to be understood ambiguously: it refers to the spatial arrangement of the artistic works and the existing relations of materials and elements within them, butit is also a metaphor and concept for social and cultural interactions, structures and circulations.

The yearly programme of Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity) explores the current need to reinvent new forms and motivations of solidarity. Against this backdrop, the group exhibition Sitting Circles brings together works by five artists that examine how objects and our material environment are in close interaction with social, ecological, cultural and individual processes. Topics and practices emerge, attain and lose currency, are forgotten and then reappear in consciousness. Things are created for a purpose, are reused or placed in a new context. An ever-changing and complex environment continually challenges us to respond to it and to become active. Changes require exchange.

The works by Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen and kate-hers RHEE draw connections that offer options for action and new perspectives. In which way could visual artistic practices, working with materials and objects, reflect our thoughts and emotions in the past, present and future? And how do they come together in the space of Galerie Wedding?

Special thanks for the mentoring to Solvej Helweg Ovesen and Dr. Ute Müller-Tischler.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen« and exhibition funds for communal galleries. kate-hers RHEE in cooperation with Heinrich-Böll-Stiftung.

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen 

Eröffnung am 13.06.2019 von 19 bis 22 Uhr

Begrüßung von Solvej Helweg Ovesen (Künstlerische Leitung Galerie Wedding) und Einführung von Marie-Christin Lender (Kuratorin »Sitting Circles«) und Granatapfel-Station von Ada Van Hoorebeke

*please scroll down for English version*

Das Im-Kreis-Zusammenkommen sowie die kreisförmige Anordnung dienen seit jeher in diversen Praktiken und Kontexten als Methode und Hilfsmittel bei der Betrachtung vielschichtiger Zusammenhänge und der Lösung komplexer Probleme. Der Titel der Ausstellung Sitting Circles ist daher im doppelten Sinne zu verstehen: räumlich durch die Anordnungen der künstlerischen Arbeiten und die darin bestehenden Verbindungen von Materialien und Elementen sowie als Metapher und Konzept für soziale und kulturelle Interaktionen, Strukturen und Zirkulationen.

Das Jahresprogramm der Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity) ruft dazu auf, über neue Formen und Motivationen von Solidarität in der heutigen Zeit nachzudenken. Vor diesem Hintergrund kommen in der Gruppenausstellung Sitting Circles fünf künstlerische Positionen zusammen, die sich auf unterschiedliche Weise damit auseinandersetzen, wie unsere materielle Umwelt in engem Austausch mit sozialen, ökologischen, kulturellen und individuellen Prozessen steht.

Es kommen Themen und Praktiken auf, gewinnen und verlieren wieder an Aktualität, werden vergessen, um dann erneut im Bewusstsein aufzutauchen. Dinge werden für einen Zweck geschaffen, wiederverwendet oder in einen neuen Kontext gesetzt. Eine sich ständig verändernde und komplexe Umgebung fordert uns kontinuierlich heraus, auf sie zu reagieren und aktiv zu werden. Veränderungen bedingen Austausch.

In den Arbeiten von Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen und kate-hers RHEE werden Verbindungen geschaffen, die Alternativen bieten und neue Perspektiven eröffnen. Auf welche Weise können künstlerische Positionen, die mit Materialien und Gegenständen arbeiten, unsere Gedanken und Emotionen in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft reflektieren? Und wie kommen diese schließlich in den Räumen der Galerie Wedding zusammen?

Begleitveranstaltungen
29.06.2019 von 14 bis 16 Uhr »How to Make a Daisy Chain« Batik-Session mit Ada Van Hoorebeke

16.07.2019 um 18 Uhr Rundgang mit Kuratorin Marie-Christin Lender

01.08.2019 um 19 Uhr Künstlerinnnengespräch mit Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler und Cosima zu Knyphausen

Workshops für Schulklassen mit Barbara Campaner in Kooperation mit Jugend im Museum e. V. Termine auf Anfrage

Besonderen Dank für das Mentoring an Solvej Helweg Ovesen und Dr. Ute Müller-Tischler.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien. kate-hers RHEE in Kooperation mit der Heinrich-Böll-Stiftung.

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Sitting Circles

A group exhibition with Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen, kate-hers RHEE curated by Marie-Christin Lender

Within the frame of the exhibition programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen 

Opening on 13.06.2019 from 7pm until 10pm

Reception by Solvej Helweg Ovesen (artistic director, Galerie Wedding) and introduction by Marie-Christin Lender (curator »Sitting Circles«) and pomegranate-station by Ada Van Hoorebeke

The act of coming together in a circle, as well as arranging objects in circles, has long served as a method for finding solutions to complex problems and as a tool for dealing with many-faceted contexts. Sitting Circles, the title of the exhibition, is to be understood ambiguously: it refers to the spatial arrangement of the artistic works and the existing relations of materials and elements within them, butit is also a metaphor and concept for social and cultural interactions, structures and circulations.

The yearly programme of Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity) explores the current need to reinvent new forms and motivations of solidarity. Against this backdrop, the group exhibition Sitting Circles brings together works by five artists that examine how objects and our material environment are in close interaction with social, ecological, cultural and individual processes. Topics and practices emerge, attain and lose currency, are forgotten and then reappear in consciousness. Things are created for a purpose, are reused or placed in a new context. An ever-changing and complex environment continually challenges us to respond to it and to become active. Changes require exchange.

The works by Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Cosima zu Knyphausen and kate-hers RHEE draw connections that offer options for action and new perspectives. In which way could visual artistic practices, working with materials and objects, reflect our thoughts and emotions in the past, present and future? And how do they come together in the space of Galerie Wedding?

Further events
29.06.2019 from 2pm to 4pm »How to Make a Daisy Chain« batik session with Ada Van Hoorebeke

16.07.2019 at 6pm tour through the exhibition with curator Marie-Christin Lender

01.08.2019 at 7pm artist talk with Ana Alenso, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler and Cosima zu Knyphausen

Workshops for schools with Barbara Campaner in cooperation with Jugend im Museum e. V. on request

Special thanks for the mentoring to Solvej Helweg Ovesen and Dr. Ute Müller-Tischler.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen« and exhibition funds for communal galleries. kate-hers RHEE in cooperation with Heinrich-Böll-Stiftung.

Eine zweiteilige Ausstellung von Sissel Tolaas kuratiert von Solvej Helweg Ovesen, Galerie Wedding, in Kooperation mit Christina Landbrecht, Schering Stiftung

Im Rahmen des Ausstellungsprogramms SoS (Soft Solidarity), konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen in der Galerie Wedding

Eröffnung am 18.04.2019 von 19 bis 22 Uhr
Begrüßung von Sabine Weißler (Bezirksstadträtin für Weiterbildung, Kultur, Umwelt, Natur, Straßen und Grünflächen, Bezirksamt Mitte von Berlin) und Einführung von Stein Iversen (Gesandter der Norwegischen Botschaft) und Solvej Helweg Ovesen (Kuratorin)

19.04. – 01.06.2019

*please scroll down for English version*

Eine Ausstellung jenseits des Sehens und für die Nase: In der Galerie Wedding erzählt Sissel Tolaas die unsichtbaren, olfaktorischen Geschichten der lebendigen und sich ständig im Wandel befindende Müllerstraße in Berlin Wedding. Die präsentierte Geruchslandschaft geht über das Hier und Jetzt hinaus und lädt die Besucher*innen ein, in die verschiedenen Geruchsstrukturen und -schichten die vergangenen, gegenwärtigen und zukünftigen molekularen Informationen einzutauchen. Die Düfte werden von 22 Ventilatoren in den Raum gewirbelt, die durch Wind von der Müllerstraße in Echtzeit aktiviert werden. Die erfassten Geruchs- und Windstandorte verweisen auf die Positionen der 22 Windmühlen, die von 1809 an die Müllerstraße säumten und im 18. und 19. Jahrhundert betrieben wurden. Sie gaben der heutigen Hauptverkehrsachse ihren Namen gaben.

Bislang hat Tolaas 52 Geruchsprofile von internationalen Metropolen erstellt und erforscht darüber hinaus die Geruchslandschaften von Küsten, Ozeanen und ausgestorbenen Pflanzenarten. Für die Ausstellung 22 ermittelte Tolaas den Duft der Berliner Müllerstraße, wo sich im Zuge der Industrialisierung größere Unternehmen, wie der Pharmakonzern Schering AG niederließen. Zuvor hatte sich eine linke Arbeiterschaft angesiedelt, die den Bezirk neben seiner kulturellen Vielfalt bis heute prägt. Die in Berlin Wedding lebende Autorin Lauren van Vuuren hat die Erforschung der Müllerstraße aus einer sprachlichen Perspektive begleitet, die in Form von Doku-Fiktion-Texten ebenfalls in der Ausstellung zu finden sind. Darüber hinaus unterstützt das »Smell Coding Lexicon Nasalo 1997_2050« die Besucher*innen, eine Sprache für Gerüche zu finden.

22 ist in Kooperation mit der Schering Stiftung entstanden, wo der zweite Teil der Ausstellung am 10.04.2019 eröffnete. Während die Galerie Wedding den Fokus auf die künstlerische Arbeit mit Düften legt, richtet die Schering Stiftung ihre Aufmerksamkeit auf Tolaas als Chemikerin und eine Installation mit Objekten aus Scherings historischem Chemielabor bietet dort einen Einblick in ihre wissenschaftliche Arbeit. Sowohl dampfende als auch leise Glaskolben laden die Besucher*innen zum intensiven Riechen einzelner Kerngeruchsmoleküle ein, die ebenfalls von Geruchsaufnahmen aus der Müllerstraße stammen.

27.04.2019 um 14.30 Uhr »2 x 22« – Kuratorische Führung mit Solvej Helweg Ovesen und Christina Landbrecht, beginnend in der Galerie Wedding mit einer Fortführung ab 15.30 Uhr in der Schering Stiftung, Unter den Linden 32, 10117 Berlin (die Veranstaltung findet in Deutsch statt)

02.05.2019 um 19 Uhr Isabel Lewis im Gespräch mit Solvej Helweg Ovesen (die Veranstaltung findet in Englisch statt)

21.05.2019 um 18 Uhr kuratorischer Rundgang mit Kuratorin Solvej Helweg Ovesen und »22« Autorin Lauren van Vuuren und um 19 Uhr Gespräch zwischen Sissel Tolaas und Solvej Helweg Ovesen (die Veranstaltung findet in Englisch statt)

29.05.2019 um 19 Uhr Book Launch von POW & UP – Galerie Wedding, Berlin

Workshops für Schulklassen mit Barbara Campaner in Kooperation mit Jugend im Museum e. V. Termine auf Anfrage

Die Künstlerin dankt Richard Forster, Jan Römer, Rene Spierling, Fritz Strempel, Mickaël Wiesengrün und Clemens Klein. Darüber hinaus geht ein Dank an Alexander Egger und Andreas Lueder von AEQ-WEB.

Mit freundlicher Unterstützung von NORLA, Norwegian Literature Abroad, der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und dem IFF (International Flavours and Fragrances Inc.).

***

22

A two-part exhibition by Sissel Tolaas curated by Solvej Helweg Ovesen, Galerie Wedding, in cooperation with Christina Landbrecht, Schering Stiftung

Within the frame of the programme SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen at Galerie Wedding

Opening 18.04.2019 at 7pm until 10pm
Reception by Sabine Weißler (District Councilor of the Department of Further Education, Culture, Environment, Nature, Streets and Green Areas, District Office Berlin Mitte) and Introduction by Stein Iversen (Minister Councilor, Norwegian Embassy) and Solvej Helweg Ovesen (Curator, Galerie Wedding)

19.04. – 01.06.2019

An exhibition beyond looking and for the nose: At Galerie Wedding, Sissel Tolaas communicates the invisible, olfactory stories and realities of the vivid and constantly evolving Müllerstraße in Berlin’s district Wedding. The presented smell- and landscape of the main street goes beyond the here and now and invites the visitors to immerse themselves in the various smells structures and layers of the past, present and future molecular information. The smells are blown into the space by 22 ventilators, which are activated by wind from Müllerstraße in real-time. The recorded smell and wind sites refer to the locations of the 22 windmills that were grinding grains there in the 18th and 19th century and lined Müllerstraße from 1809 onwards. They gave the street – today a central artery of the city – its name.

So far Tolaas has created 52 olfactory profiles of international metropolises and is also researching the olfactory landscapes of coastlines, oceans, and extinct plant species. For the exhibition 22, she has investigated the scents of Müllerstraße, where in the course of industrialization, larger companies such as the pharmaceutical group Schering AG, began to establish themselves. Earlier, a left-wing working class had settled there and continues to shape the district, which is very culturally diverse today. The Wedding-based author Lauren van Vuuren accompanied the exploration of Müllerstraße from a linguistic perspective. Her docu-fiction texts can also be found in the exhibition. Furthermore, the »Smell Coding Lexicon Nasalo 1997_2050« supports the visitors to find language for smells.

22 was created in cooperation with the Schering Stiftung, where the second part of the exhibition opened on April 10th, 2019. While Galerie Wedding focuses on Tolaas‘ artistic olfactory work, the Schering Stiftung highlights her as a chemist and objects from Scherings‘ historical chemistry laboratory provide an insight into her scientific work. Both, steaming and silent glass bulbs, invite the audience to intense smelling of individual core smell molecules also from smell recordings in Müllerstraße.

27.04.2019 at 2.30pm »2 x 22« – curatorial tour with Solvej Helweg Ovesen and Christina Landbrecht, starting at Galerie Wedding and continuing at 3.30pm at Schering Stiftung, Unter den Linden 32, 10117 Berlin (the event will be in German)

02.05.2019 at 7pm Isabel Lewis in conversation with Solvej Helweg Ovesen (the event will be in English)

21.05.2019 at 6pm curatorial tour with Solvej Helweg Ovesen and »22« author Lauren van Vuuren followed by a conversation between Sissel Tolaas and Solvej Helweg Ovesen at 7pm (the event will be in English)

29.05.2019 at 7pm book launch of POW & UP – Galerie Wedding, Berlin

Workshops for schools with Barbara Campaner in cooperation with Jugend im Museum e. V.

The artist thanks Richard Forster, Jan Römer, Rene Spierling, Fritz Strempel, Mickaël Wiesengrün and Clemens Klein. Furthermore, thanks to Alexander Egger and Andreas Lueder from AEQ-WEB.

With the kind support of NORLA, Norwegian Literature Abroad, the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, funds »Ausstellungsvergütungen«, and by IFF (International Flavours and Fragrances Inc.).

22.02.-09.02.2019

Die Ausstellung Arbeit, Arbeit, nichts als Arbeit von Alice Creischer bildet den Auftakt des diesjährigen Programms der Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity), gemeinsam konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen. SoS untersucht die tiefe Krise der Solidarität oder besser die Notwendigkeit,  neue Formen von Solidarität zu erfinden. Die Ausstellung ist kuratiert von Nataša Ilić.

Die Wertschöpfungsketten einer kapitalistischen Gesellschaft basieren immer auf einem Machtgefälle, das das arbeitende Subjekt als Ressource versteht und es zu Effizienz drängt. Zur gleichen Zeit werden die Arbeitsbedingungen immer weiter flexibilisiert und münden in eine Unsicherheit, die sich sogenannten flexibilisierten Arbeitsverträgen spiegeln. Alice Creischer interessiert sich genau für dieses zunehmend prekärer werdende Verhältnis zwischen dem Individuum, Arbeit und den Möglichkeiten einer arbeitsfreien Gesellschaft:

»Wir können einen Eindruck von einer Gesellschaft ohne Arbeit bekommen, wenn wir uns spezielle Situationen anschauen, vielleicht auch Situationen zum Verzweifeln. Das ist es, was wir in Argentinien nach der Krise von 2001 und in der Zeit von neuen sozialen Bewegungen erfahren haben. Es gab sehr viele Situationen in denen die zusammen gearbeitet, kommuniziert, geschrieben, protestiert und sogar gesungen haben. Auf völlig neue und kollektive Weise.« (Alice Creischer)

In ihrer Arbeit beschäftigt Alice Creischer sich hauptsächlich mit Themen wie Wirtschaft und Geld, Macht und Machtlosigkeit, so wie Armut und Reichtum. Das zentrale Thema ihrer künstlerischen und theoretischen Arbeit ist die akribische und komplexe Darstellung von Prozessen und Mechanismen in Politik, Wirtschaft und Kultur. Dabei geht sie oft von realen historischen oder gegenwärtigen Ereignissen aus und bettet sie in neue und freiere Erzählungen ein.

Die letzte Recherche von Alice Creischer (zusammen mit Andreas Siekmann) widmete sich dem Bitcoin, einer alternativen Währung, die aus einer anti-staatlichen und anti-monopolistischen digitalen Bewegung heraus entstanden ist. In ihrem neuen Film Schlüsselbund, Zähne, Knochen und Falschgeld (2017) untersucht Creischer zu was es führt, wenn die Blockchain-Technologie auf den Mythos der absoluten und dezentralen Transparenz trifft. Die Auswirkungen der Blockchain-Technologie folgend auf die neue Form der staatlichen und privaten Kontrolle, sowie der Erfassung von Daten entwickelt Creischer einen spekulativen Vorschlag gegen den zerstörerischen Trend der Wertschöpfung und übersetzt ihn in eine komplexe Formsprache.

Der zweite Teil der Ausstellung bezieht sich auf die Aufführung Die Pauschalreise, die 1989 im Kunstraum Wuppertal stattfand.  Der Text wird in einer Installation vorgelesen. Der Prolog dazu wird in einem Video gezeigt.  Der Text handelt von drei Arbeiterinnen einer Spinnerei, die als Los eine Pauschalreise nach Griechenland gewinnen. Aber dort – in diesem imaginären Ort – fühlen sie sich überflüssig, weil sie nicht arbeiten.  Unter dem Titel Arbeit, Arbeit, nichts als Arbeit reflektiert die Ausstellung über die zunehmende Entfremdung immer komplexer werdender Arbeitsprozesse und  Formen von Wertschöpfungen, sowie einem möglichen Ausweg über die Kollektivierung und Solidarität.

Begleitveranstaltungen
Film-Screening von »Episoden zur arbeitsbefreiten Gesellschaft«, 1996-2002 begleitet von einer Disskusionsrunde mit Alice Creischer, Andreas Siekmann und Margarita Tsomou, moderiert von Nataša Ilić am 7. März um 18 Uhr.

Ausstellungsrundgang am 19. März um 17:30 mit Alice Creischer und Nataša Ilić.
Weitere Führungen sind auf Anfrage möglich.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien.

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Arbeit, Arbeit, nichts als Arbeit
Alice Creischer

Together with Eva Ďurovec (actor and costume), María Fernández Verdeja (actor and costume), Margarita Tsomou (actor) and Andreas Siekmann (»Blatt zu Bitcoin«).

22.02. – 06.04.2019

Alice Creischer’s exhibition Arbeit, Arbeit, nichts als Arbeit (»Work, Work, Nothing but Work«) marks the beginning of the new yearly program of Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen. SoS (Soft Solidarity) explores the deep crises of solidarity, or rather the need to reinvent new forms of solidarity. The exhibition is curated by Nataša Ilić.

The value chains of a capitalist society are always based on power relations which understand the working subject as a resource and pushes it constantly towards more efficiency. At the same time, contemporary conditions of labor result in increasing insecurity, which is reflected in more flexible limited-time contracts. Alice Creischer is particularly interested in the increasingly precarious relationship between the individual and labor and possibilities of a post-work society:

»We can get a perspective on the society without labor when we are in special situations, maybe also in desperate situations. That is what we experienced in Argentina after the 2001 crisis and in the time of the new social movements. There were so many situations in which people were working, communicating, writing, protesting, even singing, in new and collective ways.« (Alice Creischer)

In her practice Alice Creischer deals mainly with topics such as economy and money, power and powerlessness, as well as poverty and wealth. The central theme of her artistic and theoretical work is the meticulous and complex visualization of processes and machinations in politics, economics and culture. Creischer often chooses a real historical or present point of reference and embeds it in a new and freer narrative.

Her latest research focus (in collaboration with Andreas Siekmann) is the bitcoin, an alternative currency that emerged from an anti-state and anti-monopolistic digital movement. In her film Schlüsselbund, Zähne, Knochen und Falschgeld (»Keyring, teeth, bones and funny money«, 2017) Creischer examines to what extent the blockchain technology overlaps with the myth of absolute and decentralized transparency. Following the impact of blockchain technologies on the new design of state and private control, as well as the recording of information, the artist makes a speculative suggestion against the destructive trend of value creation today and translates it into a complex visual language.

The second part of the exhibition is based on the piece Die Pauschalreise (»The Package Tour«), which premiered in 1989 at the Kunstraum Wuppertal. The text will be read in an installation and the prologue to it will be shown in a video. The text is about three workers in a spinning mil, who win a package tour to Greece in a lottery. But there, in this imaginary place, they feel superfluous because they are not working. Under the title Arbeit, Arbeit, nichts als Arbeit (»Work, Work, Nothing but Work«), the exhibition reflects on the increasing alienation in more complex work processes and creation of values, as well as on possible ways out of it through collectivization and solidarity.

Further events:
Film screening of Episoden zur arbeitsbefreiten Gesellschaft“ (Episodes of a society free of work), 1996-2002 accompanied by a panel discussion with Alice Creischer, Andreas Siekmann and Margarita Tsomou, moderated by Nataša Ilić on 7th of March at 6pm.

Tour through the exhibition on the 19th of March 2019 at 5.30pm with Alice Creischer and Nataša Ilić.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding and funds „Ausstellungsvergütungen“.

Eröffnung am 21.02. von 19 bis 22 Uhr mit einer performativen Lesung des Textes »Die Pauschalreise«

Die Ausstellung Arbeit, Arbeit, nichts als Arbeit von Alice Creischer bildet den Auftakt des diesjährigen Programms der Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity), gemeinsam konzipiert von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen. SoS untersucht die tiefe Krise der Solidarität oder besser die Notwendigkeit, neue Formen von Solidarität zu erfinden. Die Ausstellung ist kuratiert von Nataša Ilić.

22.02.-06.04.2019

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds für Ausstellungsvergütungen und des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien

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Opening on 21.02. from 7 – 10pm with performative re-reading of the text Die Pauschalreise (»The Package Tour«)

Together with Eva Ďurovec (actor and costume), María Fernández Verdeja (actor and costume), Margarita Tsomou (actor) and Andreas Siekmann (»Blatt zu Bitcoin«).

Alice Creischer’s exhibition Arbeit, Arbeit, nichts als Arbeit (»Work, Work, Nothing but Work«) marks the beginning of the new yearly program of Galerie Wedding SoS (Soft Solidarity), conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen. SoS (Soft Solidarity) explores the deep crises of solidarity, or rather the need to reinvent new forms of solidarity. The exhibition is curated by Nataša Ilić.

22.02. – 06.04.2019

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding and funds „Ausstellungsvergütungen“.

07.12.2018 – 09.02.2019

Eine Ausstellung von Antje Engelmann und Cyrill Lachauer  kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges)

This land is your land I This land is my land ist eine Ausstellung, die von der Nähe in der Ferne und der Unmöglichkeit von Abgrenzung berichtet. Es wird nicht von bestehenden binären Vereinfachungen der Welt ausgegangen, sondern vielmehr vom Denken in Kreuzungen, Wendepunkten, Überschneidungen und Verzweigungen handelt.
In Antje Engelmanns und Cyrill Lachauers Arbeiten sind Nähe und Distanz zu Land und Selbst ein zentrales Thema. In der dialogischen Kombination ihrer Arbeiten, die größtenteils auf gemeinsamen Reisen durch Nordamerika entstanden sind, geht es um die Einschreibung des Menschen in die Natur und der Unnatürlichkeit von menschlichen Grenzziehungen. Als Folksänger Woody Guthrie 1940 den Song »God Blessed America for Me« schrieb und später in »This Land Is Your Land« – von dem die Ausstellung  ihren Titel entliehen hat – umbenannte, tat er dies als sarkastische Antwort auf Irving Berlins »God Bless America«. Teil dieser Auseinandersetzung ist nicht nur die gegenwärtige politische Situation um die amerikanisch-mexikanische Grenze.  Die verschiedenen Phasen der Besiedlung des Kontinents in der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft stehen gelichberechtigt nebeneinander und sind Teil desselben Prozesses. Die Ironie des Schicksals ist, dass das Land, in dem This land is your land I This land is my land geboren wurde,  jenes Land ist, in dem indigene Völker durch spanische, holländische, französische und britische Kolonialherren ihres Landes zwangsenteignet wurden.
Für die Galerie Wedding haben die Künstler*innen eine mäanderartige Zusammenstellung aus einer Vielzahl neuer Arbeiten entwickelt, die sich dem Besitz von Land, welcher immer auch eine Behauptung von Macht ist, aus verschiedenen Perspektiven nähert und sich eine komplexe Erzählung über die Möglichkeiten in der Betrachtung von Landschaft entfaltet.

Ausstellungsrundgang am 17.01.2019 um 17:30 Uhr mit den Künstler*innen Antje Engelmann und Cyrill Lachauer und dem Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

EN
This land is your land I This land is my land is supposed to be an exhibition that is evidence of the nearness in the afar and the impossibility of demarcating and existing in the simplicities of binaries, but rather thinking or being in points of intersection, crossroads, and junctions.
In the works of Antje Engelmann and Cyrill Lachauer, proximity and distance to land and self are a central theme.  The dialogical combination of their works, most of which relate to their travels in North America, is about the inscription of the human innature and the unnaturality of man-drawn borders. Folk singer Woody Guthrie wrote  »God Blessed America for Me« in 1940 – later to be renamed as »This Land Is Your Land« from which the exhibition has lent its title – as a sarcastic response to Irving Berlin’s  »God Bless America«. Not only is the current political situation about the American-Mexican border part of this investigation. The various stages of settlement of the continent in the past, present and future stand side by side as part of the same process. The irony of destiny is that the land in which This land is your land I This land is my land was born is the land which was forcefully taken away from the native peoples of the lands by successions of Spanish, Dutch, French and British colonialists.
For Galerie Wedding the artists have developed a meandering compilation of a multitude of new works that approach land ownership, which is always an assertion of power, from different perspectives, and a complex narrative about the possibilities of viewing landscape.

Tour through the exhibition on 17^th of January 2019 at 5.30pm with the artists Antje Engelmann and Cyrill Lachauer and curator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Fonds für Ausstellungsvergütungen.

Eine Ausstellung von Antje Engelmann und Cyrill Lachauer im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

This land is your land I This land is my land ist eine Ausstellung, die von der Nähe in der Ferne und der Unmöglichkeit von Abgrenzung berichtet. Es wird nicht von bestehenden binären Vereinfachungen der Welt ausgegangen, sondern handelt vielmehr vom Denken in Kreuzungen, Wendepunkten, Überschneidungen und Verzweigungen.
In Antje Engelmanns und Cyrill Lachauers Arbeiten sind Nähe und Distanz zu Land und Selbst ein zentrales Thema. In der dialogischen Kombination ihrer Arbeiten, die größtenteils auf gemeinsamen Reisen durch Nordamerika entstanden sind, geht es um die Einschreibung des Menschen in die Natur und die Unnatürlichkeit von menschlichen Grenzziehungen. Als Folksänger Woody Guthrie 1940 den Song »God Blessed America for Me« schrieb und später in »This Land Is Your Land« – von dem die Ausstellung ihren Titel entliehen hat – umbenannte, tat er dies als sarkastische Antwort auf Irving Berlins »God Bless America«. Teil dieser Auseinandersetzung ist nicht nur die gegenwärtige politische Situation um die amerikanisch-mexikanische Grenze. Die verschiedenen Phasen der Besiedlung des Kontinents in der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft stehen gelichberechtigt nebeneinander und sind Teil desselben Prozesses. Die Ironie des Schicksals ist, dass das Land, in dem This land is your land I This land is my land geboren wurde, jenes Land ist, in dem indigene Völker durch spanische, holländische, französische und britische Kolonialherren ihres Landes zwangsenteignet wurden.
Für die Galerie Wedding haben die Künstler*innen eine mäanderartige Zusammenstellung aus einer Vielzahl neuer Arbeiten entwickelt, die sich dem Besitz von Land, welcher immer auch eine Behauptung von Macht ist, aus verschiedenen Perspektiven nähert und sich eine komplexe Erzählung über die Möglichkeiten in der Betrachtung von Landschaft entfaltet.

Begleitveranstaltungen
Ausstellungsrundgang am 17.01.2019 von 17:30 bis 19 Uhr mit den Künstler*innen Antje Engelmann und Cyrill Lachauer und dem Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Weitere Führungen sind auf Anfrage möglich

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung und des Fonds Ausstellungsvergütungen.

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This land is your land
This land is my land
Opening on 06.12.2018 from 7pm till 10pm with the artists and curators
07.12.2018 –09.02.2019

An exhibition by Antje Engelmann and Cyrill Lachauer within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

This land is your land I This land is my land is supposed to be an exhibition that is evidence of the nearness in the afar and the impossibility of demarcating and existing in the simplicities of binaries, but rather thinking or being in points of intersection, crossroads, and junctions.
In the works of Antje Engelmann and Cyrill Lachauer, proximity and distance to land and self are a central theme. The dialogical combination of their works, most of which relate to their travels in North America, is about the inscription of the human innature and the unnaturality of man-drawn borders. Folk singer Woody Guthrie wrote »God Blessed America for Me« in 1940 – later to be renamed as »This Land Is Your Land« from which the exhibition has lent its title – as a sarcastic response to Irving Berlin’s »God Bless America«. Not only is the current political situation about the American-Mexican border part of this investigation. The various stages of settlement of the continent in the past, present and future stand side by side as part of the same process. The irony of destiny is that the land in which This land is your land I This land is my land was born is the land which was forcefully taken away from the native peoples of the lands by successions of Spanish, Dutch, French and British colonialists.
For Galerie Wedding the artists have developed a meandering compilation of a multitude of new works that approach land ownership, which is always an assertion of power, from different perspectives, and a complex narrative about the possibilities of viewing landscape.

Further events
Tour through the exhibition on 17th of January 2019 at 5.30pm with the artists Antje Engelmann and Cyrill Lachauer and curator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Further guided tours are also available on request.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding and funds „Ausstellungsvergütungen“.

16.-22. November 2018

Eine Ausstellung von Ojudun Taiwo Jacob (feat. Viki Simone), Natalia Orendain del Castillo, Jumoke Adeyanju im Rahmen des Ausstellungsprogramms UP (Unsustainable Privilges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 15.11.2018 mit Live-Performance von Jumoke Adeyanju von 19-20 Uhr und Ojudun Taiwo Jacob von 20-21 Uhr

Live-Performance von Ojudun Taiwo Jacob am 22.11.2018 von 18-19 Uhr

DE
Um Künstlerinnen und Kuratoren aus Lagos und Berlin Einblicke in die Kunstwelt des jeweils anderen Landes zu ermöglichen und dort zu arbeiten, hat das Goethe-Institut Nigeria in Kooperation mit dem Amt für Weiterbildung und Kultur Berlin-Mitte, Galerie Wedding, ZK /U – Zentrum für Kunst und Urbanistik, dem Kunstraum SAVVY Contemporary Berlin sowie der Arthouse Foundation Lagos das Residenzprogramm für junge Künstler und Kuratorinnen aus Berlin und Lagos ins Leben gerufen. Zu den diesjährigen Stipendiaten 2018 gehören der nigerianische Künstler Ojudun Taiwo Jacob sowie die Berliner Künstlerinnen Natalia Orendain del Castillo und Jumoke Adeyanju.

Während ihrer Aufenthalte arbeiten die Stipendiatinnen und Stipendiaten an dem übergreifenden Thema des Residenzprogramms, bei dem es um eine künstlerische Reflexion über »unhaltbare Privilegien« geht. Im Fokus steht die Frage, was es heute bedeutet Privilegien zu besitzen, sie zu verlieren oder neu zu erwerben. Die Ergebnisse werden im Rahmen einer Ausstellung präsentiert, die die sich in das Programm der Galerie Wedding, UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, gliedert. Dabei werden gegenwärtige Parameter der Künstlerreise einschließlich ihrer Grenzen und Möglichkeiten betrachtet: die Chance zu Reisen und sich frei über Grenzen hinweg zu bewegen erscheint aus westlicher Sicht eine Selbstverständlichkeit zu sein. Die Einschränkung und Verhandlung dieser Freiheiten, die auch Teil eines post-kolonialen Erbes sind, fließt ebenso mit ein wie Erinnerungen und Ideen von Heimat, sowie die Möglichkeit verschiedene Zugänge zu fremden Orten zu finden.

Ojudun Taiwo Jacob (Lagos) entwickelt in Zusammenarbeit mit Viki Simone eine neue Video- und Performancearbeit, die an der Eröffnung uraufgeführt wird. Ausgehend von einer dezidiert afrikanischen Perspektive auf die Berliner Konferenz, in der westliche Kolonialmächte 1884 den afrikanischen Kontinent in Kolonialgebiete aufgeteilt haben, spielt Taiwo eine Aufteilung des geografischen Europas durch und führt somit das hohe Maß an Fremdbestimmtheit des Verfahrens vor. In einem abgetrennten Raum innerhalb der Ausstellung wird Taiwo für die Besucher*innen sichtbar die Teilung und Neuanordnung Europas vollziehen, wie es 1884-1885 getan wurde, worin auch eine Darstellung von Macht liegt. (Film: Viki Simone; Musik: Pete Nattrass and Blue Saloon; Landkarte: Sebastian Loerscher)

Natalia Orendain del Castillos (Berlin) künstlerische Forschung konzentriert sich auf Raumwahrnehmung und -produktion sowie Klang. Zudem verwendet sie immersive, installative und partizipative Formate bei den sie die Wahrnehmungserfahrungen des Publikums mitdenkt. Während ihres Aufenthaltes in Lagos forscht sie zum Hafen der Stadt. Sie nutzt unterschiedliche Formen von kartografischem Material der Handelsrouten bzw. des Warenverkehrs sowie verschiedene Audio- und Videoaufnahmen. Die gesamte Arbeit ist eher ein Zwischenbericht ihrer Reise, bei dem ihr Ansatz der nicht-objektiven Kartographierung vorführt wird, der auf der Übertragung von bestimmten visuellen Systemen in akustische oder Vice versa beruht und Fragen nach der Orientierung des Einzelnen und seinen Zugang zur, sowie seiner Wahrnehmung der Welt aufwirft.

Jumoke Adeyanju (Berlin) entwickelte das Konzept von {{{thirdspace(d)out}}} als eintägige, multimediale Performance-Reihe während ihres Aufenthalts in Lagos. Sie kombiniert Live-Painting (Thomyyas), Live-Writing (Candice Nembhard), Musik (Jack Mensah) und Tanz (Thomias Radin & Jumoke Adeyanju), um die vielen Stadien und Dimensionen diasporischer Nostalgie, postkolonialer transformativer Heilung und das Wiederaufleben verlorener Erinnerungen aufzuzeigen. {{{thirdspace(d)out}}} umfasst aufgezeichnete Interviews und eine Klanglandschaft, die die Liminalität, das Dazwischen, wechselseitiger Erinnerungen erforscht. Adeyanju geht über afrikanische Identitätsbildung hinaus und richtet den Blick auf die afrikanisch- und karibische Diaspora weltweit.

Das Residenzprogramm Berlin-Lagos wurde im Juli 2015 vom Goethe-Institut Lagos initiiert in Kooperation mit dem Fachbereich Kunst und Kultur in Berlin-Mitte, Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst, ZK/U – Zentrum für Kunst und Urbanistik, SAVVY Contemporary und Arthouse Foundation Lagos.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und des Fonds Ausstellungsvergütungen.

EN
During their stays either in Germany or Nigeria, Ojudun Taiwo Jacob, Natalia Orendain del Castillo and Jumoke Adeyanju have been working on the overarching theme of the residency programme Berlin-Lagos 2018, which deals with artistic reflection on questions of what it means today to own privileges, how to lose them or acquire new ones. The three positions come together in a presentation that is set within the exhibition programme »UP (Unsustainable Privileges)« curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung at Galerie Wedding, Berlin. Current parameters of an artist’s journey, including its limitations and possibilities, are considered: the possibilities to travel and move freely across borders seem to be taken for from the Western point of view. Restricting and negotiating these freedoms, which are part of a post-colonial legacy, is explored alongside memories and ideas of Heimat and the possibility of finding different approaches to foreign places.

Ojudun Taiwo Jacob (Lagos) develops in collaboration with Viki Simone a new video and performance work, which will be premiered at the opening. Based on a decidedly African perspective on the Berlin Conference, in which Western colonial powers divided the African continent into colonial territories in 1884, Taiwo plays through a division of geographical Europe and thus demonstrates the high degree of external determination of the procedure. In a separate space within the exhibition, Taiwo will visibly perform the division and reorganization of Europe as it was done from 1884-1885, in which there is also a representation of power. (Film: Viki Simone; Music: Pete Nattrass and Blue Saloon; Map: Sebastian Loerscher)

Natalia Orendain del Castillo’s (Berlin) artistic research focuses on spatial perception and production as well as sound. She uses immersive, installative and participatory formats in which she also thinks about the perceptions of the audience. During her stay in Lagos, she researches the port of the city. Her piece in Galerie Wedding uses different forms of cartographic material of trade routes or goods traffic as well as various audio and video recordings. The whole work is an interim report of her journey, showing her approach to non-objective mapping, which is based on the transfer of certain visual systems to acoustic or vice versa and questions about the orientation of the individual and his access to, as well as his perception of the world.

Jumoke Adeyanju (Berlin) developed the concept of {{{thirdspace(d)out}}} as a one-day, multimedia performance series during her stay in Lagos. She combines live painting (Thomyyas), live writing (Candice Nembhard), music (Jack Mensah) and dance (Thomias Radin & Jumoke Adeyanju) to explore the many stages and dimensions of diasporic nostalgia, postcolonial transformative healing and resurrection of lost memories. {{{thirdspace(d)out}}} includes recorded interviews and a soundscape that explore liminality, the in-between, of reciprocal memories. Adeyanju goes beyond African identity markers and focuses on African and Caribbean diaspora in the world.

Lagos – Berlin is a residency programme for young artists and curators from Berlin and Lagos initiated by the Goethe-Institut Lagos in cooperation with the Department for Art and Culture Berlin-Mitte, Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst, ZK/U – Zentrum für Kunst und Urbanistik, SAVVY Contemporary and Arthouse Foundation Lagos.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe and the Funds »Ausstellungsvergütungen«.

02.11. bis 08.11.2018

»A Class(y) Lecture by Elly Clarke« ist eine selbstreflektierende Geschichte über das Dazugehören und Nicht-Dazugehören; darüber wie Abstammung sowohl Hindernis als auch Privileg sein kann, und über die Anschauungen und Erwartungen, welche die Lebenswege von Individuen, die in bestimmte Familien hineingeboren werden, bestimmen. Wie und wo sind derartige Privilegien heute zu finden? Wo helfen sie, wo hindern sie – in Bezug auf den individuellen Kontext, als auch die Gesellschaft als Ganzes?

Clarkes Langzeit-Projekt über ihren viktorianischen Ur-ur-ur-Großvater George Richmond und die von ihm gemalten Porträts geben den zentralen Fokus. Audiosegmente und Bilder dieses Projektes werden neben Auszügen von Clarkes eigener Kindheit und Berichten aus ihrem Leben als Erwachsene gezeigt – als Versuch sich selbst, ihre eigene Familie und das ewig–anhaltende, und doch auf viele Weisen unhaltbare Klassensystem Großbritanniens im 21. Jahrhunderts, besser zu verstehen. Abstammung ist eine Form von Identität, welche die Lebenszeit des Einzelnen überdauert. Sie reicht von vergangenen Zeiten  bis hinein in eine Zukunft, welche noch nicht einmal existiert, verbunden durch die Blutsbande.

Wir sind hier seit 600 Jahren.

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»A Class(y) Lecture by Elly Clarke« is a self-exposing hi/story about belonging and not belonging; about the drag as well as the privilege of ancestry, and the objects and expectations that define and determine the life paths of individuals born into certain families. How and where does such privilege sit today? Where does it help and where does it hinder – both the individual and society at large?

Clarke’s long-term project about her Victorian great-great-great-grandfather George Richmond’s portraits provides the central focus. Audio and images from this project are presented alongside extracts from Clarke’s own childhood & adult diaries in an attempt to better understand herself, her family and the ever-sustaining, and yet in many ways unsustainable set up of the British Class system in the 21st century. Ancestry is an identity that spans beyond the lifetime of an individual. It reaches back into the past and looks forward to a future that is not yet here, with blood as the binding thread.

We have been here for six hundred years.

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung.

Eine Ausstellung von Anne Duk Hee Jordan im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 13.09.2018 von 19 bis 22 Uhr mit einer Sonic intervention von Mikatsiu

Text von Solvej Helweg Ovesen

Ziggy auf dem Land der Betrunkenen Bäume entführt in das post-humane Zeitalter des Post-Anthropozäns, eine Welt, in der Nicht-Menschen die zentrale Position des Menschen übernehmen. Die Ausstellung fragt danach: Welche Arten von Tiermutationen werden in naher Zukunft passieren und welche Arten werden in diesem Zusammenhang der sich weltweit verändernden Ökologie leistungsfähig sein? Wo werden Menschen versuchen Zuflucht zu finden? Werden sie den Weltraum oder sogar das Meer kolonisieren?

Die Galerie Wedding verwandelt sich in eine immersive Landschaft aus amorphen, organischen und mechanischen Skulpturen, die sich im Raum bewegen: ein Chor aus Muscheln, eine Filmcollage über Geschlechtstransformationen in der Ökologie und eine Bildreihe über Methanlöcher, wie sie in der Sibirischen Tundra auftauchen. Mit dieser Ausstellung möchte Anne Duk Hee Jordan eine neue Perspektive auf den Klimawandel und seine spürbaren Auswirkungen auf Meer und Land vorstellen. Jordan, die einen beruflichen Hintergrund in der Meeresforschung, nachhaltigem Kochen und Kunst hat, präsentiert ihre humorvollen und gut recherchierten Perspektiven gegenüber Anpassung jenseits der menschlichen Zeit.

»Ich habe mich ausführlich mit Meeresbiolog*innen und Geolog*innen ausgetauscht. Das Meiste entdecke ich aber durch meine vielen Tauchgänge in direkter Begegnung mit den Meeresbewohnern.«  (Anne Duk Hee Jordan)

Als Erforscherin der empfindlichen und weitgehend unbekannten Tiefseewelt vermittelt die Künstlerin die Logik, Dynamik und unbegreifliche Materialität der ökologischen Veränderungen an Land und im Ozean. In einer zunehmend reglementierten Welt bleiben die Meere ein Außenposten der Anarchie und Vergessenheit. Konkret kann dies in der Filmcollage »Changing Sex in Ecology«, 2018, einem Forschungsprojekt mit Pauline Doutreluingne, gesehen werden, die dokumentiert, wie Meereslebewesen und Menschen von den Veränderungen in der Umwelt betroffen sind. In der Ausstellung erzeugt ein Chor aus organisch-mechanischen Muschel-Skulpturen hydroide  Alien-Klängen und sogar eine orakelhaft singenden Säge ist zu hören. So wird eine entfernte Zukunft erkundet und für einen Moment vorstellbar, unbewohnbar gemacht.

Besonderen Dank an Pauline Doutreluingne für die Unterstützung bei der Produktion, die Beratung und die Zusammenarbeit im Projekt »Changing Sex in Ecology« sowie an das Herbarium Leipzig und den Land und Forstbetrieb Ingo Mette, Pretzschendorf, für die ökologische Dienstleistung.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung, des Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien und des Projektfonds für Kulturelle Bildung.

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Ziggy on the Land of Drunken Trees
14.09.–27.10.2018

An exhibition by Anne Duk Hee Jordan within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Opening on 13.09.2018 from 7pm till 10pm with a Sonic intervention by Mikatsiu

Text by Solvej Helweg Ovesen

Ziggy on the Land of Drunken Trees takes us into a post-human era after the Anthropocene, a world in which non-humans assume the central position of mankind. The exhibition asks: What kind of animal mutations will happen in the near future, what species will be efficient in the context of the worldwide changing ecology? Where will humans go? Will they colonise space or even the sea?

Galerie Wedding transforms into  an immersive landscape consisting of amorphous organic and mechanic sculptures that move within the space: a choir of sea-shells, a film collage about changing sex in ecology and a series of images on methane holes appearing in the Siberian Tundra. With this exhibition Anne Duk Hee Jordan aims to illuminate new perspectives and the tangible effects of climate change on sea and land. Jordan, who has a professional background in marine ecology, sustainable cooking and art, presents a humourous and well researched perspective on processes of adaptation that go beyond human time.

»I have exchanged extensively with marine biologists and geologists, but I make most of my discoveries during my many dives – in direct communication with the sea dwellers.« (Anne Duk Hee Jordan)

As a witness to the delicate and by far unexplored deep sea world, the artist mediates the logic, dynamics and ungraspable materiality of the ecological changes on land and in the ocean. In an increasingly regimented world, the seas both remain an outpost of anarchy and out-of-sight out-of-mind oblivion meanwhile new landmarks of genetic adaptations and human colonialisation are happening. Specifically this is shown within the film collage »Changing Sex in Ecology,« 2018, a project with Pauline Doutreluingne, with documentation of how marine creatures and humans are affected by environmental changes. In the exhibition, a choir of organic, mechanic sea-shell sculptures creates hydroid alien sounds, and even an oracularly singing saw is heard. Also a series of images on methane holes appearing in the Siberian Tundra, is displayed. Thus a deep future is explored that seems momentarily imaginable, inhabitable.

Many thanks to Pauline Doutreluingne for the support in the production, the consultation and the cooperation within the project »Changing Sex in Ecology« as well as to Herbarium Leipzig and the farm and forest business Ingo Mette, Pretzschendorf, for the ecological service.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding, funds „Ausstellungsvergütungen“ and funds of the Municipal Galleries Berlin as well as project funds for cultural education.

Eine Ausstellung von Anne Duk Hee Jordan im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Die Galerie Wedding verwandelt sich in eine immersive Landschaft aus amorphen, organischen Skulpturen, die sich durch den Raum bewegen. Die unbekannte Beschaffenheit und Herkunft dieser macht uns bewusst, was wir alles nicht über die Unterwasserwelt wissen – das Meer ist ein anderes Universum voller Schönheit und Fremdheit, geprägt von Veränderung und Anpassung. Deswegen fragt die Ausstellung: Welche Arten von Tiermutationen werden in naher Zukunft passieren und welche Arten werden in diesem Zusammenhang der sich weltweit verändernden Ökologie leistungsfähig sein?

Weitere Führungen sind auf Anfrage während der Ausstellungslaufzeit möglich

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Ziggy on the Land of Drunken Trees
Tour through the exhibition on 27.09.2018 at 4.30pm with artist Anne Duk Hee Jordan and curator Solvej Helweg Ovesen

An exhibition by Anne Duk Hee Jordan within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Galerie Wedding tranforms into an immersive landscape consisting of amorphous organic sculptures that move through the space. An unknown texture and origin reminds us of what we do not know about the marine world – the ocean being another universe full of beauty and strangeness, of changes and adaption. The exhibition asks: What kind of animal mutations will happen in the near future, what species will be efficient in the context of the worldwide changing ecology?

Further guided tours are also available on request.

Eine Ausstellung von Anne Duk Hee Jordan im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Ziggy auf dem Land der Betrunkenen Bäume entführt in das post-humane Zeitalter des Post-Anthropozäns, eine Welt, in der Nicht-Menschen die zentrale Position des Menschen übernehmen. Die Ausstellung fragt danach: Welche Arten von Tiermutationen werden in naher Zukunft passieren und welche Arten werden in diesem Zusammenhang der sich weltweit verändernden Ökologie leistungsfähig sein? Wo werden Menschen versuchen Zuflucht zu finden? Werden sie den Weltraum oder sogar das Meer kolonisieren?

Die Galerie Wedding verwandelt sich in eine immersive Landschaft aus amorphen, organischen und mechanischen Skulpturen, die sich im Raum bewegen: ein Chor aus Muscheln, eine Filmcollage über Geschlechtstransformationen in der Ökologie und eine Bildreihe über Methanlöcher, wie sie in der Sibirischen Tundra auftauchen. Mit dieser Ausstellung möchte Anne Duk Hee Jordan eine neue Perspektive auf den Klimawandel und seine spürbaren Auswirkungen auf Meer und Land vorstellen. Jordan, die einen beruflichen Hintergrund in der Meeresforschung, nachhaltigem Kochen und Kunst hat, präsentiert ihre humorvollen und gut recherchierten Perspektiven gegenüber Anpassung jenseits der menschlichen Zeit.

»Ich habe mich ausführlich mit Meeresbiolog*innen und Geolog*innen ausgetauscht. Das Meiste entdecke ich aber durch meine vielen Tauchgänge in direkter Begegnung mit den Meeresbewohnern.«  (Anne Duk Hee Jordan)

Als Erforscherin der empfindlichen und weitgehend unbekannten Tiefseewelt vermittelt die Künstlerin die Logik, Dynamik und unbegreifliche Materialität der ökologischen Veränderungen an Land und im Ozean. In einer zunehmend reglementierten Welt bleiben die Meere ein Außenposten der Anarchie und Vergessenheit. Konkret kann dies in der Filmcollage »Changing Sex in Ecology«, 2018, einem Forschungsprojekt mit Pauline Doutreluingne, gesehen werden, die dokumentiert, wie Meereslebewesen und Menschen von den Veränderungen in der Umwelt betroffen sind. In der Ausstellung erzeugt ein Chor aus organisch-mechanischen Muschel-Skulpturen hydroide  Alien-Klängen und sogar eine orakelhaft singenden Säge ist zu hören. So wird eine entfernte Zukunft erkundet und für einen Moment vorstellbar, unbewohnbar gemacht.

Ausstellungsrundgang am 27.09.2018 um 16.30 Uhr mit Künstlerin Anne Duk Hee Jordan und Kuratorin Solvej Helweg Ovesen

Weitere Führungen sind auf Anfrage während der Ausstellungslaufzeit möglich

Besonderen Dank an Pauline Doutreluingne für die Unterstützung bei der Produktion, die Beratung und die Zusammenarbeit im Projekt »Changing Sex in Ecology« sowie an das Herbarium Leipzig und Land und Forstbetrieb Ingo Mette, Pretzschendorf, für die ökologische Dienstleistung.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifenden Förderung, des Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien und des Projektfonds für Kulturelle Bildung.

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Ziggy on the Land of Drunken Trees
Opening on 13.09.2018 from 7pm till 10pm with a Sonic intervention by Mikatsiu

An exhibition by Anne Duk Hee Jordan within the frame of UP (Unsustainable Privileges) curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Ziggy on the Land of Drunken Trees takes us into a post-human era after the Anthropocene, a world in which non-humans assume the central position of mankind. The exhibition asks: What kind of animal mutations will happen in the near future, what species will be efficient in the context of the worldwide changing ecology? Where will humans go? Will they colonise space or even the sea?

Galerie Wedding transforms into  an immersive landscape consisting of amorphous organic and mechanic sculptures that move within the space: a choir of sea-shells, a film collage about changing sex in ecology and a series of images on methane holes appearing in the Siberian Tundra. With this exhibition Anne Duk Hee Jordan aims to illuminate new perspectives and the tangible effects of climate change on sea and land. Jordan, who has a professional background in marine ecology, sustainable cooking and art, presents a humourous and well researched perspective on processes of adaptation that go beyond human time.

»I have exchanged extensively with marine biologists and geologists, but I make most of my discoveries during my many dives – in direct communication with the sea dwellers.« (Anne Duk Hee Jordan)

As a witness to the delicate and by far unexplored deep sea world, the artist mediates the logic, dynamics and ungraspable materiality of the ecological changes on land and in the ocean. In an increasingly regimented world, the seas both remain an outpost of anarchy and out-of-sight out-of-mind oblivion meanwhile new landmarks of genetic adaptations and human colonialisation are happening. Specifically this is shown within the film collage »Changing Sex in Ecology,« 2018, a project with Pauline Doutreluingne, with documentation of how marine creatures and humans are affected by environmental changes. In the exhibition, a choir of organic, mechanic sea-shell sculptures creates hydroid alien sounds, and even an oracularly singing saw is heard. Also a series of images on methane holes appearing in the Siberian Tundra, is displayed. Thus a deep future is explored that seems momentarily imaginable, inhabitable.

Tour through the exhibition on 27.09.2018 at 4.30pm with artist Anne Duk Hee Jordan and curator Solvej Helweg Ovesen

Further guided tours are also available on request.

Many thanks to Pauline Doutreluingne for the support in the production, the consultation and the cooperation within the project »Changing Sex in Ecology« as well as to Herbarium Leipzig and the farm and forest business Ingo Mette, Pretzschendorf, for the ecological service.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding, funds „Ausstellungsvergütungen“ and funds of the Municipal Galleries Berlin as well as project funds for cultural education.

27. Juli – 01. September 2018
Ein Projekt von singuhr projekte berlin

Am Donnerstag, den 26. Juli um 19 bis 21 Uhr, eröffnet singuhr – projekte in der Galerie Wedding die Ausstellung Organic Decline mit dem brasilianischen Künstler Ricardo Carioba. Carioba zählt zu den wichtigsten Vertretern der experimentellen Klang- und Videokunst seines Landes. Standen zu Beginn seiner künstlerischen Karriere reine Videoarbeiten im Vordergrund, so begann Carioba in den 2010er Jahren nach und nach auch Klänge in seine Videoinstallationen zu integrieren. Seine neuen Arbeiten sind oftmals großformatige Raumarbeiten, in denen er Licht, Klang und Video kombiniert. Sie sind inspiriert von Konkreter Kunst und Konstruktivismus. Die häufig abstrakt-minimalistischen Arbeiten verwandeln Ausstellungsräume in dynamische Gebilde, in denen intermediale Beziehungen thematisiert sind. Dekomposition, Abstraktion und Dynamik lassen amorphe Raumgebilde entstehen, in denen der Besucher in ein faszinierendes Spiel von Licht, Farbe und Klang eintaucht.

Auch die Installation Organic Decline, die er für die Räume der Galerie Wedding entwickelt hat, arbeitet mit diesen Motiven. Sie taucht den gesamten Galerieraum durch spezielle Lichtfilterfolien an den Fensterfronten in ein monochromes, tiefblaues Licht. Die visuelle Raumatmosphäre wird durch Klänge erweitert. Zu hören ist eine sich ständig weiterentwickelnde Komposition, die mit der Öffnung der Galerie am Mittag beginnt und bis zur Schließung am Abend andauert. Carioba arbeitet mit zwei aufeinander bezogenen klangliche Sphären, die über ein mehrkanaliges Lautsprechersystem in den Raum projiziert werden: Die erste stellt eine weite und fluide Räumlichkeit her, einen Klang, der sich im Raum bewegt und der trotz seiner Präsenz ein Gefühl der Stille schafft. Zudem sind hier Klänge integriert, die mithilfe eines Mikrofons im Außenraum aufgenommen werden und in Echtzeit in die Komposition einfließen. Die Geräusche dieser »Echtzeit«-Sphäre werden durch Klangereignisse einer zweiten Sphäre kontrapunktiert. Sie stammen von Synthesizern und anderen Tools für die Produktion von elektronischer und elektroakustischer Musik. Es sind rhythmische ebenso wie melodische, aber auch arhythmisch-dissonante Patterns und Strukturen, die den Raum zu besetzen scheinen und sich durch den Raum bewegen.

Die Klänge sind auch die eigentliche Ursache für die visuelle Dynamik der Installation. Ihre Entwicklung hat Einfluss auf die Videosignale, auf die Färbung des Lichts und auf den zeitlichen Ablauf der Veränderungen. Es entsteht ein räumlich-akustisches und visuelles Aggregat, in dem, so Carioba, »Aspekte unseres Verständnisses von konkreter und abstrakter Realität aufscheinen.«

Am Donnerstag, den 2. August, findet in der Installation eine Sound-Performance statt. Das 60-minütige Konzert von Ricardo Carioba startet eine Stunde vor Sonnenuntergang, um exakt 19:57 Uhr, genau dann also, wenn das Tageslicht sich langsam zurückzuziehen beginnt.

Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa: Bezirkskulturfonds, Ausstellungsfonds für kommunale Galerien, Fonds für Ausstellungsvergütungen.
Mit freundlicher Unterstützung des Fachbereichs Kunst und Kultur, Bezirksamt Mitte von Berlin.

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Ricardo Carioba
Organic Decline

27. Juli – 01. September 2018
A project by singuhr projekte berlin

Opening on 26.07.2018 from 7 to 9pm

On Thursday, 26^th July, singuhr – projects presents the solo exhibition Organic Decline by Brazilian artist Ricardo Carioba at Galerie Wedding. Carioba is among the most prominent figures of experimental sound and video art in his native country. Carioba began his career focusing only on video works, and in 2010, gradually started integrating sounds into his video installations. Carioba’s recent works are often large-format in which he combines light, sound, and video. They are inspired by Concrete Art and Constructivism. The mainly abstract-minimalistic works transform exhibition spaces into dynamic entities in which intermedial relations are thematised. Decomposition, abstraction and dynamic allow the emergence of multi-sensory and amorphous spatial formations, whereby visitors are immersed in a fascinating game of light, color and sound.

The aforesaid elements are also deployed in the installation titled Organic Decline developed for the space of and exhibited at Galerie Wedding. The entire gallery is suffused by a monochrome deep-blue light that is created by customized blue foil wich is placed along the entire window facade. This atmospherically visual spatial-condition is expanded by means of sounds. A mellifluous composition starting with the gallery’s opening at midday and continuing through until the evening upon closing. Carioba works with two interrelated sonic spheres that are projected through a multi-channel sound system within the space: the first creates a far-reaching and fluid sense of space, a sound which travels three-dimensionally through the room, and despite its presence, instills a sense of calm. Sounds that are recorded with a microphone in the exterior space are also incorporated into these spheres, which then flow in real-time into the composition. The sounds of these »real-time« spheres are then counterpointed by sound events of a second sphere. These are sourced from synthesizers and other tools for the production of electronic and electroacoustic music. Both rhythmic and melodic as well as arhytmic-dissonant patterns and structures are present; the sound waves appear to occupy the space as they travel through it.

Initially veiled, it is the sounds themselves that facilitate the installation’s visual dynamic. Their development influences the video signal, the coloring of light as well as the time-flow of transformations. The result is a spacial-acoustic and visual aggregate wherein, Carioba remarks, »aspects of our understanding of concrete and abstract reality materialise«.

On Thursday, 2nd August, a sound-performance will take place within the installation space. The 60-minute long concert by Ricardo Carioba commences one hour before sunset (at exactly 7:57pm), just as the light of day begins to recede. A new visual atmosphere emerges, to which Carioba responds in real-time.

Organsied by singuhr e.V. in cooperation with Galerie Wedding.
www.singuhr.de

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe: “Bezirkuskulturfonds”, funds „Ausstellungsvergütungen“, and exhibition fund of the municipal galleries of Berlin. With kind support of the department of art and culture, Bezirksamt Mitte von Berlin.

Programmkoordination Galerie Wedding: Nadia Pilchowski
Presse & Kommunikation: Marie-Christin Lender
Produktionsleitung: Carolina Redondo
Aufbauassistenz und Mitarbeit: Jan Römer und Valentin Cernat
Praktikum: Alina Schmitt und Xiao Yu

Am Donnerstag, den 26. Juli um 19 bis 21 Uhr, eröffnet singuhr – projekte in der Galerie Wedding die Ausstellung Organic Decline mit dem brasilianischen Künstler Ricardo Carioba. Carioba zählt zu den wichtigsten Vertretern der experimentellen Klang- und Videokunst seines Landes. Standen zu Beginn seiner künstlerischen Karriere reine Videoarbeiten im Vordergrund, so begann Carioba in den 2010er Jahren nach und nach auch Klänge in seine Videoinstallationen zu integrieren. Seine neuen Arbeiten sind oftmals großformatige Raumarbeiten, in denen er Licht, Klang und Video kombiniert. Sie sind inspiriert von Konkreter Kunst und Konstruktivismus. Die häufig abstrakt-minimalistischen Arbeiten verwandeln Ausstellungsräume in dynamische Gebilde, in denen intermediale Beziehungen thematisiert sind. Dekomposition, Abstraktion und Dynamik lassen amorphe Raumgebilde entstehen, in denen der Besucher in ein faszinierendes Spiel von Licht, Farbe und Klang eintaucht.

Auch die Installation Organic Decline, die er für die Räume der Galerie Wedding entwickelt hat, arbeitet mit diesen Motiven. Sie taucht den gesamten Galerieraum durch spezielle Lichtfilterfolien an den Fensterfronten in ein monochromes, tiefblaues Licht. Die visuelle Raumatmosphäre wird durch Klänge erweitert. Zu hören ist eine sich ständig weiterentwickelnde Komposition, die mit der Öffnung der Galerie am Mittag beginnt und bis zur Schließung am Abend andauert. Carioba arbeitet mit zwei aufeinander bezogenen klangliche Sphären, die über ein mehrkanaliges Lautsprechersystem in den Raum projiziert werden: Die erste stellt eine weite und fluide Räumlichkeit her, einen Klang, der sich im Raum bewegt und der trotz seiner Präsenz ein Gefühl der Stille schafft. Zudem sind hier Klänge integriert, die mithilfe eines Mikrofons im Außenraum aufgenommen werden und in Echtzeit in die Komposition einfließen. Die Geräusche dieser »Echtzeit«-Sphäre werden durch Klangereignisse einer zweiten Sphäre kontrapunktiert. Sie stammen von Synthesizern und anderen Tools für die Produktion von elektronischer und elektroakustischer Musik. Es sind rhythmische ebenso wie melodische, aber auch arhythmisch-dissonante Patterns und Strukturen, die den Raum zu besetzen scheinen und sich durch den Raum bewegen.

Die Klänge sind auch die eigentliche Ursache für die visuelle Dynamik der Installation. Ihre Entwicklung hat Einfluss auf die Videosignale, auf die Färbung des Lichts und auf den zeitlichen Ablauf der Veränderungen. Es entsteht ein räumlich-akustisches und visuelles Aggregat, in dem, so Carioba, »Aspekte unseres Verständnisses von konkreter und abstrakter Realität aufscheinen.«

Am Donnerstag, den 2. August, findet in der Installation eine Sound-Performance statt. Das 60-minütige Konzert von Ricardo Carioba startet eine Stunde vor Sonnenuntergang, um exakt 19:57 Uhr, genau dann also, wenn das Tageslicht sich langsam zurückzuziehen beginnt.

Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Europa: Bezirkskulturfonds, Ausstellungsfonds für kommunale Galerien, Fonds für Ausstellungsvergütungen.
Mit freundlicher Unterstützung des Fachbereichs Kunst und Kultur, Bezirksamt Mitte von Berlin.

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Ricardo Carioba
Organic Decline

27. Juli – 01. September 2018
A project by singuhr projekte berlin

Opening on 26.07.2018 from 7 to 9pm

On Thursday, 26^th July, singuhr – projects presents the solo exhibition Organic Decline by Brazilian artist Ricardo Carioba at Galerie Wedding. Carioba is among the most prominent figures of experimental sound and video art in his native country. Carioba began his career focusing only on video works, and in 2010, gradually started integrating sounds into his video installations. Carioba’s recent works are often large-format in which he combines light, sound, and video. They are inspired by Concrete Art and Constructivism. The mainly abstract-minimalistic works transform exhibition spaces into dynamic entities in which intermedial relations are thematised. Decomposition, abstraction and dynamic allow the emergence of multi-sensory and amorphous spatial formations, whereby visitors are immersed in a fascinating game of light, color and sound.

The aforesaid elements are also deployed in the installation titled Organic Decline developed for the space of and exhibited at Galerie Wedding. The entire gallery is suffused by a monochrome deep-blue light that is created by customized blue foil wich is placed along the entire window facade. This atmospherically visual spatial-condition is expanded by means of sounds. A mellifluous composition starting with the gallery’s opening at midday and continuing through until the evening upon closing. Carioba works with two interrelated sonic spheres that are projected through a multi-channel sound system within the space: the first creates a far-reaching and fluid sense of space, a sound which travels three-dimensionally through the room, and despite its presence, instills a sense of calm. Sounds that are recorded with a microphone in the exterior space are also incorporated into these spheres, which then flow in real-time into the composition. The sounds of these »real-time« spheres are then counterpointed by sound events of a second sphere. These are sourced from synthesizers and other tools for the production of electronic and electroacoustic music. Both rhythmic and melodic as well as arhytmic-dissonant patterns and structures are present; the sound waves appear to occupy the space as they travel through it.

Initially veiled, it is the sounds themselves that facilitate the installation’s visual dynamic. Their development influences the video signal, the coloring of light as well as the time-flow of transformations. The result is a spacial-acoustic and visual aggregate wherein, Carioba remarks, »aspects of our understanding of concrete and abstract reality materialise«.

On Thursday, 2nd August, a sound-performance will take place within the installation space. The 60-minute long concert by Ricardo Carioba commences one hour before sunset (at exactly 7:57pm), just as the light of day begins to recede. A new visual atmosphere emerges, to which Carioba responds in real-time.

Organsied by singuhr e.V. in cooperation with Galerie Wedding.
www.singuhr.de

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe: “Bezirkuskulturfonds”, funds „Ausstellungsvergütungen“, and exhibition fund of the municipal galleries of Berlin. With kind support of the department of art and culture, Bezirksamt Mitte von Berlin.

Programmkoordination Galerie Wedding: Nadia Pilchowski
Presse & Kommunikation: Marie-Christin Lender
Produktionsleitung: Carolina Redondo
Aufbauassistenz und Mitarbeit: Jan Römer und Valentin Cernat
Praktikum: Alina Schmitt und Xiao Zhiyu

Eine Gruppenausstellung mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting und Marco Bruzzone kuratiert von Nadia Pilchowski im Rahmen des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 7. Juni 2018 von 19 bis 22 Uhr mit einer Begrüßung von Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und Kuratorin Nadia Pilchowski

Text von Nadia Pilchowski
Leben im Besonderen

Was ist es, das dem Leben einen Sinn zu geben scheint? Was verspricht heutzutage sozialen Erfolg auf dem Markt der schier unendlichen Möglichkeiten? Und wie gelingt die Selbstinszenierung in einer Zeit, in der das Besondere der Standard ist? Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

In Bezug auf den übermodernen Lifestyle, wie er in den neunziger Jahren von Marc Augé definiert wurde, werden Fragen nach der individuellen Sinnproduktion als Resultat des Zerfließens kollektiver Orientierungsmarken aufgeworfen. Das Streben nach Einzigartigkeit als Ausdruck der individuellen Persönlichkeit findet sich aber vor allem auch bei dem Soziologen Andreas Reckwitz, der von einer »Kuration des eigenen Lebens« spricht und von dem die These stammt, dass sich unsere heutige Gesellschaft als Ansammlung von Singularitäten begreifen lässt. »Eigenkomplexität« entstehe durch eine Komposition zunächst äußerlicher Lebensbereiche, die wiederum den oder die Erlebende*n besonders machten. Michaela Ott wählte dafür die Bezeichnung des »Dividuums«, wobei gerade ihr Begriff das Augenmerk auf das Spannungsverhältnis zwischen Privileg und Fremdbestimmung legt.

Wie sich diese gestaltet, verdeutlicht ein Blick in die sozialen Medien: Die Inszenierung des Selbst durch das Zu-eigen-Machen von Attributen, die assoziiert werden mit bestimmten Mode- und Sporttrends, Musik und Kunstausstellungen, der Wahl von Speisen und Orten, an die man mit einem auserwählten Kreis an Freund*innen oder Bekannten geht. Der bewussten Entscheidung und Wahl wird eine intensive Auseinandersetzung und Wissensaneignung zugrunde gelegt, bei der es um das Verstehen und Nicht-Verstehen kultureller Codes geht. Doch was davon entspricht wirklich der eigenen Persönlichkeit und was ist letztendlich fremdbestimmt durch die Orientierung am vorgegebenen sozialen Rahmen?

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht. Dass all diese Phänomene nicht nur auf die Sphäre des Individuellen begrenzt sind, zeigt der Ort der Ausstellung, die Galerie Wedding, selbst, der in seiner alltäglichen Identitäts- und Standortpolitik durchaus ähnlichen Herausforderungen unterworfen ist.

Begleitveranstaltungen

Performance Yuan Fang 遠方 von Liping Ting am 24.06.2018 von 16 bis 17.30 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Nadia Pilchowski am 28.06.2018 von 17 bis 18 Uhr

Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag,  24.06., 08. und 15.07.2018

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

Mit freundlicher Unterstützung Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien

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I Am Large, I Contain Multitudes
8th June – 15th Juli 2018

A group exhibition with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone curated by Nadia Pilchowski within the frame of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Opening 7th June 2018 from 7pm until 10pm with Dr. Ute Müller-Tischler, head of Galerie Wedding and curator Nadia Pilchowski

Text by Nadia Pilchowski
Living in Particularity

What is it that seems to give meaning to life? What is it that promises social success today on the market of endless possibilities? And how does self-staging work when specialness is the standard? The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

With regard to the super-modern lifestyle as defined by anthropologist Marc Augé in the 1990s, questions are raised concerning the individualised mode of producing meaning that has resulted from a dissolution of reference points for collective identification. A striving for uniqueness as the expression of individuality has been more recently addressed in the writings of sociologist Andreas Reckwitz, who speaks of the »curation of one’s own life« and has introduced a concept that considers our contemporary society as an accumulation of singularities. »Self-complexity« arises from a sort of composition of external areas of life, which, in turn, render the experiencing subject special. In describing this, Michaela Ott has coined the term »dividual«, which focuses on the complex tensions between the notions of privilege and heteronomy.

How this all plays out is revealed by taking a look at social media: the staging of the self takes place through the appropriation of attributes associated with certain trends in fashion, sports, music and art exhibitions, choices of food and places visited with a selected group of others. Conscious choice-making is based on careful examination and an acquisition of knowledge that involves either understanding or not understanding cultural codes. But which aspects finally correspond to one’s own personality, and which are in fact guided by the search for orientation within a given social framework?

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically. The fact that these phenomena are not limited to the sphere of the individual is demonstrated by Galerie Wedding itself, as the exhibition space is subject to similar challenges regarding its own everyday identity and locational politics.

Further events
Performance Yuan Fang 遠方 by Liping Ting on 24th June 2018 from 4pm to 5.30pm

Tour through the exhibition with curator Nadia Pilchowski on 28th June 2018 from 5pm until 6pm

Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian T M Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

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Photo: Donna Huanca, MELTY AVARI, 2016, Courtesy Peres Projects, Berlin. Photographer: Matthias Kolb

Eine Gruppenausstellung mit Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting und Marco Bruzzone kuratiert von Nadia Pilchowski im Rahmen des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung          

8. Juni – 15. Juli 2018

Text von Nadia Pilchowski
Leben im Besonderen

Was ist es, das dem Leben einen Sinn zu geben scheint? Was verspricht heutzutage sozialen Erfolg auf dem Markt der schier unendlichen Möglichkeiten? Und wie gelingt die Selbstinszenierung in einer Zeit, in der das Besondere der Standard ist? Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

In Bezug auf den übermodernen Lifestyle, wie er in den neunziger Jahren von Marc Augé definiert wurde, werden Fragen nach der individuellen Sinnproduktion als Resultat des Zerfließens kollektiver Orientierungsmarken aufgeworfen. Das Streben nach Einzigartigkeit als Ausdruck der individuellen Persönlichkeit findet sich aber vor allem auch bei dem Soziologen Andreas Reckwitz, der von einer »Kuration des eigenen Lebens« spricht und von dem die These stammt, dass sich unsere heutige Gesellschaft als Ansammlung von Singularitäten begreifen lässt. »Eigenkomplexität« entstehe durch eine Komposition zunächst äußerlicher Lebensbereiche, die wiederum den oder die Erlebende*n besonders machten. Michaela Ott wählte dafür die Bezeichnung des »Dividuums«, wobei gerade ihr Begriff das Augenmerk auf das Spannungsverhältnis zwischen Privileg und Fremdbestimmung legt.

Wie sich diese gestaltet, verdeutlicht ein Blick in die sozialen Medien: Die Inszenierung des Selbst durch das Zu-eigen-Machen von Attributen, die assoziiert werden mit bestimmten Mode- und Sporttrends, Musik und Kunstausstellungen, der Wahl von Speisen und Orten, an die man mit einem auserwählten Kreis an Freund*innen oder Bekannten geht. Der bewussten Entscheidung und Wahl wird eine intensive Auseinandersetzung und Wissensaneignung zugrunde gelegt, bei der es um das Verstehen und Nicht-Verstehen kultureller Codes geht. Doch was davon entspricht wirklich der eigenen Persönlichkeit und was ist letztendlich fremdbestimmt durch die Orientierung am vorgegebenen sozialen Rahmen?

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht. Dass all diese Phänomene nicht nur auf die Sphäre des Individuellen begrenzt sind, zeigt der Ort der Ausstellung, die Galerie Wedding, selbst, der in seiner alltäglichen Identitäts- und Standortpolitik durchaus ähnlichen Herausforderungen unterworfen ist.

Begleitveranstaltungen

Performance Yuan Fang 遠方 von Liping Ting am 24.06.2018 von 16 bis 17.30 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Nadia Pilchowski am 28.06.2018 von 17 bis 18 Uhr

Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian TM Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag,  24.06., 08. und 15.07.2018

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

Mit freundlicher Unterstützung Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien

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I Am Large, I Contain Multitudes
Opening 7th June 2018 from 7pm until 10pm

A group exhibition with Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone  curated by Nadia Pilchowski within the frame of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

8th June – 15th Juli 2018

Text by Nadia Pilchowski
EN_Living in Particularity

What is it that seems to give meaning to life? What is it that promises social success today on the market of endless possibilities? And how does self-staging work when specialness is the standard? The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

With regard to the super-modern lifestyle as defined by anthropologist Marc Augé in the 1990s, questions are raised concerning the individualised mode of producing meaning that has resulted from a dissolution of reference points for collective identification. A striving for uniqueness as the expression of individuality has been more recently addressed in the writings of sociologist Andreas Reckwitz, who speaks of the »curation of one’s own life« and has introduced a concept that considers our contemporary society as an accumulation of singularities. »Self-complexity« arises from a sort of composition of external areas of life, which, in turn, render the experiencing subject special. In describing this, Michaela Ott has coined the term »dividual«, which focuses on the complex tensions between the notions of privilege and heteronomy.

How this all plays out is revealed by taking a look at social media: the staging of the self takes place through the appropriation of attributes associated with certain trends in fashion, sports, music and art exhibitions, choices of food and places visited with a selected group of others. Conscious choice-making is based on careful examination and an acquisition of knowledge that involves either understanding or not understanding cultural codes. But which aspects finally correspond to one’s own personality, and which are in fact guided by the search for orientation within a given social framework?

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically. The fact that these phenomena are not limited to the sphere of the individual is demonstrated by Galerie Wedding itself, as the exhibition space is subject to similar challenges regarding its own everyday identity and locational politics.

Further events
Performance Yuan Fang 遠方 by Liping Ting on 24th June 2018 from 4pm to 5.30pm

Tour through the exhibition with curator Nadia Pilchowski on 28.06.2017 from 5pm until 6pm

Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian TM Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

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Photo: FORT, »The Shining«, 2013, 08:57 Min. looped Video HD / Sound.

Eine Führung mit Kuratorin Nadia Pilchowski durch die Gruppenausstellung I Am Large, I Contain Multitudes mit Arbeiten von Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Liping Ting, Hanne Lippard, Lauryn Youden und Marco Bruzzone

Im Kontext des Programms UP – Unsustainable Privileges von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Die erste Gruppenausstellung im Programm UP (Unsustainable Privileges) der Galerie Wedding versammelt künstlerische Positionen, mit denen sich aus verschiedenen Blickrichtungen eine Gesellschaft, in der der Imperativ der Einzigartigkeit herrscht, untersuchen lässt. Was folgt aus der Ausdifferenzierung von Lebensstilen, der zunehmenden Komplexität kultureller Codes und dem anhaltenden Druck, seine Identität vermarkten zu müssen?

Paradigmen der Arbeitswelt (Hanne Lippard) werden dabei ebenso in den Blick genommen werden wie Freizeitphänomene, die graduelle Verinnerlichung von sozialen Codes (FORT), Techniken der subjektivierenden Selbstsorge (Lauryn Youden) und ‑erfahrung (Liping Ting), das diffizile Verhältnis von Stilisierung und Vielschichtigkeit (Grace Weaver) und die systematische Erschließung fluider sozialer Zustände (Ed Fornieles). Eine Auseinandersetzung mit dem Wechselspiel zwischen nationalen Identitäten und persönlichen Geschichtsschreibungen (Marco Bruzzone) wird gespiegelt durch die Beschäftigung mit dem Verhältnis zwischen traditionellen Techniken der sozialen Positionierung, die zwischen Maskenhaftigkeit und Authentizitätsbedürfnis changieren (Donna Huanca).

I Am Large, I Contain Multitudes positioniert sich in dem Spannungsverhältnis zwischen der anspruchsvollen Haltung gegenüber dem eigenen Leben, die sich von der Sinnsuche bis hin zum eigenen Wohlbefinden erstreckt, und der Überforderung, diesen Erwartungen an das Selbst gerecht zu werden. Verschiedene Phänomene des Singulären und unterschiedliche Mittel zur Generierung von Identität werden greif- und ästhetisch erfahrbar gemacht.

Weitere Begleitveranstaltungen
Performance You Say I For Me von Lauryn Youden in Kooperation mit Florian T M Zeisig am 08.07.2018 von 19 bis 20.30 Uhr

Sonderöffnungszeiten während der Ausstellung
Sonntag, 24.06., 08. und 15.07.2018

Weitere Informationen zur Ausstellung und zum Programm finden sie unter www.galeriewedding.de

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Fonds Ausstellungsvergütungen und Ausstellungsfond für Kommunale Galerien.

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28th June 2018, 5pm till 7pm

A tour with curator Nadia Pilchowski through the group exhibition I Am Large, I Contain Multitudes with works by Donna Huanca, Ed Fornieles, FORT, Grace Weaver, Hanne Lippard, Lauryn Youden, Liping Ting and Marco Bruzzone

In the context of the programme UP – Unsustainable Privileges by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

The first group exhibition within the programme UP (Unsustainable Privileges) at Galerie Wedding brings together artistic positions that allow the examination of different perspectives on a society in which the imperative of uniqueness prevails. What are the consequences of lifestyle differentiation, the increasing complexity of cultural codes and the persistent pressure to market one’s own identity?

Paradigms of the workplace (Hanne Lippard) will be considered just as phenomena of leisure, the gradual internalisation of social codes (FORT), techniques of subjective self-care (Lauryn Youden) and -experience (Liping Ting), the precarious relationship between stylisation and complexity (Grace Weaver) and the systematic development of fluid social conditions (Ed Fornieles). An exploration of the interplay between national identities and personal historiography (Marco Bruzzone) is mirrored by the investigation of the relationships and oscillations between traditional techniques of social positioning, masking and the need for authenticity (Donna Huanca).

I Am Large, I Contain Multitudes positions itself amongst the tensions that arise between a demanding stance toward one’s own life (extending from the search for meaning to the attainment of wellbeing), and our abilities to respond to the respective demands. Different phenomena of the singular and various ways of building identity are made tangible and can be experienced aesthetically.

Further events
Performance You Say I For Me by Lauryn Youden in cooperation with Florian TM Zeisig on 8th July 2018 from 7pm until 8.30pm

Special opening hours
Sunday,  24th June, 8th and 15. July 2018

Further Information about the exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, funds »Ausstellungsvergütungen« and funds »Kommunale Galerien Berlin«

21. April – 26. Mai 2018

Eine Ausstellung von Simon Fujiwara im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Eröffnung am 20.04.2018 von 19 bis 22 Uhr mit Künstler Simon Fujiwara und Kuratorin Solvej Helweg Ovesen

Der Mensch als Marke von Solvej Helweg Ovesen

»Ich fühle als würde ich schummeln, wenn ich sage: Ich bin ein Model, ich bin eine Lehrerin, ich bin eine Geliebte, ich bin eine Künstlerin, ich bin ein Chamäleon, ich bin eine Kämpferin… Ich bin ein Mensch…  Ich bin eine Frau«
-Joanne

Simon Fujiwaras Film »Joanne« zeigt die vielen Gesichter von Joanne, Simon Fujiwaras ehemaligen Gymnasiallehrerin. Joanne Salley, Gewinnerin des Miss-Nordirland-Schönheitswettbewerbs 1998, Künstlerin, Lehrerin und Boxmeisterin, hatte einen prägenden Einfluss auf Fujiwara und förderte sein kreatives Talent als Stipendiat an der angesehenen Harrow School für Jungen.

Einige Jahre nach seinem Abgang fand Joanne sich in Mitten eines zerstörerischen britischen Boulevard-Skandals nachdem Schüler Oben-ohne-Fotos von ihr, die privat gemacht wurden, entdeckt und in Umlauf gebracht hatten.

Die darauffolgende Medienkampagne spielte auf weibliche Stereotypen an, um die sensationellen Schlagzeilen zu bekräftigen und ihren Ruf als Lehrerin und öffentliche Person zu zerstören. In dem Versuch gegen die Medien anzukämpfen, die sie als »Oben-ohne-Lehrerin« stigmatisierten, starteten Fujiwara und Joanne mit der Produktion eines Kurzfilms, der sich mit den Themen, mit denen sich Salley im Zuge des Skandals konfrontiert sah, befasste, um einen neuen und authentischeren öffentlichen Eindruck von ihr zu schaffen.

Die Ausstellung wird im Rahmen des zweijährigen Ausstellungsprogramms »Unsustainable Privileges« 2017/18 gezeigt, das die Vorstellung von Privilegien im nordeuropäischen, kapitalistischen und patriarchalen Kontext hinterfragt.

Weitere Veranstaltungen:
Q & A – Ein Gespräch mit Simon Fujiwara am 26.04.2018 von 19 bis 21 Uhr

Ein Rundgang durch die Ausstellung mit Kuratorin Solvej Helweg Ovesen am 28.04.2018 um 16 Uhr

Kuratorische Assistenz / Kommunikation: Nadia Pilchowski und Marie-Christin Lender, Ausstellungsproduktion: Kathrin Pohlmann

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2018

»Joanne« wurde vom Film and Video Umbrella, The Photographers‘ Gallery und der Ishikawa Foundation in Auftrag gegeben. Unterstützt vom Arts Council England. Herzlichen Dank an Galerie Esther Schipper, Berlin, für die Unterstützung bei der Ausstellungstechnik.

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Spartenoffene Förderung und Fonds Ausstellungsvergütungen.

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Joanne

21st April – 26th May 2018

An exhibition by Simon Fujiwara within the frame of the program UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Opening on 20th April 2018 from 7pm until 10pm with artist Simon Fujiwara and curator Solvej Helweg Ovesen

The Human Brand by Solvej Helweg Ovesen

»I feel like I’m cheating if I say: I am a model, I am a teacher, I am a lover, I am an artist, I am a chameleon, I am a fighter… I am a person… I am a female.«
– Joanne

Simon Fujiwara’s film »Joanne« depicts the many faces of Joanne, Simon Fujiwara’s former secondary school teacher. Joanne Salley, winner of the 1998 Miss Northern Ireland beauty pageant, artist, teacher and champion boxer had a formative influence on Fujiwara, nurturing his creative talents as a scholarship student at the prestigious Harrow School for boys.

Some years after his departure, Joanne found herself at the centre of a damaging British tabloid scandal after students discovered and circulated topless photographs of her that had been taken privately.

The media campaign that followed played on stereotypes of women to support the sensational headlines, tarnishing her reputation as a teacher and public persona. In an attempt to fight the media’s branding of her as the »Topless Teacher«, Fujiwara and Joanne embarked on the production of a short film that explores issues Salley faced in the wake of the scandal as she seeks to craft a new, more authentic public image.

The exhibition is presented in the context of the two year long exhibition programme »Unsustainable Privileges« 2017/18 which questions the concept of privilege in a north-european, capitalist, and patriarchal context.

Further Events:
Q & A – In conversation with Simon Fujiwara on 26th April 2018 from 7pm until 9pm

A tour through the exhibition with curator Solvej Helweg Ovesen on 28th April 2018 at 4pm

Curatorial Assistence / Communication: Nadia Pilchowski and Marie-Christin Lender, exhibition production: Kathrin Pohlmann

Further Information about the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 is available on the website under UP and also for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2018

»Joanne« was commissioned by Film and Video Umbrella, The Photographers‘ Gallery and Ishikawa Foundation, supported by Arts Council England. Many thanks to gallery Esther Schipper, Berlin, for the support regarding the exhibition technology.

With kind support of the Senate Department for Culture and Europe, Cross-disciplinary funding and funds „Ausstellungsvergütungen“.

17. Februar – 29. März 2018

Eine Ausstellung von Azin Feizabadi im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges) kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 16.02.2018 von 19 bis 22 Uhr mit dem Künstler und den Kurator*innen

Once Upon A Time, Once Upon No Time_Bonaventure Soh BejengNdikung

Das UP (Unsustainable Privileges) Ausstellugsprogramm setzt sich in 2018 mit einer Einzelausstellung des Filmemachers und Künstlers Azin Feizabadi fort. Seine Arbeiten stammen aus einem Langzeitprojekt mit dem Titel A COLLECTIVE MEMORY, das seit 2009 einen Recherche- und Produktionsrahmen stellt, innerhalb dessen er sich mit alternativen Formen der Geschichtsschreibung auseinandersetzt. Mit filmischen und installativen Mitteln greift Feizabadi diesen Diskurs in der Galerie Wedding auf und stellt ihn in Bezug zu Fragen der Konstruktion von Zeit und Identität; Fragen die auch in seinem neuen Erzählfilm »Uchronia« thematisiert werden. Es ist der Versuch, das Verständnis von kultureller und nationaler Identität aus seiner ausschließlich historischen Begründung zu hinterfragen. Wie sehen alternative Formen von Geschichtsschreibung aus, die sich außerhalb institutioneller und ideologischer Vorgaben bewegen?

Feizabadi geht es darum Wege zu finden, Geschichten abzukapseln und sie durch den Gebrauch poetischer und experimenteller Ausdrucksformen darzustellen, während er auf wissenschaftliche und ideologische Mittel verzichtet. Wie viele Künstler*innen, Dichter*innen und Denker*innen vor ihm spekuliert Feizabadi über das mögliche Ende von Layla und Majnuns Liebesaffäre, im Sinne einer Fortsetzung der klassischen, orientalischen Geschichte arabischen Ursprungs. Darüber hinaus ist die deutsche Schauspielering Brigitte Mira in dem neu produzierten Werk Feizabadis in der Galerie Wedding auf multiple Weise präsent.

Weitere Veranstaltungen

Ausstellungsrundgang am 08.03.2018 um 17 Uhr mit Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Once Upon A Time, Once Upon No Time

17the February – 29th March 2018

An exhibition by Azin Feizabadi within the frame of the program UP (Unsustainable Privileges), curated by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and Solvej Helweg Ovesen

Opening on 16.02.2018 from 7pm until 10pm

Once Upon A Time, Once Upon No Time_Bonaventure Soh BejengNdikung

The exhibition program UP (Unsustainable Privileges) continues in 2018 with a solo exhibition by filmmaker and artist Azin Feizabadi. The presented artworks stem from the long-term project called A COLLECTIVE MEMORY, which has provided since 2009 a research and production framework within which Feizabadi deals with alternative forms of historiography. This discourse is picked up in cinematic and installation means at Galerie Wedding and placed in relation to questions of the construction of time and identity; questions that are also addressed in Feizabadis new and narrative film »Uchronia«. It is an attempt to question the understanding of cultural and national identity from its purely historical justification. What are alternative forms of historiography that are used outside of institutional and ideological prescriptions?

Feizabadi’s aim is to find ways to encapsulate stories and depict them through the use of poetic and experimental expressions while renouncing scientific and ideological means. Like many artists, poets, and thinkers before him, Feizabadi speculates on the possible end of Layla and Majnun’s love affair, in the sense of a continuation of the classical, oriental history of Arab origin. In addition, the German actress Brigitte Mira is present in multiple ways in the newly produced work by Feizabadis at Galerie Wedding.

Further Events

Tour through the exhibition with curator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung on 08.03.2018 at 5pm

Further Information regarding the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017/18 you can find on our website under UP and is available for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

17. November 2017 – 13. Januar 2018

Eine Ausstellung von Dafna Maimon im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Solvej Helweg Ovesen und Bonaventure Soh Bejeng Ndikung in Kooperation mit Nordwind Festival 2017

Eröffnung am 16.11.2017 von 19 bis 22 Uhr mit Falafel Interval

1985 eröffnete der israelische Vater von Dafna Maimon das erste Falafel und Kebab Restaurant in Finnland, den ‚Orient Express‘. Situiert in einem Einkaufszentrum im Stadtzentrum von Helsinki, brachte es Finn*innen bisher unbekannte Geschmäcker aus dem Nahen Osten näher. Gleichzeitig beschäftigte ihr Vater viele Mitarbeiter*innen, die keine finnische Staatsbürgerschaft besaßen und ermöglichte ihnen durch die Arbeitsbescheinigung das nötige Dokument für den Erhalt einer Aufenthaltsgenehmigung, die für viele den Ausgangspunkt für ein neues Leben in Finnland darstellte. Vor einigen Jahren entdeckte Maimon ein hoch budgetiertes Werbevideo von 1986, das ihr Vater in Auftrag gab und welches mit der eigenen Exotisierung arbeitet, um den Kebab zu vermarkten. Ausgehend von diesem autobiografischen Material entwickelte Maimon eine performative Videoinstallation, die sich zwischen persönlichen Erinnerungen, Familiengeschichten und der Darstellung einer patriarchalen Gesellschaft bewegt.  In der Galerie Wedding wird sie die Werbesets und die Umgebung reinszenieren und ein bespielbares Terrain aufbauen, in dem sie gegenwärtige, eigene Erfahrungen mit den Materialien ihres Vaters verschneidet. Die Ausstellung baut auf einer vorangehenden Performance ‚Orient Express Yourself‘ auf, die in Zusammenarbeit mit dem Lilith Performance Studio in Malmö produziert und auch dort im September 2017 gezeigt wurde.

Kuratorischer Text

Solvej Helweg Ovesen_Das Leben ist Kurz, der Kebab ist Groß

Weitere Veranstaltungen

Rundgang durch die Ausstellung mit Künstlerin Dafna Maimon und Kuratorin Solvej Helweg Ovesen am 14.12.2017 um 17 Uhr

After Hours – Performance zur Finissage am 11.01. und 13.01.2018

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Orient Express

17th November 2017 – 13th January 2018

An Exhibition by Dafna Maimon in the framework of UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Opening 16^th October 2017 at 7pm with Falafel Interval

In 1985, Dafna Maimon’s father opened the first falafel and kebab restaurant in Finland; Orient Express. Located in a shopping mall in Helsinki city centre, the restaurant introduced Finns to the previously unknown delicacies of the Middle East. At the same time, the fast-food restaurant was for many immigrants a work place that provided them with the documents necessary to obtain a residence permit and a start of a new life in Finland. Some years ago, Maimon found a rather strange high-budget video ad from 1986, which her father had produced, and which used his own exoticness in a high paced narrative to market kebabs in Finland. Starting from this autobiographical material and video-relic, Maimon is conducting a micro historical research, in which the workings of memory, family roles and the effects of destructive patriarchal structures are analyzed and weaved into a world of docufiction, spanning over performance video and installation. At Galerie Wedding, she will restage set elements and surroundings from the Orient Express ad, in which she will blend her own present experiences with her father’s autobiographical-material. The exhibition builds on the earlier performance ‚Orient Express Yourself‘ shown at and produced by Lilith Performance Studio in Malmö in September 2017.

Curatorial Text

Solvej Helweg Ovesen_Life is Short, Kebab is Big

Further Events

Tour through the exhibition with artist Dafna Maimon and curator Solvej Helweg Ovesen on 14.12.2017 at 5pm

After Hours – Performance on 11.01. und 13.01.2018

Further Information regarding the Exhibition program UP (Unsustainable Privileges) 2017 you can find on our website under UP and is available for downloading: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

6. Oktober bis 4. November 2017

Eine Ausstellung von Mariana Castillo Deball im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 05.10.2017 um 18 Uhr in Anwesenheit der Künstlerin und den Kurator*innen mit gemeinsamen Besuch von Forbidden Symmetries von Mariana Castillo Deball um 19.00 Uhr auf dem Rathausvorplatz und  Liveperformance von Dubben Dig 

Pleasures of Association, and Poisson, such as Love­­­‑ 6. Oktober bis 4. November 2017

Im Rahmen der Ausstellungsreihe UP (Unsustainable Privileges) erschafft die Künstlerin Mariana Castillo Deball in der Ausstellung Pleasures of Association, and Poissons, such as Love­­­‑ eine spiralförmige Installation eines Stammbaumes, die die Entwicklung des Wirbeltieres vom Fisch zum Vogel, welche sich über einen Zeitraum von 200 Millionen Jahren vollzog, erfahrbar gemacht- Ein unfassbarer Zeitraum wird greifbar.

Wir Menschen haben das Privileg, uns mit evolutionären Prozessen auseinanderzusetzen, sie Assoziieren zu können, ihnen eine Ordnung zu geben und sie dadurch zu gestalten. Auf der anderen Seite geht im Hinblick auf die Urzeit der evolutionäre Prozess weit über die menschliche Existenz hinaus.

Ausgangspunkt für die Arbeit der Künstlerin ist ihre Begeisterung für Fossilien und deren Assoziation mit der Lithografie sowie die Veränderung der Evolutionsforschung im Zuge der technischen Entwicklung. Mariana Castillo Deballs »Pleasures of Association, and Poissons, such as Love­­­‑« thematisiert die Rivalität zwischen unterschiedlichen Techniken zur Erstellung von wissenschaftlichen „Fakten“, die jeweils eine unterschiedliche Sicht auf die Evolution zeigen.

Deball arbeitet in ihrer künstlerischen Praxis eng mit Wissenschaftler*innen der Archäologie, Paläontologie, Ethnographie und Geschichte zusammen. Ihr geht es um die Rekontextualisierung von historischen Dokumenten, Artefakten und, wie hier, sedimentierte Körper, Fossilien. Abreibungen mit Tinte auf Papier von fossilen Exemplaren des evolutionären Prozesses des Wirbeltiers hängen in einer raumgreifenden Bambusbaumstruktur in der Galerie Wedding. Durch die natürliche Form der Spirale wird eine Zeitangabe gemacht: die ältesten Fossilien hängen tiefer, die zeitlich näher am Menschen sind, hängen höher. Während die zeitliche Ordnung präsent ist, steht dennoch der visuelle Eindruck im Vordergrund.

Zusätzlich, wird im Rahmen der Ausstellung eine bleibende Arbeit von Deball im öffentlichen Raum, dem Rathausvorplatz lanciert. Sie ist Teil des neuen Gehwegs und besteht aus speziellen Pflastersteinen mit organischen Gravuren der Künstlerin, die ein kreisförmiges, sich aus der Mitte entfaltendes Penrose-Muster bilden. »Forbidden Symmetries« verwirft die traditionelle funktionale Pflasterung und hinterlässt eine abweichende Spur, eine schräge Archäologie, oder einen möglichen Fund. Fördermittelgeber für diese Arbeit ist die Senatsverwaltung für Stadtentwicklung und Wohnen und sie ist das Ergebnis eines Kunstwettbewerbes.

Weitere Veranstaltungen:

Ausstellungsrundgang mit Künstlerin Mariana Castillo Deball und Kuratorin Solvej Helweg Ovesen am 19.10.2017 um 17 Uhr

Konversation am 26.10.2017 um 20 Uhr zwischen der Künstlerin Mariana Castillo Deball, Gabriela Aguileta und Paläontologe Florian Witzmann in Englischer Sprache und Liveperformance von Coco Maria von 21.30 bis 23 Uhr

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Pleasures of Association, and Poissons, such as Love­­­‑

6th October – 4th November 2017

An exhibition from Mariana Castillo Deball in the framework of UP (Unsustainable Privileges), curated by Solvej Helweg Ovesen and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung

Opening 5^th October 2017 at 6pm and a visit of ‘Forbidden Symmetries’ by Mariana Castillo Deball at Rathhausvorplatz at 7pm and live performance by Dubben Dig

Within the framework of the UP series (Unsustainable Privileges), the artist Mariana Castillo Deball, in the exhibition Pleasures of Association, and Poissons, such as Love, creates a spiral installation of a genealogical tree which illustrates the development of the vertebrate – from fish to bird – which occurred over a period of 200 million years. An inconceivable period becomes tangible.

We humans have the privilege to unpick evolutionary processes, to be able to associate, give order to and shape them. On the other hand, the evolutionary process stems back to a time long preceding human existence.

The starting point for the artist’s work is her enthusiasm for fossils and their association with lithography as well as the change in evolutionary research during technical development. Mariana Castillo Deball’s »Pleasures of Association, and Poissons, such as Love« thematizes the rivalry between different techniques for creating scientific »facts«, each showing a different view of Evolution.

In her artistic practice, Deball works closely with scientists of archeology, paleontology, ethnography and history. She is concerned with the recontextualization of historical documents, artifacts and, as in this case, sedimented bodies and fossils. Abrasions with ink on paper from fossil specimens of the evolutionary process of the vertebrate are suspended from a space-enveloping bamboo tree structure inside Galerie Wedding. Through the natural form of the spiral, a time is specified: the oldest fossils hang lower, while those temporally nearer to humans, hang higher. While the temporal order is present, it is the visual impression that is brought to the fore.

In Addition, we have the honor of launching a public work by Mariana Castillo Deball at Rathausvorplatz, »Forbidden Symmetries«, 2016. It is part of the new local paving, and consists of special paving Stones which are placed in a circular pattern growing from the middle. A Penrose Parquet pattern, with tiles showing the artists’ organic engravings. “Forbidden Symmetries” discards the functional paving pattern and creates a deviation, a fake archeology or potential discovery for everyone, who passes by. This work has been funded by Senatsverwaltung für Stadtentwicklung und Wohnen and is the winner of an art competition.

 Further Events:

On 19^th October at 5pm, an exhibition tour will take place with artist Mariana Castillo Deball and curator Solvej Helweg Ovensen.

On 27^th October at 8pm there will be a talk with Mariana Castillo Deball, Gabriela Aguileta and Pantheologen Florian Witzmann, finishing with a sound performance from Coco Maria from 8.930pm until 11pm

Mehr Informationen zum Ausstellungsprogramm UP (Unsustainable Privileges) 2017 finden Sie auf unserer Website unter UP und stehen Ihnen zum Download hier zur Verfügung: Galerie Wedding UP Programm 2017

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

27. August bis 23. September 2017

Eine Ausstellung von Surya Gied im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 26. August um 19 Uhr mit Performance des Geigers Ali Moraly um 20:30 Uhr

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
Looking into the Distance Becomes Difficult_deutsch
Looking into the Distance Becomes Difficult_englisch

Im Rahmen der Ausstellungsreihe UP (Unsustainable Privileges) widmet sich die Ausstellung Looking Into The Distance Becomes Difficult der Malerin Surya Gied den Narrativen der  sogenannten »privilegierten Medien«. Die Berichterstattung des westlichen Europas ruft bei immer mehr Zuschauenden eine immer größer werdende Distanz zu den aktuellen Weltgeschehnissen hervor , seien diese die Situation von Geflüchteten, der Anschlag in Manchester oder eine Anti-Trump-Demonstration.

Ausgangspunkt für die Arbeiten der Künstlerin ist die »Hypervisibilität« und Allgegenwärtigkeit  von Krisensituationen in den Massenmedien.Surya Gieds Serie »Looking into the Distance Becomes Difficult« zeugt von der eingängigen Beschäftigung mit der Frage, wie man diese Realitäten thematisieren kann, ohne die Gewalt der zirkulierenden Bilder zu reproduzieren und die betroffenen Menschen damit zu verdinglichen. Wie lässt sich angesichts solch fataler Momente eine Bildsprache finden, ohne die Würde der Beteiligten zu verletzen?

Gieds Auseinandersetzung mit fotojournalistischem Material aus dem Internet, das zumeist ein direktes oder indirektes Zeugnis von Menschen auf der Flucht vor Krieg, Verfolgung, Folter, Vergewaltigung und Hoffnungslosigkeit ablegt, führt sie zu einer eigenen Sprache der Fragmentierung und Abstraktion. , Der Künstlerin geht es darum, das zu enthüllen, was sich hinter dem Bild versteckt; das hervorzuheben, was in dem Dazwischen existiert: die zwischenräumliche Fragmente. In der Fragmentierung und Abstraktion erforscht sie die Räume zwischen Formen, Farben, Ideen, Beziehungen, Ideologien, Politik, Geografien und Geschichte(n). Sie gelangt dadurch zu einem universelleren, aber nicht universalisierenden Verständnis von tiefen und fundmentalen Emotionen, die in den von ihr als Ausgangspunkt verwendeten Bildern enthalten sind.

Sonderöffnungszeiten
An den Sonntagen, 27.08., 10.09 und 17.09.2017 ist die Ausstellung von 12- 19 Uhr geöffnet

Begleitveranstaltungen während der KGB-Kunstwoche:

Nothing Ever Comes Together –  ein performatives Gespräch mit Choonok Gied-Lee, Surya Gied und Toby Ashraf über neue Heimaten, Anwerbeabkommen und koreanische Töchter am 09.09.2017 um 18 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Künstlerin Surya Gied und Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung am 14.09.2017 um 17 Uhr

Ton / Schritt / Wedding – Akustische Entdeckungen der architektonischen Landschaft um den Leopoldplatz – ein Soundwalk mit Surya Gied und Tobias Purfürst am 16.09.2017 um 15 Uhr

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

27. August bis 23. September 2017

Eine Ausstellung von Surya Gied im Rahmen von UP (Unsustainable Privileges), kuratiert von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung und Solvej Helweg Ovesen

Eröffnung am 26. August um 19 Uhr mit Performance des Geigers Ali Moraly um 20:30 Uhr

Text von/ by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
Looking into the Distance Becomes Difficult_deutsch
Looking into the Distance Becomes Difficult_englisch

Im Rahmen der Ausstellungsreihe UP (Unsustainable Privileges) widmet sich die Ausstellung Looking Into The Distance Becomes Difficult der Malerin Surya Gied den Narrativen der  sogenannten »privilegierten Medien«. Die Berichterstattung des westlichen Europas ruft bei immer mehr Zuschauenden eine immer größer werdende Distanz zu den aktuellen Weltgeschehnissen hervor , seien diese die Situation von Geflüchteten, der Anschlag in Manchester oder eine Anti-Trump-Demonstration.

Ausgangspunkt für die Arbeiten der Künstlerin ist die »Hypervisibilität« und Allgegenwärtigkeit  von Krisensituationen in den Massenmedien.Surya Gieds Serie »Looking into the Distance Becomes Difficult« zeugt von der eingängigen Beschäftigung mit der Frage, wie man diese Realitäten thematisieren kann, ohne die Gewalt der zirkulierenden Bilder zu reproduzieren und die betroffenen Menschen damit zu verdinglichen. Wie lässt sich angesichts solch fataler Momente eine Bildsprache finden, ohne die Würde der Beteiligten zu verletzen?

Gieds Auseinandersetzung mit fotojournalistischem Material aus dem Internet, das zumeist ein direktes oder indirektes Zeugnis von Menschen auf der Flucht vor Krieg, Verfolgung, Folter, Vergewaltigung und Hoffnungslosigkeit ablegt, führt sie zu einer eigenen Sprache der Fragmentierung und Abstraktion. , Der Künstlerin geht es darum, das zu enthüllen, was sich hinter dem Bild versteckt; das hervorzuheben, was in dem Dazwischen existiert: die zwischenräumliche Fragmente. In der Fragmentierung und Abstraktion erforscht sie die Räume zwischen Formen, Farben, Ideen, Beziehungen, Ideologien, Politik, Geografien und Geschichte(n). Sie gelangt dadurch zu einem universelleren, aber nicht universalisierenden Verständnis von tiefen und fundmentalen Emotionen, die in den von ihr als Ausgangspunkt verwendeten Bildern enthalten sind.

Über den „dokumenta 14“-Violinisten Ali Moraly

auf deutschlandfunk:
http://www.deutschlandfunk.de/documenta-echo-ali-moraly-ross-birrell-der-klang-des-boesen.3259.de.html?dram%3Aarticle_id=388643

und in der ARD-Mediathek:
http://www.ardmediathek.de/radio/Cluster-Das-Musikmagazin/Der-Geiger-Ali-Moraly-Von-Damaskus-nach/SWR2/Audio-Podcast?bcastId=12855006&documentId=35068574

Sonderöffnungszeiten
An den Sonntagen, 27.08., 10.09 und 17.09.2017 ist die Ausstellung von 12- 19 Uhr geöffnet

Begleitveranstaltungen während der KGB-Kunstwoche:

Nothing Ever Comes Together –  ein performatives Gespräch mit Choonok Gied-Lee, Surya Gied und Toby Ashraf über neue Heimaten, Anwerbeabkommen und koreanische Töchter am 09.09.2017 um 18 Uhr

Rundgang durch die Ausstellung mit Künstlerin Surya Gied und Kurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung am 14.09.2017 um 17 Uhr

Ton / Schritt / Wedding – Akustische Entdeckungen der architektonischen Landschaft um den Leopoldplatz – ein Soundwalk mit Surya Gied und Tobias Purfürst am 16.09.2017 um 15 Uhr

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Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, der Spartenübergreifeden Förderung, des Ausstellungsfonds für Kommunale Galerien und des Berliner Projektfonds für Kulturelle Bildung

Am Freitag, dem 04.08.2017 und Samstag, dem 05.08.2017 finden zwei Spaziergänge mit den italienischen Künstlerinnen Stefania Migliorati und Rebecca Agnes im Rahmen der aktuellen Ausstellung Mapping Berlin: Eine kollektive Erzählung von imaginären und neu entstehenden Räumen statt.

Die in Bergamo und Berlin lebende und arbeitende Künstlerin Stefania Migliorati legt den Schwerpunkt ihrer Forschung auf Gefühle für einen Ort, den Sinn für lokale Verwurzelung, das Zusammenspiel zwischen öffentlichem und privatem Raum, das Konzept des unerlaubten Betretens, Geografie und die Positionierung zur heutigen Welt. Eine zentrale Komponente ihres Arbeitsprozesses ist der Akt des Vergleichs, der durch das Schaffen von Räumen für Zusammenarbeiten und von Plattformen für Experimente entsteht.

Der Spaziergang In all directions | In alle Richtungen am Freitag (04.08.2017) ist ein partizipatives Projekt, bei dem die Teilnehmer gebeten werden, eine persönliche Route zu erstellen, bei der sie simple Instruktionen befolgen müssen. Das Ziel der Instruktionen ist es, den Teilnehmern zu ermöglichen, sich in der Umgebung zu verlieren und sie dadurch auf eine experimentelle Art und Weise neu zu erfahren und mit den Bewohnern der Nachbarschaft und ihren Gewohnheiten in Kontakt zu kommen und sich selber als bedeutsame Individueen in der Beziehung zu anderen zu sehen.

Die Arbeiten von Rebecca Agnes können mit drei Schlüsselbegriffe umschrieben werden: Narration, Gedächtnis und Zusammenarbeit. Mit verschiedenen Techniken sammelt sie Geschichten von anderen Menschen. Ihre Arbeit entsteht aus der Überschneidung von persönlichen Erfahrungen und denen von anderen. Die Perspektivenvielfalt wird als unabdingbares Werkzeug verstanden, um Realität zu erfassen, zu verstehen und zu hinterfragen. Die seit 2006 in Berlin lebende Künstlerin interessiert sich in ihrem Spaziergang Displaced monuments and Disappeared Places am Samstag (05.08.2017) für nicht mehr existierende Orte, die den Bezirk Berlin Mitte durch Vernachlässigung, Entfernung oder Umschichtung verwandelt haben.

Freitag, den 04.08.2017
In all directions | In alle Richtungen mit Stefania Miglorati

Wo: Der Spaziergang kann jederzeit begonnen werden. Danach lädt die Künstlerin zu einem Treffen um 16 Uhr in der Galerie Wedding, Müllerstraße 146/147, 13353 Berlin, ein.

Die Instruktionen können hier als .pdf-Datei heruntergeladen werden: http://mapping.berlinerpool.de/wp-content/uploads/2017/06/directions_mapping_berlin_SM.pdf

Sign up: https://goo.gl/forms/9GYQ0ua9M037DxFf1

Das offene und partizipative Projekt begann im Jahr 2014 und wird immer weiter entwickelt. Die Form des Projekts ist eine Art relationaler Spaziergang, bei dem die Teilnehmer gebeten werden, eine persönliche Route zu erstellen, bei der sie simple Instruktionen befolgen müssen, die einer .pdf-Datei auf der Facebook-Seite des Projekts zu entnehmen sind. Das Ziel der Instruktionen ist es, den Teilnehmern zu ermöglichen, sich in der Umgebung zu verlieren und sie dadurch auf eine experimentelle Art und Weise neu zu erfahren und mit den Bewohnern der Nachbarschaft und ihren Gewohnheiten in Kontakt zu kommen und sich selber als bedeutsame Individueen in der Beziehung zu anderen zu sehen. Am Ende des Spaziergangs wird eine Dokumentation anhand von Fotografien und Karten erstellt und auf der Facebook-Seite gepostet. So können alle Teilnehmer ihre eigenen Gedanken und ihre persönliche Reise teilen. Inspirationsquelle für das Projekt ist das Buch „Perdersi“ von Franco La Cecla, welches die Idee des Sich-Verlaufens untersucht – das Verlaufen als ein Auslöser von Zugehörigkeitsgefühlen und gleichzeitiger Distanz; sesshaft werden, sich die Umgebung einprägen und kognitive Landkarten erstellen.

Samstag, den 05.08.2017
Displaced monuments and Disappeared Places mit Rebecca Agnes

Meeting Point: um 14:00 Uhr am Rosenthaler Platz, Berlin.

Der Stadtrundgang beginnt an einem meiner Lieblingsorte, dem Rosenthaler Platz. Seit ich 2006 nach Berlin gezogen bin, habe ich bis 2013 in der Nähe des Platzes gewohnt. Komischerweise existiert der Ort, den ich immer so mochte, nicht mehr wirklich – außer in meinem Gedächtnis. Die ganzen Spätkäufe und Gallerien, das besetzte Haus in der Brunnenstraße 183 oder die Wilhelm-Pieck-Straße sind alle nicht mehr da, aber jetzt können wir Heinrich Heine im Weinbergspark begegnen. In der Rosenthaler Straße stolpern wir über zahlreiche Stolpersteine, in die Namen eingraviert sind, um sie vor dem Vergessen zu bewahren. Unser Blick streift über den Eingang meiner ehemaligen Wohnung, wir machen einen Stopp bei der Druckerei von Theodore Görner und betreten dann das Haus Schwarzenberg, in dem Otto Weidt seine Pinselwerkstatt für Blinde betreibt. Wir nähern uns dem historischen Stadtkern und treffen auf eine Reihe von Menschen: Marx und Engels schauen immer noch auf die Brache, auf der der Geist des Palast des Republiks weiterlebt. Bei der Neuen Wache zählen wir auf, wie oft der Ort schon seine Funktion und seinen Namen geändert hat. Und dann neben der Universität verabschieden wir uns in der Nähe des Klons von Heinrich Heine.

Sign up: https://goo.gl/forms/OaOPBYfFSQufLPQq1

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Teil des Projektes Mapping Berlin: Eine kollektive Erzählung von imaginären und neu entstehenden Räumen realisiert mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds und der Ausstellungsvergütung für Kommunale Galerien und in Kooperation mit Associazione 22:37.

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Walks with artists on 4th and 5th of August

Friday, 04.08.2017
In all directions | In alle Richtungen with Stefania Miglorati

Start your walk wherever and whenever you want. When you are done with it, please join the artist at 16:00 o’clock at Galerie Wedding, Müllerstraße 146/147, 13353 Berlin.

Download the instructions pdf: http://mapping.berlinerpool.de/wp-content/uploads/2017/06/directions_mapping_berlin_SM.pdf

Sign up: https://goo.gl/forms/9GYQ0ua9M037DxFf1

An open and participative project started in 2014 that is still in progress. It takes the form of a relational walk where the participants are asked to create a personal itinerary in which they are required to carry out the very simple actions indicated in a PDF file linked on the Facebook page of the project. The goal of the instructions is to lead the participants in experiencing the possibility of becoming lost within the environment and to perceive the surroundings in terms of experimental knowledge, coming into contact with the population, its culture and themselves as significant individuals in relation with the others. At the end of the walk, the documentation collected through photographs and maps will be posted on the Facebook page and everybody can share their own reflections on their personal journey. The project was inspired by the book Perdersiby Franco La Cecla, which explores the concept of getting lost, creating a sense of home, belonging and alienation as well as the processes of settling down and familiarizing that design and draft our mental maps.

Saturday, 05.08.2017
Displaced monuments and Disappeared Places with Rebecca Agnes
Meeting Point: 2pm at Rosenthaler Platz, Berlin.

The walk begins from one of my favorite places, Rosenthaler Platz. From the time I moved to Berlin in 2006 I always lived nearby this square, until 2013. Strangely, the place that I liked so much no longer exists, except in my memory. Here we can no longer find all of the kiosks and galleries, or the Squat house of Brunnenstraße 183, or Wilhelm-Pieck-Straße, but we can meet Heinrich Heine in Weinbergspark. Along RosenthalerStraße, we stumble over numerous Stolpersteine, where a name is engraved against forgetfulness on every stone, we glance at the entrance of my former studio apartment, we stop at the print shop of Theodore Görner and we enter Haus Schwarzenberg, where Otto Weidt runs his brush factory for the blind. Approaching the historical center of the city, we meet a group of people, Marx and Engels are still looking at an empty lot where the ghost of the Palast der Republik still resides. At the Neue Wache, we list how many times the place has changed function and name. And, at the side of the university, we say goodbye near the clone of Heinrich Heine

Sign up: https://goo.gl/forms/OaOPBYfFSQufLPQq1

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Part of the program Mapping Berlin: Collective Narration on Imaginary and Emergent Spaces realised with kind support of the Berlin Senate Administration for Culture and Europe, the Exhibition Fund and the Exhibition Remuneration for Municipal Galleries and in cooperation with Associazione 22:37

++For English Version please scroll down++

Ein Projekt von Berlinerpool Arts Network
Konzeption und Recherche von Andrzej Raszyk; Ausstellungsdesignvon Paz Ponce

Ausstellung vom 07. Juli bis 12. August 2017

Eröffnung am 06. Juli 2017, 19 Uhr

Begrüßung Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Einführung zur Ausstellung Andrzej Raszyk
Um 20 Uhr Sound performance Sonusurbis von Marcelina Wellmer

Ausstellende Künstler_innen: Roland Fuhrmann, Michael Johansson, Margret Holz, Christine Kisorsy, Katrin von Lehmann, Sara Wallgren, Marcelina Wellmer und Sencer Vardarman

Künstlerische Beiträge Veranstaltungsprogramm: Rebecca Agnes, Stefania Migliorati und Ame Zek

Mapping Berlin ist eine Ausstellung und ein Veranstaltungsprogramm, in dem elf Berliner Künstler*innen individuell konstruierte Systeme des Kartografierens von Raum, Zeit und urbaner Geschichte präsentieren und diskutieren. Das Publikum ist eingeladen, an den Ausstellungstagen an der Herstellung, Bearbeitung und Veröffentlichung eines »Collective Memory Atlas« mitzuwirken. Wie wird das Bild einer Stadt konstruiert? Wer sind die Autor*innen der großen Sammlung von mündlichen, textlichen und visuellen Daten, die in ihr zusammentreffen? Können Städte gelesen werden? Und falls ja, wer kontrolliert ihre Interpretation?

Ausgangspunkt der Ausstellung ist die Vorstellung von Städten als räumliche Archive, die eine Vielzahl an Bedeutungen, nebeneinandergestellten Narrativen und sich verschiebenden Hierarchien umfassen. Sie stellt acht Kunstwerke in den Mittelpunkt, die mit dieser Metapher arbeiten und die gleichzeitig die Spannung und den Widerstand gegen die Regeln der Klassifikation und Kodifikation hervorheben, mit denen die Stadt und ihre Repräsentationsskalen verflacht werden. Die künstlerischen Entwürfe eröffnen den Raum für neue Interpretationen, einen dialogischen Kontext, in dessen Rahmen zeitgenössische, imaginäre und neu entstehende Geschichten/Narrationen gesammelt, visualisiert, erinnert wie auch aus unserem täglichen Leben gelöscht werden.

Neben der Auswahl künstlerischer Positionen, die den Ausstellungsdiskurs formulieren, reflektiert die kuratorische Strategie über die Methode des »cultural mapping« als eine kulturelle Recherche, als grundsätzlich interdisziplinäres Forschungsphänomen: eine Kombination aus hybriden, gemischten, multimodalen oder alternativen Diskursen, in der die (Land-)Karte und die mit ihr verbundenen Texte als legitime Formen der akademischen und öffentlichen Untersuchung, kulturellen Interessenvertretung und Mobilisierung von Wissen eingesetzt werden.^[1]

Diesem Phänomen folgend, ist der partizipative Aspekt des »cultural mapping« als eine Plattform für ein Zusammentreffen von Menschen, das Teilen (und Bewältigen) der zentralen Fragen in Hinblick auf ihre Räume und die gemeinsame Herstellung von Bedeutung für uns von besonderem Interesse. Es schafft die Möglichkeit, verschiedene, auf die multiplen Dimensionen von Kultur bezogene Agenden zu artikulieren und zu verhandeln. »Das Teilen von technischem Wissen, Informationen und gemeinschaftlichen Räumen kann Verständnis und gegenseitigen Respekt vergrößern; die geteilte Interpretation von Raum hat die Überlagerung und Verwobenheit von ›place-making‹ sichtbar gemacht und damit die Idee der sich über die Zeit verändernden Identität eingeführt.«^[2]

Das Konzept für »Mapping Berlin« wurde von Andrzej Raszyk entworfen und stellt eine Weiterentwicklung früherer Projekte um das Thema der Visualisierung von Daten und Geschichte dar, das vom kuratorischen Team Berlinerpool Arts Network (Andrzej Raszyk & Paz Ponce) recherchiert wurde. Für diesen Anlass luden die Kurator*innen acht Berliner Künstler*innen aus ihrem Netzwerk ein, Kunstwerke für die Ausstellung zu präsentieren, sowie drei Gastreferent*innen für das partizipative Veranstaltungsprogramm.

Die ausstellenden Künstler*innen sind Roland Fuhrmann, Michael Johansson, Margret Holz, Christine Kisorsy, Katrin von Lehmann, Sara Wallgren, Marcelina Wellmer und Sencer Vardarman

Künstlerische Beiträge für das Veranstaltungsprogramm liefern Rebecca Agnes, Stefania Migliorati und Ame Zek

Die kuratorische Praxis von Berlinerpool konzentrierte sich in den letzten drei Jahren auf die Schaffung eines »Archivs des Jetzt«; dabei entstand ein Netzwerk von Expert*innen (Künstler*innen, Kurator*innen und Manager*innen von Kunstinitiativen), die Teil des täglichen Kunstbetriebs der Stadt sind. Berlinerpool versteht den Prozess des Archivierens als ein kollektives Projekt und eine Architektur der Begegnung, und konzentriert sich auf die Entwicklung und Prüfung experimenteller Formen der Mediation, basierend auf kooperativen und interdisziplinären Arbeitsmethoden. Prozessualität und fortlaufende Recherche bilden dabei die Achse, um Menschen, Projekte und Ideen durch lokale und internationale Kollaboration aktiv zu engagieren und zu mobilisieren.

Die Organisation verwirklichte bisher unter anderem folgende Projekte: »Pflegeanweisungen. The art of living together« (Galerie Wedding, 12.12.2014 – 24.01.2015, kuratiert von Paz Ponce und Andrzej Raszyk), ein Ausstellungs- und Rechercheprojekt, das die kooperative Kultur der Künstler*innen-Interessenvertretungen in Berlin als ein (Öko-)System der Zuwendung kartografiert, das in sich selbst Modelle des Zusammenlebens und -arbeitens in Berlins soziokulturellem Umfeld schafft. »Mapping Contemporary Concerns« ist eine Serie von Podiumsdiskussionen, die aus dem Bedürfnis nach der Diskussion gegenwärtiger Themen im Kontext der Berliner Kunstszene entstanden und die Frage aufwerfen, ob man von einem potenziellen »Vokabular« der Berliner Kunstproduktion sprechen kann – in Bezug auf das Medium, die Herangehensweisen, die Themen, Materialien oder Quellen, mit denen die Schaffenden sich auseinandersetzen beziehungsweise die sie inspirieren.

Für die aktuelle Forschung zum Thema des »cultural mapping« als kulturelle Recherche folgt »Mapping Berlin« der Genealogie vorangegangener Arbeiten, durchgeführt von Teams bestehend aus Soziolog*innen und Politikwissenschaftler*innen (Institut für Strategieentwicklung – IFSE und Séverine Marguin), unabhängigen Netzwerken (Haben und Brauchen) und internationalen Initiativen (a.IGBK und New Museum New York).

^[1] Nancy Duxbury, W. F. Garrett-Petts, David MacLennan (Hg.), Cultural Mapping as Cultural Inquiry, New York u. a., Routledge, 2015, S. 22.
^[2] Ebd., S. 168., eigene Übersetzung.

Programm
Buchpräsentation »Walk with the artist« am 28.07.2017, 19 Uhr
Projekt von Associazione 22:37, initiiert von Rebecca Agnes, Zara Audiello, Roberta Coletto und Stefania Migliorati mit Beiträgen von Silke Bauer, Dragan Strunjaš, Iva Kontić, Irina Novarese und Stephanie Schairer

In all directions Spaziergang mit Stefania Migliorati am 04.08.2017, 14 Uhr

Displaced Monuments and Disappeared Places Spaziergang mit Rebecca Agnes am 05.08.2017, 14 Uhr

Collective Narration on Imaginary and Emergent Spaces Künstler_innengespräch am 10.08.2017, 19 Uhr
Um 20 Uhr Soundperformance Sonusurbis II von Ame Zek

Collective Memory Atlas: http://mapping.berlinerpool.de/

Das Projekt wird realisiert mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, des Ausstellungsfonds und der Ausstellungsvergütung für Kommunale Galerien und in Kooperation mit Associazione 22:37

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Mapping Berlin
Collective Narration on Imaginary and Emergent Spaces

A project by Berlinerpool Arts Network
Concept and Research by Andrzej Raszyk; exhibition design by Paz Ponce

Exhibition from 07. Juli to 12. August 2017

Opening on 06. Juli 2017, 7 pm

Welcome note Dr. Ute Müller-Tischler, Leiterin der Galerie Wedding und des Fachbereichs Kunst und Kultur
Introduction to the exhibition concept Andrzej Raszyk
At 8 p.m. Sound performance Sonusurbis von Marcelina Wellmer

Exhibiting artists: Roland Fuhrmann, Michael Johansson, Margret Holz, Christine Kisorsy, Katrin von Lehmann, Sara Wallgren, Marcelina Wellmer, Sencer Vardarman.

Contributions to the events program by: Rebecca Agnes, Stefania Migliorati and Ame Zek.

Mapping Berlin is an exhibition and program of events where individually constructed systems for mapping space, time and urban history are showcased and discussed by eleven Berlin-based artists, extending an invitation to the public to participate in the making/editing/publication of a »Collective Memory Atlas« during the exhibition.

How is the image of a city constructed? Who is the author of the large collection of oral, textual and visual data meeting in it? Can cities be read? If so, who holds control over their interpretation?

This exhibition departs from the notion of cities as spatial archives embracing a multiplicity of meanings, juxtaposed narratives and shifting hierarchies, highlighting eight artworks echoing this metaphor while underlining a tension and resistance to the rules of classification and codification flattening the city and its scales of representation. The artistic proposals open spaces for new interpretations; a dialogical context in which present, imaginary and emergent histories/narrations are collected, visualized, remembered and also erased from our daily lives. Besides the selection of artistic positions articulating the exhibition’s discourse, the curatorial strategy of this project reflects on the method of cultural mapping as a cultural inquiry and as an inherently interdisciplinary research phenomenon: a combination of hybrid, mixed, multimodal or alternative discourses using the map and its associated texts as legitimate forms for academic and public inquiry, cultural advocacy, and knowledge mobilization.^[1]

Departing from this phenomenon, we find the participatory aspect of »cultural mapping« as a platform for people to meet, share (and deal with) the central questions regarding their space and the construction of meaning together particularly interesting, providing an opportunity for the articulation and negotiation of multiple agendas related to the multiple dimensions of culture. “Sharing technical knowledge, information, and communal space can expand understanding and mutual respect; shared interpretation of space has revealed the layering and interweaving of place-making thus introducing the notion of how identities constantly change over time”.^[2]

»Mapping Berlin« is a concept developed by Andrzej Raszyk and evolves from previous projects around the subject of data and history visualization researched by the Berlinerpool Arts Network curatorial team (Andrzej Raszyk & Paz Ponce). For this occasion, the curators invited eight Berlin-based artists from its network to present eight pieces for the exhibition, as well as three guest contributors for the participatory events program.

Exhibiting artists are: Roland Fuhrmann, Michael Johansson, Margret Holz, Christine Kisorsy, Katrin von Lehmann, Sara Wallgren, Marcelina Wellmer, Sencer Vardarman.

Contributions to the events program by: Rebecca Agnes, Stefania Migliorati and Ame Zek.

Berlinerpool’s curatorial trajectory in the past three years centered its efforts on the creation of an »archive of now«: shaping a network of active professionals (artists, curators, and managers of artist run initiatives) involved in the daily making of art in the city. Understanding archiving as a collective project and as an architecture of encounter, Berlinerpool’s program focuses on developing and testing experimental forms of mediation, based on cooperative and interdisciplinary working methods, supporting processuality and ongoing research as an axis to actively engage and mobilize people, projects and ideas through local and international collaboration.

The organization’s previous experiences include: »Pflegeanweisungen – The art of living together« (Galerie Wedding, 12.12.2014-24.01.2015, curated by Paz Ponce and Andrzej Raszyk), an exhibition and research project mapping the cooperative culture of artist advocacy groups in Berlin presented as an (eco) system of care in itself cultivating models of working and living together in Berlin’s socio cultural environment. And Mapping Contemporary Concerns, a series of panel discussions emerging from the need to discuss current issues that are present in the Berlin art context raising the question of whether we can speak of a potential »vocabulary« inherent to Berlin’s art production, in terms of medium, approaches, subjects, materials or sources the makers are dealing with and are driven by.

For the present research around the subject of cultural mapping as a method of culture inquiry, »Mapping Berlin« follows the genealogy of previous efforts undertaken by teams of trained sociologists and political scientists (Institut für Strategieentwicklung – IFSE and Séverine Marguin), independent networks (Haben und Brauchen) and international initiatives (a.IGBK and New Museum New York).

^[1] Nancy Duxbury, W. F. Garrett-Petts, David MacLennan (Hg.), Cultural Mapping as Cultural Inquiry, New York u. a., Routledge, 2015, p. 22.
^[2]Ibid., p.168, own translation.